Образы русского фольклора в творчестве художников второй половины XIX начала XX века.
статья по музыке (5 класс) по теме

Образы русского фольклора в творчестве художников второй половины XIX – начала XX веков

СОДЕРЖАНИЕ:

1. Введение. Фольклорное эхо.
2. Чудесный мир сказки в творчестве русских художников.                             Виктор Михайлович Васнецов.
3. Врубель Михаил Александрович.
4. В ладу с фольклором и историей.
5. Использованная литература.

1. Введение. Фольклорное эхо.

Во второй половине XIX века в русской живописи, наряду  со стремлением к жёсткому реалистическому отображению жизни, обнаружился интерес к истокам народной культуры, к фольклору. Преклонение перед народом, культивируемое в русской культуре XIX века, диктовало и выбор тем для изобразительного искусства. Поиск шёл по двум направлениям.  С одной стороны популярным становилось критическое искусство, «бичевавшее» тех, кто повинен в угнетении народа. На этом поприще прославились передвижники. С другой стороны,  художники увлеклись истоками народной культуры, фольклором, перенося фольклорные сюжеты в современную живопись. И в этом тоже первыми были передвижники: И.Репин, В.Максимов, В. Перов. Для одних это увлечение оказалось кратковременным, у других (и тут самым последовательным и глубоким стал Васнецов) – легло в основу всего творчества.

1860-е годы отмечены небывалым всплеском интереса к отечественному прошлому, к духу народной жизни. Именно в эти и последующие годы вышли из печати капитальные сборники фольклора (П.Киреевского, В.Даля, А.Афанасьева, П.Рыбникова, А.Гильфердинга, С.Максимова и др.) и серьёзные исторические исследования (С.Соловьёва, В.Ключевского, Н.Костомарова и др.). В живописи к историческим сюжетам обратились И.Репин, В.Максимов, В.Суриков, но их взгляд на историю был довольно жесток и реалистичен. Васнецов же поэтизировал старину, он обнаружил в ней чудесную сказку и попытался донести её до зрителя, как бы воплотить в реальности.

Позднее, на рубеже веков, фольклорное эхо зазвучало иной музыкой – сюжеты былин и народных преданий, в соответствии с требованиями эпохи, получили символистское истолкование (как это случилось в живописи Врубеля). Преобладание образов и форм, косвенно выражающих содержание современности над формами её прямого отображения – одна из отличительных особенностей искусства конца XIX – начала XX века.

2.Чудесный мир сказки в творчестве русских художников.

Виктор Михайлович Васнецов (1848 – 1926)

«Главный тезис моей веры таков: мы тогда

только внесём свою лепту в сокровищницу

всемирного искусства, когда с возможным

для нас совершенством и полнотой

 изобразим и выразим красоту и смысл

 наших родных образов» (В.Васнецов)

Васнецову выпало жить в переломное для России время; всё его творчество – попытка сформулировать идеал национальной красоты и следовать ему, чтобы избежать катастрофы, которую предчувствовали многие. Именно Васнецов не умом, а сердцем почувствовал: для того, чтобы окрепло русское национальное самосознание, нужны не только труды по истории и этнографии Древней Руси. Должна обязательно появиться и живопись, близкая по образам к тому, как «сам народ мыслит и понимает своё прошлое». Поэтому в конце XIX века в изобразительном искусстве удалось создать стиль, названный словом «неорусский». О произошедших переменах возвестило показанное в 1880 году на VII передвижной выставке полотно «После побоища Игоря Святославовича с половцами», созданное по мотивам «Слова о полку Игореве». Картину приняли неоднозначно, она вызвала громкие споры и обозначила расхождения в рядах передвижников в сфере понимания задач современного русского искусства. Илья Репин говорил о ней: «Это необыкновенная, замечательная, новая, глубокая и поэтичная вещь, таких ещё не бывало в русской школе». Эта картина ознаменовала резкий поворот в творчестве В.М.Васнецова  от камерной жанровой живописи к монументальным историческим и фольклорным полотнам.  

Первой работой, в которой Васнецов заявил о возникновении нового фольклорно – сказочного жанра,  стала картина «Витязь на распутье» (1882, Государственный Русский Музей). Она создана по мотивам былины «Илья Муромец и разбойники». Произведение характерно для васнецовского метода, соединяющего в одном поэтическом образе фольклорную «фантастику» и совершенно реалистические детали. Последние Васнецов кропотливо выискивал в процессе внимательного изучения эпохи в Историческом музее, в Оружейной палате, в соответствующей литературе. В картине «Витязь на распутье»  – предостережение витязю, которое художник даёт через «устрашающие» детали и «говорящий» колорит. Краски картины издали делают её похожей на чудесный ковёр.

В картине «Иван – Царевич на Сером Волке» (1889, Государственная Третьяковская Галерея) перед зрителем словно широко распахивается окно в сказку. Здесь очень много деталей, которые можно не заметить сразу (взять хотя бы детали костюмов). Иван – Царевич обнимает Елену Прекрасную, словно оберегая её, как своё сокровище. Она и вправду похожа на драгоценность: шапочка – тюбетейка, усыпанная драгоценными каменьями, роскошный парчовый халат и золотые башмачки с загнутыми носами. Прообразом для Елены Прекрасной послужила Наташа Мамонтова, дочь знаменитого театрального деятеля и мецената.

Виктор Васнецов как-то признался, что «Алёнушка» - его любимейшее полотно. Во время работы над ней в 1881 году (ГТГ) он часто посещал музыкальные вечера у Третьяковых, где упоённо слушал Баха, Моцарта, Бетховена, - быть может, именно поэтому само полотно вышло из-под его кисти столь музыкальным. «Картина как будто давно жила в моей голове,- рассказывал Васнецов, - но реально я увидел её, когда встретил одну простоволосую девушку. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в её глазах… Каким-то особым русским духом веяло от неё».

Следующая картина В.Васнецова – загадка, вернее, сказочная аллегория сокровищ, спрятанных под землёй, но принявших человеческий облик. Это «Три царевны подземного царства»  (1879, ГТГ). На фоне заката предстают две надменные красавицы, в тени горы, у спуска в подземелье, скромно стоит третья. Первая царевна облачена в златотканую одежду, убор на её голове кажется отлитым из чистого золота. Наряд второй царевны усыпан самоцветами. Младшая царевна. На ней чёрное платье усыпано жемчугом. Но не драгоценности она охраняет. Её сокровища изображены на переднем плане картины, возили их по Донецкой железной дороге. Строил эту дорогу знаменитый Савва Иванович Мамонтов. А полотно, которое он заказал Васнецову, должно было украшать его кабинет.

Картина В.Васнецова «Богатыри» (1881 – 1898, ГТГ) занимает особое место в творчестве художника, это своеобразная константа его жизни. От первого наброска (1871год) до первого показа на персональной выставке В.Васнецова (1898 год), где картина стала смысловым ядром всей экспозиции,  прошло почти 30 лет. В этой картине переплелись и сказка, и былина, и история. Художник признавался: «Богатыри» были моим творческим долгом, обязательством перед родным народом…» Виктор Васнецов хотел, чтобы картина рассказывала каждой деталью. Степенный и могучий Илья Муромец, на вороном коне. Он -  крестьянский сын, а цвет коня ассоциируется со свежее вспаханной землёй – чернозёмом, да и в фольклорной традиции чёрный – цвет плодородной земли. Благородный и мудрый Добрыня Никитич, на белом коне, он представитель дворянства, очень образованный человек, имевший большую библиотеку по тем временам. Задумчиво – лукавый Алёша Попович – сын священника, побеждавший ворогов не столько силушкой богатырской, сколько разумом да хитростью. Вот они – богатыри, представители разных слоёв населения России, оберегают покой родной земли и как бы предупреждают, что в случае войны, весь русский люд, будь то крестьянин, дворянин или представитель духовенства, - все до единого встанут на защиту своей Родины. Вот какой глубокий смысл  скрывается в произведении художника. Сразу после персональной выставки Виктора Васнецова полотно купил П.Третьяков для своей знаменитой коллекции.  

Богатырская тема русского фольклора влекла Васнецова всю жизнь. Об этом свидетельствует также его работа «Баян», созданная в 1910 году. На картине художник изобразил легендарного русского сказителя в окружении витязей, слушающих его песнь. В Центр экспозиции помещён Илья Муромец, любимейший герой русских былин. Сказания об Илье Муромце – о его сидении на печи, чудесном исцелении, многочисленных подвигах – сопровождают каждого русского человека с детства. А ведь это вполне реальный персонаж отечественной истории. Как утверждают письменные источники, закончив свои ратные труды, Илья Муромец отдал всё нажитое на украшение храмов, постригся в монахи в Киево – Печерской лавре, прославился уже молитвенными подвигами и до сих пор пребывает нетленным. Русская православная церковь причислила его к лику святых  в середине XVII века. Васнецов эти факты, несомненно, знал и учитывал, создавая величественный образ знаменитого русского богатыря. При этом он старался  по возможности точно воспроизвести реалии исторического времени – военная амуниция, упряжь коней, одежда, - всё это Виктор Васнецов видел в музеях и исторической литературе. Продумано до мелочей и колористическое решение картины – цвета русских полей, на защиту которых выехали богатыри, сложным образом перекликаются с цветами их одежды и вооружения.

В последние годы своей жизни Виктор Васнецов создал серию картин, которая получила название «Поэма семи сказок». Эти работы   хранятся  в его доме – мастерской в Москве:  «Спящая Царевна» (1926) – аллегория ещё не пробудившейся России, «Царевна – Лягушка» (1901 – 1918), Баба – Яга» (1901 – 1917), «Бой Добрыни Никитича с семиглавым Змеем  Горынычем» (1913 – 1918), «Царевна – Несмеяна» (1914 – 1926), «Кащей Бессмертный» (1917 – 1926), «Ковёр – самолёт» (1919 – 1926). Пёстрое узорочье картин этой серии сродни звучности колорита народного искусства. В ярких звонких красках скрывается символика народной философии жизни.

Время создания серии (1917год) говорит само за себя, художник в это время страдал, наблюдая, что происходит в его родной стране. «Сказка – ложь, да в ней намёк, добрым молодцам урок…». Но чудесная сказка Васнецова не была «ряженой действительностью», написанной красками в соответствии с теми или иными формальными законами. Перенося на холст фольклорные и исторические сюжеты, Васнецов предлагал современникам идеал, о существовании которого они забыли.

Сделанное Васнецовым громадно (живопись, дизайн, архитектурные проекты, роспись Владимирского храма в Киеве) и ещё долго будет давать о себе знать в отечественной культуре.  «Десятки русских выдающихся художников, - верно заметил М.Нестеров, - берут своё начало из национального источника – таланта Виктора Васнецова».

3. Врубель Михаил Александрович (1856 – 1910)

«Будить от мелочей будничного

величавыми образами»  (девиз М.Врубеля)

М.Врубель – крупнейший мастер в русском искусстве  рубежа XIX и XX веков, в творчестве которого нашли первое (по времени) воплощение принципы символизма. В середине 80-х годов XIX века художник работал в Киеве на реставрации древних фресок Кирилловской церкви. В киевский период оформляется индивидуальный стиль Врубеля. В нём господствует пластически – скульптурный объёмный рисунок, своеобразие которого – в дроблении поверхности формы на острые, колкие грани. Цвет в картинах Врубеля – это окрашенный свет, пронизывающий изнутри грани кристаллической формы.

Если богатыри на картине Васнецова очень убедительны в своей былинности, то «Богатырь» (1898, ГРМ) на картине М.Врубеля ошеломляет своим сверхъестественно – могучим обликом. Преувеличенный объём, «дремучесть» вида делают его похожим на порождение сказочной чащобы, из которой он возникает, чтобы тотчас, на ваших глазах раствориться в ней. Колорит картины мрачен и драгоценен. Богатырь кажется не столько написанным, сколько изваянным из неведомой горной породы. Он похож на Святогора, сила которого была столь необъятна, что  сама мать – сыра земля с трудом носила его.

Богатырская тема в творчестве Михаила Врубеля началась раньше, когда имя его ещё мало кому было известно. В 1896 году на Нижегородской выставке демонстрировалось наряду с другими его панно «Микула Селянинович», после чего творчество Врубеля становится широко известным, порождая острую полемику. Тематика его произведений – это, как правило, «вечные» сюжеты и образы, пришедшие не прямо из жизни, а из искусства. Наиболее последовательный романтик в искусстве своего времени, Врубель вместе с привязанностью к определённому кругу образов наследует из романтической традиции тему ночи. В колорите Врубеля преобладают краски холодной части спектра – это специфически ночной лунный колорит.

Творчество Врубеля конца 90-х отмечено пристальным интересом к фольклорным и сказочным образам. Многие из них навеяны музыкой Н.А.Римского – Корсакова. В картине «Царевна – Лебедь» (1900, ГТГ) Художник превращает свою жену, певицу Надежду Забелу, в сказочное видение.  Она изображена на фоне «оживающих» декораций к опере Римского – Корсакова «Сказка о царе Салтане», в которой Забела – Врубель исполняла партию Царевны – Лебеди. Перламутрово – лиловый туман оживляет морскую пену прибоя. Справа пена сгущается и превращается в лёгкое серебристо – розовое  крыло, а слева как будто каменеет, застывая драгоценными кристаллами чудесного оперения. Неверный свет заката придаёт её облику трепетную изменчивость. Блеск глаз Царевны  соперничает с переливами драгоценных камней на её кокошнике. (Как не похожи они на самоцветы Васнецова.) Эффекты света, тонкая вибрация мазка Врубеля позволяют даже «услышать»  пленительный голос певицы.

Многие сказочные полотна М.Врубеля пронизаны особой музыкальностью. В его картине «Пан» (1899, ГТГ) древнегреческий бог лесов и полей скорее похож на лешего из русской сказки. В неверном свете месяца фигура козлоногого пана появляется из-за замшелого пня. Его голубые  простодушные и мудрые глаза, отливают такой же синевой, как гладь речки и трогательные незабудки на переднем плане. Кажется Пан прислушивается к чему-то. Может быть к шелесту тростника на берегу, в котором ему чудится голос его возлюбленной нимфы Сирингс. Когда-то в паническом страхе она бросилась прочь от него и, обратившись с мольбою к богам, была превращена в прибрежный тростник. В память о своей возлюбленной Пан сделал из тростника музыкальный инструмент, который так и называется «флейта Пана».

Благодаря удивительной способности художника переживать образы прошлого как вечно живое наследие, к которому каждое новое поколение обращается заново, его искусство сохраняет волнующую силу и значение для современных зрителей и художников.

4. В ладу с фольклором и историей. Подлинными шедеврами русской сказочной живописи можно считать иллюстрации к русским народным сказкам И.Я.Билибина. Билибин Иван Яковлевич (1876 – 1942), российский график, художник – иллюстратор и театральный художник, ученик И.Е.Репина, член «Мира искусства», оформитель одноимённого журнала – первого образца искусства книжного оформления – области художественной деятельности, в которой «мирискусники» выступили подлинными реформаторами.  В 1899 году изданы первые иллюстрации к русским сказкам и былинам в декоративно – графической орнаментальной манере, основанной на стилизации русского народного и средневекового искусства.

В 1899 году со «Сказки об Иван – царевиче, Жар – птице и о  Сером Волке» начался цикл билибинских русских народных сказок. Тогда же появилась «Царевна – лягушка и «Василиса Прекрасная», а в течение следующих 4-х лет вышло 6 книг. «Билибинский стиль» стал узнаваем с первой же книжки. А было художнику 23 года. О своих работах он говорил: «Акварели в сказочном моём стиле». Когда же его спрашивали, почему именно сказки, он полушутя отвечал: «Я русский с головы до ног. Мои предки – именитые калужские богачи – купцы. Значит, говорил во мне и приказывал голос крови. Только прислушиваясь к нему, я потянулся к родной старине и её образцам». Выставка Виктора Михайловича Васнецова в 1899 году в Петербурге также сыграла немалую роль: «Сам не свой, ошеломлённый, ходил я после этой выставки. Я увидел у Васнецова то, к чему смутно рвалась и по чём тосковала моя душа». Билибин увидел выраженную современным художником красоту Древней Руси. Начав рисовать, Билибин выбрал волшебные сказки, где «чудеса» составляют главную их прелесть. Билибин мечтал, чтобы его книги передали само дыхание старины и чтобы заново родилась красота книжного искусства. В поездке по Северу он собрал уникальную коллекцию старинной одежды и подарил Русскому музею. Написал статьи о древних культурных сокровищах Севера. Но главным стали его иллюстрации к русским сказкам.

Такого богатого оформления ещё не знала русская детская книга, и никто не превзошёл в этом Билибина (может, только Маврина, да и то по-своему). На обложке художник развёртывает волшебный сказочный мир: тут и волшебная птица Сирин, грифон, филин в серебряном оперении, многоглавый змей, летящий над древним городом,  три богатыря чёрным силуэтом в степи – дань любви к васнецовским «Богатырям». Каждый сюжет заключён в рамку, а между ними – затейливые орнаменты.

Каждую сказку художник начинал с оригинальной заставки, - рисунков, заключённых в подобие оконных наличников и ставен, отделанных деревенским кустарём. На рисунках обычно нечто таинственное, волшебное: Баба – Яга, летящая на ступе, серый волк, крадущийся к стенам древнего города. И текст и иллюстрации обрамлены в рамку, прихотливо украшенную орнаментом.   Художнику удавались и тайна, и загадочность, и поэзия, и юмор – одна из сторон билибинского таланта, придающая его иллюстрациям своеобразную живость. Билибину удалось придать детской книге своеобразную эстетику, близкую самой русской народной сказке и старому русскому искусству. Самая крошечная деталь воспитывала вкус, интерес к старине. Мудрая Маврина объяснила феномен Билибина просто: стиль его «продиктован безмерной любовью к своей стране, истории, к старине».

Использованная литература:

1. Советский Энциклопедический Словарь,М., Советская энциклопедия, 1985.
2. Энциклопедический словарь юного художника, М., Педагогика, 1983.
3. Большая иллюстрированная энциклопедия, М., АСТ Астрель,2010
4. Художественная галерея.Васнецов.№64, De Agostini,2005.
5. Собеседники поэзии и сказки. Л.Кудрявцева,М., ОАО Московские учебники,2008.
6. Там чудеса… Чудесный мир сказки в творчестве русских художников.
7. http://ru.wikipedia.