Первоначальное обучение игре на фортепиано
статья по музыке

Первоначальное обучение игре на фортепиано

Ребенка отдают в музыкальную школу в основном по инициативе родителей. Конечно, им хочется, чтобы ребенок наслаждался процессом музыкальных занятий, игрой на фортепиано, чтобы он развивался – и неважно, станет ребенок великим музыкантом или нет.

А фортепиано – это совершенно уникальный, прекрасный музыкальный инструмент. Фортепиано – это инструмент гармонии, полнозвучия, многоголосия, широкого звукового диапазона, оркестральных красок. Сколько для него написано интересных произведений замечательными композиторами!

И вот начинаются занятия, ребенка вводят в мир музыки под руководством чуткого педагога.

Общеизвестно, что первоначальные фортепианные занятия закладывают основы дальнейшего обучения, это как фундамент к зданию. Задача педагога состоит в том, чтобы приобщить ребенка к миру музыки, привить ему любовь к музицированию.

Взгляды на первоначальное.обучение меняются под воздействием опыта видных педагогов. Большое значение имеют психолого-педагогические работы, в которых высказываются новые идеи, и это, несомненно, не может не влиять на новые подходы в обучении игре на фортепиано.

Существует множество разных методик обучения, которые используются в работе педагогов. Но есть ли идеальная? Традиционная система обучения часто подвергается нападкам. Считается, что она отторгает ребенка от занятий музыкой, и только небольшой процент одаренных детей сможет действительно выучиться играть и читать ноты при повсеместно сложившихся методах обучения музыке, а для остальных эти уроки не только не принесут никакой пользы, но могут оставить в душе неприятный след на всю жизнь.

Это происходит из-за ошибок, связанных с игнорированием важнейших законов психологии восприятия человека.

Ошибки музыкальной педагогики способствуют занижению самооценки детей, неуверенности в себе, разочарования, отбивают у них желание учиться музыке, играть на фортепиано.

А между тем занятия на этом инструменте могут принести большую пользу для развития юного музыканта. Фортепиано развивает музыкальный слух: горизонтальное движение мелодических линий способствует развитию мелодического слуха, вслушивание в звучание сопровождения – особенно аккордового – гармонический. Фортепиано вовлекает 10 пальцев обеих рук в процесс, что чрезвычайно важно так же для развития мелкой моторики ребенка и координации рук. Фортепиано требует от учащегося одновременного чтения скрипичного и басового ключей, что является основополагающим навыком музыкального чтения. Фортепиано не требует от ребенка усилий при извлечении звука и дает сразу абсолютную высоту звука, что делает этот инструмент прекрасным учителем для развития голоса и слуха.

Конечно, не стоит детям предлагать учить правила теории перед тем как они прикоснутся к инструменту в первый раз. Поскольку музыкальная теория для ребенка – нечто совершенно новое и чуждое и, изучая ее, он не в состоянии опереться на какие-то сведения из своего опыта.

Каждый ребенок от рождения накапливает достаточное количество слухового опыта, связанного с речью и звуками музыки, развитым зрительным и тактильным восприятием мира. Это могло бы стать надежным фундаментом для обучения музыкальной грамотности и игре на фортепиано. Ведь в основе обучения и запоминания должна лежать активная мыслительная деятельность человека, базирующаяся на его жизненном опыте. Не стоит его напичкивать новыми и чуждыми его восприятию теоретическими сведениями и закодированными в абстрактный язык образами

По настоящему понять и навсегда запомнить часто значит найти закономерность, понять принцип организации материала. Не случайно правила грамматики вербального языка даются детям после того, как они уже научились говорить и способны читать и писать, понимая смысл написанного или читаемого.

Часто старательные ученики боятся сыграть что-то новое неправильно: не теми пальцами, не теми руками и без заученной с помощью учителя "выразительности". Такие дети не только не в состоянии самостоятельно разучить простую пьесу, но и панически боятся музицирования. Надо дать ребенку «право на ошибку», когда он ещё с трудом ориентируется в музыкальном пространстве, координация движений ещё слабая, не требовать от него сразу безупречной игры, ровного звука, точного ритма и т.п. Всё это приводит к перегрузкам детского восприятия и усталости мышц ребенка.

Тем не менее для свободного владения музыкальным пространством и осознанного "передвижения" по клавишам фортепиано каждому ребенку необходимо знать последовательность музыкальных звуков и клавиш в любом направлении, от любого звука или клавиши так, как он знает расположение мебели в собственной комнате, будучи способным перемещаться по ней в кромешной тьме вперед и назад. Именно поэтому проигрывая даже одну клавишу, начинающий должен хорошо представлять себе, какие именно клавиши ее окружают рядом, через ступень, через две ступени, чтобы иметь возможность свободно перемещаться от клавиши к клавише и заранее сгруппировывать мышцы рук чтобы точно на них попадать.

 Навыки человека – это такая область его развития, в которой любой вид насильственного ускорения и форсирования чреват непоправимыми последствиями

В игре на фортепиано существуют естественные этапы развития мелкой моторики: начинающий

1. пытается найти клавишу
2. пытается сыграть найденные клавиши правильными пальцами
3. способен играть соблюдая относительные длительности нот
4. способен играть, укладываясь в метр (биты)
5. способен играть в темпе характера пьесы
6. работает над характером пьесы и её совершенствованием.

До тех пор, пока ребенок не освоит одну стадию, ни в коем случае нельзя переходить ко следующей, что чревато необратимыми последствиями не только для развития его мелкой моторики, но и нервной системы в целом.

Боль в шее, поднятые плечи, зажатые мышцы рук – все это является следствием форсирования развития навыков без учета законов физиологии и психологии детей.

Известно, что страх перед неизвестностью закрепощает мышцы человека. Зажатие и травмы мышц у детей играющих на фортепиано возникают не от того, что они не умеют правильно извлекать звуки и не округляли кисти в начале обучения так, как требовал их преподаватель, а потому, что их мелкая моторика так и не успела по-настоящему сформироваться и развиться, не справляясь со стрессом, вызванным информационной перегрузкой.

Таким образом, обилие поставленных аналитических задач блокирует освоение координационных навыков, приводя мышцы в негибкое состояние.

Необходим индивидуальный подход к каждому ребенку, нужно знать особенности ребенка, его сильные и слабые стороны.

Педагога-музыканта подстерегает опасность проглядеть, что именно в традиционных способах обучения, которые он использует в своей работе, потеряло жизненную силу, поблекло. Можно пройти мимо тех перемен в окружающем мире, которые требуют иного содержания, форм и методов музыкально-педагогической работы.

Важно не просто научить ребенка игре на инструменте, а развить его как личность, воспитать достойного человека. Эту задачу ставят перед собой выдающиеся педагоги.

Существует несколько основных современных методик по обучению детей музыке. В зарубежных странах особенно значимыми являются такие педагоги как Шиничи Судзуки, Карл Орф, Золтан Кодаи, Эмиль Жак-Далькроза, Хелен Хайнер.

Система Шиничи Судзуки

Одна из самых известных и распространенных по миру методик. Доктор Судзуки был известен тем, что учил детей исполнять музыку с самого раннего возраста. Мир был поражен его ансамблями, состоящими из сотен 4-5-летних скрипачей, исполняющих музыку Моцарта, Вивальди, Бетховена и других.  Основные положения мастера:

а) все дети музыкальны. Впрочем, это распространенное мнение среди авторов систем музыкального образования. Все дети понимают и чувствуют музыку, без исключения. Задача родителя – вовремя распознать проявление интереса и развить его на практике;

б) обязательное условие для учителя – искренняя любовь к детям. Доктор Судзуки был уверен, что невозможно добиться успеха в музыкальном (как и в любом другом) воспитании, если оно не построено на любви к детям. Можно быть строгими и требовательными, но надо любить ученика. Притворяться и играть в любовь невозможно. Дети тонко чувствуют фальшь и занятия, построенные не на любви к ребёнку, обречены на провал.

в) главные учителя – родители. Потому что никто так, как родители, не любит своих детей. Папы и мамы становились для учеников Судзуки главными помощниками, а порой и главными учителями. Они присутствовали на занятиях. Они занимались дома с детьми. Они сами учились играть на скрипке вместе с детьми.

Цель музыкальных занятий с малышами определял сам учитель так: «Моя задача не воспитать музыканта, а через музыку воспитать хорошего, благородного человека».

Система Карла Орфа

Немецкий композитор Карл Орф придумал систему музыкального воспитания, которая, рассчитана не на избранных, не на имеющих специальную музыкальную подготовку, а на всех детей. Её суть заключается в развитии творческой фантазии, в элементарном музицировании. В игре на простейших, в основном, ударных, шумовых музыкальных инструментах. В движении под музыку. В инсценировании детских песенок и сказок. То есть в том, что дети особенно любят и делают с удовольствием. Тем более, что такие танцы и движение сопровождаются не только игрой на ударных музыкальных инструментах (барабанах, ложках, ксилофоне и т.п.), но и «звучащими жестами» – хлопками, шлепками по бёдрам, топаньем ногами, щелчками пальцами, цоканьем языком и прочее.

Всё это не только превращает музицирование в радостное, увлекательное действие, но и формирует творческую фантазию, прививает любовь к пению, развивает чувство ритма.

Метод Орфа получил называние Шульверк – это концепция, особый взгляд на музыкальное образование детей, основанное на коллективном музицировании. Шульверк (Schulwerk) – сочетание двух слов: Schule (школа) и Werk (работа, умение что-то делать искусно). Действие – основа музыкального воспитания по Карлу Орфу. В своем сборнике Орф собрал фольклорные произведения того времени, когда музыка, речь и движение были неразрывны. Он мечтал возвратить педагогов к гармоническому синтезу речи и движения как к истокам музыки, ее первоосновам. При этом Орф хотел дать толчок фантазии педагога, чтобы тот в свою очередь показал малышам, что такое импровизация, как можно относиться к музыке творчески,переосмыслять ее заново.

Система рассчитана на участие нескольких детей, но, проявив некоторую фантазию, вполне можно применять ее элементы и в занятиях с одним ребёнком дома.

Вспомним песню «Добрый жук» («...Встаньте дети, встаньте в круг»):

придумать вместе с ребёнком танцевальные движения. Например: шаг в сторону – притоп, шаг в другую сторону – притоп. На припеве хлопанье в ладоши. Движения, имитирующие жука. Например, вы прыгаете, сгорбившись, на согнутых ногах, с поднятыми как рога пальцами.

Сопровождать танец и пение игрой на любых шумовых инструментах и (или) некоторыми «звучащими жестами».

Обыграть сюжет. Например, на слова «встаньте в круг» двигаться по кругу.

Папы и мамы (бабушки, дедушки) тоже могут «впадать в детство», что иногда бывает приятно, танцуют и поют вместе с ребёнком.

Система Золтана Кодая

Венгерский композитор, как и Д. Кабалевский, большое значение придавал музыкальному воспитанию детей. Вот несколько основных положений его системы.

Как и Судзуки, Кодаи утверждал: нет немузыкальных детей. Немузыкальные взрослые – это те, музыкальность которых в детстве не была замечена и развита. Поэтому Кодаи, пользовавшийся в Венгрии большим авторитетом, сумел добиться того, чего никогда не было ни в одной стране мира – уроки музыки в обычной, общеобразовательной школе стали ежедневными и занимали больше часов, чем все другие предметы.

Главное в музыкальном воспитании – пение и записывание мелодии по слуху. Именно этому, в основном, учили в венгерской школе. «Лучший и самый доступный инструмент – голос», – считал Кодаи. Поэтому пение важнее, чем игра на инструменте.

Воспитание человека не может быть полным без музыкального воспитания. Воспитание хорошего музыкального вкуса, по Кодаи, не только семейное дело, но важнейшая общественно-государственная задача.

Как метод раннего музыкального воспитания Золтан Кодаи предлагал воспитателям, особенно папам и мамам, учить детей ходить и хлопать в ритме песни.

Золтан Кодай выделял четыре элемента, которые отличают музыкального человека от немузыкального: развитый слух, развитый интеллект, развитые чувства и развитые руки.

Многочисленные исследования подтверждают, что метод Кодаи, которые применяют в разных странах мира уже больше 30 лет, развивает чувство ритма, закладывает основы музыкальной грамотности, навыков чтения и счета.

Система Эмиля Жак-Далькроза

Эмиль Жак-Далькроз – швейцарский педагог, композитор, общественный деятель, создатель системы музыкального ритмического воспитания. Занимаясь в Женевской консерватории со студентами, Далькроз обратил внимание на то, что далеко не все могут точно координировать движения при игре на музыкальном инструменте.

Понимая, что ритм связан с моторикой, он начал вводить на уроках сольфеджио различные ритмические упражнения. Так постепенно им была создана система ритмической гимнастики, которая впоследствии стала называться ритмикой. В отличие от обычной гимнастики, подчиненной только метру, в ритмической гимнастике Далькроза все движения шли от музыки. С усложнением ритмических заданий выявлялась и воспитательная роль уроков ритмики. Они развивали у студентов внимание, сосредоточенность, укрепляли волю, стремление достичь поставленной цели, вырабатывали слаженность действий всего коллектива. Занятия ритмикой положительно влияли также на общий тонус учащихся, снижая утомляемость.

Свой метод ритмического воспитания Далькроз изложил в ряде статей и книг. В 1910 году он возглавил Институт музыки и ритма в Хеллерау (под Дрезденом, а в 1915 году – Институт Жак-Далькроза в Женеве. Вскоре подобные учебные заведения были созданы последователями швейцарского педагога во многих странах Западной Европы, в Америке, Японии.

В России ритмическая гимнастика также была воспринята с энтузиазмом. Ритмическая гимнастика преподавалась в самых разных учебных заведениях – балетной школе Преображенской-Москалевой и Женском медицинском институте, на Высших Бестужевских курсах и актерских курсах С. Ф. Халютиной, в музыкальных школах, в частных домах и т.п. Позднее ритмикой стали заниматься актеры театров Е. Б. Вахтангова, В. Э. Мейерхольда, А. Я. Таирова, оперной студии К. С. Станиславского. Преподавание велось в более чем семидесяти педагогических учреждениях – детских садах, школах, средних и высших музыкальных, балетных и театральных учебных заведениях.

В 60 – 70-е годы активно разрабатывались положения терапевтической ритмики (для людей, страдающих нервными расстройствами, речевыми дефектами, особенно логопедическое направление. Курс «Терапевтическая ритмика» существовал в Педагогическом институте имени Ленина (кафедра дефектологии).

Система Хелен Хайнер

Этот метод в некоторых случаях противоречит трем первым методикам. Хелен Хайнер (Елена Николаева) окончила московскую консерваторию по классу фортепиано, позже переехала в США, где уже около 30 лет работает в музыкальной школе и даёт частные уроки. Она написала книгу под названием «Стать музыкантом? Легко!», в которой делится своим опытом музыкального воспитания. Опытом, в котором, безусловно, присутствуют некоторые оригинальные моменты.

Основное положение: воспитать хорошего слушателя музыки важнее, чем воспитать музыканта. Многое зависит от того, какие цели ставить перед собой учитель. Хайнер считает, что не стоит специально ставить перед учеником профессиональные задачи. Не стоит изо всех сил (как это принято в российских музыкальных школах) пытаться поднять ребёнка на профессиональный уровень.

Лучший способ музыкального развития ребёнка – обучение на фортепиано. Не слушание музыки, не пение, а обучение игре на фортепиано. Причём, фортепиано, (не скрипка, не блок флейта, не шумовые инструменты К. Орфа), по мнению Хелен, подходит для этой цели лучше всего. Другими словами, лучшие уроки музыки – занятия на фортепиано. Всё остальное (игра в оркестре, пение в хоре) малопродуктивно и потому не нужно. Отсюда вывод: на фортепиано надо учить всех детей. Причём Хелен предпочитает для обучения электронное фортепиано. На нём можно играть разными голосами, что интересно ученику. На нём можно записать и прослушать игру ребёнка. Что тоже важно.

Учить, строго соблюдая правило: от простого к сложному. Этот дидактический принцип, по мнению Хайнер, должен лежать в основе обучения игре на инструменте. Главное для учителя – найти тот постепенный путь (не перепрыгивая через ступеньки), по которому ребёнок сможет медленно, но верно подниматься наверх. В этом и состоит, по мнению американской учительницы, его искусство. Всё чрезмерно сложное неминуемо вызовет у маленького ученика негативное отношения к занятиям.

Думается, что многим нашим педагогам будет полезно воспользоваться опытом этих замечательных музыкантов.

Итак, при первоначальном обучении игре на фортепиано важно не торопить и не спешить. Нельзя перескакивать через естественные фазы развития. Непрерывное и неуклонное музыкальное развитие важнее, чем преждевременная быстрота продвижения. И, конечно, если не разжечь огонек влюбленности в музыку, то занятия игрой на фортепиано не будут плодотворными.