Гитара. Особенности создания аранжировки для учащихся
статья на тему

Эссе на тему:

«Гитара. Особенности создания

аранжировки для учащихся»

Выполнил:

Гинько Дмитрий Владимирович

педагог дополнительного образования

(класс гитары)

ГБОУ ДОД Дом детского творчества

Красносельского района

г. Санкт-Петербурга

Санкт-Петербург

2016

 Лирическое отступление.

        Практически каждый преподаватель музыки (да и музыкант тоже) хотя бы раз делал или пробовал делать собственные переложения/аранжировки. Аккомпанемент или соло, используя чужие наработки или «с нуля» – это работа, творческий процесс, по сложности едва ли уступающий композиторству. Но в случае, когда аранжировка пишется для учащихся, возникает ещё несколько дополнительных факторов, о которых я и хотел рассказать в этом эссе. И, помимо перечисления, возможно, этих всем известных особенностей, поделится собственным опытом в данном вопросе.

Сразу оговорюсь: я не буду рассматривать теоретические (нотно-музыкальные) стороны этого вопроса, а лишь поделюсь некоторыми маленькими секретами. Более того, в контексте этой работы я не рассматриваю постулаты и правила профессиональных аранжировщиков.

Ситуации, когда нужно (или просто хочется) написать своё переложение, возникают достаточно часто. Однако в случае педагогики, как правило, все они возникают по двум причинам:

• существующая партитура слишком сложна или слишком проста. Как ни странно, но здесь не всегда стоит отбрасывать композицию, иногда её можно доделать по своему усмотрению: убрать непростые фрагменты или, наоборот, добавить в репризу немного вариаций.
• мелодию выбрал учащийся. Сюда же можно отнести случай, если Вы сами услышали что-то новое, что можно ввернуть в процесс обучения.

Всем известно, что над всеми аспектами в обучении главенствует мотивация ученика, его заинтересованность в изучаемом материале – это главный козырь любого педагога. И данная ситуация – одно из проявлений этого аспекта. Именно поэтому я хватаюсь за любые попытки учеников внести в свой репертуар что-то своё, отличенное от репертуара муз.школ или того, что нравится мне. Если контроль над занятиями дома можно частично возложить на родителей (фразой «либо занимается, либо «до свидания»), то мотивацию я «выращиваю» исключительно при работе с учеником. Безусловно, не нужно уделять ей всё внимание, но она косвенно будет влиять на всё остальное: технику, легкость освоения нового, музыкальность, художественную выразительность и пр.

Суть вопроса.

Итак, Вы – педагог уровня музыкальной школы. До поры, до времени Вы ведёте привычный процесс обучения по трём-четырём-пяти сборникам, плюс, собственные наработки. Но вот Ваш учащийся принёс запись, «скинул на почту» или просто дал послушать свою мелодию. Иными словами, проявил интерес и некоторое рвение в выборе своего репертуара. Чтобы было интереснее, внесём дополнительные условия в нашу ситуацию:

1. это что-то из нового или малоизвестного
2. вы никогда не слышали такую мелодию
3. учащемуся весьма нравится: отказать, значит, потенциально потерять ученика или ослабить энтузиазм
4. вам тоже понравилось (хотя бы немного) эта мелодия

Вы выбираете свободный вечер, приходите домой, собираетесь с мыслями, берёте в руки гитару и начинаете делать аранжировку. Проходит время, и в воздухе уже витают отрывки и фрагменты будущего переложения… Что же ещё таит в себе этот процесс, помимо нот и пауз?

Погрузитесь в атмосферу той музыки, которую разбираете.

Косвенно влияет на все аспекты работы над переложением. Тем не менее, я ставлю этот пункт номером один. Если вы не аранжировщик со стажем, у вас, скорее всего, нет набора готовых шаблонов, а значит, придётся почувствовать себя на уроке рисования в школе. Погрузитесь хотя бы на уровне альбома, в состав которого входит данная композиция. Несмотря на то что здесь много зависит ещё и от наличия свободного времени, я всё равно стараюсь начинать именно с ощущения атмосферы мелодии: по дороге на работу, в ожидании поезда – всегда существуют потери времени, которые с помощью плеера^[1] можно посвятить знакомству с чем-то новым.

Попытайтесь узнать у учащегося ещё какие-нибудь понравившиеся мелодии.

Иногда выбранная учащимся мелодия может быть не всегда ему по плечу (даже при самом, как Вам кажется, простом варианте переложения). В таких случаях нужно тактично перевести учащегося на более простую мелодию. Поинтересуйтесь, что ещё похожего ему нравится. Если это вызывает затруднение у ученика, послушайте сами, оцените. Лучше иметь набор из 2-3 мелодий, среди которых выбрать те, что окажутся по силам ученику.

Пробуйте разные инструменты.

Весьма простой и очевидный, но полезный шаг. Одни и те же ноты на разных инструментах звучат неодинаково. Данный приём очень помогает в поиске гармонии, интересных вариаций. Причём пробовать можно как в начале, так и уже с готовым переложением. В силу отсутствия разнообразия инструментов под рукой и навыков игры, я предпочитаю «совмещать» гитару (нейлон и металл) и пианино/клавишные.

        Не брезгуйте и не бойтесь искать/слушать готовые аранжировки.

Сюда же можно добавить предыдущий совет: ищите аранжировки под разные инструменты. Интернет в большей степени, ноты – в меньшей (см п.1 доп.условий). Не отбрасывайте сразу то, что показалось неинтересным: даже в самом захудалом переложении можно найти парочку полезных тактов.

        Не бойтесь транспонировать (уходить из оригинальной тональности) и экспериментировать с гармонией.

Да, каждое произведение рождается в родной тональности. Но, во-первых, существует каподастр. В моём случае, для набора из восьми падаванов^[2] у меня под рукой всегда 2 капо^[3]: при необходимости на время разучивания я отдаю их ученикам. Во-вторых, на гитаре есть удобные тональности, а есть не очень. Для учеников первых трёх лет обучения я всё перекладываю на «ля», «ми», «до», «ре». С повышением навыков игры, конечно же, тональности становятся поинтереснее. Причём иногда приходится перекладывать в более сложные для исполнения на гитаре тональности (дабы поддержать уровень учащегося).

        Гармонию можно вообще менять (ровно как и добавлять собственные фрагменты).

Вы делаете переложение, а не снимаете «нота в ноту». Начиная с простой замены типа «F на Dm» и обращений аккордов, и заканчивая сложными (теоретически) джазовыми обращениями^[4]. Здесь чисто по ситуации и настроению мелодии.

        Старайтесь избегать нестандартного строя для начинающих учеников.

Это исключительно моё мнение: до четвёртого-пятого года обучения вообще не даю ничего вне E-B-G-D-A-E^[5], хотя сейчас очень часто разучивают популярные пьесы в «drop D»^[6]. Здесь есть много за и против, лично я аргументирую так: чтобы свободно менять строй гитары, учащийся должен сначала привыкнуть к стандарту. А на привыкание нужно время. Уж лучше каподастр.

Учащемуся можно подсовывать переложение кусками: важна его реакция.

Иногда чтобы сделать хорошее переложение, нужно потратить значительное время. Сыграйте учащемуся «вчерне», но целиком. Определитесь с кусками, которые полностью готовы или не будут больше претерпевать серьёзных изменений (на ваш взгляд), и дайте ученику. Немного подождите (до следующего занятия) и оцените обратную связь – реакцию ученика на ноты. Ведь у него в голове не всегда играет то же, что и у вас. Возможно, эта реакция заставит вас подкорректировать своё видение аранжировки.

        Спрашивайте мнение учащегося и прислушивайтесь к нему.

Можно сказать, в продолжение предыдущего пункта. Обучение – это диалог, помните, что вы пишите не для себя. Важнейшая задача переложений в обучении (помимо технической стороны) – всё больше и больше погружать учащегося в мир музыки, показав, что на гитаре можно сыграть практически любое произведение.

        Будьте готовы к тому, что переложений может родиться несколько.

Не стоит выбрасывать переложение или его часть, если что-то пошло не так. Коротко зарисуйте ноты и вернитесь к этому спустя время. Иногда помимо основной задачи, например, создания переложения для соло гитары, Вас может хватить ещё и на дуэт. Чаще всего переложений рождается несколько по уровням сложности исполнения.

        Всегда помните про технический уровень учащегося: это сократит время.

Округляйте всегда в меньшую сторону: если вы сомневаетесь, сложно ли сыграть тот или иной фрагмент, считайте, что его сыграть сложно. Это не означает, что сложные фрагменты всегда надо заменять простыми. Но при расчёте сложности всей пьесы, это нужно учитывать. Сюда же относятся баррэ (не используйте слишком много) и растяжки (помните, что у подростков рука меньшего размера).

        Активно (но умеренно) вставляйте флажолеты и другие струнно-щипковые приёмы игры.

Один флажолет, один удар по корпусу, подтяжка, глиссандо, удары-сдёргивания (hammer on-pull of) и т.д. Лучше показывать новые приёмы именно через пьесы. Упражнения можно давать потом, когда уже ученик заинтересовался. В одной пьесе можно уместить сразу несколько несложных приёмов. Главное, не переборщить.

        Пропойте мелодию с учеником.

Актуально для случаев, когда звучание переложения серьёзно отличается от звучания оригинала. Так учит сольфеджио, так поступают хоровики, вокалисты, духовики. Подыграйте ученику, пусть он пропоёт и запомнит не только ход мелодии, но и длительности (примерно). Здесь не нужно идеального исполнения, важно чтобы у учащегося в процессе разбора в голове звучало то, что он пытается сыграть.

        Отдавайте предпочтение разнообразию динамики, нежели размеру нотного текста.

Обилие большого количества нот или отсутствие повторяющихся (по тексту) фрагментов не всегда приводят к желаемому результату: разнообразию. Иногда это ведёт к нагромождению и, как следствие, тяжёлому восприятию. Динамическое разнообразие улучшает выразительность исполнения, позволяет прочувствовать мелодию, движения гармонии. А сложность нотного текста может этому мешать. Хотите больше минут – добавьте репризу: но пусть первый раз фрагмент будет форте, а второй – пьяно. Или наоборот. Исполнение станет интереснее и душевнее.

Не делайте нотный текст слишком сложным для понимания.

Это происходит интуитивно у значительной части музыкантов: пренебречь некоторыми правилами нотосоставления дабы уменьшить количество символов и облегчить восприятие. Если Вы готовите переложение для игры, а не для печати, делайте его лёгким для чтения.

Подогревайте интерес во время оттачивания (обкатки) пьесы.

Строго говоря, это относится к любому произведению. Нередко учащийся остывает даже к выбранной им самим мелодии. Это может быть связано с множеством причин, в т.ч. если «забуксовал» в каком-то фрагменте. Игра дуэтом, исполнения похожей мелодии, того же автора, в другом стиле – это всё будет поддерживать огонь интереса у учащегося. Пара примеров, как можно подогревать интерес:

• сыграть что-то похожее: разучивая «Постой, паровоз»^[7] можно наиграть мелодию из «Джентльменов удачи»
• почитать про автора/книгу/фильм/альбом, добавить пару минут на занятии в форме «кстати, а ты в курсе, что…»
• сыграть, возможно, что-то непохожее, но в той же тональности/с выбранным интервалом/на тех же аккордах: секста – «История любви», движения по тонам-полутонам – «Мужчина и женщина»^[8] или «How Insensitive»^[9] и т.д.

Заключение.

В заключение хотелось бы ещё раз подчеркнуть главное: в процессе создания переложения для учащихся кроется множество мелких тонкостей и хитростей, пренебрегая которыми можно значительно усложнить работу себе и ученику (вплоть до отторжения последним выбранной композиции). Помните об основной задаче переложений (раскрыть потенциал гитары) и о том, что в данном случае учащийся – заказчик, а Вы – исполнитель, Вы пишите не для себя. Следите за реакцией ученика, постоянно подогревая в нём интерес к инструменту и к музыке в целом.