Образы драмы А.С.Пушкина “Моцарт и Сальери” в опере Н. А. Римского – Корсакова
статья по музыке по теме

                                             Слово и образ.

Образы драмы  А.С.Пушкина “Моцарт и Сальери”  в опере Н. А. Римского – Корсакова

Автор И. В. Тененбаум

Творчество А.С. Пушкина, как при жизни поэта, так и после его гибели, вызывало живейший интерес не только простых читателей, но и специалистов различных областей культуры. И это не случайно, поскольку образы, возникшие из-под пера Пушкина,  так часто воплощались в новом качестве в музыке, живописи, театральном искусстве. Особенно интересны те произведения, которые легли в основу оперного наследия русских и советских композиторов.

Однако остановимся подробнее лишь на одном шедевре русской музыкальной культуры, на опере Н.А. Римского – Корсакова “Моцарт и Сальери”. Это произведение несет в себе, поистине философский тезис:

Гений и злодейство

Две вещи несовместные.

Опера Римского – Корсакова была написана на почти неизменный  текст Пушкина, с небольшими лишь сокращениями, и посвящена памяти А.С. Даргомыжского, первого композитора, написавшего речитативную оперу “Каменный гость”. В то же время  “Моцарт и Сальери” написанная,  по тому же типу, являлась попыткой преодоления мозаичности и некоторого однообразия оперы без арий, ансамблей и хора. Попытка удалась. Безусловно, опера обогатила речитативный стиль Римского – Корсакова. В “Летописи моей музыкальной жизни” композитор пишет следующее: ”…я принялся за пушкинского “Моцарта и Сальери” в виде двух оперных сцен  речитативно – ариозного стиля. Сочинение это было действительно голосовым; мелодическая ткань, следящая за изгибами текста, сочинялась впереди всего; сопровождение довольно сложное, образовалось позже…” Я был доволен; выходило нечто для меня новое…”

Однако, возникновение замысла “Моцарта и Сальери” нельзя свести только к стремлению овладеть долго не дававшимся композитору декламационным речитативом и желанию проверить жизненную силу принципов “Каменного гостя” Даргомыжского. Конечно, мотивы эти играли существенную, но все же не подчиняющую роль в решении Римского – Корсакова. Пушкинская драма выдвинула перед ним ряд сложных задач.

Внешне занимательного действия, сценических эффектов в ней нет. Вся драма сосредоточена на столкновении – конфликте двух антагонистически непримиримых героев, образах творчески непосредственного гения и художника – рационалиста, на раскрытие их внутреннего мира.  

Сама музыка у Пушкина становится образом эпохи  просвещения, эпохи в которой человек, с его философией, с его внутренним миром, переживаниями и исканиями, вопросами и ненайденными на них ответами, становится центральной фигурой культуры.

Литературный первоисточник обязывал композитора придерживаться  музыкального колорита определенного времени. Поэтому Римский  - Корсаков ввел в свою оперу цитаты из произведений Моцарта и воссоздал путем стилизации  музыкальную атмосферу  XVIII века. Все это, однако, не заслонило индивидуальный стиль автора.

Как-то композитор высказал мысль, что недостаток “Каменного гостя”  Даргомыжского заключается в отсутствии атмосферы, в которой живут герои. В “Моцарте и Сальери”, как уже говорилось, раскрыт мир, в котором протекает жизнь героев – этой цели, служат инструментальное вступление, импровизация Моцарта, отрывок из его “Реквиема” и краткая постлюдия, завершающая оперу.

Произведение начинается кратким оркестровым вступлением, в котором композитор создает печально – торжественное настроение, вводящее слушателя в атмосферу событий, разворачивающихся в трагедии. Вступление это не воспринимается, как подражание музыке венских классиков XVIII века, но содержит ясно выраженные черты обобщения и своеобразного развития некоторых стилистических особенностей и характерных черт этой музыки. Первые четыре такта поручены всему оркестру, очень не большому в этом произведении. Композитор ограничился струнной группой, двумя валторнами, одной флейтой, одним гобоем, одним кларнетом и одним фаготом, мастерски использовав весь этот состав, скромные масштабы которого находятся, с одной стороны, в полном соответствии с “камерным” замыслом произведения, а с другой – как   бы напоминают небольшие оркестры того времени.

Сам композитор в своей “Летописи” подчеркивал, что “мелодическая ткань, следящая за изгибами текста, сочинялась впереди всего”. Вполне понятно, что в вокальных партиях “Моцарта и Сальери” сознательно стремился к музыкальному раскрытию не только содержания и образов героев, но и мелодии (“изгибов”) пушкинского стиха.

В “маленьких трагедиях” этот стих невероятно музыкален, однако он отличается, по звучанию от стиха, которым написаны, к примеру, пушкинские поэмы и лирические стихотворения. В частности, Пушкин широко пользуется здесь, приемом, который в теории стихосложения называется  enjambement (от французского глагола enjamber – перешагнуть) и заключается в том, что слова, относящиеся по смыслу, к какой – либо стихотворной строке (стиху), переносятся в следующую.

Так, в первом монологе Сальери, строки “Поверил я алгеброй гармонию” и “Тогда уже дерзнул” приобретают следующее метрическое построение:

Поверил

Я алгеброй гармонию. Тогда

Уже дерзнул…

Такое построение придает стиху трагедии непринужденность живой речи, а вместе с тем, ритмическую гибкость, которая, однако, достигается и другими приемами. Так, например, Пушкин смело пользуется сильными смысловыми ударениями на первых слогах стиха, не смотря на то, что трагедия написана ямбом, требующим, как известно, ударения на четных слогах (долях стопы):

Все говорят: нет правды на земле.

Но правды нет – и выше. Для меня

Так это ясно, как простая гамма.

Великолепна в “Моцарте и Сальери” и та “игра цезурами, очень тонкая у Пушкина”, на которую обратил внимание Валерий Брюсов. Цель этой “игры” вполне очевидна: достижение наибольшей смысловой и интонационной выразительности и, наряду с этим, наибольшей естественности поэтической речи. С одной стороны, все это усложнило задачу Римского – Корсакова, но и помогло ему наметить пути новых творческих исканий для обогащения той интонационно – правдивой  омузыкаленной русской речи, которой придавали огромное значение русские композиторы классики.

Римскому – Корсакову удалось добиться естественной и выразительной декламации – музыкальная речь его героев правдиво выражает мысль и верно раскрывает характер. К.С. Станиславский писал о непреодолимых трудностях, подстерегающих актеров в работе над образами пушкинской пьесы. Речь Сальери построена как цепь афоризмов, каждый из которых, замкнутый в одну – две строки, может развернуться в монолог. Актер, исполняющий роль Сальери, - считает Станиславский, - желая передать слушателю все богатство и все оттенки мысли, рискует замедлить темп, перегрузить исполнение паузами, сделать ритм монолога вялым. Слово, пропетое длиннее во времени, чем слово произнесенное. И Римский – Корсаков сумел передать средствами музыкальной декламации горечь раздумий Сальери, его душевное смятение, его зависть и ненависть к светлому гению Моцарта.

То, что не мог сделать драматический театр, осуществил театр музыкальный. Никогда на драматической сцене не появлялся исполнитель роли Сальери, равный Ф.И. Шаляпину. И дело, конечно, не только в гении великого артиста, но и в том, что композитор помог ему проникнуть в тайны пушкинской декламации, раскрыв музыку, заключенную в стихах. В гениальной трактовке Шаляпина образ Сальери достиг шекспировской силы.

Образ Сальери у Римского – Корсакова наделен, как и у Пушкина, внутренней противоречивостью: отвергая художественное кредо своего соперника, Сальери невольно поддается неотразимому обаянию его творений. Двойственно и отношение Сальери к Моцарту, как к человеку.

В музыке характеризующей Сальери, присутствуют черты ”домоцартианской” эпохи, интонационно – жанровые элементы серьезного, “высокого” стиля. Такова, например, торжественная, сосредоточенная тема в духе сарабанды из оркестрового вступления; таков и полифонический эпизод “Когда орган звучал в старинной церкви нашей”.

Рассудочного, лишенного свободной фантазии музыканта метко обрисовывают приемы музыкальной иллюстративности, “прямолинейные” соответствия музыки слову. Они часто встречаются в первом монологе Сальери, например, при словах:

Все говорят: нет правды на земле.

Но правды нет и выше

……………………………………….

Как мысль моя и звуки, мной рождены,

Пылая, с легким дымом исчезали.

Лирическая сторона образа раскрыта в некоторых ариозных эпизодах.

Моцарт показан более многогранно, в основном через образное и жанрово – стилистическое богатство его музыки, отражающее полноту жизненного мировосприятия мастера. Это прекрасно чувствовал Пушкин. Не случайно поэт ввел в ткань своей трагедии упоминание о простодушной арии Керубино “Сердце волнует”, величественные звуки “Реквиема”. Необходимо уточнить, что словесная цитата из “Свадьбы Фигаро” подкрепляется цитатой мелодической; ремарка же Пушкина (Старик играет арию из  “Дон – Жуана”) Римский – Корсаков подкрепляет мелодией Цирлины “Ну прибей меня, Мазетто”. Как поэт,  так и композитор далеки были от того, чтобы посмеяться над слепым скрипачом. Те восемь тактов, которые он играет в опере, представляют собой несколько упрощенное, но вовсе не искаженное изложение начала арии Цирлины.

Далее Пушкин предлагает программу моцартовской импровизации:

Моцарт

Я весел… Вдруг виденье гробовое…

Однако какую же вещь исполняет Моцарт? Автором трагедии она не названа (хотя точно указаны оперы мелодии, из которых играет слепой скрипач).

Создавая программу импровизации, Пушкин прекрасно знал, что произведения в точности соответствующего ей у Моцарта нет. Но поэт создавал образ глубокой, метущейся личности, внутренний мир которой полон драматизма.

Сочиняя импровизацию, Римский – Корсаков тонко воссоздал стиль клавирных фантазий Моцарта, характерные для них контрасты нежной лирики и трагичности.

“Фортепьянная пьеса, написанная Римским – Корсаковым для данного эпизода, - говорит известный музыковед Игорь Белза, - имеет решающее значение для понимания музыкальной драматургии всей оперы. Прежде всего, здесь с огромной художественной силой показана подлинно шекспировская глубина моцартовской музыки. Это не просто стилизация, ибо формально в данном эпизоде можно указать на некоторые стилистические детали, которых еще не могло быть в произведении написанном  самим Моцартом. Но зато здесь удивительно проникновенно переданы наиболее характерные черты его творчества”.

Веселая, беззаботно резвящаяся музыка сопровождает приход Моцарта; глубочайшей меланхолией овеян рассказ о “черном человеке”;  светлое, мечтательное чувство рождает ариозо – прославление божественной власти красоты (“Но нет: тогда б не мог и мир существовать”) – в нем Николай Андреевич чутко и точно претворил особенности лирических произведений классика.

Итак, раз исполняемая героем оперы вещь написана самим Римским – Корсаковым, – но в стиле Моцарта – то, следовательно, мы можем рассматривать эту фортепьянную пьесу как перевод прекрасным русским композитором на язык музыки концепции пушкинской драмы. Римским – Корсаковым передается пушкинское восприятие творчества Моцарта.

Словом, он создал музыкальные образы двух великих композиторов. Моцарт и Сальери исповедуют различное понимание сущности и назначения искусства. Первый – вдохновенный творец открытый всем впечатлениям жизни, признающий все виды и роды музыки. Второй – это музыкант, творящий для избранных, замкнувшийся в рамках узко понятого “высокого” стиля.

Образам, замечательно созданным Пушкиным, соответствует музыкальная драматургия оперы. Прослеживая музыкальные характеристики обоих действующих лиц, можно уверенно сказать, что они отражают ходы мыслей Сальери, приходящего к решению свершить свой “тяжкий долг”, прервать “беззаконный полет гения”, и одновременно передают все более овладевающее Моцартом предчувствие смерти.

Эти интонации несут в себе идею “двойной” обреченности: Сальери – преступлению, Моцарта – гибели.  

В оркестровом вступлении ко второй сцене использованы начальные, светлые фрагменты фантазии, о которой уже упоминалось; так усиливается контраст к последующим эпизодам, в которых все более усиливается трагический колорит. Зловеще, как приговор Сальери, задумавшему убить Моцарта, звучат слова последнего:

Гений и злодейство –

Две вещи несовместные.

После исполнения отрывка из Реквиема  проникновенной теплотой выделяются слова:

Когда бы все так чувствовали силу

Гармонии! Но нет: тогда б не мог

И мир существовать.

Заключительный, краткий монолог Сальери, предельно драматичный, завершается торжественно – мрачными аккордами.

Пушкин был спутником всей творческой жизни композитора. И дело не только в том, что Пушкин дал Римскому – Корсакову ряд тем для оперных, кантатных, симфонических и романсовых произведений. “Пушкинское” в творчестве композитора находит свое отражение и в операх, в основу либретто которых положены произведения других писателей. Так “Псковитянка” развивает принципы пушкинского “Бориса Годунова”, “Боярыня Вера Шелога” близка к “Маленьким трагедиям”, показывающим жизнь героя в решающий час. Именно эта трагедийность личной судьбы наиболее ярко раскрыта  Римским – Корсаковым в “Моцарте и Сальери”.

Для этой первой пушкинской оперы композитора, так же как для его многочисленных романсов и написанных позднее опер “Сказка о царе Салтане”, “Золотой петушок” и кантаты “Песня о вещем Олеге”, характерно глубочайшее проникновение в идейно – художественную сущность пушкинских произведений. И музыкальная драматургия оперы “Моцарт и Сальери” служит целям наиболее четкого, наиболее убедительного раскрытия образов пушкинской трагедии.

Сам композитор стремился отразить в своей музыке светлые стороны жизни. Неудивительно поэтому, что его привлек лучезарный облик Моцарта. И хотя, в соответствии с пушкинским замыслом, в центре действия драмы – Сальери, сильнейшие эпизоды произведения – глубоко драматические монологи Сальери – “Все говорят, нет правды на земле…” Нет, не могу, противиться я доле судьбе моей…”, - Николай Андреевич, как уже говорилось, больше внимания уделил образу Моцарта, дал ему более разнообразную музыкальную характеристику. Центральным героем трагедии в произведении Римского – Корсакова становится Моцарт как обобщенный образ художника, посвятившего себя служению в искусстве народу и в общении с народом черпающего жизненные и творческие силы. Здесь необходимо заметить, что у Пушкина даже в первоначальном заголовке к трагедии наряду со словом “зависть” было и другое – “Сальери”. Пожалуй, в этом взгляде Римского – Корсакова на трагедию Пушкина состоит единственное, но принципиальное расхождение точек зрения композитора и поэта.

Так Пушкин, вкладывая большую часть текста трагедии в уста Сальери, рисует перед нами не  просто музыканта – рационалиста, труженика, но и человека своего времени, человека, в душе которого борется любовь и ненависть, старое и новое, наконец  - добро и зло.

Родился я с любовию к искусству;

Ребенком будучи, когда высоко

Звучал орган в старинной церкви нашей,

Я слушал и заслушивался –

Слезы невольные и сладкие текли.

……………………………………………….

Преодолел

Я ранние невзгоды. Ремесло

Поставил я подножием искусству…

………………………………………………..

Когда великий Глюк

Явился и открыл нам новы тайны,

………………………………………………….

Не бросил ли я все, что прежде знал,

Что так любил, чему так жарко верил,

И не пошел ли бодро вслед за ним…

…………………………………………………..

           Я счастлив был: я наслаждался мирно

Своим трудом, успехом, славой; также

Трудами и успехами друзей…

…………………………………………………….

Кто скажет, что Сальери гордый был

Когда – нибудь завистником презренным,

……………………………………………………..

…А ныне – сам скажу – я ныне

завистник. Я завидую; глубоко,

мучительно завидую. – О небо!

Эти цитаты приведены лишь затем, чтобы наглядно продемонстрировать богатство и многогранность образа Сальери у Пушкина.

В свою очередь Римский – Корсаков обогащает и усиливает образ Моцарта за счет иных средств выразительности – музыкальных (собственно цитат, стилизации и многих других).

И если темой пушкинской драмы, как уже говорилось, является трагедия Сальери, которую следует воспринимать, как проблему “гения и злодейства”, то у Римского – Корсакова акцент перенесен на Моцарта, то есть на трагедию “гения”.

Такое смещение акцентов не удивительно, поскольку одной из ведущих тем творчества Римского – Корсакова является воспевание могучей созидательной силы искусства.