Урок развития речи в 7 классе "Чудеса рукотворные"
план-конспект урока по русскому языку (7 класс) по теме

Проект – «Народные промыслы России. Чудеса рукотворные» (создание текста публицистического характера)

                                                                              Воля и труд человека

                                                                              Дивные дива творят.

                                                                                            В.В.Маяковский.

Предварительная подготовка к уроку:

Посещение музея этнографии

Поиск материалов о народных промыслах России

Подготовка рассказа о промыслах своего народа, демонстрация обучающимися тех предметов прикладного искусства, которые есть в их семьях

Цели урока:

1. Воспитать в обучающихся интерес к народному творчеству, к народам, населяющим Россию, и их творчеству, уважительное отношение к людям всех национальностей.
2. Научить составлять текст публицистического характера, работать над выразительностью, образностью речи.
3. Развивать  способности к самостоятельной работе, учить искать необходимый материал к уроку в различных источниках: Интернет, библиотеке, музеях.

                        Ход урока.

1. Слово учителя.

Сегодня мы подведем итог той работе, которую провели, готовясь к данному уроку. Каждый из вас имеет возможность получить высокую оценку за тот материал, который вами найден. Я предлагаю вам два варианта: рассказ о том предмете художественной культуры вашего народа, который вы принесли на урок, или рассказ о произведении народной культуры, о котором вы узнаете сегодня на уроке.

2. Словарная работа. - При подготовке публичного выступления вам понадобятся определенные слова: это географические названия, названия народных промыслов и т.д. Напишем словарный диктант, а затем вы сами его проверите. (Слова проектируются на экране.)

       Гжель, Хохлома, Палех, Дымковская игрушка, Жостово, Павловский Посад, Вологодское кружево (кружева), фаянс, керамика, деревянный, пламенный, промысел, промышленность, восхищаться,  восторгаться, талантливый, удивительный, необыкновенный, чудесный, привлекать, создавать, чувствовать, поражать, воображение, одаренность, миниатюра,

папье-маше.

3. Следующий этап урока мы назовем "Я хочу вам рассказать". Сейчас те из вас, кто нашел интересный материал о народных промыслах народов России, расскажет всем о них. Чтобы ваше представление о мастерстве народа было более полным, просмотрим слайды с изображением предметов художественного творчества.

Показ  слайда «Народные промыслы России». Звучит стихотворение

Славилась Россия чудо-мастерами,
  Дерево и глину в сказку превращали.
   Красками и кистью красоту творили;
   Своему искусству молодых учили.

Сувенир, сувенир, русский сувенир.
    Русский сувенир покорил весь мир.

Русские матрешки в сарафанах ярких,
  Хохломские ложки - лучше нет подарка.
   Дымковские барыни, кони, петушки
   И  Павловские все в цветах платки

Показ слайда «Хохлома». Рассказ детей. 

Задание слушающим: поставить оценку за рассказ, подобрать эпитет к слову «Хохлома»

Легенда о возникновении Хохломы

Еще совсем недавно в сёлах Нижегородской области можно было услышать легенду о том, как пришла на волжскую землю "хохлома" и где она взяла свои огненные краски.

Рассказывают, жил в давние времена в Москве мастер-иконописец. Царь высоко ценил его мастерство и щедро награждал за труды. Любил мастер своё ремесло, но больше всего любил он вольную жизнь и поэтому однажды тайно покинул царский двор и перебрался в глухие керженские леса.

Срубил он себе избу и стал заниматься прежним делом. Мечтал он о таком искусстве, которое стало бы родным всем, как простая русская песня, и чтобы отразилась в нём красота родной земли. Так и появились первые хохломские чашки, украшенные пышными цветами и тонкими веточками.

Слава о великом мастере разнеслась по всей земле.

Отовсюду приезжали люди, чтобы полюбоваться на его мастерство. Многие рубили здесь избы и селились рядом.

Наконец, дошла слава мастера и до грозного государя, и повелел он отряду стрельцов найти беглеца и привести. Но быстрее стрелецких ног летела народная молва. Узнал мастер о своей беде, собрал односельчан и раскрыл им секреты своего ремесла. А утром, когда вошли в село царские посланцы, увидели все, как горит ярким пламенем изба чудо-художника. Сгорела изба, а самого мастера как ни искали, нигде не нашли. Только остались на земле его краски, которые словно вобрали в себя и жар пламени и чернь пепелища.

Исчез мастер, но не исчезло его мастерство, и до сих пор ярким пламенем горят хохломские краски, напоминая всем и о счастье свободы, и о жаре любви к людям, и о жажде красоты. Видно, не простой была кисть мастера - кисть из солнечных лучей.

Такова легенда. Рассказывают её всегда чуть-чуть по-разному, и каждый любознательный сможет прочитать её в сборниках легенд и сказок Нижегородской области. Как и во всякой легенде, в ней много вымысла, но её правда в том, что большое мастерство и большое искусство сохраняются только тогда, когда передаются из рук в руки, от учителя к ученику. Так и случилось с "Хохломой"

  Главная особенность хохломской росписи: художник никогда не вычерчивает заранее чётких контуров в узорах. Даже прорисовка мелких деталей, где нужна очень тонкая линия-штрих, делается сразу мягкой кистью. Поэтому все линии в росписях, выполненные без предварительного рисунка,- это красочные мазки, они легки и подвижны.

Эта роспись непосредственно от руки кистью и родила кудреватость хохломских травок, мягкость очертаний лепестков и листьев. Нужно очень большое мастерство, точность руки и глаза для того, чтобы тонкой кисточкой провести эти изящные линии и прожилки, написать иногда очень сложные по рисунку узоры. Поэтому в работах учеников часто встречаются смазанные и неровные края, некоторая неловкость изгибов. Чтобы добиться точности линии, они рисуют вначале на кусочке стекла: на нём легче исправить работу, стерев неудавшееся.

Но хохломские мастера работают не только кистью. Посмотрите внимательно на орнамент "дождевик" - частые звёздочки-ромашки, расположенные по кругу. Он нанесён на изделие трафаретом.

Трафаретом, или штампиком называют особое техническое приспособление, помогающее оттиснуть всегда один и тот же узор. Этот узор вырезан на печатающей поверхности штампика, сделанного из дерева или фетра.

"Тычком", или "ляпушкой" называют хохломские художники кусочек овечьей шерсти, обмотанный вокруг палочки, или гриб-дождевик. Обмакнув "тычок" в краску, наносят горошины-ягоды, основу цветка, прозрачные спиральки.

В старинных изделиях трафаретом оттискивали квадратики, ромбики и другие геометрические фигуры. Штампик был незаменим тогда, когда за короткое время надо было расписать очень много изделий.

Наиболее распространенный трафаретный орнамент "дождевик" помещают обычно на внутренней поверхности ложек, которых в старину делали особенно много.

Теперь вы знаете технические приемы хохломской росписи - рисунок от руки кистью и трафаретный рисунок. Выполняются они масляной краской.

Современные художники очень часто на выставках показывают своё мастерство, сам процесс работы, на глазах у восхищённых зрителей расписывая предметы.

Учитель:

 Снежно белая посуда, расскажи: ты откуда?
     Видно с севера пришла и цветами расцвела:
    Голубыми, синими, нежными, красивыми.
( Гжель)

Рассказ о народном промысле «Гжель». Задание: подобрать эпитет, наиболее ярко характеризующий особенности  этого промысла.

 Гжель – русское народное искусство создания гончарной посуды, игрушек, изразцов. Первое упоминание о нем относится к временам московского царя Ивана Калиты (начало 14 века). Здесь, немного южнее, располагается Гжельско-Кудиновское месторождение, богатое ценными породами древнейших видов глины. Название промысел получил по названию деревни

Гжель, находящейся в Раменском районе Московской области. До сегодняшнего времени сохранили местные жители неповторимый облик керамический изделий, передавая из поколения в поколение мастерство, бережное отношение к драгоценному материалу, любовь к природе, которая и дала возможность родиться и расцвести гжельскому промыслу, известному с 14 века. Уже в детских садах дети делают первые попытки передать свои фантазии в материале- глине, в школах и промышленно-художественном колледже учащиеся и студенты учатся композиции, осваивают все секреты, перенимая опыт специалистов.

Богатая  гжельская природа  дает для будущих творений художников идеи и образы. Творчески переосмыслив их, мастер переносит их в материал. Так рождаются гжельские сосуды и шкатулки, украшенные фигурками людей и животных, сказочной архитектурой, расцветают пышные букеты и гирлянды цветов и трав, оживают скульптурные сцены из окружающей жизни, сказок и былин. Мастерство скульпторов и виртуозная кисть живописцев превращают простые бытовые вещи Гжели в подлинные произведения искусства. Секрет искусства Гжели в его ярко выраженном своеобразии, вызывающем волнующее ощущение соприкосновения с природой.
Современная техника росписи фарфора подглазурным кобальтом очень близка приемам и мотивам росписи полуфаянса 19 века. Роспись, нанесенная до глазуровки, остается навечно под стекловидным слоем глазури, не стирается, не тускнеет со временем, озаряя все вокруг белизной и горячей синевой в отличии от многоцветия надглазурного декора, постепенно утрачивающего свои краски.    Для росписи использовались четыре цвета - синий, красный, зеленый и черный. Обязательно наносилась отводка красного или синего (голубого) цвета: на чашке - снаружи по верхнему краю и поддону, на блюдце - по верхнему внутреннему краю и в центре зеркала вокруг плоского углубления.

Звучит стихотворение

ДЫМКОВО

В Дымкове за Вяткою-рекою,
Драгоценный продолжая труд,
Не ища на старости покоя,
Мастерицы славные живут.
Красная за окнами калина,
Пароходный движется дымок,
На столе еще сырая глина,
Грубый неоформленный комок.
За своей работою старушка
на скамейке низенькой сидит.
Глиняную вятскую игрушку.
Лепит... нет, не лепит, а творит!
Хороша игрушка расписная!
Вся поет, бесхитростно светла,
И видна в ней радость молодая
Ставшего искусством ремесла.
  Павел Маракулин.

Рассказ о Дымковской игрушке. Показ слайда «Игрушка, несущая радость»

Дымковская игрушка - едва ли не единственный вид народного искусства, который дает уникальную возможность проследить его развитие на протяжении почти полутора столетий, развитие последовательное и непрерывное в смене многих поколений и династий мастеров.

Истоки этого искусства теряются в глубокой древности, но вряд ли когда-нибудь станет возможным связать их с конкретным временем. Однако приуроченность дымковской игрушки к древнему празднику Свистопляски, который сам трансформировался из календарного народного обряда весенне-летнего цикла, равно как и разный состав игрушек, подтверждают в ней пласты разновременного происхождения.

Среди дымковских игрушек лишь тиары и свистульки обладали непосредственной игровой функцией, вероятно, сохранившейся издревле. Фигурки же и композиции служили украшением подоконников и горок с посудой, заменяя собой дорогие фарфоровые статуэтки. Но их создатели не подражали фарфоровой пластике.Под ее влиянием на древних корнях народной глиняной игрушки родилось новое самобытное и неповторимое искусство.

Дымковская игрушка доказала свою жизнеспособность и современность в каждую эпоху, испытав на себе позитивные и негативные веяния.  
Постепенно фигурки освобождались от остатков древнего содержания и обретали характер малой народной скульптуры, в которой, с одной стороны, все больше нарастала декоративность, с другой - она обогащалась новыми темами и сюжетами, почерпнутыми из реальной жизни и овеянными народной фантазией.

Так постепенно сложился неповторимый мир образов дымковской игрушки и ее самобытный художественный строй, сформировались условные выразительные средства и качества мастерства, устойчиво сохранявшиеся на протяжении всего пути развития.

А. Б. Салтыков писал, что дымковская игрушка как «всякий гротеск и декоративная фантазия» находит себе оправдание «в возбуждаемых ею жизнеутверждающих чувствах, а не в изображении действительно существующих предметов». Именно поэтому нас сегодня продолжают волновать дымковские дамы и барыни, всадники и козлы, индюки и медведи. Мы ищем в них не достоверности, а неповторимости, того особого поэтичного мира образов, который обогащает нашу жизнь, а ее приметы оплодотворяет фантазией. Типичные родовые признаки  глиняной игрушки как вида народного искусства - лаконизм и обобщенность лепки, изображение фигур в фас или профиль, состояние «движения в покое», наличие собирательных образов-типов, в которых живые наблюдения слились с поэтической фантазией - все это приобрело в дымковской игрушке конкретные формы выражения в чисто местных приемах лепки, раскраски и орнаментальной росписи, композиционных особенностях. От приготовления глины до завершения росписью обожженной и побеленной фигурки весь процесс ее создания состоит из строго регламентированных последовательных операций и приемов, которые составляют существо профессионального мастерства дымковского искусства, его художественную систему, его канон.
Дымковская игрушка близка нам своим художественным содержанием, меткостью характеров, остроумной шуткой, чувством радости жизни.
В этом непреходящая ценность уникального дымковского искусства, неподвластного времени.

                                      Вологодское кружево.

 Кружевоплетение на Руси известно задолго до ХVП столетия. Сохранились образцы кружева, которые плели на коклюшках из золотых и серебряных нитей. Такое кружево использовалось в основном для украшения богатой светской одежды и церковных облачений. В первой половине ХVШ века в России имело распространение западно-европейское кружево. Кружевные изделия по зарубежным образцам изготовлялись в мастерских, которые существовали при монастырях и помещичьих усадьбах. Однако, это кружево не оказало существенного влияния на развитие традиционного русского кружева, развивающегося в народной среде.
        Русское кружево развивалось параллельно с западно-европейским. Оно уступало ему по тонкости плетения и изяществу рисунка, но оно всегда было более добротным по техническому качеству и своеобразным по художественному решению орнамента.
        В Вологодской губернии в начале Х1Х века также как и в других регионах России был организован ряд мастерских при помещичьих усадьбах, которые впоследствии назывались фабриками. В 1820 году такую фабрику открыла помещица Н.Засецкая в имении села Ковырино, расположенном в трех верстах от Вологды. Кружевницы выполняли заказы, в связи с чем их творческий потенциал не мог в полной мере проявляться в художественном решении кружева. Вологодский кружевной промысел особое развитие получил в середине Х1Х века. Плетением кружев занимались не только сельские, но и городские жители, для которых этот вид ремесла становился единственным источником к существованию.
        В середине Х1Х века, особенно после реформы 1861 года, в Вологодской губернии насчитывалось свыше 40 тысяч кружевниц, которые работали не только в мастерских, но и дома по заказам скупщиков, стремившихся взять в свои руки сбыт крупных изделий.Вологодское кружево становилось известным во всем мире. Спрос на него рос с каждым годом, торговля достигла значительных размеров.
        На возрождение и развитие вологодского кружевного промысла большое влияние оказало создание в 1920 году специальной секции кустарно-промышленной кооперации. Эта секция способствовала организации артелей, подготовке кадров, решению организационных вопросов.
        В 1919-1921 годах кружевницы Вологодской области были объединены в артели, в 1928 году в Вологде была восстановлена профессиональная кружевная школа, которая уже в новых условиях стала готовить кружевниц. Школа много сделала для возрождения традиционных приемов кружевоплетения, восстановления характерных для этого центра орнаментальных решений. В течение 34-х лет (1930-1964 гг.) директором школы была К.В.Исакова - проводившая практичекую работу по возрождению и развитию вологодского кружева, подготовке квалифицированных мастеров-исполнителей. Вместе с учащимися школы она выезжала в районы области для сбора образцов старинного кружева, привлечения к работе опытных матеров кружевоплетения.
        В 1930 году в Вологде был создан Волкружевосоюз, который объединил 50 разбросанных по различным селениям артелей с числом 40000 кружевниц. Форма организации труда в артелях была, в основном, надомная. В помещении аретелей мастера приходили для получения задания и сдачи готовой продукции. И только в 1932 году Союз создал коллективные мастерские, что позволило усовершенствовать технологию изготовления кружев, усилить контроль за качеством кружевных изделий.
        В 1936 году при Волкружевосоюзе была организована художественная лаборатория, в которую вошли опытные художники-профессионалы, сумевшие значительно обновить ассортимент кружевных изделий за счет включения в него более крупных штучных изделий, скатертей, накидок, покрывал и др.
        С 1938 по 1946 г. организатором работы лаборатории была А.Г.Петрова, которая создала профессиональный экспериментальный творческий центр развития вологодского кружевоплетения.
        Великая Отечественная война преравала работу кружевных артелей. Однако, уже во второй половине 1942 г. началась работа по восстановлению кружевного промысла. В 1944 г. кружева плели артели: Вологодская, Усть-Кубинская, Кубено-Озерская, Грязовецкая, Сокольская, Харовская, Лежская, Кирилловская, Биряковская, а позднее и Чебсарская. Наиболее крупной была Вологодская и Усть-Кубинская артели.
        В 1960 г. в связи с упразднением промкооперации и передачей кружевных артелей в государственную систему - местную промышленность в Вологодской области образовалась 5 кружевных фабрик: Вологодская, Усть-Кубинская, Сокольская, Грязовецкая и Кубено-Озерская, а в 1964 г. было создано Вологодское специализированное кружевное объединение <Снежинка>, которое вошло в число ведущих традиционных промыслов России.
                 Вологодский кружевной промысел особенно активно развивался в 1970-е и 1980-е годы. За успешную работу Вологодское объединение в 1986 году было награждено орденом Трудового Красного Знамени. Всего Вологодское кружевное предприятие имеет более 200 орденов и моделей, дипломов, почетных грамот. Выполненные им изделия демонстрировались более чем на 300 отечественных и зарубежных выставках.     О промысле и работающих в нем мастерах опубликовано свыше 250 статей, научных трудов, альбомов, брошюр.
        В настоящее время Вологодское кружевное предприятие по-прежнему является ведущим в числе традиционных промыслов России.

Самое интересное:

Десять лет — с 1943 по 1953 год — валютой Страны Советов были… кружева. Исторический факт: 40 тысяч вологодских кружевниц в обмен на вооружение, продукты питания и прочие блага «второго фронта», звонко постукивая коклюшками, плели изысканные украшения для английских интерьеров — занавеси, скатерти, чехлы для мебели, салфетки и прочее.

Для молодой женщины видеть во сне кружева означает, что ее самым заветным желаниям суждено сбыться. Кроме того, она всегда будет окружена поклонниками.

Покупать кружева — к достатку.

Продавать кружева означает, что Вы живете не по средствам

Показ слайда «Жостово»

Рассказ детей

Жостовская роспись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

    Промысел расписных металлических подносов возник в середине XVIIIв. на Урале, где были расположены металлургические заводы Демидовых (Нижний Тагил, Невьянск, Верх-Нейвинск), и только в первой половине XIX века подносы стали изготавливать в деревнях Московской губернии — Жостове, Троицком, Новосельцеве и др. Скоро московский промысел стал ведущим. В настоящее время производство подносов с лаковой росписью сосредоточено в деревне Жостово Московской области и в Нижнем Тагиле.
    Для производства жостовских подносов применяется тонкая кровельная сталь: листы штампуют, затем подносы проходят вальцовку для придания жесткости бортам. После этого подносы грунтуют, шлифуют и несколько раз покрывают масляным лаком обычно черного цвета с просушкой каждого слоя в печи. Затем мастера расписывают подносы от руки масляными красками без применения трафаретов и образцов, полагаясь на собственную фантазию. Роспись производится обычно по черному фону (иногда по красному, синему, зеленому, серебряному) причем мастер работает сразу над несколькими подносами. Орнаментальный узор наносится "твореным" золотом (золотым порошком, разведенном в прозрачном лаке или скипидаре) или гульфарбой (белой краской с лаком), которую присыпают алюминиевым порошком. Основной мотив росписи — цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы. Вначале делается замалевка (основные силуэты букета), затем выправка: накладываются тени, прописываются светлые места, наносятся плотные мазки, блики, тонкими линиями — прожилки листьев, тычинки, а потом крупные цветы связываются с более мелкими элементами узора травами, стеблями и т.д., в последнюю очередь наносится орнамент, расположенный на бортах (т.н. уборка). После росписи жостовские изделия снова трижды покрывают бесцветным лаком с просушкой в печи и полируют тонким порошком вручную до зеркального блеска.
    Распространенные мотивы росписи жостовских подносов — букеты и натюрморты, цветы, вазоны, гирлянды. По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение. По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и др.
    С первой половины XIX века мастерские по производству расписных подносов работали в нескольких деревнях Московской губернии: Осташкове, с. Троицком, Сорокине, Хлебникове и др. Жостовская фабрика ведет свое начало от мастерской (открытой в 1825 году) откупившихся на волю крестьян — братьев Вишняковых. В 1928 году несколько артелей, образованных на базе мастерских после революции, объединились в одну — "Металлоподнос" в деревне Жостово, которая в дальнейшем (1960г.) была преобразована в Жостовскую фабрику декоративной росписи. С 1938 года мастеров по росписи подносов готовили в школе бригадного ученичества, прямо на производстве. Обучали молодежь А.П.Гогин, В.И.Дюжаев, П.И.Плахов. Ведущие художники жостовского промысла — А.И.Лезнов, И.С.Леонтьев, Д.С.Кледов, Н.П.Антипов, Е.П.Лапшин, Н.Н.Гончарова, Н.Н.Мажаев, Б.В.Графов и др.

Палех. Показ слайда, рассказы детей.

 В конце XIX века Палех был небольшим селом. Население, в основном, занималось иконописанием и промыслами: резьбой по дереву, льняным ткачеством, вышивкой,выделыванием овчины. По провославным праздникам здесь устраивались богатые ярмарки.

Технология производства лаковой миниатюры длительна и многотрудна. Папье-маше изготовляется из картона. Нарезанные из него полосы намазываются клейстером из пшеничной муки и навертываются одна на другую на деревянную форму (болванку). Когда склейка достигает нужной толщины, ее вместе с болванкой зажимают в специально сконструированный механический пресс, и склейки под давлением превращаются в трубки разной формы, зависящей от форм болванок. Спрессованные склейки просушиваются в течение пятнадцати дней при средней комнатной температуре. После просушки их на сутки опускают в подогретое льняное масло, которым они пропитываются, и снова просушивают в течение четырех дней в печи, при температуре 120 градусов. Изготовленный таким образом полуфабрикат становится прочным, как самые твердые и прочные породы дерева, и хорошо поддается столярно-токарной обработке. Далее заготовка покрывается специальным грунтом, и шлифуется. Затем на внешнюю поверхность заготовки наносится 2 – 3 слоя черного лака, на внутреннюю сторону, также несколько слоев – масляного лака с киноварью. В заключение работы над заготовкой она покрывается двумя-тремя слоями светлого лака, каждый из которых тщательно и довольно долго просушивается в печи при определенной температуре. Только после этого художник может приступать к росписи.

Палехские художники используют старинные рецепты приготовления красок, дошедшие до нас из времен Византии и древней Руси. Краски приготовляются вручную и состоят из природных минералов растертых на яичном желтке, смешанном с водой и уксусом. От качественно приготовленных красок во многом зависит успех работы художника. Для работы над миниатюрой художнику требуются тончайшие беличьи кисти. Очень часто они также изготовляются самим художником. Для того, чтобы краски не скатывались с лаковой поверхности изделия, перед началом росписи лаковая поверхность обрабатывается специальной пемзой. Острым карандашом на рабочую поверхность наносится контур будущей росписи, делается так называемый подмалевок, по которому многочисленными тонкими и прозрачными слоями наносится роспись. Порой живописная плоскость, на которой работает художник, настолько мала, а сюжет настолько сложен, что художник прибегает к помощи мощной лупы. По окончанию работы красками живописный слой просушивается и закрепляется лаком. Заключительным этапом в работе живописца является работа золотом и серебром. Они также приготовляются вручную из тончайшего листового сусального золота 96 пробы и гуммиарабика, или серебра и гуммиарабика (реже применяют алюминиевую пудру). Чтобы нанесенное на шкатулку золото засияло, его полируют, как в старину, волчьим зубом или агатом в форме конуса. В зависимости от формы, сложности композиции на роспись будущей шкатулки затрачивается от нескольких дней до нескольких месяцев.

По окончанию работы художника, миниатюра вновь покрывается семью – восьмью слоями лака, каждый из которых просушивается, полируется на специальном полировальном круге и окончательно доводится вручную, до тех пор, пока не исчезнут даже самые мелкие царапины. Отполированная до зеркального блеска лаковая поверхность придает изображению глубину, а краскам необычайную мягкость и звучность.

Павлов Посад.  Показ слайда, рассказ детей.

 Павловские платки периода 1860-1870-х годов стилистически мало отличались от платков московских мануфактур, которые преимущественно декорировались так называемым "турецким" узором, стилистика которого восходит к тканым восточным шалям. Этот узор наиболее характерен для русских тканых и набивных платков 1-ой половины XIX века. Он предполагает использование определенных орнаментальных мотивов в виде "боба" или "огурца", геометризированных растительных форм. В России интерес к искусству Востока был достаточно устойчив на протяжении всего XIX в. Хотя некоторые исследователи ошибочно связывают с павловским платком исключительно цветочную орнаментацию, но, тем не менее, павловские шали с "турецким" узором также были довольно разнообразны.

Позднее платки с "турецким" узором также входили в ассортимент Павловопосадской платочной фабрики, хотя их выпускали значительно меньше, чем платков с цветочным орнаментом. Линия оформления шалей и платков цветочными мотивами получает большое развитие в 1870-х годах. Изображение цветов можно встретить и на тканых шелковых и набивных ситцевых платках , произведенных в 1-ой половине XIX века на других российских фабриках, но, пожалуй. в лабзинских шалях впервые этот декор стал применяться столь мощно и разнообразно.
Во 2-ой половине XIX в. изображение цветов, причем в несколько натуралистической трактовке, было очень модным. Вероятно, это было обусловлено свойственными всей эпохе историзма романтическими тенденциями связи человека с живой природой. Предпочтение цветочным мотивам отдавалось в вышивке, кружеве, тканях. Букетами цветов декорировали фарфор, жостовские подносы, их изображения стали появляться в росписи интерьеров. Так что в украшении шалей цветами проявилось стремление павловских мастеров сделать модный товар, который будет пользоваться спросом у покупателей.

Рисунки шалей 1870-х - 1880-х годов очень разнообразны и говорят о высоком профессионализме художников фабрики. Композиции платков тех лет решались пышно, торжественно, или, напротив, легко и изящно. В их декоре, наряду с цветочными, использовались орнаментальные мотивы стилей предшествующих эпох: стилизованные ветви, завитки, условно решенные вазоны, фестончатые ленты в сложных разворотах. В изображении цветов предпочтение отдавалось садовым, в первую очередь, розам и георгинам.

Для того, чтобы сделать ассортимент платков более разнообразным, закупали рисунки для них у московских художников и так называемые "образцовые платки" других мануфактур. Для использования своими рисовальщиками приобретали также репродуцированные изображения различных цветов, выполненные французскими и немецкими художниками. Конец XIX - начало XX в. можно рассматривать как время окончательного сложения стиля павловского платка. Особой популярностью в эти годы пользовались шали двух типов. К первому относятся шали из тонкой полупрозрачной шерсти с шелковыми просновками или без них. Узор таких шалей набивался на кремовом или цветных грунтах, чаще всего черном или красном. Орнамент включал объемное изображение цветов, собранных в букеты, гирлянды или разбросанных по полю платка. Иногда цветы дополняли тонкими орнаментальными полосками или небольшими элементами стилизованных растительных форм. Отличительной особенностью павловских платков была безупречная гармония в подборе цветовых сочетаний и отдельных элементов декора. Не случайно предприятие получает в 1896 г. высшую награду промышленной выставки в Нижнем Новгороде: право изображения Государственного герба на вывесках и этикетках.

Второй тип павловской шали, сложившийся в то время - это шали из плотной шерстяной ткани. Их отличает характер набойки, колорит, построенный на сочетании немногочисленных ярких красок с преобладанием красного цвета, и, конечно, рисунок. Букеты цветов на таких платках, как правило, заключены в различной формы медальоны из вытянутых "огурцов" или тактично дополнены вписанными в композицию платка геометрическими фигурами из орнаментальных полос или цветочных гирлянд. Композиционно акцент делается на угол платка, узор заполняет почти всю поверхность ткани, оставляя свободной в центре небольшую фигуру средника.

С середины 1920-х годов традиционный цветочный орнамент получает несколько иную трактовку. Цветочные формы в эти годы укрупняются, обретая порой почти осязаемую объемность. Колорит платков строится на ярких контрастирующих сочетаниях красных, зеленых, синих и желтых красок.

Рисункам послевоенного периода свойственна декоративная насыщенность, более плотная скомпанованность цветочного узора. Цветовая и композиционная наполненность рисунка со сложными светотеневыми разработками соответствовала общей тенденцией развития прикладного искусства тех лет.

В последнее десятилетие проводится работа по восстановлению рисунков старых павловских шалей. Создание новых рисунков ведется в двух направлениях. Наряду с развитием классической линии появились новые, современные рисунки, учитывающие общеевропейские тенденции развития платка. В соответствии с модой и стилем времени меняется цветовой строй изделий. Колористическая гамма строится на гармоничном сочетании сближенных тонов с преобладанием бежевых, охристых, коричневых и зеленоватых.

 Городецкая роспись

Наши доски расписные,
 Посмотрите вот какие.
 Все хотим вам показать
 И подробно описать.

По розанам и купавкам
 Городецкий скачет конь,
 И цветами весь расписан,
 

Три девицы молодые
 Под розанами стоят.
 “Где же хлопцы удалые?”
 Во все стороны глядят.

Вот по улочке Петрушка
 Едет на коне верхом.
 Верный пес его послушный
 Бежит вслед за женихом.

Татьяна: 

Припев:

Слайд «Жизнерадостный Городец», рассказ детей.

Городец — город в нижегородском Заволжье, на левом берегу Волги. Он принадлежит к числу древнейших русских городов–крепостей. Городец — родина самых разнообразных промыслов. Он славился резьбой по дереву («глухая» домовая резьба), изготовлением инкрустированных мореным дубом донец (дощечка, на которую садится пряха) прялок, городецкой росписью, резными пряничными досками.

Возникновение городецкой росписи связано с производством деревянных прялочных донец в деревнях, расположенных вблизи Городца. Производство донец способствовало зарождению оригинального местного живописного стиля.

Всадники, кареты, барыни, солдаты, кавалеры, собачки – вот пантеон образов, создаваемых при помощи более нигде не встречающейся техники и стиля резных городецких донец. К вставным фигуркам коней и людей из мореного дуба прирезались детали и сопутствующие мотивы – стволы и ветки деревьев, силуэты сидящих на них птиц. Композиционно поверхность инкрустированного донца разделялась на два-три яруса. В верхнем ярусе изображали двух всадников по сторонам цветущего древа с птицей на ветвях, при корнях древа изображали собачек. Второй ярус занимала орнаментальная полоса, в нижнем ярусе размещались жанровые сюжетные мотивы.

До сих пор живут в городецких росписях композиции с конями, всадниками, древом и собачками. Разнообразны фантазии на тему прогулок кавалеров и дам, но из традиционных мотивов прочно сохраняются кони. Образ коня олицетворяет представление о красоте и силе.

В середине XIX века осуществляется переход от инкрустации донец к их росписи. Этот процесс начинается с подцветки резных донец. Мастера начинают оживлять цветом светлый тон древесины и вставки из черного дуба.

Более свободная техника росписи позволяла создавать новые сюжеты, учила красоте свободного живописного мазка, позволяющего писать без предварительного нанесения контура.

У каждого мастера были свои любимые оттенки цвета и их сочетание. При этом они использовали общие приемы для создания грамотного колорита. Городецкие мастера умели создавать равновесие красочных пятен на поверхности предмета, достигая единства колорита и завершенности росписи.

Время сложения городецкой росписи занимает около 50 лет. Складывается стиль этой росписи, рождается городецкий орнамент, в котором определяющими становятся крупные цветовые формы и пятна, скупые и лаконичные.

Кроме донец расписывали детские каталки и стульчики. Близко к стилистике расписных донец стояли росписи мочесников – лубяных коробов, в которые складывали мотки пряжи. Писали свадебные сюжеты с конями, женихами, посиделками: «пряха и кавалер за беседой», «птица на дереве», «собака у дерева».

Период 1870-1900 гг., связанный с общим бурным развитием промысловой деятельности жителей лесного Заволжья знаменуется окончательным сложением стиля городецкой росписи.
Господствующий цвет городецких росписей или ярко-желтый хром или киноварь. Они обычно являются доминантой колорита, фоном всей росписи в целом; синий, зеленый и иногда «разбеленные» тона(розовый, голубой) используются для написания узора , черный и белый – для проработки деталей .

Примечание: Изображения «петух» и «конь» является символами солнца, пожеланиями счастья.Изображения «петуха» и «курочки» символизирует семейное благополучие, пожелание семье множества детей.

4. После рассказов слушатели отвечают на вопросы: в чем особенность данного промысла, какие материалы используются, какие краски присущи данному промыслу.
5.  "А что есть у моего народа?" - так мы назовем следующую часть урока. Многие из вас подготовили рассказы о тех предметах народной культуры, которые выполнены мастерами - даргинцами, калмыками, татарами. казахами, русскими, то есть теми народами, которые населяют наш поселок.
6.      Звучат рассказы ребят о дагестанских шалях, посуде, все эти предметы отражают традиции народов Кавказа, его природу, образ жизни. Ребята - казахи рассказывают о декоративных ковриках, национальной одежде. Калмыки демонстрируют предметы домашней утвари и т.д. Зависит от того, что смогут найти дети дома, у родственников, знакомых.
7.  Публичный доклад. Обучающиеся. прослушав все рассказы, выбирают один из предметов народного промысла и готовят свой рассказ о нем. Их цель - показать, насколько прекрасно, талантливо это произведение и чем оно их привлекло. Слушатели оценивают все рассказы. оценка выставляется всем коллективом. Определяется лучший рассказчик.
8. Итоги урока. Ответ на вопрос: почему мы должны знать о народных умельцах? Необходимо ли нам знать культуру не только своего народа, но и других, живущих рядом с нами?
9.  Домашнее задание. Написать о том, какие впечатления вызвал данный урок или написать заметку в школьную стенгазету,  на школьный сайт о народных промыслах России или создать свой виртуальный музей «Народные промыслы России.