НАТЮРМОРТ КАК ЖАНР ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА.
статья по изобразительному искусству (изо, 9 класс)

НАТЮРМОРТ КАК ЖАНР ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА.

1.1 История возникновения и становление натюрморта как жанра   изобразительного искусства.

В искусстве натюрморта – (от франц.)  naturemorte – «мертвая природа», принято называть изображение неодушевленных предметов,  соединенных в одну композицию. «Натюрморт – одна из острых бесед живописца с натурой» [7, с. 16].

Художники обращаются к натюрмортам, как к инструменту, который характеризуют воссоздавшийся образ. Натюрморт является самостоятельным жанром, который владеет  в значительной степени влиянием в изобразительном искусстве. Натюрморт несет в себе не только внешний материальный смысл предметов, но и целостную составляющую, которая отображает  времена, важные эпохальные факты.

и Натюрморт , в своем лучшем выражении , оказывается эффективным средством идейного и художественного восприятия людей. Он  формирует предпочтения, понятия и образы. «Как самостоятельный жанр искусства натюрморт сильно воздействует на зрителя, поскольку вызывает ассоциативные представления и мысли во время восприятия неодушевленных предметов, за которыми видятся люди определенных характеров, мировоззрений, различных эпох и т.д. Влияние натюрморта зависит, прежде всего, от верно выбранной и правильно раскрытой темы, а также от особенностей творческой индивидуальности того или иного художника» [24, с. 42].

Натюрморт служит определенной творческой лабораторией, где художник выявляет и разрешает разнообразные профессиональные задачи, оттачивает мастерство. Особенность выполнения натюрморта  заключается  в том, что его можно поставить и писать в разнообразных обстановках; в помещении при естественном и искусственном освещении, на открытом воздухе. В отличие от живописного натюрморта, учебный имеет конкретную цель, оказывать стимуляцию образовательной и познавательной деятельности учащихся..

Натюрморт, как самостоятельный жанр, возник на стыке XVI и XVII вв.,  в областях Фландрии и Голландии. Отличительной чертой характера натюрморта является совершенное и безукоризненное отражение реальных предметов. Рассматривая известные голландские натюрморты, кажется, будто чувствуешь вкус этих спелых плодов, сладость и горечь этих напитков. Мастера  изображали самые обычные вещи, но они были прекрасны и одушевлены.

Наибольшую популярность натюрморт получил в Голландии в эпоху Возрождения в 15 веке. Мощнейший подъем натюрморта, как самостоятельного вида искусства произошел в 15вв., хорошо отражается   в творчестве таких художников, как  А.Бейерен, П.Клас, И.Фейта.

В область натюрморта переместились методы и средства изображения, создаваемые в жанре сюжетно-тематической картины. Создается тип  натюрморта с конкретным трехплановым разделением пространства и четко выявленным композиционным центром.

Главные изобразительные принципы натюрморта возникли в Голландии. Его основными тезисами были: реализм, тонкость видения среды, умение обнаружить и изложить художественную значимость. Для создания натюрмортов художники брали обыденные предметы при этом составляя их так, чтобы достичь гармонии всех вещей в совокупности. В своих работах мастера использовали различные приемы многослойной живописи это прописи и лессировки. С их помощью добивались, практически, фотографичного изображения. Главное требование художественного образа в жанре натюрморт, это подлинное  изображение предметов, проявление их изящества и индивидуальных изобразительных способностей .как: бытовой; жанровый; тематический; сюжетно

Любимыми сюжетами голландских художников были «завтраки» с небольшим количеством предметов. С великолепной тактичностью и точностью  изображалась  текстура предметов – металл, керамика, дерево, стекло.

Еще одной значительной характеристикой голландского натюрморта было то, что мастера дополняли его смыслом. В каждом натюрморте воспроизводится  связь человека с окружающим нас миром, выражается позитивное отношение к  жизни, большое желание рассказать, как многообразна природа, как трудолюбив и талантлив человек.

В полной мере  это позитивное  восприятие  жизни  отразилось в искусстве Ф. Снейдерса. Он создавал большие монументальные картины, которые размещались  в больших  дворцовых  помещениях. Такими были известные полотна «Фруктовая», «Овощная», «Рыбная».  Четкая взвешенность композиционного и живописного  решения в его картинах отлично  соединялись с декоративностью живописью. Это уже не тихие «завтраки», которые изображают А.Бейерен [1.рис.1].или П.Класс, а работы, выполненные  мечтами и фантазиями живописца. Так же, Снейдерс в натюрмортах делает значительный акцент на детальной проработке изображения и отражении достоверности предметов, но при всей своей скрупулезности проработки в деталях формы, он не теряет целостности художественного образа. Даже на сегодняшний день,  картины Снейдерса  восхищают  своим реализмом.

В XVII в. Начинают формироваться основные признаки  натюрмортного жанра. Этих признаков придерживаются такие известные живописцы, как Рембрандт, Переда, Сурбаран. Всех их объединяет одна цель – показать гармоничность  предметов, которые окружают человека, изящность  их форм и материальность.,

Значительный вклад в формирование натюрморта вложил французский художник XVII в Ж.Б. Шарден, который стал известен в мировой живописи, как художник бытовой жанровой живописи. В своих натюрмортах он изображает предметы домашнего обихода, добивается поэтичности и лаконичности композиционного и живописного решения. Отличные  примеры  таких натюрмортов  «Медный бак», [1.рис.2] « Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином».

Те же композиционные решения  присутствуют и в натюрмортах, под общим названием «Атрибуты искусства». Отличительной чертой творчества П.Шардена является мастерство и  разнообразие  способов, применяемых  для изображения  материальности вещей. Создавая законы реалистичного творчества, Шарден вложил  в натюрморт особенную  воздушность и поэтичность, которая указывает на особенную характеристику творчества.

Но не каждый художник ставил перед собой цель раскрыть социальную суть жизни через «говорящие вещи». Менялись предпочтения, художественные представления, изменялось восприятие окружающей действительности. Мастера начали отмечать в окружающей жизни и другие качества материального мира. Огромной проблемой являлась ограниченная среда нахождения предмета, светопередача, воздушно-пространственная среда и образы природы.

С середины XIX в. значительное  воздействие  на развитие в искусстве стал  оказывать  импрессионизм. Импрессионисты противопоставляли свое видение живописи, академическим обычаям,  которые к этому времени превратились в условные формы салонного искусства. К. Моне, [1.рис.3].А.Сислей и другие мастера изображали природные мотивы  в своем творчестве, спектрально чистыми  цветами. Для них важной задачей было показать на полотне стремительно и неумолимо  изменяющее состояние природы; сам же предмет изображения утратил свою былую значимость, будто исчез в световоздушной среде.

Основная живописная концепция импрессионизма получила своё более обширное становление в области пейзажей, но неизменно прикасалась и к области натюрморта. Живописцы, поглощенные мыслями о цвете и свете, старались показать стремительную смену световых и цветовых пятен, бликов и теней, на поверхности предметов, а не его собственные черты. Именно по этой причине происходит активное снижение интереса к содержанию и объективной оценки действительности.

Так же необходимо подчеркнуть, что, естественно, импрессионизм внес только положительную роль и искусство натюрморта . Благодаря увеличению разнообразия цветовой палитры, живописцы значительно расширили свои изобразительные возможности, первым делом применяя  в процессе работы живописные и психологические функции цвета.

Впрочем, натюрморт, как жанр, стоит рассматривать не в рамках импрессионизма, а скорее в ходе преодоления его проблемных мест, таких как уничтожение объемной формы. Поборов, в начале своего пути, значительное воздействие  импрессионистов, П. Сезанн логически отрицал их способ. В выполненных им различных натюрмортах развитого периода, он старался отыскать решения и способы передачи объективных черт предмета – объема, материала, цветовой устойчивости в его характеристике.

Мастер использует, в основном, выразительные возможности цвета, по средствам цветовых контрастов, для разрешения конкретных проблем. «Не существует линий, не существует светотени, существуют лишь контрасты красок. Лепка предметов вытекает из верного соотношения тонов».

Способ П.Сезанна кроется на четком определении творческих задач. Образующий конструкцию объем, где любой цвет–мазок должен изображать изгиб, поворот формы в зависимости от количества получаемых световых лучей. Именно в этом состоит основная характерная черта мастера, в таком логическом способе  изображении натуры. Основным способом в работе над натюрмортом оказывается его рациональность в выполнении изобразительной формы, отражены  пластичности и объема предмета и его материальной действительности. В своих работах художник находит глубочайшее  понимание  функций реалистичного творчества, добиваясь  вершин живописного мастерства. [1.рис.5].

Другое течение французского натюрморта, сильно  отличающегося как с техники импрессионистов, так и  от живописных стремлений Сезанна является искусство А. Матисса. Его основа -  декоративно-плоскостное восприятие  художника. Натюрморт видится ему как система плоских цветовых пятен, где предметы как бы ложась  на плоскость, обозначаются четкими силуэтами. Если П. Сезанн берет цвет для изображения объема на плоскости, то А. Матисс, наоборот, вовсе отвергает изображение объема на плоскости. Нарушение объема сопровождается намеренным искажением изображения. Изобразительные предпочтения А. Матисса заканчивались на красиво оформленной композиции. [1.рис.4].

и   В жанре натюрморта, себя пробовали мастера разных стилистических течений. Они экспериментировали с формой, цветом и пространством, старались найти совершенно разную фактуру. Натюрморт создается в совершенно разных техниках, таких как: реалистичная, декоративная, кубизм.

Изображение великолепия мира предметов интересовало различных живописцев. В русском искусстве П. Кончаловский, И. Машков, Р. Фальк, К. Петров – Водкин, Ю. Пименов и другие создавали прекрасные натюрморты, отражающие не только красоту предметов, но также и внутренний мир человека, его чувства и образы.

        Каждый художник находит для выполнения этой трудной функции свои способы выражения. Бывает так, что человек незримо находится на полотне, и, кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент.

Например, на картине Ю. Пименова «Ожидание» (1959г.) [1.рис.6].изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на оконном стекле добавляют тоски и грусти ожидания. В другом виде натюрморта предметы говорят, в первую очередь, о себе, предлагают полюбоваться красотой их форм, цвета, фактуры. Например, картина И. Машкова «Снедь московская. Хлебы» [1.рис.7].будто отражает запах свежеиспеченного хлеба. Мир вещей в натюрморте всегда отображает внешние признаки жизни конкретной исторической эпохи.

В этих трудоемких поисках «нового» положительным было то, что, помимо бесплодных и неудачных экспериментов, включались активные художественные силы. Творческие, способные из них, отдавая дань формальным экспериментам, вставали на твердую почву реализма и изображали выразительные по содержимому и форме живописные произведения. На этом фоне формировалось искусства натюрморта в России. Известные мастера ,такие как  К. Коровин и  И. Грабарь,  были основоположниками французского импрессионизма в России. Творчество К. Коровина во всем ее объеме  – пейзаж, портрет, натюрморт отражает все живое, прямое ощущение  контакта с натурой.  Его картины узнаваемы за счет подвижного колорита, чувствуется присутствие натуры. Все это указывает  на пленэрную живопись с переменчивыми и сложными переливами тонких полутонов. Но все же в его искусстве есть кое-что, что дает возможность рассказывать об углублении реалистичного течения в русской живописи. Об этом рассказывают его картины: «Розы и фиалки» «Гвоздики и фиалки в белой вазе».

На картине К. Коровина  «Розы и фиалки» [1.рис.7] изображен натюрморт  с розами, маленьким букетом фиалок. На подносе лежит яркий апельсин рыжего цвета ,сахарница и кофейником. Композиция строится на фоне открытого окна с видом на вечерний бульвар. Живопись К. Коровина очень звонкая, насыщенная. Натюрморт освещен изнутри комнаты , из -за этого металлический поднос, стеклянная ваза передают ощущение звонкости и четкости. Свет словно творит волшебную игру преображения реальности.

Особенным этапом искусства К. Коровина всегда была натура во всем разнообразии ее проявлений. В его натюрмортах присутствуют природные формы: фрукты, цветы, овощи и все живое, что окружает нашу действительность. Он пишет их в разнообразной обстановке, в совершенно различных местах и каждый раз показывает целостное восприятие окружающей среды. Его характерной особенностью, был талант создавать такие соединения цветовых оттенков, с помощью которых он ловко отражает совершенство и изящность нежных цветов, сложнейшие состояния освещения. В то же время, отображенные им вещи не теряют  своей материальности: рисунка, объема, контура.

К. Коровин всегда был довольно самостоятелен в оценивании  природной формы: движение цвета в среде строило изображение предмета.

Помимо этого есть и другая отличительная особенность творчества  К. Коровина – это его желание к картинному восприятию. Его натюрмортам характерна  четкость, обоснованность композиционного решения. В натюрмортах Коровина всегда есть  центр композиции, через который мы воспринимаем все разнообразие цветовой среды.

Именно такое же стремление побороть односторонность принципа импрессионистов  присуще   работам  И. Грабаря. В своих лучших работах, выполненных в 1905 – 1907г., он формирует принцип материального и вещественного мира. К числу таких полотен относятся «Хризантемы», «Неприбранный стол».

Особое значение в раскрытии  способов изображения натюрморта уделяли мастера из объединение «Бубновый валет»: И. Машкову, П. Кончаловскому,  А. Лентулову,  А. Куприну. Преодолев нелегкий путь поисков в сфере живописной формы, они пришли в советское искусство состоявшимися художниками. Суть их живописных стремлений было, энергичное участие в создании новой жизни. Революция дала им массу вариантов, дала живой материал для выражения в искусстве.

Огромное количество натюрмортов, созданных в это время, говорят о развитии нового в натюрмортах. Конечно же строительства социализма прочно входит в творчество. Так, в натюрморте «Селедка», написанного К. Петровым – Водкиным в 1919г., начался основной путь  творчества художника: достоверно, без приукрашений, поделиться о событиях настоящей жизни суровым языком правды.

В том же 1919г. И.Машков пишет «Натюрморт с самоваром»- определенный образ-представление, навеянный революционными преобразованиями в стране.   Художник желает найти художественную значимость в вещах индустриального общества.

Спустя некоторое время, состояние в стране стабилизируется. Людей переполняет трудовое вдохновение, положительный настрой. Происходит  расцвет и у художников. И. Машков создает в это время свои лучшие натюрморты: «Снедь московская. Хлебы» [1.рис.8], «Снедь московская. Мясо, дичь» и другие, где добивается выражения всех привлекательных сторон предметов, по которым заскучали  зрители. В натюрмортах 20–30х гг. отразились особенные признаки мастерства И. Машкова: реалистичность художественного языка, полноценность выражения темы, чувственность восприятия современной жизни.

Таким же целостным, увлеченным восприятием к миру окружающей действительности отмечено искусство П. Кончаловского . В его наследии есть самые разнообразные  натюрморты. От небольших размеров «Зеленая рюмка»,  до огромных,  монументальные картины «Натюрморт с окном». В зав   В искусстве советских художников старшего поколения, натюрморт приобрел признаки  независимого жанра, который и по содержательности и по художественной форме занял полноправное со всеми другими жанрами место в творчестве. Натюрморт стал на одну линию с сюжетным изображением, где обсуждались темы великого смыслового содержания.

В своем следующем преобразовании, натюрморт серьёзно пополнился свежими, новыми темами и увлекательными стилевыми признаками. В нем находят отражение  ритм современной жизни, достижения науки и техники. Желание более подробно преподнести  тему вынуждает  мастеров выполнять, свои творческие работы сериями. Например, Ю. Пименов – серии полотен «Вещи каждого дня», «Вещи людей», «Старые и новые вещи».

В последние десятилетия все больше молодых художников начинает работать в жанре натюрморта. Всероссийская художественная выставка «Натюрморт» 1975г. показала не только массовость жанра, но и широкое количество тем. Не теряя связующей нити с новой  действительностью, мастера направляются к опыту истории искусства, тщательно изучая  и другие жанры. Другой источник - это изучение произведений народного творчества, изучение опыта и навыков прошлых поколений.

В течение долгого времени, натюрморт формировался как жанр, не всегда он следовал общему пути развития искусства, были расцветы и падения, у него развились свои характерные особенности, но к нынешнему времени натюрморт все также остается очень актуальным жанром изобразительного творчества и по сей день продолжает свое формирование.

1.2. Гармония цветовых отношений в живописи натюрморта.

    Одним из основных средств выразительности  изображения,  является гармоничный  цветовой строй  живописного произведения[8.с.16]. Именно колористическое единство красок , тоновые и цветовые отношениями , создают  внутреннюю характеристику и эмоциональную выразительность идейно - образной стороны изображения.  В создании художественного образа играет большую роль цветовой строй картины .

    В искусствоведческой литературе , посвященной анализу  произведений живописи , дают самые разные объяснения сущности колорита.  Н.Н. Волков  писал в книге "Цвет в живописи" , что, к сожалению , теория живописи пока не обладает разработанной теорией цветового строя.  

Внимательно изучая литературу ,которая касается вопросов живописи и гармоничного колорита, можно сделать выводы , что колорит картины  определяется согласно замыслу и  служит как средство выразительности изображения.  Распространенным мнением среди искусствоведов считается, что  гармоничный колорит картины основан на контрасте.

Начиная с И. Ньютона , физики делали попытки  разобрать теорию гармоничных сочетаний красок. Каноны цветовых гармоний строились на том, что в основу закладывали пары или триады дополнительных цветов. Но колорит, создаваемый художниками , на основе этих цветов, не отличался  правдивостью ожидаемого  эстетического воздействия на зрителя. В настоящее время, существует в теория колорита , на основе сочетания дополнительных цветов.

      Так, в первом выпуске  "Школы изобразительного искусства"  говорится о том, что колорит в живописи построен на гармонии дополнительных цветов. К каждому тону и заключающемуся в нем оттенку цвета сопутствует дополнительный оттенок. » [7, с. 19]. К примеру , если взять красный цвет, то дополнительный будет зеленый, к синему- оранжевый , а фиолетовому -желтый. Сопоставленные рядом, они создают определенное напряжение и звучность.

    Английский  искусствовед  Фильд полагал, что гармоничный колорит создается тогда, когда количество оттенков теплого  соответствует количеству оттенков холодного в картине.  

    Некоторые специалисты в области изобразительного искусства считают, что вывести какую-то общую закономерность создания цветовых гармоний  относительно к конкретному изображению нельзя . А другие, наоборот, надеются найти цветовые гармонии  , по которой можно построить колорит любой картины.

   " У живописцев действительно есть  собственная цветовая гармония ,есть тайны колорита , чувственная прелесть колорита , которая ни сюжетом , ни звучанием изображаемого еще не обеспечивается и всецело им не подчиняются; они обладают известной самостоятельностью" ,- писал Н.Дмитриева   [17, с. 224]. Она  стремилась обосновать колорит, как результат умственного подбора художником красивых сочетаний красок. Это сочетание  художник выбирает согласуя со своим вкусом и  субъективным представлением о гармонии красок.

    Цветовая гармония  - сочетание  отдельных  локальных цветов или цветовых оттенков , оказывающие определенное эстетическое воздействие на зрителя. В живописи цветовая гармония  представляется, как определенное сочетание цветов  с учетом  цветового тона, светлоты, насыщенности, формы, размера  цветового пятна, расположения пятен в пространстве  изображение. [ 9,стр.89].

Понятие гармонии цвета включает  в себя: монохромность, ахроматичность. Монохромность - использование одного цвета работе с большим  спектром оттенков, а  ахроматичность  - разное множество цветов и их оттенков.

Также к основным признакам относится контраст . Контраст разделяют  по яркости (темное-светлое, черное-белое), по насыщенности (чистые и смешанные), по цветовому тону (дополнительные или контрастные сочетания). В гамме - это подобие отношений яркостей, насыщенности и цветовых тонов. Цвета  в картине должны быть уравновешены и сочетаться друг с другом.

     Цветовая гамма живописного произведения - гамма колористическая. Многие художники строят свое произведение опираясь на использование  нескольких колористических гамм, но при этом есть ведущая гамма , которой подчинены все дополнительные гаммы цветов, служащие для создания контраста. При использовании в живописи нескольких колористических гамм, художники создают колористическую тональность живописного произведения. С их помощью живописцы передают настроение, природное или эмоциональное состояние , время года , суток ,погода  и т.д.  

Колористическое богатство живописи достигается  путем нюансировки цвета и поиском различных его оттенков. «Нюанс» - в переводе с французского «nuance» и означает оттенок. Нюансировка цвета дает разнообразие его оттенков, создаёт ощущение пространства. 

Художник , наблюдающий изучающий натуру и отображающий наблюдаемые им закономерности в материале, имеет дело с реальным светом и цветом.(9.зайцев.).Художники - педагоги , в своей практике, часто употребляют такие термины как "светлота" , "тон", "яркость" и "освещенность". Эти понятия являются основными характеристиками цвета.  

 Освещенность натуры оказывает влияние на видение художника и предопределяет характер светлотных и цветовых отношений в картине.[20, с. 224] Есть представить себе постановку, которая освещается очень сильным светом, то можно заметить как он съедает многочисленные нюансы и оттенки цвета. Многие художники , выбирая время написания живописного произведения, выбираю пасмурные дни, в отличии от солнечных. Когда пасмурно, свет становится мягким , рассеянным, можно заметить богатый характер светотеневых отношений. Яркость является частью освещенности , поскольку определяется количеством света, который отражается с поверхности.

В обиходном понимание разница между яркостью и светлотой обычно не замечаются. Оба понятия рассматриваются почти как эквивалентные .[20, с. 20] Существует некоторое различие в употреблении этих слов. Понятие яркость употребляют для характеристики сильно освещенных поверхностей. Так же это слово употребляют, чтобы характеризовать насыщенность и чистоту. Светлота же -  ощущение яркости.

"Интенсивность" - это яркость цветового  пятна, определяется количеством отражаемой энергии, а насыщенность определяется степенью цветности красочного пятна.[20,с 30]  Насыщенность  понятие важное для художественно-педагогической практики. Обычно у детей предметы не разобраны по свету. Очень хорошо это выражается в изображение пейзажа. Изображение будет успешным если правильно передана насыщенность, передний план более контрастный по отношению к заднему. В работах которых недостает насыщенности , цвета кажутся ,как правило монотонными или вялыми.

                                ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Роль гармонии цвета в живописи имеет большое значение.

Проблема развития гармоничных цветовых отношений в живописи  заслуживает более пристального внимания. Необходимо и дальше развивать эту тему, применять на практике, осуществлять поиски решения данной проблемы

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

1. Алтапов М.В., Ростовцев Н.И. «Искусство» 1т. 1 часть М., 1987
2. Арнхейм Р. Искусство и визуальное восприятие (сокр. пер. с англ. В.Н. Самохина, общ.ред. и вст. ст. В.П. Шестакова). — Москва, “Прогресс”,1974.
3. Алексеев С. "О колорите" . "Изобразительное искусство".—  Москва.1974
4. Алгазина Н.В. Цветоведение и колористика. Часть I. Физика цвета и его психофизиологическое восприятие [Электронный ресурс] : учебное пособие / Н.В. Алгазина. — Электрон. текстовые данные. — Омск: Омский государственный институт сервиса, 2014. — 153 c. — 978-5-93252-318-6. — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/26675.html
5. Алгазина Н.В. Цветоведение и колористика. Часть II. Гармония цвета [Электронный ресурс] : учебное пособие / Н.В. Алгазина. — Электрон. текстовые данные. — Омск: Омский государственный институт сервиса, 2015. — 188 c. — 978-5-93252-353- — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/32799.html
6. Бадян В.Е. Основы композиции [Электронный ресурс] : учебное пособие для вузов / В.Е. Бадян, В.И. Денисенко. — Электрон. текстовые данные. — М. : Академический Проект, Трикста, 2017. — 225 c. — 978-5-8291-2506-6. — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/60032.html
7. Беда Г.В. Живопись: Учебник для студентов педагогических институтов.- М:  Просвещение, 1986.- 192с, ил.
8. Болотина, И. С. Русский натюрморт / И.С. Болотина. – М.: Искусство,1993. – 132 с.
9. Беда Г.В. Цветовые и тоновые отношения в живописи [Текст] / Г.В. Беда – Москва: Советский художник, 1964 – 78с.
10. Васильев, В.В. История и теория художественного образования [Текст] / А.А. 7.Васильев – Краснодар: Куб ГУ, 2003 – 132с.
11. Васильева Э.В. Цветоведение и колористика [Электронный ресурс] : учебное пособие / Э.В. Васильева. — Электрон. текстовые данные. — Омск: Омский государственный институт сервиса, 2012. — 180 c. — 978-5-93252-269-1. — Режим доступа: http://www.iprbookshop.ru/18266.html
12. Волков, Н.Н. Цвет в живописи [Текст] /. Н.Н. Волков– Москва: Искусство, 1984г, 400с.