Альбом "Народные промыслы"
книга на тему

Народные промыслы

Народные художественные промыслы занимают видное место в о декоративно-прикладном искусстве. Искусство народных художественных промыслов предстает перед нами как сложное, богатое по декоративным возможностям, глубокое по идейно-образному содержанию явление современной культуры. 
Во многих местах сохранилось традиционное, основанное на ручном труде и пришедшее от дедов и прадедов народное декоративно-прикладное искусство и народные художественные промыслы. 
Происхождение народных промыслов различно. Одни берут свое начало в крестьянском бытовом искусстве, связанном с натуральным хозяйством и изготовлением как повседневных, обиходных, так и праздничных нарядных бытовых предметов для себя и своей семьи. Так, например, ручное узорное ткачество, вышивка, которыми владели с детских лет крестьянки, выполняя одежду, полотенца, столешники и т.д., стали основой для сформировавшихся впоследствии многих оригинальных ткацких и вышивальных промыслов. Другие промыслы происходят от деревенских ремесел. Например, многие виды гончарства, плотницкая резьба, набойка на тканях издавна были областью деятельности местных мастеров-ремесленников. С течением времени, распространяясь в отдельных центрах, а нередко охватывая целые районы, они превращались в промыслы. Некоторым промыслам предшествовали «светелки» - работа в помещичьих мастерских (например, мастерская белая гладь). Иные родились из городского ремесла. Например, холмогорская резьба по кости или великоустюжское черневое серебро связаны с искусством городских ремесленников, с привилегированным заказчиком, чей вкус влиял на содержание и характер назначения изделий. 

Художественная роспись

Одним из самых популярных видов декоративно-прикладного искусства следует считать роспись. Вполне понятно желание украсить росписью немудреную деревянную посуду. Роспись не только украшала посуду, но и предохраняла ее от вредных действий влаги. Роспись естественными природными красками была дешева, доступна и красочна. 
Каждому творческому коллективу оказалось под силу создать свою художественную систему, свой образный язык, свою школу мастерства, которые приобрели значение традиции. 
От древних ремесел унаследованы классические формы деревянных токарных изделий и четкие ритмы орнамента. Живописное мастерство Древней Руси обогатило её рисунками растительных мотивов и приёмами свободного их исполнения кистью. Оно способствовало и формированию оригинальной техники окраски изделий, каждому центру народных промыслов присуща своя цветовая гамма и стиль орнамента. 

Гжель

-Самый известный крупный народный художественный керамический промысел – подмосковная гжель. Этот район из 30 сел и деревень бывших Бронницкого и Белгородского уездов, в 60 км от Москвы (ныне Раменский район), давно славился своими глинами и гончарами. Центром гончарства была Гжельская волость – деревни Речицы, Гжель, Жирово, Турыгино, Бахтеево и др., где было много мастерских. В произведениях майолики XVIII в., полуфаянса и фарфора XIX в. ярко представлено искусство народных мастеров России. Имея большой опыт гончарного дела, отличаясь живым сметливым умом, гжельские мастера быстро осваивали производство майолики на заводе Гребенщикова, а затем уходили от хозяина и начинали изготовлять подобные изделия в своих мастерских. Они создали нарядную посуду: квасники – декоративные кувшины с кольцевидным туловом, высокой куполообразной крышкой, длинным изогнутым носиком, скульптурной ручкой, часто на четырех массивных округлых ножках; кумганы, подобные же сосуды, но без сквозного отверстия в корпусе; кувшины, рукомои, кружки-шутихи, «напейся - не облейся», блюда, тарелки и др., украшенные орнаментальной и сюжетной росписью, исполненной зеленой, желтой, синей и фиолетово-коричневой красками по белому фону. 

Обыкновенно в центре майоликового блюда или на передней плоскости кольцевидного тулова квасника изображалась гордо выступающая птица типа журавля или цапли – тонким черным контуром с легкой подцветкой; это основное изображение дополняют и сопровождают легкие условные деревца, кустики, иногда предельно обобщенные, схематизированные изображения людей, например дам в кринолинах, иногда архитектурных сооружений. Виртуозность штриха, свобода расположения и уравновешенность всех изображений, их вписанность в круг, изящество и тонкость раскраски – все это указывает на чрезвычайно высокую квалификацию и художественную одаренность мастеров-расписчиков. Но не отстают от них и скульпторы. Плечики, крышки, ручки кувшинов и кумганов дополнены небольшими жанровыми скульптурками людей и забавными изображениями животных. Мелкая декоративная пластика выполнялась и вне связи с посудой. Мастера опять-таки с юмором изображали то, что видели в жизни: женщина везет ребенка на санках, военный в треуголке, жена стаскивает сапог с ноги мужа, старик дерется со своей старухой, мальчик-поводырь ведет нищего и т.д В гжельской майолике объединены пластические достижения народного гончарства, отражены черты барокко и классицизма. В искусстве народной керамики полуфаянс Гжели представляет собой одно из ярких явлений. Сначала полуфаянсовая посуда по формам была близка майолике, но с более простой синей цветовой росписью. Затем формы стали проще; преимущественно выполняли кувшины, рукомои, чернильницы, солонки и др. Созданная народными мастерами Гжели система решения пластической формы и декоративной росписи имеет значение целой художественной школы русской народной керамики. 
Полуфаянсовое производство существовало в Гжели на протяжении всего XIX в. наряду с появившимся вслед за ним тонким фаянсом и фарфором. Формы посуды и печатные рисунки переходили с одного завода на другой. На мелких гжельских фарфоровых заводах при всем их стремлении подражать дорогим изделиям родилось свое оригинальное искусство русского фарфорового лубка с его грубоватой цветистостью, народной трактовкой скульптурных образов, которые мастера создавали по-своему, отталкиваясь от образов дорогого фарфора. Фарфоровые статуэтки приобретали в претворении гжельских мастеров черты, общие с простой глиняной игрушкой. Гжельские изделия распространялись не только по всей России, их вывозили в Среднюю Азию и страны Ближнего Востока. Учитывая местные вкусы, гжельские мастера создали устойчивый ассортимент так называемого «азиатского» фарфора: чайники, пиалы разных размеров и определенной формы, с характерной цветочной росписью в медальонах, на цветном фоне. Посуда эта широко бытовала и в русских трактирах. 
С развитием во второй половине XIX в. капиталистической промышленности, выделением крупных фабрик, гжельский район с его мелкими крестьянскими мастерскими утратил сое значение, а многие бывшие владельцы мастерских и члены их семей пополнили ряды наемных рабочих. 
Работая на крупных фабриках и заводах, они способствовали сохранению народной традиции в росписи дешевого фарфора и сыграли немаловажную роль в дальнейшем формировании русского фарфора. Скоростная свободная кистевая роспись с цветочными мотивами в конце XIX - начале XX в. получила название «агашка». Само же искусство гжельского промысла пришло к этому времени в полный упадок и было предано забвению. Только в 40-50-х гг. благодаря исследованиям искусствоведа А.Б.Салтыкова и работам московской художницы Н. И. Бессарабовой искусство Гжели стало возрождаться. Основой этого возрождения послужило наследие гжельской майолики XVIII в. И полуфаянса XIX в. Роспись же была принята одноцветная синяя подглазурная (кобальтом) по типу традиционной полуфаянсовой. Гжельская посуда с синей кобальтовой росписью по белому фону завоевала большую популярность.

Городецкая роспись 

г. Городец Нижегородской обл.

Городецкая роспись - один из русских народных промыслов, берет свое начало в середине 19 века. Родиной этого искусства стал город Городец (Нижегородская область), история которого, надо заметить, намного дольше, нежели история росписи, так как поселение там было еще в 12 столетии. Развитию городецкой росписи поспособствовало географическое положение города: волжские берега, как нельзя лучше подходящие для разнообразных промыслов.

Сегодня традиционный народный художественный промысел "Городецкая роспись" развивается в исторически сложившемся центре ее возникновения и бытования, как искусство оформления плоских поверхностей. Не нуждающаяся в термообработке роспись позволяет мастерам использовать самые разнообразные формы, цвета, оттенки. 
До сих пор живут в городецких росписях композиции с конями, всадниками, древом и собачками. Разнообразны фантазии на тему прогулок кавалеров и дам, но из традиционных мотивов прочно сохраняются кони. Образ коня олицетворяет представление о красоте и силе.

Период 1870-1900 гг., связанный с общим бурным развитием промысловой деятельности жителей лесного Заволжья знаменуется окончательным сложением стиля городецкой росписи. 
Один из традиционных декоративных промыслов - городецкая роспись - сложился с середины 19 века в окрестностях Городца, основанного еще в 12 веке, что находится на левом берегу Волги в Нижегородской области. Вообще, места вдоль волжских берегов были очень выгодны для различных промыслов, так как недалеко находилась известная Макарьевская ярмарка, крупнейшая в России.

Среди заволжских жителей было много кузнецов, ткачей (так как в окрестных местах всегда был хороший урожай льна), но, конечно же, больше всего было умельцев, работавших с деревом. Лес предоставлял дешевый материал, он был всегда под рукой. В народе даже ходила поговорка - "заволжанина лес кормит". 
Среди обилия деревянной продукции, выпускаемой заволжскими мастерами, более всего были известны городецкие прялки, продававшиеся на ярмарках и расходившиеся затем по всей России. Именно с них и получила распространение знаменитая городецкая роспись. Обычно прялки вытесывались из целикового деревянного массиса, городецкие же состояли из двух частей: гребня и донца. 
Донце представляло из себя широкую доску, которая суживалась с одного конца и имела отверстие, в которое вставлялась ножка гребня. Донце было расписным, и в то время, когда с прялкой не работали, оно вешалось на стену, как картина. До этого донце украшали инкрустацией, но живопись благодаря своей простоте и меньшей трудоемкости, ее вытеснила. 
Позже стали расписывать не только прялки, но и всевозможные предметы из крестьянского быта - лукошки, солонки, деревянные игрушки, короба для  хранения пряжи и многие другие изделия. Цвета городецкой росписи всегда были яркими, сочными, все изделия обязательно украшались пышными букетами цветов, напоминавших розы, ромашки. 

Сложился и свой прием росписи - сначала на изделие наносился фон, одновременно служивший и грунтовкой, затем по нему наносятся толстой кистью крупные цветовые пятна, так называемый "подмалевок". После этого более тонкой кисточкой наносятся необходимые штрихи, затем роспись заканчивает "разживка" - когда рисунок объединяется в цельную композицию с помощью черной краски и белил. Законченную композицию обычно ограничивают рамкой. 
В процессе того, как промысел набирал обороты (а к концу девятнадцатого века в нем были задействованы жители из почти десятка деревень), рисунок росписи также дополнялся новыми сюжетами: появились персонажи из народных сказок, сцены из городской жизни, всевозможные "чаепития" за самоваром и "гуляния". 
В наши дни в росписи стали использовать масляную краску, цветовая гамма рисунков также разнообразилась, но сюжеты, образы и мотивы старой городецкой росписи присутствуют и в работах современных мастеров. Деревенские живописцы, подражая лубочным картинкам, украшали их веселыми сценками из народного быта в обрамлении цветочных гирлянд и крупных ярких роз. 
В настоящее время патриархом городецкой росписи называют Аристарха Евстафьевича Коновалова, который восстановил в конце 60-х годов промысел, основав фабрику "Городецкая роспись". Не потеряв традиционного орнамента с пышными розами, конями и птицами.

ИСКУССТВО ПАЛЕХА

Название Палех относится предположительно к гидрониму из недошедших до нас финно-угорских (меря) языков IX века, либо ранее. Предположительно, с XIII (в составе Стародубского княжества) по XV век село принадлежало князьям Палецким из рода князей Стародубских. Первое упоминание в летописи о Палехе относится к первой половине XVII века (писцовая книга 1645 года). Данные свидетельствуют, что по тем временам Палех уже был довольно большим селом.

В 1628 году Палех был пожалован Ивану Матвеевичу Бутурлину «за московское осадное сидение королевичево». Село принадлежало роду Бутурлиных до 1861 года. 
В 1762—1774 годах в центре Палеха был построен Крестовоздвиженский храм, расписанный и богато украшенный палехскими мастерами. С XVIII века Палех — центр иконописи в традициях русской живописи XV—XVII веков.

В 1918 году в посёлке организована декоративно-художественная артель. В 1920-х годах в Москве, в доме А. А. Глазунова, художником И. И. Голиковым была написана первая лаковая миниатюра «Адам в Раю» в уникальном стиле, который впоследствии получил название «Палехского». С 1924 года — Палехская артель древней живописи, с 1932 года — Палехское товарищество художников, с 1953 года — художественно-производственные мастерские.

Статус посёлка городского типа — с 1947 года.

Первое упоминание о Палехе относится к началу 17 века. В различных документах тех лет говорится о развитом иконописном промысле в Палехе. К середине 17 века молва о прекрасных работах палехских мастеров достигла Москвы, и их стали приглашать для росписи в столицу. Иконы, написанные в Палехе, были достаточно дорогими, так как писались они долго и тщательно, по старинным образцам.

Сам Палех расположен в 65 км к востоку от города Иваново на берегах реки Палешки, протекающей среди холмов, покрытых лиственными лесами. До революции Палех входил в состав Вязниковского уезда Владимирской губернии. В 1918 году, с образованием Иваново-Вознесенской губернии, село Палех вошло в еe состав. В настоящее время это рабочий посeлок, районный центр Ивановскойобласти. 
Но к концу 19 века производство иконы в России сильно разрослось, что привело к ее удешевлению, а как следствие - и к потере качества росписи. После революции 17 года палехские мастера и вовсе остались практически без работы. Но после окончания гражданской войны возникла необходимость использовать накопленный иконописный опыт в других областях искусства.

Так, в течение нескольких лет, зародилось новое искусство Палеха. Особое место среди других видов творчества стала занимать лаковая миниатюра на различных изделиях - шкатулках, брошах, пудренницах, изготовленных из папье-маше. Новому искусству была присуща и новая тематика - добавились сюжеты из деревенской жизни, сюжеты из русских народных сказок, сюжеты, взятые из творчества русских писателей и поэтов. 
Труд художника-миниатюриста требует постоянного вдохновения, а также огромной точности и аккуратности. Нередко палехским художникам приходится применять при росписи увеличительное стекло. Неповторимое и изящное искусство палехской лаковой миниатюры основано на принципах древнерусской росписи и народного творчества. Палехская лаковая миниатюра является неотъемлемой часть русского декоративно-прикладного искусства. 

ХОХЛОМА

Хохлома - старинный русский народный промысел. Это, пожалуй, самый известный вид русской народной живописи. 
Свое название хохломской промысел получил от крупного торгового села Хохлома Нижегородской губернии, в которое из близлежащих деревень свозили деревянные изделия на продажу (в самом селе Хохлома эти изделия никогда не производились). Для хохломского промысла характерна оригинальная техника окраски дерева в золотистый цвет без применения золота.

Хохломская роспись

Промысел родился в середине XVII века (хотя самые ранние хохломские изделия, сохранившиеся в музеях, относятся лишь к началу XIX века), когда в Поволжье появились раскольники, которые спасались в этих лесных местах от преследования властей. Заметим, что еще до их прихода местные жители занималось изготовлением посуды из мягких пород дерева. Среди раскольников были иконописцы, научившие местных мастеров расписывать деревянные изделия удивительными узорами так, что эти изделия напоминали металлическую золоченую посуду. 
Основные приемы изготовления хохломы с тех пор почти не изменились. Создание изделий состоит из нескольких этапов: сначала на токарном станке вытачивается заготовка, так называемое "белье", затем заготовку грунтуют жидким раствором глины ("вапы") и смазывают сырым льняным маслом, на следующей стадии изделие пропитывают олифой и просушивают. Эту операцию повторяют три-четыре раза. Следующий этап — лужение: предмет покрывают полудой — металлическим порошком алюминия (когда-то использовался порошок серебра, позднее более дешевый порошок олова). Теперь изделие (серебристого цвета) готово к росписи, которая наносится масляными красками и закрепляется сушкой в печи, потом покрывается несколькими слоями лака, причем каждый слой сушится отдельно. Лак под воздействием высокой температуры и превращает серебристый цвет изделия в золотой.

В Хохломской росписи используются три основных цвета: красный, черный и золотой, вспомогательными цветами, употребляющимися в небольших количествах, являются зеленый и желтый. Роспись наносится мастерами кистью от руки без предварительной разметки. Существуют два основных вида хохломской росписи: "верховая"(красным и черным цветом на золотистом фоне) и "под фон" (золотистый рисунок на цветном фоне). К "верховой" росписи принято относить традиционную "травку" и орнамент "под листок". "Травка" — это роспись включающая изображения травинок, веточек, написанных красной и черной краской на золотом фоне. Роспись "под листок" состоит в изображении овальных листочков, ягодок, расположенных обычно вокруг стебля. Роспись "под фон" строится на крупном золотистом рисунке на красном или черном фоне. Сначала наносится контур рисунка, затем закрашивается фон, затем выполняется мелкий узор (приписка) поверх фона. Разновидностью росписи "под фон" является роспись "кудрина" — пышный узор с затейливыми золотыми завитками, напоминающими кудри. В начале XIX века чаще встречалась "верховая" роспись, т.к. роспись "под фон" более сложная. Эта роспись ("под фон") стала популярной во второй половине XIX века, когда было налажено мебельное производство, такой росписью украшали мебель, ранее ее использовали в основном на дорогих подарочных изделиях.

Начинался знаменитый промысел в небольших селах Ефимово, Большие и Малые Бездели, Семино, Кулигино и др. на реках Узола и Керженец. В город Семенов роспись попала только в начале XX века — там в 1918 году была организована школа художественной обработки дерева во главе с Г.П. Матвеевым, через 7 лет из выпускников школы была создана артель "Кустарь-художник", преобразованная в 1931 году в артель "Экспорт", которая впоследствии (1970 год) выросла в производственное объединение "Хохломская роспись". Другое предприятие — "Хохломской художник" объединяет мастеров деревень Семино, Кулигино, Новопокровское и др. Ковернинского района (фабрика находится в Семино, в других деревнях — филиалы). Таким образом, в Хохломском искусстве определились два направления: в Ковернинском районе деревенские мастера чаще используют "верховое" письмо — травку, а семеновских мастеров привлекают сложные и пышные композиции с фантастическими птицами и причудливыми листьями, охотно используют они также роспись "кудрину". Мастера: Ф.А.Бедин, А.Т.Бусова, О.Н. и С.П.Веселовы, Е.Н.Доспалова, З.Ф.Киева, О.П.Лушина, А.Г. и Ф.Н.Подоговы, А.П.Савинова, М.Ф.Синева и др.

 На фабрике в Семенове с 1972 года открыт музей, где хранятся образцы уникальных изделий, среди которых огромная хохломская ложка длиной 2 метра 67 см и полутораметровая чаша. Хохломские предприятия выпускают посуду, ложки, мебель, сувениры и прочее. В широком ассортименте хохломских изделий имеются и принадлежности для шитья: грибки штопальные и коробки для рукоделия, наперстки (по нашим сведениям) предприятиями не изготавливаются.

Жостовская роспись

История жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) - Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других - возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. 
В прейскуранте Вишняковых значилось: "Заведение братьев Вишняковых лакированных металлических подносов, сухарниц, поддонов, из папье-маше шкатулок, портсигаров, чайниц, альбомов и проч.. существует с 1825 г.". 

В 1830 г. производство подносов в Жостово и окрестных селениях увеличилось. Появились первые металлические подносы, украшенные декоративной цветочной росписью. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие "бумажные" поделки из мастерских Троицкой волости. 
Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу постоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы.

Основной мотив жостовской росписи - цветочный букет. В самобытном искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщен-ностью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п. 
В 1922 г. в деревне Новосельцево возникла "Новосельцевская трудовая артель" по выпуску железных лакированных подносов; в 1924 г. в Жостово организовались "Жостовская трудовая артель" и "Спецкустарь"; в 1925 г. - "Лакировщик" и одновременно в селе Троицкое - артель "Свой труд" по росписи подносов. Все они были объединены в 1928 г. в специализированную артель "Металлоподнос" в деревне Жостово. 
1920 - 1930 - е годы были нелегкими в истории Жостово. Общие для советского искусства тенденции прямолинейного утверждения современности и реализма приводили к тому, что ведавшие народными промыслами организации пытались изменить традиционное направление их развития и внедряли в жостовскую живопись образцы орнаментальных и тематических композиций, созданные художниками - профессионалами без учета специфики местного искусства и несущие черты станковизма и натурализма. Ведущие художники Жостово понимали чужеродность подобных новаций самой сущности народного творчества, сумели противостоять им и направить новые идеи на углубление традиционного мастерства. 
В 1960 - е годы начался новый этап в истории Жостово, продолжающийся и поныне. Художественная роспись подносов все больше обретала высокий авторитет и популярность не только массовыми изделиями, но и уникальными произведениями ведущих мастеров, все чаще привлекавшими внимание на многочисленных выставках в стране и за рубежом.

За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали самостоятельными декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства.

Сегодня декоративная живопись Жостово находится на подъеме. Это не означает, что в жизни промысла нет сложностей и проблем. Они существуют во всех сферах нашей культуры, которой приходится противостоять современной безоглядной коммерциализации. Жостово подражают, пытаются подделываться под стиль и даже авторские манеры художников. Коллектив, работающий в промысле, обладает высочайшим профессионализмом, достигнутым многолетним упорным трудом и творческими поисками, совершенствованием мастерства и постоянной ориентацией на лучшие образцы из наследия старых мастеров. К этому надо добавить изучение истории искусства, классического натюрморта и разных видов русского прикладного и народного искусства, пополняющих "творческую копилку" мастеров. Преданность мастеров искусству и поглощенность своим творчеством заражают молодых, что способствует наследованию мастерства новыми поколениями, открывает пути дальнейшей жизни промысла.

ВЕЛИКОУСТЮЖСКАЯ ЧЕРНЬ

(чернение по металлу).

Чернь, ниелло (итал. niello, от лат. nigellus, уменьшит. от niger — чёрный), сплав серебра, свинца, серы и других варьирующихся компонентов, с помощью которого украшают изделия из металлов, главным образом из серебра. Измельченная чернь наносится на гравированную поверхность металла, предмет подвергается обжигу, после чего на нём выявляют чёрный или тёмно-серый рисунок, прочно сплавленный с основой

Великий Устюг 
Великий Устюг – один из самых интересных старинных городов Русского Севера. Расположен в 450 км к северо-востоку от Вологды. Является административным центром Великоустюгского района Вологодской области. Имеет статус города-заповедника.

Город вытянут вдоль левого берега реки Сухоны, немного выше места слияния с рекой Юг. Слияние двух рек отражено в гербе города, флаге, а союз двух рек получил название Северной Двины. 
 Население города – 36 тыс.человек. С 1999 года, когда Великий Устюг был назван родиной Российского Дела Мороза, город стал популярным центром семейного отдыха. 
Сейчас город известен как туристический центр. 
Достопримечательности Великого Устюга 
Отличительной особенностью города является отсутствие старинных деревянных сооружений. Начиная с 17 века новое строительство ведется только из кирпича, а деревянные храмы заменяются также каменными.

Северная чернь 
Чернь как вид обработки металла известна на Руси с Х века. Археологические материалы дают богатейшие коллекции произведений из серебра и золота, украшенных тонкими изящными орнаментами, наведенными по гравировке или чеканке чернью. 
Технология черни состоит в том, что черневой сплав вплавляют в основной металл - серебро или золото, чтобы достичь цветового контраста. В основном металле должны быть сделаны небольшие углубления методом гравировки, чеканки или травления.

Существует несколько вариантов технологического приготовления, наложения и оплавления черни. Наиболее древний и эффективный из них, сохранен и применяется мастерами Великого Устюга.

Для ХVII века характерно значительное влияние на русское искусство произведений из западноевропейских мастерских, привезенных иностранными послами в Москву. Мастера Оружейной и Золотой палат Кремля быстро трансформировали барочные мотивы орнаментики Запада. Пышные узоры из букетов или гирлянд плодов и заморских цветов стали украшать большие серебряные блюда, кубки, и оклады икон. 
Но основным центром черневого искусства во второй половине ХVII века стал город на Севере - Великий Устюг. Со второй половины ХVI века и особенно в ХVII веке Великий Устюг входит в число крупнейших торгово-ремесленных центров Руси. В середине ХVII века ремеслом здесь было занято около 500 жителей городского посада, владевших 55 специальностями. 
Город оказался на торговом пути, связывавшем Европейскую часть России с Сибирью. Это повлекло за собой бурное развитие ремесел, в том числе и черневого искусства. 
Благодаря талантливым мастерам устюгская чернь обрела свое лицо отличное от искусства других художественных центров. В их работах особое значение обрела сюжетная гравюра, очень насыщенная, значительно более густая по цвету, нежели московская или петербургская. Фон прорабатывался штрихами, образуя своего рода сетку. Черневая композиция всегда очень четко увязывалась с золоченным, слегка углубленным фоном. Общее решение дополнялось резными или чеканными деталями. Для Великого Устюга ХVIII век явился периодом наибольшего расцвета черневого искусства. 
В середине ХVIII века и на северных мастеров оказал влияние широко распространенный в Западной Европе стиль "барокко". Сложные сюжетные композиции стали завершаться пышными рамками. В центре изображались охотничьи сцены, пасторальные сюжеты. Влияние Западноевропейской сюжетики сказывалось и на исполнении основной части композиции на табакерках, коробочках, флаконах. 
В 1780-х г.г. роккальные и барочные мотивы в северной черни все чаще начинают вытесняться сюжетами нового стиля - строгого классицизма.

С середины XIX века черневое дело переживает полосу постепенного упадка. Мастера не в силах бороться с проникновением капиталистических отношений и промышленной продукции. Конкуренция относительно дешевых серебряных изделий с простыми орнаментами вынуждает их к сокращению производства и превращению крупного центра черневого искусства в провинциальные мастерские, оторванные от крупных рынков. Для того, чтобы возродить это искусство в советский период потребовалось немало усилий. Технология черни требует опыта и особых навыков мастеров. Возрождение народного художественного промысла "Северная чернь" связывается с именем потомственного мастера М.П.Чиркова. 
Под его руководством молодые мастера освоили технику черневого дела. Объединившись в артель "Северная чернь", они наладили выпуск подстаканников, портсигаров, ложек и других простых в производстве изделий с незатейливым цветочным орнаментом.

Полхов – майдановская роспись

На юге Нижегородской области, в Вознесенском районе расположено село Полхов-Майдан, один из самых известных центров росписи по дереву. Согласно местному преданию, первый токарный станок появился у крестьянина Никиты Авдюкова, когда за войной 1812 года настала пора неурожаев. Ремесло быстро развивалось, но вначале вытачивали одну некрашеную посуду. Несколько позже стали выжигать украшения на деревянных изделиях, а еще позднее, в начале двадцатого века, на полховомайданских работах появились анилиновые краски. 
Майдан, как называют его сами жители, вскоре становится известен своими яркими, пестро раскрашенными деревянными игрушками. Форма полховмайданских игрушек обусловлена их токарным происхождением. Но главное в этих работах - конечно же роспись, имеющая свою гармонию и привлекательность. Народные промыслы издавна были семейным занятием. Как правило, мужчины делали заготовки - так называемое "белье", а женщины расписывали готовые изделия. Полховомайдановская роспись - особенная. Каждая из деталей головного убора, сарафанного убранства матрешки выписывается отдельно. 
Рисунок на изделие вначале наносится тушью, а уже потом заполняется цветом. Обязательный прием майдановской росписи - "наводка" (обводка рисунков черных цветом), применение ярких анилиновых красок. Основных красок всего четыре - синяя и зеленая, красная и желтая. Для того, чтобы получить необходимые оттенки, их смешивают. Белый фон самого дерева позволяет получить пятый цвет. 
В основном местные игрушки, или, как их называют, "майданские тарарушки", отличают сочетания темно-синего и желтого, зеленого и холодно-красного. Матрешек из Полхово-Майдана легко отличить - на голове у них полушалок с неизменным крупным цветком, к тому же они отличаются от семеновских или сергиевских игрушек более плавным контуром и несколько вытянутыми пропорциями. 
На золотисто-желтом фоне условно изображенные цветы чередуются с оранжевыми пятнами и зелеными узорами, которые подчеркиваются тушью. В основном используется два варианта росписи, это пейзажный мотив и растительный орнамент. Растительный орнамент весьма устойчив - это так называемая "роза", которая за время существования промысла то несколько упрощалась, то усложнялась.

А также непременная ветвь из яблок и клубники с чередующимися зелеными и синими листьями. 
Удивительные, ярко раскрашенные игрушки - "тарарушки", изготавливаемые мастерами Полхово-Майдана, будь то матрешка, или копилка-грибок, или разнообразная деревянная посуда, - заслуженно пользуются широкой популярностью. 
Развивать творческое воображение детей на основе решения художественных задач разного типа: повтор и вариации по мотивам полхов-майдановской росписи. ... 
На нижегородской земле вырос и еще один известный промысел - полхов-майдановская роспись по дереву. В отличие, - хохломского и городецкого, чья история исчисляется не одним столетием, - этот промысел значительно моложе и насчитывает в своем развитии всего несколько десятков лет. Зародившийся в двадцатые годы нашего века в селе Полховский Майдан он в скором времени получил всесоюзную известность. Столовые наборы, поставцы, сахарницы, солонки, копилки, другие предметы хозяйственного назначения, а также детские игрушки, пасхальные яйца отличаются яркой самобытностью. Большинство изделий выполняют токарным способом. Узор наносят пером черной краской, располагая внутри контуров пятна чистого яркого цвета.