Методическая разработка преподавателей МБОУ МЭЛ им. А.Г.Шнитке Данилевской Ольги Михайловны и Салимовой Гульнары Наильевны
методическая разработка по музыке по теме

Методическая разработка

преподавателей  МБОУ МЭЛ им. А.Г.Шнитке

Данилевской Ольги Михайловны и

Салимовой Гульнары Наильевны

«Теоретическое осмысление и практическая реализация

образовательной программы УУД

(универсальные учебные действия) в классе

ансамблевого исполнительства»

        В музыкально-эстетическом лицее дети занимаются по двум направлениям: предметам общеобразовательного цикла и предметами музыкального цикла.

        Мы получаем много интересных документов, материалов, рекомендаций из Министерства образования России. Один из последних и актуальных - это документ о так называемых универсальных учебных действиях, сокращённо УУД. Не следует обращать внимание на необычную терминологию. Важен смысл - формирование у детей социальных качеств - умения работать в творческом коллективе, слушать и слышать друг друга, находить и преодолевать разногласия и т.д.

        Мы считаем, что это важно, поэтому наша работа — плод творческих усилий не только нас преподавателей, но и наших детей.

        Из истории камерного ансамбля

        В XVI веке зарождается новая область музыки — камерная. По своему назначению она противопоставлялась музыке церковной, театральной, а также музыке, исполняемой простым людом на улицах.

        Камерная музыка оставалась вплоть до XVIII века - привилегией вельмож, искусством, не выходившем за пределы салонов аристократов, которые и сами с удовольствием музицировали друг с другом, и становились слушателями, когда выступали находящиеся у них на службе профессиональные музыканты. Совместное музицирование - не для слушателей, для себя, друг для друга - было формой общения, как приятная беседа.

        После Великой Французской революции, когда в Европе начинается бурный процесс демократизации музыкального искусства, камерная Музыка решительно покидает салоны и начинает звучать в платных концертных залах, т.е. становиться доступной публике. При этом она не теряет и своего первоначального назначения как формы любительского музицирования. Теперь она желанный гость в кругах интеллигенции. В XIX веке совместное домашнее музицирование становится популярным развлечением в среде петербургской и московской знати, как и литературно-художественные кружки.

        В XX столетии и в наши дни камерная музыка стала доступна широкому кругу слушателей.

        Само название «камерная музыка» достаточно точно определяет важнейшие компоненты камерного музицирования. Прежде всего в ней не должно быть ничего, что шло бы вопреки акустическим свойствам помещения. Поэтому одно из главных условий камерного музицирования - небольшое число участников.

        Скрипка, фортепиано, виолончель. Эти инструменты имеют богатую и разнообразную сольную литературу. Но оказывается, что в ансамблевом муз-ке им нет равных. Скрипка и виолончель вместе с фортепиано — главные участники камерных ансамблей. Из духовых наиболее употребима мягко звучащая флейта, реже кларнет и гобой. Никогда не услышим мы в камерном составе трубу, тромбон или барабан. На слушателя воздействует, не блеск и яркость звуковых красок, не полярно динамические контрасты. Очарование камерной музыки в особой выразительности приглушенных тонов, в мягком, хотя и рельефном сопоставлении звуковых красок. В этом и проявляется камерный стиль исполнения.

        Прелесть и неповторимость звучания каждого инструмента, зависит от его тембра. Слушая скрипку, флейту или иной инструмент, мы наслаждаемся красотой его голоса. Совершенно особое впечатление оставляет звучание ансамбля из нескольких инструментов, в котором на слушателя воздействует целый «букет» тембров. Вот мелодия появилась у одного. Затем ее подхватил другой инструмент, она звучит теперь как будто так же, но все в иной тембровой окраске, что придает музыке особую выразительность, свойственную только камерно-ансамблевой музыке.

        По мнению самых авторитетных и опытных музыкантов, ансамблевое музицирование во многих отношениях развивает исполнителя, а главное, игра в камерном ансамбле дает музыканту ни с чем не сравнимое творческое наслаждение, но вместе с тем ставит перед исполнителем довольно сложные задачи, отличные от тех какие присущи сольной деятельности.

        Часто можно слышать, как о музыканте говорят: «Он тонкий, чуткий ансамблист». Что это значит? В чем особенности камерного исполнительства?

        Попробуем разобраться на примере I части Сонаты До мажор итальянского композитора и виолончелиста Луиджи Боккерини.        

        Игра классиков - это прежде всего владение школой (умелое исполнение  трелей, групетто, гамм).

        Первое и наиважнейшее условие для совместной игры в ансамбле — ритмическая согласованность, слаженность исполнения. Следовательно, каждый участник ансамбля должен очень точно сочетать свое звучание со звучанием партнера. Особенно важно для ансамблиста вовремя вступить — идет ли речь о начале произведения, его отдельной части или начале фразы. Это и есть умение дать ауфтакт или подчиниться ауфтакту партнера.

        Все это требует постоянного ежесекундного слушания партнера, мгновенной реакции на мельчайшие нюансы в его игре.

        Итак, синхронность игры и умение слушать партнера по ансамблю — первейшие заповеди в камерном музицировании.        

        Но когда речь идет об исполнении сложных ансамблевых произведений, только слаженности в игре недостаточно.

        Специфика игры в ансамбле состоит и в том, чтобы подчинить свою индивидуальность общему замыслу. Будущие ансамблисты должны быть творческими единомышленниками. И чтобы создать единую интерпретацию произведения каждый из его участников должен в чем-то пойти на компромисс и в вопросах общей трактовки произведения, и в деталях.

        Наконец, самое важное, без чего невозможно ансамблевое музицирование, - каждый исполнитель обязан постоянно слушать не только себя, но и своих партнеров, чутко реагировать на малейшие изменения в их игре. Отсюда вытекает, что каждый участник ансамбля должен знать не только свою партию, но всю музыкальную ткань произведения.

        Если со всеми этими проблемами ансамблистам удастся справиться - добиться и творческого единства на репетиции, и одухотворенности во время исполнения на эстраде (одухотворённости тоже совершенно особой, когда один «партнер» заражает своей увлеченностью другого, «электризует» его), - слушатели получают редкую возможность присутствовать при этом удивительном таинстве музыкального общения, которое называется камерной музыкой.

        Фортепианный дуэт

        Фортепианный дуэт, неважно, за одним фортепиано вдвоем, или за двумя - это всегда диалог, увлекательная живая беседа участников  ансамбля за инструментом, всегда - некое действо на сцене, вовлекающее в свою орбиту слушателей. Существуют некоторые различия между этими двумя направлениями исполнительского искусства.

        Двое на одном инструменте — это и диалог двух равных собеседников, и урок учителя с учеником, и просто радость общения двух увлеченных искусством людей, необязательно профессионалов. Тесный контакт с партнером облегчает некоторые задачи ансамблистов:

• синхронность пианистических движений, отражающих штрихи и фразировку;
• дыхание, цезуры;
• динамическое и тембровое распределение звучности.

        Совершенно иное дело двое или более исполнителей на двух инструментах:

• исполнители обретают большую двигательную свободу, каждая из партий становится более самостоятельной и разнообразной;
• обостряется слуховой контроль, чувство партнерства;
• инструменты становятся равнозначными;
• свобода педализации.

        Это один из наиболее эффектных, выигрышных в концертном отношении видов ансамблей, для которого Моцарт, Шуберт, Мийо, Рахманинов написали яркие произведения.

        Делимся советами с педагогами и юными музыкантами, которые возможно пригодятся во время подготовки детей к выступлению.

        Укрепляют память, придают уверенность, не дают развалиться произведению во время неожиданной остановки одного из партнеров.        

1. Выход на сцену        

• без суеты;        
• поклон, чуть задержаться в почтительной позе к слушателю;
• стараться не поворачиваться спиной к аудитории.

2. Полезные упражнения на стадии подготовки к выступлению.

• играть, одновременно  разговаривая во время игры;
• прикрыть клавиатуру легкой тканью и попытаться играть;
• не смотреть на клавиатуру во время игры, а смотреть на воображаемую публику (так играли во времена Моцарта, тем самым подчеркивалось почтительное отношение к публике. Каково было исполнителю?)

3. Два такта играем, два такта молчим. Так поочередно играет каждый из ансамблистов. Это укрепляет знание своей партии и партии партнера.

4. Играть на неприготовленном рояле. Музыканты должны уметь играть на разных по качеству инструментах, а заниматься только на хороших — это залог воспитания хорошего звука.

5. Игра с педагогом. Педагог навязывает ученику совершенно неожиданное движение, характер и т.п.

6. Проявление воли к ритму. Уметь считать. Можно играть под метроном 10 раз, а затем — как хочешь. Два начала: 1-ое — дисциплинирующее, 2-ое — импровизационное. В результате нужный ритм, нужный темп.

        Ошибки во времени, как известно, не поддаются исправлению.         Случайно схваченный быстрый темп скомкает технические места,         создаст  психологический дискомфорт, пострадает замысел.

        Медленный темп также пагубен, произведение распадается,         разваливается на кусочки, исчезает цельность.

7. В ансамбле важен баланс. Необходимо четко представлять кто в данный момент солирует, а кто на втором плане.

8. Нельзя одинаково играть повторы (гибче, чутче, поэтичнее, острее, плотнее и т.д.)

        Заключение

        Занятия в классе ансамбля являются важным элементом учебного процесса, ибо существенно обогащают музыкальное мышление и  профессиональный уровень учащихся. Ярко выявляют качество обучения по специальности, позволяя учащемуся применить все выработанные навыки и умения, а с другой стороны — наглядно обнаружить то, что еще предстоит освоить и приобрести.

        И, конечно, трудно переоценить бесконечное богатство музыкальных образов, открывающихся перед юными музыкантами в процессе обучения ансамблевому исполнительству.