Материалы по мировой художественной культуре в 9 классе пограмме Г.Даниловой содержат тексты по темам учебника Г.Даниловой "Мировая художественная культура" 7-9 кл., иллюстрации, проверочные тесты. Можно использовать как раздаточный материал при отсут
учебно-методический материал по мхк (9 класс) на тему

 Библейская легенда о строительстве Вавилонской башни рассказывает нам о «золотом веке» человечества, когда «на всей земле был один язык и одно наречие». И в этом единообразии была великая сила, которую люди однажды решили использовать для создания башни до небес… Их дерзкий поступок, как известно, вызвал гнев Всевышнего. Чтобы в будущем люди не смогли вновь соединить свои усилия и повторить неугодное, он смешал все языки, расселил людей по разным землям и воздвиг между ними непреодолимый языковой барьер, так что они перестали понимать друг друга.

Существовавшее единство распалось, и вскоре сложилась такая пестрая картина в обычаях, языках и культурах народов, что разобраться в ней стало непросто. Каждый народ являлся поистине Колумбом, первопроходцем и первооткрывателем мироздания. Он приспосабливался к определенным природным и климатическим условиям, обживал и обустраивал неизведанные земли, создавал свой самобытный язык, культуру, развивал национальные традиции.

  Поучительный смысл библейской легенды очевиден, но в то же время он более глубок, чем кажется на первый взгляд. "Смешение языков" обернулось во благо человечеству и на самом деле привело к развитию и многообразию самобытных культур народов мира. Именно о них и пойдет главный разговор на страницах нашего учебника.

§2.1 Единство мировой культуры

Мир культуры богат палитрой ярких красок, многоголосием звуков. Как в музыке, это многоголосие сливается в единую и стройную симфонию, в которой важен и неповторим каждый аккорд. Поэт Борис Слуцкий писал:

Человечество — смешанный лес,         Пререканья и разноголосье

так что нечего хвою топорщить          не смолкают еще до сих пор

или листья презрительно морщить:    Получается все-таки хор.

все равны под навесом небес.                Мы шумим, но как в поле колосья.

Культура едина, в ней слиты историческое и современное, традиционное и нетрадиционное. Знакомясь с шедеврами художественного творчества, мы черпаем из общего источника – культуры человечества. Выдающиеся творения античных мастеров, Рафаэля и Микеланджело, Данте и Шекспира, Бетховена и Чайковского составляют неотъемлемую часть сокровищницы мировой культуры, а значит, являются достоянием всего человечества. Разбросанные по художественным музеям мира, звучащие в концертных залах различных стран, они способны объединить и сплотить людей, живущих во всех уголках Земли.  А потому для истинных творений культуры не существуют ни временных, ни государственных, ни религиозных границ.

 Так, пьесы античных драматургов -Эсхила, Софокла и Еврипида,-созданные на заре человеческой юности и поведавшие о красоте характеров, силе чувств и стремлений, давно приобрели мировое и общечеловеческое значение, а потому и в наше время звучат актуально и не сходят с театральных сцен мира. Всемирному гению Пушкина был подвластен русский фольклор и песни западных славян, он передавал характерные черты немецкого средневековья, прекрасно знал традиции венгерских, испанских и молдавских цыган, в звучном, мелодичном стихе выразил грузинские мотивы и стихию украинской жизни.

Человечество не может жить без культурных связей. В противном случае оно обречено на духовное одиночество. В чем  же главная причина единого пространства мировой культуры? Она – в Человеке, в его природной сущности быть творцом и созидателем. Еще в первобытном обществе, заботясь о сохранении жизни и пропитании, человек находил время наносить узоры на предметы повседневного обихода, лепил фигурки людей и животных, выбивал в толще скал удивительные по красоте картины. Человек приходит в этот мир, чтобы все познать, пережить, испытать, почувствовать и выразить в словах, звуках, жестах и красках. Не случайно поэт Борис Пастернак так писал о сущности духовной жизни человека: "Все время схватывая нить судеб, событий, жить, думать, чувствовать, любить, свершать событья".

Единство мировой культуры проявляется и в том, что ее идеи универсальны. Понятия Красоты и Добра, Жизни и Смерти, Любви и Ненависти, Нравственности и Невежества имеют общую значимость для каждого народа. Их постижение через шедевры мировой художественной культуры помогает людям лучше познать самих себя, свое прошлое и настоящее, заглянуть в будущее, определить жизненные ориентиры и духовные ценности.

Без перевода и комментариев можно понять великую сущность материнства, вглядываясь в благородные лики мадонн на картинах итальянского Возрождения или на иконах древнерусских мастеров. Сколько в них жертвенной любви, нежности и благородства! Вдохновенная музыка немецкого композитора И.С.Баха, созданная еще в веке, понятна и близка людям на любом континенте, потому что в ней выражены сила и величие человеческого духа.

Задание для самостоятельной работы

1. В чем проявляется единство и многообразие культур? Какими примерами из произведений искусства вы смогли бы это проиллюстрировать? Каковы, на ваш взгляд, общие направления в развитии мировой художественной культуры в настоящем и будущем?

2. Обратитесь к известной трагедии Эсхила "Прометей Прикованный". В чем заключается ее общечеловеческое значение для предшествующих эпох и для нашего времени?

§12.3 Карело-финский эпос «Калевала» 

   Много веков  назад в краю лесных озер и рек, шумящих елей и сосен, под суровым небом северных земель Карелии и Финляндии сложил народ удивительные по красоте предания. И с тех пор передают их из уст в уста рыбаки и охотники, лесорубы и пахари, рассказывают их матери маленьким детям, а старики- внукам малым.   Весомо и величественно, просто и вместе с тем очень торжественно звучат эпические руны (т.е. песни) о далеких временах мира и о первых героях.

 Пастух или рыбарь на скалах

Поет таинственные руны,

Уж непонятные для нас!

И часто в полуночный час

Звучат под шум дубравной струны,

И движется в его руках

Созданье бога Вейнамены,

Преданья рун ему бесценных;

Убереглись они в веках...

(Ф.Глинка. Карелия)

      Очень часто карельские руны исполнялись на праздниках двумя певцами попеременно. Садились они друг против друга, брались за руки и, мерно покачиваясь, как бы перетягивая один другого, затягивали негромкую неторопливую песню-рассказ о подвигах и приключениях славных героев счастливой и солнечной страны Калевалы.

Старый, верный Вяйнямёйнен

Проводил покойно время

На полянах Калевалы.

Распевал свои он песни,

Песни мудрости великой...

Пел дела времен минувших,

Пел вещей происхожденье,

Далеко проникли вести,

Разнеслась молва далеко

О могучем пенье старца,

О напевах богатырских...

   Главный герой «Калевалы»  Вейнямёйнен-старый певец и мудрый прорицатель, пахарь, охотник и умелый мастеровой. Выше всего в жизни он оценит воинскую доблесть, трудовые подвиги и приобретенные знания. Вейнямёйнен-первый творец мира, постигший жизненную мудрость и снискавший славу у своего народа .

  Но «пришло лихое время», на землях не уродился хлеб, и старый, мудрый Вейнямёйнен приходит на помощь. Люди получают хороший урожай и спасаются от голода.

  Основу сюжета «Калевалы» составляет борьба Вейнямёйнена и его товарищей за Сампо-маленькую волшебную мельницу-источник изобилия. Сампо попадает в руки злой  волшебницы Лоухи-хозяйки мрачной северной страны Похъёлы. Вместе с двумя своими друзьями Вейнямёйнен отправляется по морю в лодке в Похъёлу в надежде добыть Сампо. Но неожиданно у водопада их лодка застреливает на спине огромной щуки, из челюстей которой они позднее сделают кантеле- музыкальный инструмент, напоминающий по форме арфу.  

     Вейнямёйнен берет в руки кантеле и начинает играть. Все, живущие в воздухе, на земле и на море, собираются послушать его сладкозвучное пение. Он играет прекрасно, что на глазах слушающих выступают слезы. Из глаз самого певца тоже непроизвольно падают на землю крупные слезы. Скатываясь в воду, они превращаются в чудесные голубые жемчужины.      

Старый, верный Вяйнямёйнен,

Вековечный песнопевец,

Кантеле берет он в руки,

Держит кантеле руками,

Говорит слова такие:

"Приходи сюда послушать,

Кто еще не слышал раньше

Этих вечных рун усладу

Вместе с кантеле напевом!"

Под рукою старца Вяйнё

Издает искусно звуки

Этот короб многострунный,

Кантеле из рыбьей кости.

Плавно вскидывал он пальцы,

Высоко большой он поднял.

Шло веселье за весельем,

Радость с радостью сливалась;

Вот играет Вяйнямёйнен -

И в лесу не стало зверя

Изо всех четвероногих,

Кто скакать и бегать может,

Чтоб не шли туда послушать

И, ликуя, восторгаться.

Белка весело цеплялась,

С ветки прыгала на ветку;

Подбежали горностаи

И на изгороди сели;

Лось запрыгал на поляне,

Даже радовались рыси,

Волк проснулся на болоте,-

На песчанике поднялся

Сам медведь в сосновых чащах,

Средь густых зеленых елей.

Чтоб услышать эти звуки.

Все воздушные летуньи,

Все с двумя крылами птицы

Запорхали, прилетели,

Прилетели и уселись

Слушать радостные звуки

И, ликуя, восторгаться.

С высоты орел спустился,

Из-за туч спустился ястреб,

Из потоков вышли утки,

Снялись лебеди с болота,

Даже зяблики-малютки,

Что так весело щебечут,

Сотни чижичков слетелись,

С ними жаворонки вместе

Тысячей вверху шумели,

На плечах возились старца.

Так играл отец почтенный,

Восхищал всех Вяйнямёйнен.

Старый, верный Вяйнямёйнен

День играет и другой день.

Не осталось там героя,

Кто б от той игры не плакал,

Чье не тронулось бы сердце.

Плачет старый Вяйнямёйнен,

Слезы катятся обильно,

Из очей сбегают капли,

Вниз жемчужные стекают;

   Наконец, герои прибывают в Похъёлу, но хозяйка не соглашается отдать Сампо и поднимает против непрошеных гостей всех жителей страны. Тогда Вейнямёйнен берет в руки кантеле и начинает играть, погружая в глубокий сон всех собравшихся. Вместе с товарищами он разыскивает Сампо, достает его из каменной горы, кладет в лодку и отправляется в обратный путь.

Взяли так большое Сампо в  глыбе Похъёлы скалистой, в недрах медного утеса,

Отнесли его на лодку,

В корабле его укрыли.

 На третий день пробудилась хозяйка Похъелы и сразу же обнаружила пропажу.

  Лоухи, Похъёлы хозяйка, вся от злобы распалилась, видит: власть ее слабеет, пропадает также слава.

 Чтобы задержать похитителей, она насылает на них густой туман, сильный ветер… Через некоторое время ей удается настигнуть похитителей Сампо, и между ними завязывается бой, в котором побеждают богатыри Калевалы. И все же хозяйке Похъелы удается выхватить  Сампо из лодки, но оно падает в море и разбирается на множество мелких кусков. Некоторые из них волны выбрасывают на берег. Венямёйнен  старательно собирает остатки Сампо, сращивает их и желает своей стране вечного процветания и счастья. Злой хозяйке Похъёлы ничего не остается, как возвратится без Сампо.

    Но вот беда: во время поединка Вейнямёйнен теряет в волнах бурного моря своё кантеле. Отчаявшись найти его, он делает из березы новое и по-прежнему восхищает своей игрой и пением все живое на земле. Но хозяйка Похъелы не унимается: она насылает на Калевалу ужасные болезни. И снова Вейнямёйнен приходит на помощь людям. Он исцеляет народ заговорами и мазями.

Старый, верный Вяйнямёйнен

Вековечный прорицатель,

Так несчастье прогоняет,

Изгоняет все болезни.

Отвращает скорбь людскую,

Лечит тяжкие недуги,

От конца людей спасает,

Род весь Калевы от смерти.

 Хозяйка Похъелы насылает на жителей Калевалы злого медведя, но Вейнямёйнен побеждает и его. Тогда Лоухи похищает и прячет луну и солнце, заслушавшихся сладкозвучным пением богатыря. Она похищает огонь из очагов Калевалы. Вейнямёйнену и его другу кузнецу Ильмаринену удается найти огонь в брюхе рыбы. Неожиданно огонь выскальзывает из рук и быстро распространяется по лесу, уничтожая все на своем пути. Чудом удается героям усмирить разбушевавшуюся стихию и вернуть огонь в темные жилища Калевалы.

Старый, верный Вяйнямёйнен

Искру огненную взял он,

Положил на трут горючий,

На кусок сухой березы,

Положил в котел из меди

И в котле принес ту искру

Получили пламя избы,

Получили свет жилища.

  Видит хозяйка Похъёлы: плохо ее дело, а поэтому выпускает она в страхе на волю луну и солнце.  

Лоухи, Похъёлы хозяйка,

Редкозубая старуха,

Видит, к ней беда подходит,

Ей несчастье угрожает.

Из скалы пускает месяц,

Солнце выслала из камня.

 Счастливый Вейнямёйнен, увидев на небе луну и солнце, обращается к ним с такими словами:

Здравствуй, месяц серебристый, Вновь ты кажешь лик прекрасный,

 Здравствуй, солнце золотое, Снова всходишь ты, сияя!...

 По утрам вставай ты, солнце,

С нынешнего  дня вовеки!

Каждый день приветствуй счастьем,

Чтоб росло богатство наше, Чтоб к нам в руки шла добыча,

К нашим удочкам шла рыба!

Так заканчивается это замечательное повествование, ставшее художественным символом мировой культуры.

Задание для самостоятельной работы

1. Вы познакомились с выдающимся памятником карело-финского эпоса "Калевалой".

Что именно и почему особенно запомнилось при чтении?

 Какие черты героического эпоса присущи этому произведению?

Народные промыслы уральских мастеров

История культуры Урала неразрывно связана с освоением русским народом уральских и сибирских земель. C XVI в. на колонизируемых территориях строятся города. В  XVIII в. продолжается заселение и освоение края: Средний Урал становится горнозаводским центром страны. Здесь возникает уникальная горнозаводская культура, отличающаяся от культуры остальной крестьянской России, получившая наиболее полное воплощение в уральских художественных промыслах, соединивших традиции народного искусства и новые формы промышленного способа организации производства.

Каслинское  литьё, златоустовская гравюра на стали, нижнетагильская роспись по металлу, камнерезное и ювелирное  искусство – можно сказать, что  их значение стоит в одном ряду со значением края как исторически  сложившегося металлургического центра. Они были порождены и стали выражением горноуральского способа жизни, где крестьянские традиции во многом определяли труд рабочих и мастеровых, где творчество кустарей-одиночек соседствовало с промышленным производством, где главным материалом были железо и камень, где связь с духом традиций не отвергала, а предполагала постоянный широкий поиск, где создавались произведения, украшавшие столичные дворцы и крестьянские избы, купеческие особняки и рабочий быт.

     Произведения  уральского промышленного искусства при всём разнообразии характера и форм бытования промыслов отличает тесная связь с бытом, с практическими потребностями самой жизни

  Особенности уральских народных промыслов определялись значительностью роли творческой индивидуальности, важностью, которую приобретал поиск собственных выразительных средств и художественной новизны. Феномен Мастера уходит корнями в народную культуру к мастеровому, отвечающему за свой труд, несущему ответственность за себя и за своих близких. Его труд мало механизирован, он скорее ручной, чем машинный, хранит тепло человеческих рук.

  Чугунное  литьё на Урале было связано прежде всего с хозяйственными нуждами: необходимость печных дверок, котлов, жаровен, форм для выпечки пряников и булок приводит к тому, что предметы домашнего обихода изготовляют на многих уральских заводах в XVIII – XIX вв. В то время уральские чугунные изделия пользовались большой популярностью: их использовали для украшения архитектурных сооружений и в интерьерах особняков. Особую славу приобрели узорчатые чугунные решётки, до сих пор сохранившие очарование кружевной вязи. А в первой трети XIX в. наблюдается новый мощный подъём в русской архитектуре, создаются грандиозные ансамбли, архитекторы широко используют скульптуру и чугунное

литьё. В 1830 – 1840 гг. фигурное чугунное литьё  появляется на  Каслинском заводе. В Каслях отливались и решётки, и садовая мебель, и камины, и камерная скульптура. Они были различны по форме, но всегда поражали мастерством исполнения.

   Златоустовская гравюра на стали.  В оружейной палате Московского Кремля и в коллекциях уральских музеев представлены уникальные экспонаты  – украшенное гравировкой оружие. В начале XIX в. на Урале появился специальный центр по изготовлению холодного  украшенного оружия в г. Златоусте. Наибольшим спросом оно пользовалось в то время, когда русская армия вела боевые действия, или во времена юбилеев славных побед русского оружия, когда возникала необходимость награждать отличившихся офицеров и генералов.  Уральские художники создают неповторимый стиль Златоустовской гравюры на стали в 20 – 30-е гг. XIX в. Они вводят в гравировку не только орнаментальные мотивы, но и сюжетные сцены.

    Нижнетагильская роспись по металлу.  Уже с середины XVIII в. на ряде уральских  заводов помимо предметов быта, необходимой  в хозяйстве посуды начинают изготовлять «лаковые блюда и подносы». Подносный нижне-тагильский промысел возник в среде старообрядцев, среди которых было немало иконописцев.  Подносы, изготовленные мастерами Нижнего  Тагила, имеют такую же художественную ценность, как, к примеру, широко известные жостовские. Подносы украшались «декоративной цветочной росписью», значительное место занимали «декоративные разделки» - роспись «под малахит», «под черепашку», «под дерево».   Живописные изображения обрамлялись красной и чёрной полосой с орнаментальным пояском, а также богатым золочёным узором. Тагильская династия художников Худояровых прославилась уникальными подносами, лак на которых не трескался даже от раскалённых чугунков. Этот прозрачный, сверкающий и крепкий лак получил за свои свойства название «хрустальный» – говорят, что даже царская водка его не брала. Рецепт изготовления «хрустального» лака мастера Худояровы держали в строжайшем секрете. Теперь он безвозвратно утрачен.

  Камнерезные изделия уральских мастеров. Более половины уральских ремесел издавна были связаны с обработкой камня . Искусство уральских камнерезов воспевал в своих сказах Павел Бажов. Изделия уральцев с давних времен и по сей день украшают лучшие музеи мира и частные собрания . Поделочный камень использовался для изготовления украшений: бусы из хрусталя, аметиста, малахита, селенита, яшмы. Уникальные  изделия из уральских камней, мрамора  и малахита, выполненные в XVIII – XIX вв., украшают многие музеи и дворцы Европы и нашей страны. В коллекциях Государственного Эрмитажа хранятся вазы, торшеры, подсвечники, изготовленные на Екатеринбургской гранильной фабрике.

   Урал обладает лучшими и богатейшими в мире месторождениями малахита.  Этот зеленый минерал с неповторимым узором считается «русским» камнем, потому что именно уральский малахит превосходит остальные по своему великолепию: «на поверхности, как бархат, а в изломе, как атлас». С Урала же пошла и общепринятая во всем мире техника обработки камня, называемая «русская мозаика». Любили презентовать малахитовые изделия и русские цари.

Так, Александр I подарил Наполеону стол, вазу и канделябр, изготовленные из малахита.

Малахит нарезают на тонкие плитки и пользуются им как облицовочным материалом: оклеивают приготовленную форму круглую, если это ваза, или плоскую (столешница).

 В течение почти всего 18 века крупные заказы выполнялись из более мягкого, чем яшма или агат, мрамора. В частности, уральцы сделали из него мраморные детали — ступени, плиты, поручни, колонны — для Смольного монастыря, Петергофа и многих построек Царского Села. Из твердых пород (мурзинских топазов, сердолика, горного хрусталя) производили в 18 веке только мелкие предметы — печати, мундштуки, табакерки, рукояти для кортиков и т.п.   

   Процесс обработки камня был трудоемким и многоступенчатым, изготовление изделий требовало осторожности и особой тщательности. Например, собираясь делать чашу из 1000-пудового монолита розового орлеца (родонита), екатеринбургские специалисты писали заказчику: «Камень этот, имеющий черноватые прослойки, не может обрабатываться отсечкою, хотя ускоряющей работу, но могущей раздробить камень по прослойкам, поэтому чаша, по получении заказа, может быть изготовлена не ранее четырех лет». В действительности же на изготовление этой вазы ушло не четыре, а десять лет упорного труда.

Ювелирное производство является одним из самых значимых уральских промыслов. Зарождение его началось с огранки самоцветов в начале третьего десятилетия XVIII века, а собственно ювелирные изделия с драгоценными и поделочными камнями стали выпускаться в первой четверти XIX века в кустарных мастерских, находящихся при всех ювелирных магазинах Екатеринбурга. Особо расцвело ювелирное дело после реформы 1861 года, быстро превратившись в один из самых доходных уральских промыслов.

   Характерные формы башкирского народного декоративно-прикладного искусства - резьба и роспись по дереву, тиснение на коже и ювелирное дело, вышивка и аппликация, ковроделие и художественное ткачество, изготовление украшений из кораллов, бисера и монет, узорная вязка. C особенной тщательностью отделывались бытовые предметы: деревянная утварь, подсвечники, шкатулки, футляры для курая, посохи, подставки для сундуков и постельных принадлежностей, кухонные шкафчики, иногда орудия прядения и ткачества. Употреблялись в быту башкир и берестяные изделия: посуда для хранения меда и масла, различного рода короба и корзины, колыбели, некоторые инструменты ткачества и пчеловодства. Детские колыбели, туески, корзины для ягод орнаментировались несложной резьбой, шитьем или аппликацией.

       Ювелирное искусство башкир                    Башкирский войлочный ковер

Задание для самостоятельной работы.

1. Составить таблицу «Народно – художественные промыслы Урала» (вид, материал, особенности промысла, центры).

2.Подробно рассказать  о любом из промыслов.

Идут по Руси скоморохи...

  Скоморохи – это первые профессиональные актеры на Руси. Широкое распространение они получили в XV-XVI вв. Но в летописях есть упоминание о скоморохах, относящееся к IX веку. Скоморошить, т. е.  петь, плясать, балагурить, разыгрывать сценки, мог всякий. Но скоморохом-умельцем становился и назывался только тот, чье искусство выделялось над уровнем искусства масс своей художественностью.

 «Всяк спляшет, да не как скоморох», - говорит русская поговорка. Так постепенно создавалась почва для того, чтобы искусство скоморохов в дальнейшем сделалось их профессией, ремеслом. Зародившись почти с образованием Руси, скоморошество просуществовало несколько столетий. Именно оно стало родоначальником театра, танца и других культур на Руси. Это неотъемлемая часть русской культуры, рожденная самим народом и служившая людям, обеспечивая потребность человека в самовыражении и совершенствовании.

  Впервые слово «скоморох» встречается в «Повести временных лет» в 1068 г. В эпоху Древней Руси они объединялись в группы и бродили из города в город, участвуя в народных обрядах и праздниках, свадьбах и княжеских играх. Они пели шутовские песни, обряжались в звериные шкуры, надевали маски. Играли на музыкальных инструментах: гуслях, гудках, домрах, волынках. Скоморохи веселили народ, часто выступали в роли обличителей социальной несправедливости, помогали людям советом. Их всегда встречали с радостью. Истинных скоморохов на Руси знали и любили во многих городах – Суздале, Владимире, Московском княжестве, по всей Киевской Руси. Народ называл скоморохов «веселыми молодцами», сочинял про них истории, пословицы и сказки.

   Первые летописные сведения о скоморохах совпадают по времени с появлением на стенах Киево-Софийского собора фресок, изображавших скоморошьи представления. Известно, что при дворе скоморохи развлекали пением, плясками и игрой на музыкальных инструментах князей. Больше всех любил веселье, музыку, песни и пляску князь  Владимир. По-видимому, одно из таких представлений изображено на фресках Софийского собора а Киеве. На одной из фресок нарисованы три пляшущих скомороха - один соло, двое других в паре, причем один из них либо пародирует женскую пляску, либо исполняет нечто подобное пляске с платком в руке. На другой - трое музыкантов: двое играют на рожках (сопелях), один на гуслях. Тут же два акробата-эквилибриста: взрослый стоя поддерживает шест, по которому поднимается мальчик. Рядом - музыкант со струнным смычковым инструментом. На фреске представлены также травля медведя и белки или охота на них, бой человека с ряженым зверем.

Однако, несмотря на то, что народ приветливо относился к скоморохам, более знатные слои населения – князья, духовенство и бояре, на дух не переносили веселых насмешников. Это было связано как раз с тем, что скоморохи их с удовольствием высмеивали, переводя в песни и шутки самые неблаговидные дела знати и выставляя простому народу на посмешище. Сатира на духовенство была частой  в выступлениях скоморохов-кукольников. На подобных игрищах потешники представляли монаха и делали из него посмешище. Кукольной комедии не бывало без рясы. Подобные игрища с восторгом принимались зрителями из народа, ценившими любую сатиру на духовенство.

   Скоморошье искусство стремительно развивалось и вскоре в скоморошьих группах были  и дрессировщики медведей – медведчики, музыканты – домрачеи, гусельники, гудошники, рожечники, мастера слова – бахари и освистые, т. е. остряки, а также акробаты, фокусники, кукольники-петрушечники. Скоморохи стали выступать с дрессированными животными, устраивать кукольные спектакли. Без скоморохов не обходились деревенские праздники и ярмарки.  Скоморохи давали представления двух видов искусств – драматического и циркового.  Они постоянно выступали на узких улочках и широких площадях, не только самостоятельно проводили представления, но и вовлекали в этот процесс зрителей. Выступление скомороха для крестьянина древней Руси – это всегда праздник, на который приходила поглазеть вся семья. Скоморохов часто приглашали в свои дворы князья и бояре за отдельную плату. Они были очень популярны при дворе. Князья и бояре любили обсуждать не только дела, но и посмеяться с песен и частушек скоморохов.

   Скоморохи были одеты в тунику с полосами. У них всегда был длинный и яркий кафтан. Он подпоясывался специальным поясом из ниток, который считался обязательным атрибутом. Без такого пояса ходить на Руси для мужчины считалось самым настоящим позором! Женщин в рядах скоморохов не было. Пояс защищал человека от невзгод, плохих и злых сил, которые могли навредить его жизни, и обозначал, что мир принял этого человека к себе. Колпак скомороха – это отдельная часть имиджа, которая считалась увеселительной. Он был продолговатым и всегда болтался в разные стороны. Шапка скомороха придавала своему хозяину нелепый вид, что давало возможность людям смеяться не только с его шуток, но и с имиджа.

  Однако, чем больше высмеивали князей и дьячков скоморохи, тем больше усиливались гонения на это искусство. Скоморох – это не просто шут или клоун, это человек, который разбирался в социальных проблемах, и в своих песнях и шутках высмеивал людские пороки. За это, кстати, на скоморохов и начались гонения в эпоху позднего средневековья. Законами того времени предписывалось скоморохов сразу смертельно избивать при встрече, и они не могли откупиться от экзекуции.

   Где-то в начале XVII века за скоморохов взялись всерьез. Их начали преследовать, отбирать у них музыкальные инструменты, запрещать им появляться в той или иной местности. А в 60-х годах того же XVII века по указу царя Алексея Михайловича скоморошество было полностью запрещено. Тех, кто несмотря ни на что продолжал заниматься запрещенным промыслом, били батогами нещадно, ссылали в медвежьи углы или заключали в монастырские темницы - там бывшие скоморохи должны были до конца жизни замаливать свои грехи. Скоморохи исчезли из русской культуры в XVIII веке,  хотя кукловоды и поводыри медведей известны ещё в начале XX века.

   Постепенно все скоморохи на Руси повывелись, а вместо них появились бродячие шуты из других стран. Английских скоморохов называли вагантами, немецких – шпильманами, а французских – жонгерами.

Искусство бродячих музыкантов на Руси сильно изменилось, но такие изобретения, как кукольный театр, жонглеры и дрессированные животные остались. Точно также, как и остались бессмертные частушки и былинные сказания, которые сочиняли скоморохи.

  Кроме скоморохов бродячих, были скоморохи оседлые, в основном боярские и княжеские. Именно последним многим обязана народная комедия.

  Скоморохи являлись также в виде кукольников. Одним из популярных занятий скоморохов был кукольный театр с народным кукольным  героем  – Петрушкой. Основное содержание кукольной комедии состояло в том, что Петрушка сыплет остротами и прибаутками, забавно картавя и гнусавя, покупает у цыгана лошадь, из-за которой происходит ряд смехотворных сцен. Затем он избивает всех, кто попадается ему под руку, но, в конце концов, сам оказывается в зубах у собаки, которая утаскивает его в ад.

  Позже кукольники инсценировали бытовые сказки и песни. Таким образом, кукольная комедия, как и разыгрывание ряжеными бытовых фарсов, была попыткой оригинальной переработки разнообразных элементов драмы, заключающихся в русской народной поэзии или занесенных извне.

 «У нас тоже были свои «лицедеи»-скоморохи, свои мейстерзингеры-«калики перехожие», они разносили по всей стране «лицедейство» и песни о событиях «великой смуты», об «Ивашке Болотникове», о боях, победах и о гибели Степана Разина» (М.Горький, О пьесах, 1937).

  Вклад в развитие культуры и творчества скоморохов огромен. Они не только веселили народ своими шутками, но и передавали свое творчество следующим поколениям, которые запечатлели в летописях деятельность своих предков.

   Как бы ни было грубо и элементарно искусство скоморохов, но оно представляло единственную соответствовавшую вкусам народа в течение многих веков форму развлечений и утехи, заменявшую ему вполне новейшую литературу, новейшие сценические зрелища. Скоморохи были древнейшими в России представителями народного эпоса, народной сцены. Несмотря на неоднозначное в разные времена отношения к скоморохом, всю многовековую эпоху в истории русской светской музыки до середины XVII века можно назвать эпохой скоморохов, так как именно они были яркими новаторами музыкальных, театральных, литературных и других жанров. Их искусство было обращено к народу и отличалось подлинным демократизмом.

 Задание для самостоятельной работы

1.Расскажите об истории развития искусства скоморохов на Руси. Каковы были жанры скоморошьего представления?

2.Как вы себе представляете скомороха? Опишите его внешний вид.

3.Как вы думаете, действительно ли скоморошье творчество составляет основу современного театрального искусства?

4.Выполните рисунок по  теме.

§18.4 Под звуки тамтамов (танцы народов Африки)

  Давно уже стали поговоркой слова:"Как только восходит луна, Африка танцует". Действительно, в Африке танцуют все, т.к. танец является неотъемлемой частью образа жизни человека. Ребенок, привязанный к спине матери, начинает познавать мир, раскачиваясь в ритме традиционного танца. В течение всей жизни песня и танец входят в повседневность, становятся частью его существа. В танце человек постигает тайны жизни. Даже после его смерти, в обрядах погребения, именно песня и танец завершают его путь, пройденный человеком, подводят итог его деяниям.

  Главную суть африканского танца составляют удивительное чувство ритма и особенности пластики, которые передаются из поколения в поколение на протяжении многих лет. Л.Сенгор - один из исследователей  африканской танцевальной культуры -писал: "Существование негра ритмично, его жизнь - это воплощенный ритм; поэтому музыка, танец и поэзия для него -это как бы средство восприятия ритма объекта, средство общения с миром, с "другими" - с богами, духами".

  Давно уже подмечено, как гармоничны и выразительны движения танцоров, как великолепны их горделивая осанка, степенная и плавная походка. Они легко и свободно владеют своим телом, а потому их движения лишены скованности, рождаются непринужденно и выглядят как абсолютная импровизация. И все-таки любая импровизация никогда не выходит за рамки традиционной пластики и ритма.

  Африканский танец - это синтез многих искусств, а поэтому в нем важны все элементы: движения, музыка, костюмы и т.д. Танец носит коллективный характер: в едином порыве в нем живет вся масса участников танцевального действа. Призывно и напряженно зазвучали тамтамы. Присутствующие образуют плотный широкий круг, их призывные крики, стук камня о камень, палки о палку, прихлопывания  в ладоши, звон бубенцов и погремушек на ногах - все сливается с многоголосым хором и убыстряющимися ритмами танцующих в центре площадки. Пламя костра выхватывает из темноты то одного, то другого танцора... Долго, почти до бесконечности длится танец. Один за другим выбывают из круга его обессиленные участники. Наконец, победоносно звучат тамтама. Танец закончился...

   О чем же так красноречиво рассказывают африканские народные танцы? Они говорят о жизни,; их исполнители, как отметил один из исследователей, "танцуют свою жизнь". И это действительно так. В танцах имитируются трудовые процессы, разыгрываются обрядовые эпизоды, демонстрируются различные виды национальной борьбы.

   Из всего многообразия африканских танцев можно выделить основные. Это яркие и красочные "танцы отдыха", которые создают праздничную, радостную атмосферу и служат своеобразной эмоциональной разрядкой для зрителей. Это развлекательные соревнования-игрища, в которых раскрываются лучшие качества участников. Они призваны возвеличить победителя, представить его достойным героем, но в то же время в гротескной форме высмеять побежденного. Это танцы, отражающие трудовые занятия народа: ловкость охотника, мастерство и силу дровосека, умение рыболова, доблесть и мужество воина. В них не только фиксируются особенности или внешние стороны ремесла, но и показываются взаимоотношения между людьми (взаимопомощь, поддержка и т.д.).  

  Существуют танцы, посвященные различным этапам жизни человека: его рождению, становлению и совершенствованию личности, смерти. Они удивительно реалистично и выразительно передают основные вехи человеческой жизни. И наконец, танцы, несущие в себе магический, ритуальный смысл, когда танец становится средством "колдовства" и "заклинания" от злых духов, обращением к душам предков и богов.                                                          Виды тамтамов

  А теперь отправимся в западную часть Центральной Африки, в республику Конго, поприсутствуем на одном из магических обрядовых танцев, посвященном изгнанию злого духа, "нарушившего" привычную, нормальную жизнь общины.

  Горит костер, смолкли тамтамы, в исполнении старика-заклинателя звучит песня... Неожиданно из темноты появляются две скачущие фигуры. Вот они попадают в полосу света, и все видят закутанные в пестрые ткани мужчин. ни передвигаются, высоко подпрыгивая и выбрасывая вперед ноги. В руках у каждого небольшие ящички, покрытые растениями. Песнь старика-заклинателя смолкает, в действо вступает дробный звук тамтамов. Теперь начинает прыгать и быстро, как волчок, крутиться старик. Он выкрикивает при этом непонятные слова и размахивает над головой пучком травы. Неожиданно он замирает на месте, вскинув руки вверх.

  Двое мужчин, поставив ящички на землю, у ног заклинателя, продолжают подпрыгивать на месте, вытянув руки вперед. Затем один из них достает из ящичка и протягивает к огню пучок сухой травы. Мгновение - и пучок уже объят пламенем. Огненный комок быстро переходит в потянутую руку старика, который отправляет его ... в открытый рот! Громкие крики одобрения, ужаса, восхищения и удивления зрителей сотрясают воздух.

  Лицо заклинателя слегка запрокинуто и озарено полыхающим изо рта пламенем. Глаза дико вращаются, затем он высоко подпрыгивает, резко поворачивается и снова замирает. Воцаряется всеобщая тишина... Действо с проглатывание огня повторяется еще раз, непрекращающиеся крики заглушают звуки тамтамов. Присутствующие зрители начинают содрогаться и беспорядочно двигаться. В эти минуты они больше напоминают неуправляемую толпу, чем организованное театральное действо.

  Неожиданно звучит голос заклинателя, все мгновенно останавливаются. Осторожно ступая, старик медленно идет вдоль притихшей толпы зрителей, останавливается на середине, поет песню и помахивает веничком из сухой травы. Вступают тамтамы. Заклинатель переступает босыми ступнями ног по земле, подчиняясь какому-то магическому движению. Его плечи волнообразно и судорожно передергиваются, темп движений нарастает. Прыжок, еще прыжок. Чаще звучат тамтамы, неистовая пляска старика продолжается. Поднятое им облако пыли, отблески пламени костра, буйство музыкальных ритмов - все это создает фантастический ореол вокруг фигуры, мечущейся на площадке внутри круга.

  Внезапно он останавливается, неестественно и странно вытянувшись, его широко раскрытые глаза замерли, он продолжает беззвучно произносить какие-то фразы. Затем он мгновенно падает на руки двух мужчин и тут же исчезает вместе с ними в кромешной тьме. Секундная тишина - и снова звучат нестройные возгласы зрителей.

Ритуал закончен, изгнание злых духов свершилось, заклинатель сумел призвать на помощь "высшие силы". Он "вернул боль и зло тому, кто причинил их людям". Магический танец напомнил всем собравшимся, что нельзя нарушать законы, установленные общиной. Виновных ждет неизбежное наказание. Таков общий смысл этого обрядового танца.

  Не менее интересны и экзотичны танцы-перевоплощения в животных - антилоп, львов, гиен, змей, крокодилов, в разнообразных птиц. Эти танцы в символических костюмах-масках достоверно передают повадки и характер конкретного зверя. Исполняя подобные танцы, человек считает, что он таким образом приобщается к таинствам природы и пробуждает в себе необходимые жизненные силы.

Ритуальные танцы охотников.

Необычно красив брачный танец журавлей, исполняемый молодыми девушками. Большие грациозные птицы торжественно вышагивают по кругу, взмахивая крыльями и ударяя лапами о землю. Они то убирают головы под крылья, то снова горделиво поднимают их, вытягивая длинные шеи. Сколько грации и значительности в их изящных движениях! Ритмичные притопы босых ног, украшенных на щиколотках браслетами, акцентируют внимание зрителей на легком покачивании рук-крыльев. Этот танец даже трудно назвать имитацией птиц - так органично и естественно воплощен он в движениях танцовщиц.

Задание для самостоятельной работы

1.Почему так популярно и разнообразно танцевальное искусство народов Африки? Какие характерные черты ему присущи? Что вам известно об особенностях исполнения некоторых африканских танцев?

Колокольные звоны Руси

 В православной Руси с особой любовью и почитанием относились к колоколам и колокольному звону. Вспомните песню «Вечерний звон», вспомните картину  «Вечерний звон» И. Левитана... Колокола были неотъемлемой частью и сельского пейзажа, и городской жизни, под звон колоколов чередовались времена года, рассветы и сумерки, колокола звонили и в радостные, и в горестные дни, сопровождали великие праздники и семейные события. Чувства русского человека, чью душу наполняет благостный колокольный звон, хорошо выразил А. К. Толстой в стихотворении «Благовест».

Среди дубравы блестит крестами                 Молюсь и каюсь я, и плачу снова,

Храм пятиглавый с колоколами.                   И отрекаюсь я от дела злого;

Их звон призывный через могилы               Далёко странствуя мечтой чудесною,

Гудит так дивно и так уныло!                      Через пространства я лечу небесные,

К себе он тянет неодолимо,                        И сердце радостно дрожит и тает

 Зовёт и манит он в край родимый,             Пока звон благостный не замирает.

В край благодатный, забытый мною,

И, непонятной томим тоскою,

      Колокола на Руси появились в 10 веке с принятием христианства, но широко распространились с конца XVI в. А в XVII-XX вв. они широко и прочно вошли в церковный обиход и слились с богослужением Русской Православной Церкви и с представлением о русском народном благочестии.

  Вопрос, откуда пришли колокола на Русь, до сегодняшнего времени остается открытым. Одни считают, что колокольные звоны пришли из Западной Европы, другие родиной колокольного звона считают Византию, третьи говорят, что колокольный звон появился на Руси независимо ни от кого.

  До XV века во всех монастырях России звонили в било. Било — один из самых древних и очень простых инструментов. Оно употреблялось на Руси задолго до появления христианства. Их делали из металла, дерева и даже камня, особенно в тех местах, где кроме камня не было другого материала.

На Руси впервые о  колоколах  упоминается в летописи 988 года. Слово «колокол» образовалось от старинного русского слова «коло», что означает «круг», «чаша».

В различных обстоятельствах в гражданской и церковной жизни колокола были глашатаями важных для всех событий, призывом общности людей, призывом к единению и сплоченности. Как нельзя метко звучат слова Н. Корсунского, сказанные более ста лет назад: «Ничем иным общее настроение народа не может быть выражено удачнее; ничем праздник не может быть отважней и смелей возвеличен, как именно мощным колокольным звоном».

 Набатный колокол созывал на борьбу с пожаром, предупреждал о нашествии врагов. Осадный извещал жителей о подходе к стенам города неприятеля, скликал на защиту, призывал к борьбе. Колокольный звон в сельских церквах служил заплутавшим путникам путеводным знаком. Было правило звонить в колокола во время зимней метели, этот звон отличался от остальных и не давал заблудиться в зимую пургу страннику.

На Руси колокола отмечали время суток. Вместо них время отмечал колокольный перезвон. Колокола в основном были на церковных звонницах. Когда колокола звонили, их было слышно за много километров. В Москве в 1404 г. они исправно отбивали время. Отсюда пошло выражение «пробил час».

    Колокол - единственный сигнально-музыкальный инструмент, используемый Русской Православной Церковью при совершении богослужений. Он призывает каждого обратиться от каждодневной суеты к высшему, вечному. "Отложи присно тщеты недосуги. Колокол слушай – твори в небе други", – писал поэт и переводчик конца XVII века Карион Истомин.

   Различают 4 вида канонических звонов, которые отдельно или в комбинации составляют всё разнообразие православного звона: благовест, перебор, перезвон и трезвон.
 Благовест – один из наиболее древних звонов. Осуществляется мерными ударами в один из самых больших колоколов. Назван так потому, что несёт благую, радостную весть о начале богослужения.
 Перебор является погребальным звоном. Это медленный перебор колоколов от меньшего к большему. Символизирует человеческую жизнь от рождения к смерти. А одновременный удар «во вся» означает пересечение земной жизни.

 Перезвон – по одному разу в каждый колокол с ударом «во вся» является наиболее печальным и совершается два раза в году: на Великую Пятницу и Великую Субботу (перед Пасхой) в день распятия и погребения Христа. Чтобы этот скорбный звон не был одинаков с перебором, он обычно осуществляется более быстрыми и ритмичными ударами. Перезвон по нескольку раз (3, 5, 7) символизирует соответственно Святую Троицу, Крест и Полноту веры.  Этот перезвон хоть и является скорбным, однако звучит более торжественно, чем перебор.

 Трезвон – звон во все колокола. Выражает собой христианскую радость и торжество. Основная часть трезвона – собственно звон.

Колокольный звон в России всегда имел местные особенности. Каждый колокол (московский, велико-ростовский, уральский, тобольский, архангельский) был неповторим по своему виду и звону.

   Эпохой в истории колокольного дела в России, стала вторая половина XV в., когда в Москву прибыл инженер и строитель Аристотель Фиорованти. Он устроил пушечный двор, где лили пушки и колокола. В начале XVI в. уже русские мастера с успехом продолжали начатое дело, превзошедшее во многом, по части литья колоколов, своих учителей.  И к XVI веку колокола уже звучали по всей стране. Русские мастера изобрели новый способ звона - языковый (когда раскачивается язык колокола, а не сам колокол, как было в Западной Европе), это позволило отливать колокола очень больших размеров. В это время в Москве при церквях насчитывалось до 5000 колоколов.  Начиная с XVII в., Россия превосходила другие страны не только качеством колоколов, их величиной, но и количеством. В русских церквах было от 10 до 20 колоколов. Например, знаменитая ростовская звонница располагала 15 , а колокольня Ивана Великого в Кремле – 24 колоколами. К концу XIX века русские колокола приобрели мировую  славу.

  В историю России вошли  мастера колокольного дела: Андрей Чохов, Фёдор, Иван и Михаил Моторины, Емельян Данилов, Флор Терентьев, Александр Григорьев, которые разработали «русский профиль» колоколов. Мастера стремились к тому, чтобы у каждого колокола была мелодичная персональная звуковая окраска.  

  Отливка колоколов считалась делом такой же государственной важности, как и производство пушек. Раньше этот сложный, трудоемкий и веками отработанный процесс был практически везде одинаковым. Отливались колокола в специально вырытой яме. Перед этим изготавливали внутреннюю форму — болванку, внешнюю форму — кожух, и между двумя формами заливалась колокольная бронза, которая состоит примерно из 80 процентов меди и 20 процентов олова. Колокол остывал, малый — в течение трех дней, большой — семи дней, потом его обрабатывали и отшлифовывали. Литейщики говорят, что процесс отливки колокола, его «голос» — в руках Божьих. Поэтому отливку колокола всегда сопровождает молитва.

В то время русские колокола славились во всем мире и практически всегда занимали первые места на международных ярмарках. Был широко известен ярославский завод Оловянишникова, московские колокололитейные заводы Финляндского и Самгина.

   У каждого русского колокола своя судьба, своя история. Особенно это относится к большим колоколам ("тысячникам"), вес которых достигал тысячу пудов (16 тонн) и более. Такие колокола стали отливать с XVI в. В 1533 г. мастер Николай Немчин отлил первый "тысячник", установленный на специальной деревянной звоннице в Московском Кремле.

 При Царе Борисе Годунове в 1599 г. в Москве был отлит Успенский Большой колокол весом более 3 тыс. пудов. Он погиб в 1812 г., когда французы взорвали звонницу, пристроенную к колокольне Ивана Великого. Но в 1819 г. литейщик Яков Завьялов  воссоздал   этот   колокол.   Он   весил уже 4 тыс. пудов, сохранился и сегодня, находится на звоннице Кремля, возвещая пасхальный благовест всем московским монастырям и храмам.

  Мастер Андрей Чохов в 1622 г. завершил работу над колоколом "Реут" в 2 тыс. пудов (32 т.), который сейчас находится на колокольне Ивана Великого. В 1655 г. Александр Григорьев в течение года отлил колокол в 8 тыс. пудов (128 т.) Иностранные путешественники удивлялись этим исполином, называя его единственным и неповторимым во всём мире. В 1668 г. он был поднят на специальную звонницу. По свидетельству очевидцев, для раскачки 250-пудового языка требовалось 40 - 50 человек. Колокол звонил в Кремле до 1701 г., когда во время очередного пожара упал и разбился.

 Воссоздать самый большой колокол в мире вознамерилась императрица Анна Иоанновна, увеличив его вес до 9 тыс. пудов. Отливать "Царь-колокол" взялась известная династия колокольных мастеров Моториных. В ноябре 1735 г. колокол был успешно отлит. Он весил 12327 пудов (около 200 т.), имея в диаметре 6,6 м, по высоте - 6,1 м, и был назван "Царём-колоколом". Весной 1737 г. во время очередного пожара загорелся деревянный сарай над колокольной ямой, где находился колокол. Горящие брёвна и доски падали в яму. Колокол раскалился. При попадании воды в яму он дал трещины. От него откололся небольшой "кусочек" в 11,5 т. И только в 1836 г., спустя сто лет, "Царь-колокол” был поднят и установлен на специальном постаменте у колокольни Ивана Великого, где обретается и поныне.

   К началу ХХ в. в Российской Империи насчитывалось 39 колоколов более тысячи пудов весом. В 1920-е гг. многие из них погибли. В борьбе за металл и в угаре богоборчества колокола сбрасывали с колоколен и звонниц, разбивали, грузили на железнодорожные платформы и баржи, отправляли на переплавку. В годы Великой Отечественной войны погиб самый певучий колокол России - Большой благовестный колокол Саввино-Сторожевского      монастыря     (2125 п.) с великолепным мягким бархатистым звучанием, отлитый Александром Григорьевым в 1668 г. Серьёзные ранения получили колокола Великого Новгорода. К середине 1990-х гг. "тысячников" осталось всего пять, а средние и малые колокола были уничтожены почти полностью.

  Сегодня в России отлито несколько знаменитых "тысячников". Восстановить прежний колокол нельзя. Но можно отлить ему подобный по весу и тону. В Троице-Сергиевой лавре вновь, как и сто лет назад, можно слышать большой аккорд воссозданных  знаменитых Троицких благовестников - колоколов "Царь", "Годунов", "Корноухий" (прозван так за необычные железные "уши").

Воссоздан в середине 1990-х гг. и считается самым большим колоколом, отлитым в России в ХХ веке, Большой колокол Храма Христа Спасителя в Москве. Он весит 27 тонн. В 2008 г. в Московский Свято-Данилов монастырь возвращены после долгого пребывания на чужбине 18 знаменитых монастырских колоколов общим весом 24 тонны. Так Православная Россия вновь обретает своё звонкое чудо. Благовестный звон теперь разливается по всей русской земле.

        В XX в., являясь частью чина богослужения, колокол приобрел и ряд новых значений и смыслов. Колокол применяется в качестве центральной части различных мемориальных комплексов. Он стал символом памяти об общечеловеческих трагедиях и знаком, предупреждающим будущие поколения о недопустимости повторения свершившегося. Сегодня в память о страшной трагедии середины XX в. звонят колокола Хиросимы и Нагасаки, Хатыни, Минска. Звонят колокола в память погибших в современных войнах конца XX в.

Проводятся фестивали колокольного искусства. Например в Каргополе (Архангельской области)  проводится единственный в нашей стране зимний фестиваль под названием «Хрустальные звоны». Этот фестиваль приурочен к празднику Крещения Господня .

Таким образом, в настоящее время колокола переживают второе рождение, они стали носить широкое общественное и культурное значение.

  Задание для самостоятельной работы    

1.Каково значение колокола в жизни русского человека?

 Расскажите о видах колокольного звона. Прислушивались ли вы к колокольному звону? Какие чувства вы испытывали?

2. Расскажите об истории колоколов на Руси. Какое значение приобрели колокола в настоящее время?

§17.2 В музыкальных театрах мира

   Представьте, вы находитесь в театральном зале. Перед вами расписной занавес, за которыми идут последние приготовления к спектаклю. Оркестранты настраивают инструменты, и вы пытаетесь угадать их по звучащим тембрам. Вот тонкий и нежный "голос" скрипки, а вот трубач осторожно проверяет звучание своего инструмента. Флейтист, арфистка, каждый в отдельности, проигрывают фрагменты мелодии... Этот пестрый, разрозненный шум обещает нечто таинственное и чудесное. Гаснет свет, вспыхивает рампа, дирижер взмахнул палочкой, и звучит удивительная увертюра... Конечно, вы догадались: мы находимся в музыкальном театре.

    Мы знаем, что музыка использовалась в драматическом театре еще с античных времен, но лишь на рубеже 16-17 веков сложились условия для возникновения собственно музыкального театра. Если раньше центром музыкальной культуры был храм, то с этого времени музыка зазвучала в оперном театре. А было это так.

В итальянском городе Флоренция в конце 16 века стали собираться талантливые поэты, ученые и музыканты. Никто из них тогда не помышлял о каком-либо открытии. И все-таки именно им суждено было совершить настоящий переворот в театральном искусстве. Возобновляя постановки произведений древнегреческих драматургов, они стали сочинять собственную музыку, соответствующую, по их представлениям, характеру античной драмы.

   Члены камераты (так называлось это сообщество) тщательно продумывали музыкальное сопровождение монологов и диалогов мифологических персонажей. От актеров требовалось исполнение разговорных партий речитативом (т.е. декламацией, речью нараспев). И хотя слово продолжало играть ведущую роль по отношению к музыке, все же был сделан первый шаг к сближению и гармоничному слиянию. Подобное исполнение позволяло в большей степени передавать все богатство внутреннего мира человека, его личные переживания и чувства. На основе таких вокальных партий возникли арии - законченные эпизоды в музыкальном спектакле, в том числе и в опере.

Оперный театр быстро завоевал любовь и стал популярным не только в Италии, но и в других странах Европы. Опера явилась неотъемлемой частью развлечений и придворных празднеств изысканной публики.

     Да, это были удивительные по красоте и роскоши зрелища! Декораторы возводили причудливые пейзажи с фонтанами, цветущими лугами и непроходимыми, дремучими лесами. Из таинственных гротов выходили красавицы, неожиданно, под покровом фантастических видений появлялись мужественные герои, с ними происходили самые невероятные события и превращения. Во всем царили грандиозность и размах. В музыкальном сопровождении было занято около сотни исполнителей. Первые представления осуществлялись в небольших (камерных) театрах, рассчитанных на определенное количество зрителей. Каждое слово певца должно было звучать громко и отчетливо. Любовь к оперному театру стала повсеместной, она не знала границ, а поэтому, спустя некоторое время, стали возводить большие здания, способные вместить публику, желающую стать непосредственным свидетелем театральных  зрелищ. С тех пор прошло много лет. В каждой стране были созданы прославленные музыкальные театры: "Гранд-Опера" в Париже (Франция), "Метрополитен-Опера" в Нью-Йорке (США), "Комише Опер" в Германии, "Большой театр" в Москве и Мариинский театр в Санкт-Петербурге (Россия), "Ковент-Гарден" в Лондоне (Великобритания), "Венская опера" в Австрии и др.

    Национальной гордостью Италии - родины оперного искусства- стал знаменитый театр Ла Скала в Милане. Он был открыт в 1778 году, и с тех пор неизменно считается "законодателем мод и вкусов" в этой области театрального творчества. Давно уже канули в Лету имена первых композиторов, сошли с театральных подмостков многие оперные и балетные спектакли, но театр продолжает жить и успешно развивает лучшие традиции.

  Славные страницы Ла Скала связаны с именем композитора Джоаккино Россини (1792-1868), оперы которого ворвались на миланскую сцену, "как зашипевшего аи струя и брызги золотые" (А.С.Пушкин). В 1812 г., когда композитор впервые появился в театре, ему было всего 20 лет! Созданные им 38 опер неизменно ставились именно в ЛА Скала и имели ошеломляющий успех. Не менее известно и балетное искусство театра. Его самой выдающейся балериной стала Мария Тальони (1804-1884). Ее тонкая, хрупкая фигура, врожденная грация, редкий прыжок, во время которого она как бы задерживалась в воздухе, надолго привлекли внимание восторженной публики. В лучшей партии Сильфиды она воссоздала трагический образ волшебной дочери воздуха, теряющей свои радужные крылышки.

  Кто только не выступал на прославленной сцене Ла Скала! Здесь звучал "золотой голос" певца Энрико Карузо, мощный бас Ф.И.Шаляпина. В наше время здесь исполняли ведущие оперные партии Марио дель Монако, Мария Каллас, Монтсеррат Кабалье, Пласидо Доминго, Елена Образцова, Ирина Архипова, Лучано Паваротти...

   Познакомимся еще с одним уникальным театром. В столице Китая вот уже много лет выступает знаменитая труппа Пекинской музыкальной драмы. Этот театр создан очень давно, еще в 7-10 веках, за это время он прошел несколько этапов развития, и к настоящему времени стал ведущим театром Китая, воплотившим лучшие народные традиции.

   Сюжеты первых спектаклей музыкальной драмы составляли древние народные легенды и наиболее популярные романы со множеством исторических и вымышленных персонажей. От актеров требовалось особое мастерство, в том числе и акробатическое. Один из зрителей тех лет рассказывал, что "актеры взбирались и спускались по канату, как обезьяны, они могли крутиться, как падающий лист,; один силач выдерживал пирамиду из пяти человек, одним прыжком актер мог достичь высоты дома..." С середины 19 века Пекинская музыкальная драма становится самостоятельным театральным жанром.

Особый колорит этого театра составляет игра актеров. В музыкальной драме до сих пор сохраняются четыре основных амплуа персонажей: герой, героиня, раскрашенные лица-маски и комики. Для каждого амплуа выработан строгий канон сценического поведения. Например, в игре героини главным было не пение, а мимика и жесты, яркие, нарядные костюмы. Мужские персонажи-маски с пестрым гримом отличались особой эффектностью исполнения и сильно звучащим голосом. Комический персонаж - это почти всегда простолюдин или глупец. Ему не предназначались вокальные партии, он больше говорил и часто импровизировал, его юмор отличали грубоватая непосредственность и смекалка. А иногда эти чудаки представали перед зрителями в роли настоящих мудрецов и острословов.

  Все движения актеров производились в такт музыке и в полном соответствии с их мимикой и жестами. Не случайно, восхищаясь игрой актеров, великий режиссер К.С.Станиславский говорил, что об их руках можно написать целую поэму. Например, чтобы передать безысходность, актер опускал руки и резким движением поворачивал ладони вверх, при этом кисти рук безвольно повисали в воздухе. К движению рук позднее прибавилась игра рукавами, которая сегодня насчитывает около пятидесяти вариаций. К примеру, встряхивание рукавами означало, что актер готов к исполнению вокальной партии; скрещенные и безвольно опущенные руки означали, что тайна героя раскрыта и его замыслы потерпели провал; свисающие рукава использовались в качестве привидений, душ умерших и людей, попавших в беду.

  Незабываемое красочное зрелище представляли танцевальные движения с двумя длинными перьями, прикрепленными к головному убору сзади. Вначале они предназначались для главарей разбойников, а позднее стали украшать костюмы доблестных полководцев. Если актер закусывал перья зубами, то это означало, что герой полон непреклонной решимости.

  В движениях актеров было очень много символики. Так, если актер появлялся на сцене с плетью, это означало, что он едет верхом на коне; два зажженных  фонарика символизировали глубокую ночь; флаг с изображением воды и плывущей рыбы означал реку. Если актер делал флагом волнообразные движения, то из этого следовало, что он отчаянно борется с волнами.

   На сцене практически отсутствует реквизит и декорации. Традиционные из них - стол и стул, которые также условно воспринимались зрителями. Если герой находился внутри помещения: на царском приеме, читал или писал, то стул непременно стоял за столом. Если же он принимал гостей, стул ставился с внешней стороны. Стул в центре сцены предназначался для почетных гостей или для хозяина. При необходимости с помощью стула и стола могли изобразить вершину горы или неприступную скалу. По замыслу сцена должна быть свободной, так как во время спектакля актеры исполняли танцы, для которых было необходимо большое пространство.

  Главное, на чем держится спектакль Пекинской музыкальной драмы, - это великолепная игра актеров. Особенно его отличает вокальное мастерство актеров, способность передачи чувств и эмоций героев. "Все чувства рождаются в сердце человека" - гласит классическое изречение, ставшее заповедью для исполнителей. Выражению чувств помогает богатая мимика актеров. Веселье актер передает покачиванием головы, широко открывая глаза и улыбаясь, печаль сопровождается слезами и притопыванием с безразличным выражением лица, испуг - открытым ртом и сильной дрожью.

  Во время пения актер должен отчетливо и сильно произносить звуки. Не важно, сколько в театре находится слушателей, но каждый из присутствующих должен расслышать все слова и звуки. Пение звучит в сопровождении музыкальных инструментов. Здесь также существуют свои строгие законы и правила: струнные инструменты используются в бытовых и лирических сценах, чеканная дробь ударных предназначается для военных сцен. С помощью музыкальных инструментов символически передаются шум ветра или дождя и т.д. Герой пришел в гневное состояние -звучат малый барабан, кастаньеты и гонг; герой выезжает на коне- ударный оркестр рассыпается звоном меди...

  Не менее символичны и традиционные костюмы актеров,  строго соответствующие их амплуа. Император облачается в богатый костюм желтого цвета, высшие сословия придворной знати надевают красные платья, положительные персонажи играют в синей одежде, молодые - в белой, а пожилые - в коричневой. Особенно сложен театральный грим: лица ярко раскрашиваются определенным образом, передавая суть  характера героя (жестокого, храброго, доброго и т.д.). Если на лице рисуется широкий разлет бровей -герой готов воспользоваться всей полнотой принадлежащей ему власти, черная тень у глаз означает подобие мифической таинственной птицы и т.д.

     Пекинская музыкальная драма представляет искусство синтетическое, вобравшее в себя многие другие виды. Не случайно в одном из древних трактатов написано: "Когда не хватает слов, начинают вздыхать, когда не хватает вздохов, начинают петь, когда не хватает песни, руки начинают бессознательно жестикулировать, а ноги -танцевать". Знаменитая Пекинская музыкальная драма является вершиной не только китайского театрального искусства, но и мировой художественной культуры в целом.

Вопросы для самостоятельной работы.

1.Как и почему возник музыкальный театр?

2.Расскажите о прославленных музыкальных театрах мира.

3.Расскажите, чем вам запомнилась Пекинская музыкальная драма.

  § 14.1 Особенности храмового зодчества. Буддийские храмы. Культовые постройки ислама.

  Далее познакомимся с традиционными буддийскими храмами. Для этого отправимся в Юго-Восточную Азию, на остров Ява в Индонезии, где наиболее полно представлены традиции буддийской храмовой архитектуры. В центральной части острова находится один из крупнейших памятников буддизма – Борободур, что в переводе означает «множество будд». Храм расположен на вершине холма, поэтому хорошо виден издали.

Храмовые постройки Борободура представляют собой кубические сооружения, увенчанные пирамидальным покрытием. Борободур состоит из девяти частей : из прямоугольного основания, пяти квадратных террас и трех круглых ярусов, нанизанных на одну ось, как кольца игрушечной пирамидки. Но только непосвященным этот храм представляется нагромождением круглых и квадратных террас. Паломники, приходившие сюда еще в VIII-IХ веках, за помощью и утешением видели во всем нечто большее.

   Храм Борободур воспринимался как центр мира, в котором находится дом Будды. Все его постройки и декоративное убранство имели символический смысл, отражающий представления верующих об устройстве мироздания. Посмотрите на план Борободура и вы заметите круги внутри нескольких квадратов. Древние мудрецы считали, что мир держится на равновесии добра и зла, неба и земли. Квадрат воспринимался знаком земли. А круг – знаком неба. Таким образом, круг, вписанный в квадрат, символизировал Вселенную.

   Более того, Борободур связан с идеей ступенчатого восхождения наверх, то есть с буддийским учением о священном пути к просветлению. Паломники, преодолевая путь по открытым галереям, расположенным на разных уровнях, обретали различную степень такого просветления. Цель их восхождения к вершине - посещение ступы - колоколообразной  башни со шпилем без каких-либо внутренних помещений.  Скульптура и рельефы, украшающие этот памятник, также призваны были воплощать буддийское "постижение истины".  В них воспроизведены многочисленные сцены из земной жизни Будды, а поэтому в целом Борободур воспринимается как грандиозная иллюстрированная книга буддизма.

   В Х-ХI веках Боробудур был заброшен, на много лет это «восьмое чудо света» поглотила пышная тропическая растительность. Лишь в 70-е годы ХХ века по инициативе ЮНЕСКО Борободур отреставрировали. И вновь он обрел множество паломников и посетителей со всех концов света.

   Не менее примечательны культовые постройки ислама. Основной храмовой постройкой мусульман является мечеть ( от арабского – «место для совершения земных поклонов»). Первоначально к зданию мечети не предъявляли особых требований. Необходим был лишь открытый, огороженный широкий участок, где молящиеся, разместившись поперечными рядами, обращались лицом в сторону Мекки. В мечети не должно было быть объектов поклонения и изображения живых существ.

   Со временем сооружение мечети потребовало выполнения многих условий. С VII века сложился тип колонной арабской мечети, напоминающий крепость, окруженную глухими стенами, в которой намечены входы. Богослужение осуществлялось внутри открытого  квадратного или прямоугольного двора, обнесенного арочными галереями.

   Внутри мечети в одной из стен располагался михраб, то есть ниша, обозначающая направление в сторону Мекки. Лицо молящегося обращено именно в эту сторону. Стоять перед михрабом означало стоять перед лицом самого Бога. Справа от михраба воздвигался минбар – место на возвышении, предназначенное для проповедей священника. Пол мечети, на котором сидели мусульмане, застилался коврами или тростниковыми циновками.

   С самого начала мечеть являлась не только молитвенным, но и общественным зданием. В первые столетия существования ислама, рядом с резиденцией правителя строили так называемые соборные мечети, в которых хранили казну и важнейшие документы. Здесь объявляли указы, вели судебные разбирательства. До X –XI веков в них преподавали различные религиозные дисциплины, а иногда они служили местом ночлега для странствующих паломников. Главный фасад всего сооружения со стороны улицы оформлялся айваном - арочным порталом больших масштабов. Вход в мечеть надлежало всегда держать открытым, так как это означало вступление в пределы счастья, то есть во владения Аллаха.

   С конца VIII века радом с мечетью стали возводить минареты (от арабского – « маяк») – башни, с верхней площадки которых священник(муэдзин) пять раз в день созывал верующих на молитву. Мечеть может иметь несколько минаретов, но их число не должно превышать количество минаретов в священной Мекке ( т. е. должно быть не более восьми). Таким образом, минарет и мечеть составляют единый архитектурный ансамбль. Если же минарет стоит отдельно, то ему дают свое название.

  Например, минарет Кутб-Минар («мощь ислама») в Индии имеет второе название – Башня Победы. Чрезвычайно строгий по архитектуре, он достигает в высоту 73 метров, а диаметр его основания равен 16 метрам. Минарет опоясан пятью ярусами балконов и украшен орнаментальными росписями. По направлению вверх ярусы постепенно уменьшаются как по высоте, так и в диаметре, что еще в большей степени подчеркивает его устремленность вверх, в небо. Над третьим ярусом в красный песчаник, основной строительный материал, вделаны полосы белого мрамора, придающие ему особую нарядность и праздничность. До сих пор Кутб-Минар считается одним из самых красивых и высоких сооружений исламского зодчества.

   В подобный архитектурный комплекс нередко входит медресе – мусульманские учебные заведения. От мечети они отличаются тем, что галереи двора делятся на небольшие помещения – худжры, в которых проживают семинаристы. Медресе Улугбека и Шир-Дор в Самарканде (Узбекистан) – жемчужины архитектуры Средней Азии. Выходящий на площадь фасад здания украшает грандиозный портал с расположенными в глубине дверями. Портальная ниша и дверь открывают путь в глубину пространства, а высокая стена фасада заставляет входящего сюда остановиться в почтительном изумлении перед величием и красотой здания. Цветной узорный покров главного фасада медресе скрывает глухость и тяжесть стен, придавая ему легкость  и нарядность. По углам всего ансамбля возвышаются четыре стройных минарета.

Задание для самостоятельной работы

1.Каково устройство буддийских храмов? Что представляет собой Борободур - крупнейший памятник буддийской архитектуры? Какое отражение в нем нашли представления верующих об устройстве мироздания?

2.Расскажите о традиционных культовых сооружениях ислама: мечетях, минаретах, медресе. Какие шедевры исламской архитектуры вам известны? Опишите некоторые из них более подробно.