Воспитание музыкой в классе общего фортепиано
методическая разработка по музыке на тему

МБУДО «ДШИ Всеволожского района пос.им. Морозова»

Методическое сообщение на тему:

«Воспитание музыкой в классе общего фортепиано».

Преподаватель: Никольская О.К.

2015г.

    Что значит «воспитание музыкой»? Кто должен и кто может это делать? Как воспитывать музыкой? И что это – тяжелый труд или полет души? Ответ есть в словах выдающегося советского педагога-гуманиста В.А.Сухомлинского: «Музыкальное воспитание – это не воспитание музыканта, а прежде всего воспитание человека». И успеха добивается тот педагог, который сам постоянно совершенствуется, ищет оптимальные пути проникновения музыки в жизнь детей, пути усиления ее воздействия на них. Традиции музыкального воспитания детей имеют давнюю историю. Доступность учащимися серьезной музыки, не предназначенной для детей, связана с обращением к музыкальной классике. На основе классики, а также лучших образцов фольклора, современной русской и зарубежной музыки может быть воспитана подлинная музыкальная культура. В связи с этим необходимо обязательно включать в программу для работы с детьми произведения, которые уже отобраны временем и незаменимы благодаря своей уникальности. Именно к ним в полной мере относится выражение «музыка говорит сама за себя». Это произведения И.Баха, Э.Грига, В.Моцарта, Дж.Верди, П.Чайковского, М.Мусоргского, С.Прокофьева. С.Лядова, А.Хачатуряна, Д.Кабалевского и др.

    Музыкальная педагогика и музыкальная педагогика. Можно сделать акцент на любой части этого двуединства. Преподаватель музыки – профессиональный музыкант, а педагогический опыт его зачастую самодеятельный. Этот опыт состоит из поисков, находок и потерь, которые совершаются уже во время общения с учеником.

    Зачастую же события, которые разворачиваются в музыкальном классе, нельзя назвать обучением, если под последним понимать согретый обоюдным добрым чувством диалог, цель которого – приобщение к музыкальному искусству. На уроке в музыкальном классе очень часто происходит только передача и накопление знаний, информации. Эти знания полезны, но как их мало для того, чтобы вырастить музыканта-художника. Педагог обучает маленького ученика музыкальной грамоте в едином процессе воссоздания музыкального звучания. Здесь знания появляются вместе с умением. И то, и другое доступно и осознаваемо. Знание элементов музыкальной науки можно записать, классифицировать; умения можно продемонстрировать, повторить, закрепить. Но не секрет, что этих составляющих, увы, недостаточно. Есть еще область особого знания педагога, которая не так легко доступна и осознаваема. Имеется ввиду сфера образного мышления, то, без чего исполнение музыки не может быть творческой деятельностью. Незнание этой области напрямую связано с потерями музыкальной педагогики; опыт же такого рода и возможность последующей передачи его ученику и есть существенный резерв музыкальной педагогики. Преподавать музыку – значит не только передавать знания, но и воспитывать, выращивать личность ученика, формировать его отношение к жизни, развивать художественный вкус.

    Образ, образное мышление, воображение. Слова, которые уже примелькались и давно стали общим местом в разговорах о музыке и музыкальном обучении. Однако много тут неясного, отчего педагог часто не рискует говорить на эту тему с учеником. Все – и картина, и стихотворение, и скульптура, и танец – все это зарождается нахлынувшему чувству, эмоции. Эстетическая эмоция есть та почва всех искусств, без которой невозможна реализация их художественного элемента. В этом смысле для искусства эстетическая эмоция универсальна.

     «Нежность» как эстетическая эмоция у композитора легко обрастает звуками, в воображении художника – красками и линиями, в воображении поэта – звучащими словами. Воображать – значит создавать образы. Как же проявляется воображение исполнителя музыки? Понятно, что исполнителю фантазировать с нотным текстом без разрешения нельзя. Было, правда, время, когда каденции исполнители сочиняли сами и порою прямо на концерте. Но это несколько иное. С нотами нужно обращаться бережно и строго выполнять тот порядок их воссоздания, который задуман и зафиксирован композитором. В чем же можно проявить воображение? Нельзя фантазировать с самим нотным текстом, но можно на основе текста, можно с подтекстом. Воображение исполнителя заключается в том, что он, оставляя нотный текст таким, каков он есть, выходит все же из-под власти нот, преодолевает ее. Это не значит вовсе, что он искажает что-то. Но воссоздает он не только сам текст.

    Когда ребенок разучивает маленькую пьесу, он спотыкается на каждом шагу – нотный текст «сопротивляется». Преодолеть это «сопротивление» - значит, выучить пьесу, и все? Нет, ибо тогда причем здесь воображение? Выйти из-под власти нот – это значит сделать так, чтобы интервалы, аккорды, метроритм и прочие премудрости музыкальной науки перестали быть главным в нашей деятельности.

   Преодолеть ноты – значит сделать так, чтобы исполняемое музыкальное произведение выражало не язык свой записи, а некоторое художественное явление.  Звуки не только должны стать музыкальными, выражать красоту, а не только высоту, длительность, тембр. Понятно, что одним выучиванием текста здесь не обойдешься. При такой установке и начинает работать воображение исполнителя. Воображение окрашивает нотный текст особым значением. Когда ноты не являются для нас самоцелью, когда необходимо проникнуть в подтекст, узнать, что же там, «за нотами», тогда перед нами развернутся некоторые «события». Это и есть работа воображения. Эти «события» могут быть как реальными сюжетами, картинами, красками, так и некоторыми эмоциональными. Знаменитые музыканты не делали тайны из особенностей своего воображения и образного мышления. Как правило, это были и крупные педагоги. Речь идет об ассоциациях, возникающих как во время домашней работы над произведением, так и непосредственно на концерте. Яркость этих немузыкальных явлений (но возникающих в связи с музыкой) такова, что они легко поддаются словесному описанию (Нейгауз, Фейнберг).

    Неверно было бы отделять духовное развитие ученика от задач профессионального обучения искусству, оно совершается в едином процессе. Неверно было бы также считать, что такие, например, личностные проявления, как вдохновение, искренность, присущи только взрослому музыканту. Музицирующий ребенок тоже должен обладать всем этим. Сказать о вдохновении как о душевном подъеме – мало. Вдохновение должно проявляться всякий раз, когда ребенок обращается к музыке. Нужно постараться навсегда исключить из сознания ученика обыденный взгляд на музыку. Лучше не садиться за инструмент вовсе, если думать о музыке как о тяжелой работе. Можно говорить о том, что путь музыканта труден. Но это не изнуряющая трудность безразличного дела. Музицирование – труд одухотворенный. Трудность для ребенка обычно заключена в освоении технологических задач музыки: он не может сыграть ровно, он забывает о правильных пальцах, он не обладает беглостью и т.д. Но если педагог помог ученику почувствовать необходимое настроение  музыке, то можно говорить, что при всех трудностях понимание художественных задач музыки у ученика имеется.

    Очевидна необходимость труда над музыкальным произведением. Но эта необходимость есть следствие понимания «сверхзадачи», говоря словами К.Станиславского: «при таком понимании труд никогда не будет в тягость».

    В старые времена, когда писцам приходилось писать по многу часов в день, у них возникали на этой почве профессиональные заболевания рук. Но вот Л.Толстой, работая над свои великим произведением «Война и мир», никогда подобного не испытывал. Происходило это потому, что у писцов работа определялась технологией. Для писателя процесс был направлен на создание художественного образа. Его труд был напряженным, но не изнурительным и тягостным.

   Когда ребенок чувствует себя отбывающим наказание за инструментом – вдохновен ли его труд? Когда такое происходит? Тогда, когда он работает «писцом», т.е. играет только ноты, стремясь выразить результат своей работы в количестве выученных тактов, голосов партий правой и левой рук. Но вдохновение проявляется, когда исполнитель все больше и больше высвобождает в себе музыканта, стало быть, все меньше и меньше остается в нем «писца», ремесленника.

    Задача педагога – не давать ребенку забывать, что каждое обращение его к инструменту открывает в нем музыканта – художника. Музыкальный материал не должен быть  в исполнительском отношении «запредельным», т.е. превышающим возможности ученика. Когда все внимание ученика поглощено аппликатурой, счетом, синхронностью, то он как музыкальная личность отсутствует. Почему нельзя все выучить, а потом заняться художественными задачами? Можно, но тогда очень большая часть уроков, данных педагогом ученику, будет не уроками музыки, а уроками ремесла. Педагог не должен «отнимать»  у ученика его пьесу. Не следует злоупотреблять ее исполнение педагогом. Самостоятельность ученика необходима потому, что личностное развитие связано с поиском и освоением собственного способа деятельности. Ученик должен сам реализовать образное содержание произведения, сам находить свои личные исполнительские приемы перевода художественного образа в реальное звучание. Педагог же для иллюстрации может играть любые другие произведения, связанные с подобным настроением. Педагог должен стимулировать возникновение у ученика образа. Это может быть и домашним заданием. Можно попросить, чтобы ученик нарисовал свои впечатления от пьесы, можно выбрать репродукции картин, подходящих по мнению ученика к данному произведению, можно подобрать стихи. Задача – найти образ другого вида искусства, который ученик признал бы как сходный по настроению с исполняемой пьесой. Завершенность этого образа повлияет на завершенность музыкальной формы. И успеха добивается тот педагог, который постоянно совершенствуется, ищет оптимальные пути проникновения «большой» музыки в жизнь детей, пути усиления ее воздействия на них.