Жанр камерной сонаты в творчестве композиторов-романтиков.
план-конспект урока по музыке

Романтики, в отличие от представителей эпох античности и классицизма, не выстраивали иерархию искусств с её чётким делением на виды и жанры. Романтическая система была универсальной, виды искусств могли свободно переходить друг в друга. Идея синтеза искусств была одной из ключевых в музыкальной культуре романтизма.

Синтез искусств, воспетый романтиками, повлиял на средства музыкальной выразительности. Мелодия стала более индивидуальной, чутко реагирующей на поэтику слова, а сопровождение перестало быть нейтральным и типичным по фактуре. Гармония обогатилась невиданными красками, чтобы поведать о переживаниях героя-романтика. Так, романтические интонации томления отлично передавали альтерированные гармонии, усиливающие напряжение. Романтики любили и эффект светотени, когда мажор сменялся одноимённым минором, и аккорды побочных ступеней, и красивые сопоставления тональностей. Новые эффекты обнаруживались и в натуральных ладах, особенно когда требовалось передать в музыке народный дух или фантастические образы.

В целом мелодия у романтиков стремилась к непрерывности развития, отвергала любую автоматическую повторность, избегала регулярности акцентов и дышала выразительностью в каждом своём мотиве. А фактура стала настолько важным звеном, что её роль сравнима с ролью мелодии.

Музыкальная культура романтизмана рубеже XIX и XXвеков пережила первые признаки кризиса. «Свободная» музыкальная форма начала распадаться, гармония одерживала верх над мелодией, возвышенные чувства души романтика уступили место болезненному страху и низменным страстям. Эти разрушительные тенденции привели романтизм к концу и открыли путь модернизму. Но, завершившись как направление, романтизм продолжил жить и в музыке XX века, и в музыке века нынешнего в разных своих составляющих. Прав был Блок, говоря о том, что возникает романтизм «во все эпохи человеческой жизни».

Что же представляет собой камерная соната, когда появился такого рода союз 2-х инструментов, что представлял он собой в самом начале своего развития?

Желание объединить в единое музыкальное целое несколько инструментов, подчеркнуть уникальную особенность каждого, а может выделить более предпочтительный, излюбленный было у композиторов всегда (ведь инструменты за последние 500 лет тоже прошли путь эволюции и звучали иначе, чем мы их слышим сейчас).

Нужно сказать, что стиль самого письма для этих видов ансамбля различен. В первом случае фортепиано или клавир (а именно этот инструмент чаще всего избирается для аккомпанемента) все время создает более или менее индивидуализированный фон и редко берет на себя проведение тематического материала солиста (как правило, это встречается в эпизодах, когда солист на время умолкает; в просторечье такие эпизоды именуются проигрышем). Совершенно иную картину представляет стиль письма, когда все участники ансамбля равноправны и, следовательно, в партии каждого оказываются и эпизоды, где он солирует, и такие, в которых его функция - аккомпанировать.

Отсюда начинает свое рождение жанр сольной сонаты с сопровождением, и камерной сонаты - как равноправного дуэта 2-х инструментов.

В начале XIX века появились первые консерватории, и тогда же началось осмысление музыкальной практики классического периода. Именно в этой обстановке приобрел свое современное значение термин «соната», ставший обозначать как форму саму по себе, так и стандарт для концертной музыки в целом, где остальные формы рассматриваются в их отношении к сонате. Ученик Бетховена Карл Черни заявил о том, что именно он предложил идею сонатной формы, а теоретики музыки стали называть сонату идеальной формой для музыки в целом. С этого времени слово «соната» в музыкальной теории часто может обозначать как абстрактную музыкальную форму, так и какое-либо конкретное произведение. Таким образом, симфонию в определенном смысле можно назвать сонатой для оркестра.

Для композиторов-романтиков характерна сосредоточенность на внутреннем мире человека, бесконечности его чувств и настроений. Отсюда особая роль лирического начала, эмоциональная непосредственность, свобода выражения. Как и романтическим писателям, музыкальным романтикам присущ интерес к прошлому, к далёким экзотическим странам, любовь к природе, преклонение перед народным искусством. В их сочинениях были претворены многочисленные народные сказания, легенды, поверья. Народную песню они рассматривали как праоснову профессионального музыкального искусства. Фольклор был для них подлинным носителем национального колорита, вне которого они не мыслили искусства. Работа над совершенствованием технического аппарата, сложностью фактуры, точное согласование всех штрихов и оттенков с партнером.

В эпоху романтизма интенсивность обращения к жанру инструментального ансамбля существенно снижается, на первый план выходят опера и произведения для симфонического оркестра. Камерные инструментальные ансамбли создаются в основном ценителями совместного музицирования, особенно многочисленными в Германии. Среди таких авторов – Шуберт, Мендельсон, Шуман. Выделяются две ветви ансамблевого музицирования в этот период. Камерную, ставшую в следствие активного увлечения домашним любительским музицированием, и концертно-эстрадную (т.е. ансамбли, написанные виртуозами или для виртуозов), например, Вторая скрипичная соната Шумана, что является продолжением тенденции, намеченной в «Крейцеровой» сонате Бетховена. Характерная для романтизма идея программности с трудом приживается в этой области и композиторы ориентируются на ранние классические версии жанра. Сонатный цикл в этом смысле оказался ясным и удобным для применения.

Франц Петер Шуберт (1797-1828)

Франц Петер Шуберт был представителем течения музыкального романтизма в Австрии. В его произведениях звучала тоска по светлому идеалу, которого так не хватало в реальной жизни. Музыка Шуберта, сердечная и задушевная, многое взяла от традиционного народного искусства. Его произведения отличаются мелодичностью и гармонией, особым эмоциональным настроем. Гармоничный внутренний мир Шуберта отражён в его камерных произведениях. Композитор часто писал пьесы для исполнения в четыре руки, предназначенные для «домашнего» использования. Его трио, квартеты, квинтеты покоряют откровенностью и эмоциональной открытостью. Таков был Шуберт – ему нечего было скрывать от своего слушателя.

Фортепианные сонаты Шуберта по своему эмоциональному накалу и мастерству уступают только бетховенским. В них традиционные песенные и танцевальные формы сочетаются с классическими музыкальными приёмами. Бетховенские традиции драматически-философского симфонизма нашли у Шуберта самобытное преломление в ряде камерных произведений, созданных в 20-х годах.

Соната для арпеджионе и фортепиано Франца Шуберта (1824) стала одним из первых сочинений, написанных для инструмента, изобретенного венским мастером Иоганном Штауфером в 1823 году. Этот инструмент сочетает в себе признаки виолончели и гитары. В 1820-х годах арпеджионе пользовалось популярностью, однако уже спустя десятилетие был забыт, и вспомнили о нем лишь в конце ХХ века в связи с интересом к аутентичному звучанию. Сонату Шуберта традиционно исполняют на виолончели или альте, а слово «арпеджионе» нередко фигурирует в качестве ее названия. Отличительной особенностью произведения является его непосредственная связь с бытовым романсом. Песенные принципы, столь характерные для творчества Шуберта, выражаются не только в опоре на соответствующий круг интонаций, но и в манере подачи и развития музыкального материала.

Так, начальное проведение темы первой части — типичное вступление к романсу; его переизложение у солирующего альта в сопровождении фортепиано — тоже типичный образец вокального письма. Во второй части (Adagio) — более углубленный образ, драматическое переосмысление которого порождает скорбное послесловие (такие подытоживающие распевные заключения нередки в зрелых песнях Шуберта). Финал сонаты основан на танцевальном материале, в его замысле прослеживается идея «раскрепощения чувств».

Звучит соната для фортепиано и арпеджиона.

Роберт Шуман (1810-1856)

В 1850-м году Роберт Шуман с семьёй поселился в Дюссельдорфе, приняв пост дирижера оркестра. Жизнь композитора клонилась к закату – оставались считанные годы до того времени, когда прогрессирующая болезнь лишит его возможности не только творить, но жить нормальной человеческой жизнью – но прежде, чем это произойдет, Шуман переживает последний творческий взлёт. Два года он неустанно и напряженно работает. Он ищет новые средства музыкальной выразительности, задумывается о новых крупных произведениях. Осваивает новые для себя области творчества – и одной из таких областей жанр скрипичной сонаты, в котором Шуману прежде не доводилось работать.

К созданию сонаты для скрипки композитора подтолкнул концертмейстер лейпцигского оркестра Фердинанд Давид. Именно по его просьбе композитор взялся за сочинение сонаты для скрипки.

В поздний период творчества мелодический рисунок произведений Шумана приобретает особую распевность, закругленность и это располагало к обращению к скрипке.

Шуманом создана три сонаты для скрипки и фортепиано. Это яркие образы настоящей дуэтной сонаты. Отличительной особенностью сонаты №1 ля-минор является её миниатюрность, камерность и удивительная поэтичность. Особую роль играет в ней тревожная и тоскливая партия первой части. Вновь и вновь она возвращается в почти в виолончельном низком тембре, как наваждение, как навязчивая мысль, как будто скрывает какую-то мучительную тайну, которую Шуман хотел спрятать от окружающих, излив её в звуках.

Звучит соната №1 для скрипки и фортепиано.

Никколо Паганини (1782-1840)

Роберт Шуман, впервые услышав Поганини, написал: «Я думал, что он начнет с неслыханной силы звука. И вот он начал – но до чего звук его был нежным и тихим. Когда же он легко и еле заметно начал закидывать в толпу свои  магнетические цепи, люди стали невольно покачиваться. И вот волшебные кольца заплетались всё больше и больше, люди всё теснее жались друг к другу, пока они постепенно не слились в едином порыве, как бы загипнотизированные художником».

«Всеобщая театральная газета», давая рицензию на концерт Паганини в Вене, отмечала, что «во всех сферах деятельности человеческого духа время от времени появляются люди, творчество которых создает новую эпоху. Этих людей мы называем гениями… И таким человеком в самом высоком смысле этого слова является Паганини. Этот артист обращается с инструментом своим собственным методом, что помогает ему достичь такого выражения, которое недоступно даже скрипачам самого высоко ранга…Его руки оказались более подвижными, чем движение человеческого голоса, а голос его скрипки был таким прекрасным, что проникал в каждое сердце».

В его адажио пословам Шуберта «слышалось пение ангела». Стилистика сочинений Паганини повлияла в дальнейшем не только на многих скрипачей-композиторов, а также на Берлиоза, Листа, Шумана, Шопена. Его произведения вдохновляли Брамса, Мендельсона, Рахманинова, Чайковского.

Одно из главных завоеваний Паганини-композитора – создание романтической мелодики нового типа, где воедино сплавились итальянская песня с оперным бельканто. Мелодии Паганини удивительно ёмкие по образности. Их художественный мир безгранично широк. Светлые, романтически устремленные, «солнечные» они соединяют в себе и красоту природы и любовную упоённость. Иные из них полны пламенного драматизма, другие – незабываемой скорби, третьи – искрометные, неудержимо весёлые – пропитаны танцевальными интонациями.

2017-й год –год 235-летия со дня рождения Паганини. Родился он болезненным,  хрупкость и чувствительность унаследовал от матери – экзальтированной и сентиментальной. Настойчивость, темперамент, бурную энергию – от отца, предприимчивого торгового агента. Мальчик был очень впечатлительным, окружающий его мир он передавал играя на мандолине, гитаре и на своей маленькой скрипочке – любимой игрушке и мучительности, которой суждено стать частью его души.

Сочинять Паганини стал рано. Уже в 8 лет им написана скрипичная соната. Позже Гаспаро Гиретти, виолончелист, прекрасный полифонист привил юноше отличную композиторскую технику. Он заставлял его сочинять его без инструмента, развивая способность слышать внутренним слухом. Паганини много выступает в Италии и Европе. Его игра и личность кажутся фантастическими. Вырвавшись из под опеки деспотичного отца он ведет бесшабашную жизнь, порой проигрывая в карты баснословные суммы, зарабатываемые концертами. По немного вокруг Паганини начинает литься клубок легенд, создается ареол таинственности, что приносит ему еще большую популярность. В 20 лет к нему приходит первая любовь. На три года имя Паганини исчезает с концертных афиш. Он уединяется со своей любимой на её вилле в Тоскане, где занимается земледелием и игрой на гитаре. В это время были созданы 12 сонат для скрипки и гитары. Многие гитарные произведения посвящены некой сеньоре Диде.

Увлекающийся от природы, он отдавал много времени женщинам.Среди них две сестры Наполеона, баронесса Елена фон Добенек, которая несмотря на разрыв с Паганини, после его смерти добилась развода с мужем и постриглась в монахини.

В течении трёх лет Паганини занимает должность камерного пианиста и дирижера в Лукке. Им создано 24 фуги для фортепиано в четыре руки. В его исполнительской биографии очень много ярких штрихов. Один из них связан с концертом-соревнованием с французским скрипачом Шарлем  Лафоном. Этот концерт, состоявшийся в марте 1816 года в Милане по специально составленной программе, фактически положил начало международным соревнованиям музыкантов-исполнителей.

В творческом наследии Паганини большое место занимают сочинения для камерного музицирования: это квартеты, произведения для альта, виолончели, мандолины. Превосходный гитарист Паганини написал около 200 произведений для этого инструмента. Среди них пользуются популярностью сонаты для скрипки и гитары. Существуют переложения партии гитары для фортепиано.

Не желая исполнения своих произведений другими скрипачами, Паганини, после издания пяти опусов, отказался от дальнейших публикаций. В последние годы решил отказаться от этого решения, но запросил у издателя столь высокую сумму гонорара, что тот счел невозможным печатать их. Многие рукописи композитора, проданные с аукционов, находятся, и по сей день, в частных коллекциях. В некоторых оркестровых сочинениях утеряны партии солирующей скрипки. А в партитуры Паганини их не вносил.

Звучит соната для скрипки и гитары №4 (переложение для скрипки и фортепиано).

Используемая литература.

1. Музыкальная литература зарубежных стран. В. Галацкая, выпуск 3, М. Музыка, 1986г.
2. Ливанова Т. Л 55 История западноевропейской музыки: Учебник. В 2-х т. Т.
3. Л.Раабен. Жизнь замечательных скрипачей изд. «Музыка» Москва-Ленинград, 1967
4. А.Ширинский. Журнал «Музыкальная жизнь», 1982.
5. Т.Н.Грум-Гржимайло. Музыкальное исполнительство. Издание «Знание», Москва, 1984
6. Энциклопедический музыкальный словарь. Редактор Г.В.Келдыш, Москва, 1959