Доклад на тему: «Ансамблевая игра как одна из форм развития творческих способностей домбриста»
материал по музыке на тему

Государственное бюджетное учреждение

дополнительного образования

«Центр развития творчества детей и юношества им В.М.Комарова»

ДОКЛАД

 на тему: «Ансамблевая игра как одна из форм развития творческих способностей домбриста»

педагог дополнительного образования

Досмамбетов Акниет Актлекович

Байконур, 2016 г.

«Ансамблевая игра как одна из форм развития творческих способностей домбриста»

Здравствуйте уважаемые друзья и коллеги! Я хочу представить вам доклад на тему: «Ансамблевая игра как одна из форм развития творческих способностей домбриста»

Наша цель:

1. Образовательная:  выработать навыки самостоятельной работы ученика.

2. Развивающая: развить творческие способности у учащиеся в ансамблевой игре.

3. Воспитательная: воспитать художественный вкус, чувства ответственности и уважения друг к другу.

Ансамбль [ фр. ensemble, букв. – вместе ]. В музыкальном словаре А. Н. Должанского даются следующие определения ансамбля :

1. Группа из двух и более музыкантов – певцов или инструменталистов, - совместно исполняющих музыкальное произведение. По количеству музыкантов ансамбли разделяются на дуэты, трио (терцеты), квартеты, квинтеты, секстеты, септеты, октеты, нонеты, дециметы; к ансамблям относятся также хоры и оркестры.

2. Пьеса, предназначенная для исполнения несколькими участниками.

3. Совместное исполнение пьесы несколькими участниками. Выражение “хороший ансамбль” означает стройное, сливающееся в единое целое звучание участвующих в ансамбле голосов или инструментов.

Ансамбль – это коллективная форма игры, в процессе которой несколько музыкантов исполнительскими средствами сообща раскрывают художественное содержание произведения. Исполнения в ансамбле предусматривает не только умение играть вместе, здесь важно другое – чувствовать и творить вместе. Работа в коллективе несомненно сопряжена с определенными трудностями: не так легко научиться ощущать себя частью целого. В тоже время игра в ансамбле воспитывает у исполнителя ряд ценных профессиональных качеств – она дисциплинирует в отношении ритма, дает ощущение нужного темпа, способствует развитию мелодического, полифонического, гармонического слуха, вырабатывает уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении.

Так известно, когда в сольной игре ученик выступает неуверенно, заикаясь, поиграв в ансамбле – он уже увереннее начинает играть. Более слабые учащиеся начинают подтягиваться до уровня более сильных, от продолжительного общения друг с другом каждый становится лучше как человек, как личность, поскольку воспитываются такие качества, как взаимопонимание, взаимоуважение, чувство коллективизма. Из сказанного можно сделать вывод – инструменталист, никогда не игравший в ансамбле, многого лишает себя, ибо польза от этого рода занятий очевидна. Одно из важнейших условий успешной работы является способность критически относиться к себе и к своим товарищам. Известно, что слово «самокритика» легче произнести, чем обратить его в действие. Но надо не только практиковать, но и не скупиться на похвалу, уметь подбодрить, вдохновлять. Давно уже замечено, что похвала, даже не вполне заслуженная, стимулирует активность большинства людей. Ребенку необходима вера в себя. Основное правило ансамбля «Один за всех, все за одного», «Успех или неудача одного есть успех или неудача всех».

Приступая к работе над ансамблем, педагог должен, прежде всего, рассказать об исполняемом произведении, дать учащимся общее представление о характере его музыкального содержания, форме, о значении и функции каждой партии, познакомить с автором. Обучаясь игре на домбре учащиеся  наряду с целым комплексом сольных  домбровых  навыков овладевают приёмами и способами работы над разными видами совместного исполнительства: домбровые дуэты, аккомпанементы, концерты. Совместное  музицирование играет важную роль в развитии творческих способностей детей. Приобретённые за годы учёбы навыки и умения игры в различного рода ансамблях совершенствуют слуховые, ритмические, образные представления учащихся, формируют их музыкально – эстетический вкус на высокохудожественных произведениях, воспитывают чувство партнёра, обогащают кругозор, учат воспринимать музыку осознанно. Игра в ансамбле вызывает живой интерес у учащихся, активизирует их внимание, организует исполнительскую волю, повышает чувство ответственности за ансамбль.

Приведу пример из личного опыта. Творческий человек всегда должен быть в поиске. И в поисках новых звуков я включил в ансамбль перкуссионные инструменты, такие как кахон, тамбурин, маракас и шейкер, для того чтобы дополнительно развить творческие способности, чувства ритма, темпа, и повысить интерес у учащихся к ансамблевой игре. Перкуссионные инструменты – это группа музыкальных инструментов, звук из которых извлекается ударом или тряской. Самое многочисленное семейство среди всех музыкальных инструментов. В прошлым учебным году участвовали в Международном интернет конкурсе, где использовали перкуссионные инструменты к домбре, и стали лауреатами. При этом у учащихся повысился интерес и желание играть в ансамбле и вдобавок учащиеся познакомились с разными перкуссионными музыкальными инструментами.

В век компьютерных технологий, немаловажным фактором ансамблевой игры, является исполнение произведение под аранжировку (минус). На концертах мои ученики играют под аранжировку (минус), записанные и обработанные мною. И у учащихся при этом большой стимул стать частью ансамбля и выступать на концертах.

Ритм как фактор ансамблевого единства

Среди компонентов, объединяющих учащихся в единый ансамбль, метро-ритму принадлежит едва ли не главное место. Действительно, что помогает ансамблистам (а их может быть два и более) играть вместе, чтобы создавалось впечатление, будто играет один человек. Это ощущение метро-ритма. Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определенность «внутри такта», с другой, вот тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры. Единство, синхронность его звучания является первым среди других важных условий. Если при неточности исполнения остальных компонентов снижается только общий художественный результат, то при нарушении метроритма рушится ансамбль. Но не только в этом значение метроритма. Он способен влиять и на техническую сторону исполнения. Ритмическая определенность делает игру более уверенной, более надежной в техническом отношении. К тому же, ученик, играющий неритмично, больше подвержен всякого рода случайностям, а от случайности, как известно, прямая дорога к потере психологического равновесия, к зарождению волнения. Как же добиться того, чтобы каждый из участников, исполняя свою партию, укреплял ритмическую основу всего ансамбля? Необходимо систематически и настойчиво работать в этом направлении. В ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у которых по разному развито чувство ритма. Начинать нужно с воспитания чувства абсолютного точного и «метрономного» ритма: он и станет объединяющим началом в общем коллективном ритме. Необходимо, чтобы в ансамбле были ритмически устойчивые исполнители. Тогда и остальные начнут тянуться к более сильным в ритмическом отношении.

Динамика как средство выразительности

Играя в ансамбле, необходимо быть экономным в расходовании динамических средств, распоряжаться ими разумно. Надо исходить из того, что, как бы ансамбль ни был бы богат яркими по тембру инструментами, одним из главных его резервов, придающих звучанию гибкость и утонченность, является динамика. Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях. Как в живописи, так и в музыке ничего не выйдет, если все будет иметь равную силу. В музыке, как и в живописи, есть передний и задний план. Воспитав такое ощущение динамики, ансамблист безошибочно определит силу звучания свой партии относительно других. В том случае, когда исполнитель, в партии которого звучит главный голос, сыграл чуть громче или чуть тише, его партнер немедленно среагирует и исполнить свою партию также чуть громче или тише. Важно, чтобы мера этих «чуть-чуть» была бы точной.

Как практически работать над динамикой в ансамбле. Вначале необходимо научиться играть в пределах того или иного динамического оттенка абсолютно ровно.

Темп как средство выразительности

Определение темпа произведения – важный момент в исполнительском искусстве верно выбранный темп способствует правильной передаче характера музыки, неверный темп в той или иной мере искажает этот характер. Хотя и существуют авторские указания темпа, вплоть до определения скорости по метроному, темп «заложен» в самой музыке. Еще Римский-Корсаков утверждал, что «музыканту метроном не нужен, он по музыке слышит темп». Не случайно Бах, как правило, в своих сочинениях вовсе не указывал темп. В пределах одного произведения темп может варьироваться.

Приемы достижения синхронности ансамблевого звучания

Под синхронностью ансамблевого звучания следует понимать точность совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля. При рассмотрении проблемы синхронного исполнения нужно выделить три момента: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение вместе.Сигнал к вступлению - небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем – четкого, довольно резкого (раз) движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению. Кивок не всегда делается одинаково, все зависит от характера и темпа исполняемого произведения. Когда произведение начинается из-за такта, то сигнал, по сути, такой же, с той разницей, что если в первом варианте при подъеме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием затакта. На репетиции можно просчитывать пустой такт, могут быть слова: «Внимание, приготовиться, начали», после слова «начали» должна быть естественная пауза (как бы вдох). В достижении синхронности ансамблевого звучания многое зависит от характера музыки. Замечено, что в пьесах активного, волевого плана это качество достигается быстрее, чем в пьесах спокойного созерцательного характера. То же самое можно сказать и относительно «старта».

Когда учащийся впервые получит удовлетворение от совместно выполненной работы, почувствует радость общего порыва, взаимной поддержки – можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат. Пусть это исполнение еще далеко от совершенства – это не должно смущать педагога, все можно выправить дальнейшей работой. Ценно другое, преодолен рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, ученик почувствовал своеобразие и интерес совместного исполнительства.

Методы и приемы обучения на занятиях музыки

Греческое слово метод означает путь, способ познавательной и практической деятельности людей. Методы обучения играют большую роль в учебном процессе, от их совершенства зависит развитие учащихся и качество усвоения ими знаний и овладение навыками самостоятельной работы. Правильное использование методов обучения на уроках музыки способствует более полному, глубокому и осмысленному усвоению учащимися знаний, умений и навыков и подготовке их к самостоятельному приобретению знаний. Уроки музыки обеспечивают формирование духовной культуры личности в тесной связи с культурой ее народа. Музыка является неотъемлемой частью народного творчества.

Выделяют методы, которые сегодня являются наиболее актуальными, такие как моделирования художественно-творческого процесса; метод сочинения и импровизации; метод содержательного анализа произведения; метод отождествления и метод цвет-образ.

  « Метод моделирования художественно-творческого процесса» -  позволяет каждому ребёнку встать в позицию композитора, отвечающего для себя на вопросы, которыми и мучается сам композитор-творец: о чём и как я хочу сказать людям своей музыкой, почему именно это важно для меня, и важно ли это для других?.., каких героев я хочу показать, каким характером они будут наделены.

«Метод сочинения и импровизации» - это возможность для учащихся на основе полученного образа осуществить творческий отбор выразительных средств и интонаций, которые, по их мнению, лучше и полнее раскроют жизненное содержание произведения и творческий замысел автора. Ребята пробуют исполнить песню имея только слова, они становятся в позицию композитора - как бы сочинившего произведение автора для себя, а значит ребенок «пропускает музыку» через свою душу и сердце.

 «Метод содержательного анализа инструментального произведения» - раскрывает учащимся «технологию» деятельности слушателя. Как много надо знать, чтобы провести содержательный анализ. На основе уже самых первых интонаций дети выдвигают «рабочую гипотезу» развития музыки в данном конкретном произведении. Поставив ее как содержание «впереди» восприятия и пользуясь механизмом «опережающего отражения», они начинают чувствовать и мыслить от содержания, постоянно проецируя выдвинутую художественную идею на звучащую конкретную форму.

“Метод отождествления”, то есть слияние своего “я” с образом, мыслью, эмоцией, которые необходимо раскрыть в исполняемом произведении. Этот метод предполагает не только большую предварительную работу (знание истории, литературы, изобразительного искусства, мировой художественной культуры), но и органическое “проживание” художественного образа самими ребятами. В 7 классе тема «Образ борьбы и победы в Эгмонте» Л.Бетховена помогает учащимся прочувствовать внутреннее состояние графа Эгмонта, который призывал свой народ на борьбу с захватчиками своей страны. При этом основа музыкального произведения строится на знании драмы Й.Гете «Эгмонт»

«Метод цвет – образ» - позволяет проводить интегрированные уроки с коллегами. Ведь вовлечение ребят в размышление о музыке с помощью цвета даёт хороший эффект в осмыслении связей музыки с жизнью, близости искусств, поскольку в сознании учащихся стирается относительная грань между ними. Зная значение цвета, можно придать окраску любому произведению. Дети любят выражать эмоции при помощи цвета – сначала определяется характер произведения и цветовая палитра, которую увидели учащиеся при прослушивании того или иного произведения. Потом дети переносят свои впечатления на лист бумаги рисуя карандашами.

Развитие творческих способностей в ансамблевой игре

Музыка в системе образования и воспитания занимает особое место. Она окружает ребёнка с первых дней жизни, воздействует на эмоциональный, образный внутренний мир, расширяя и углубляя его. В философии педагогики сложились различные точки зрения на предназначение музыкального образования в обществе.

Согласно одной из них, музыка является, прежде всего, средством воздействия на индивида, на его художественное эстетическое, нравственное развитие. Общение с музыкой открывает возможности для духовного становления личности и её самовыражения. Коллективные виды музыкальной деятельности, в частности коллективное инструментальное музицирование, способствуют рождению и развитию чувства сопричастности учащихся к творческой деятельности.

Согласно другой позиции, в музыкальном образовании необходимо воспитывать, прежде всего, ценностное отношение к самой музыке, так как музыка достойна того, чтобы утверждать собственные приоритеты. Этим самым могло бы быть достигнуто необходимое в наше время понимание значимости музыки как самобытного музыкального феномена и её возможностей в развитии личности и общества в целом. Одной из главных, приоритетных задач, который ставится педагогом, является развитие творческих способностей детей.

Кроме того, решая задачи эстетического воспитания, формирования художественного вкуса и духовно-нравственных идеалов, коллективное музицирование способствует развитию чувства товарищества, ответственности, повышает самооценку, воспитывает потребность в самообразовании, а значит, в целом способствует гармоничному развитию личности ребёнка, его творческих задатков. В классе коллективного музицирования (оркестр, ансамбль различных составов) решаются те же задачи, что и в классе специального музыкального инструмента, только в более интересной форме и на более доступном и разнообразном репертуаре.

В большинстве случаев для учащихся со средними музыкальными данными игра в ансамбле или оркестре является главной формой работы для решения таких задач как: устойчивость метроритма, совершенствование игрового аппарата и исполнительских навыков. Это возможность проявления эмоционально-волевых качеств.

Доступность народных инструментов, лёгкость игры на них в ансамбле приносит детям радость, создаёт предпосылки для дальнейших занятий музыкой, формирует интерес к познанию мира музыки в разных его проявлениях. Музыкальный репертуар, а это лучшие образцы мирового классического и народного искусства, способствует формированию духовно-нравственных идеалов.

У детей формируется следующие умения и навыки:

• наблюдать и сравнивать, выделять и обобщать разные музыкальные явления;

• различать тембральность, высоту и длительность;

• определять логику развития драматургии произведении.

Организация учебно-воспитательного процесса в классе инструментального ансамбля базируется на следующих принципах:

• добровольности учащихся в соответствии с их интересами;
• личностно ориентированном подходе в развитии творческих задатков учащихся;
• в сочетании групповых и индивидуальных форм работы;
• создание условий для проявления творческих возможностей, взглядов, мнений;
• сочетание игры и социально востребованной деятельности с опорой на духовные ценности: Добро, Истину, Красоту.

Успехи творческого развития во многом определяются целесообразностью составленного плана работы, в котором должны быть предусмотрены последовательность и гармоничность развития, учтены интересы учащихся, их индивидуальные особенности, уровень технической подготовки, мотивация к публичным выступлениям.

Таким образом, рассмотрев развивающие возможности ансамблевой игры, можно сделать следующие выводы:

1. Ансамблевое музицирование способствует интенсивному развитию всех видов музыкального слуха.

2. Игра в ансамбле позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Она помогает заложить элементарные основы ритма, а так же овладеть более сложными метроритмическими категориями (агогика, пауза и т.д.)

3. Ансамблевая игра способствует развитию аналитической, логической, рациональной памятью.

4. Работа над ансамблем интенсивно развивает образное мышление учащихся и формирование обобщенных музыкальных понятий.

5. Ансамблевая игра оказывает положительный эффект на процесс развития игровых способностей.

6. Ансамблевое музицирование представляет форму сотрудничества ученика и учителя. Позволяет учесть возрастные и индивидуальные особенности учащихся. Выступает как коллективный вид деятельности.

7. Идейное раскрытие художественного образа, эмоциональная насыщенность, поэтическая фантазия, способность переживать исполнение музыки, гибкое проникновение в содержание произведения требует в ансамбле единства творческой мысли всех исполнителей. Взаимопонимание и согласие лежит в основе создания единого плана интерпретации. Умение общаться с партнером - обязательный элемент ансамбля.

Не столь важно, вырастут из участников ансамбля музыканты-любители или профессионалы, главное это будут люди, приобщившиеся к музыке и коллективному творчеству, способные к творческой самореализации. Во имя этой цели трудятся тысячи преподавателей и музыкантов.

Список литературы

1. Ахмедиаров К. «Жигер» изд. «Онер» г. Алматы 1996 г.

2. Должанский А. Н. Краткий музыкальный словарь. – СПБ., 2000.

3. Сайжанов К,  Корганбекова Ш. «Алкисса – Аманат» изд. «Сарыарка»

г. Астана 2012 г.

4. Крюкова В. В. Музыкальная педагогика. – Ростов-на-Дону: “Феникс”, 2002.

5. Андреев В.И. Педагогика творческого саморазвития. Инновационный курс.            Издательство Казанского университета, 1998.-268с.