Презентации занятий
презентация к уроку на тему

Театральный словарик

Ты можешь записывать слова, значения которых ты хочешь запомнить

Мероприятия для учеников старших классов

Чехов и театр

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Драмы А. П. Чехова обрели свою аудиторию позже, чем его повести и рассказы, сегодня они прочно утвердились в репертуаре многих театров мира. В экскурсии анализируется провал пьесы «Чайка» в 1896 году на сцене Александринского театра. Для чеховских пьес потребовалась реформа всего театрального процесса от техники сцены до актерского метода. Эту реформу осуществил режиссерский театр – Московский Художественный театр, созданный К. Станиславским и В. Немировичем-Данченко. История постановок всех чеховских пьес на мхатовской сцене от основания до наших дней – основной сюжет экскурсии. Сегодня театр А.Чехова – явление мирового масштаба. Интерпретации чеховских пьес режиссерами разных театров мира посвящен рассказ о современном театре. Экскурсия иллюстрируется видеороликом с документальными кадрами из истории МХТ, а также с фрагментами из спектаклей других театров разных лет. Для школьников 10-х классов. Для школьников 10-х классов.



Фонвизин и театр

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Екатерина II давно поняла значение театра не только как приятного отдохновения, но и движущей силы общества. «Театр – школа народная, она должна быть непременно под моим надзором, я старший учитель в этой школе, и за нравы народа мой первый ответ Богу!» – провозгласила она. Сама стала писать нравоучительные комедии, тем самым, указывая путь, по которому надлежит идти русским драматургам. Первую пьесу Фонвизина «Бригадир» императрица признала как «народную русскую комедию», но «Недоросль» её не мог устроить. Пьеса получилась настолько острой, что довольно долго продвинуть её на сцену не удавалось. Впервые она появилась на подмостках частного театра Книппера в 1782 году. Успех превзошел все ожидания. Но Фонвизину это даром не прошло… Завершает экскурсию прослушивание сцен из спектакля «Недоросль».



Театральные искания 1920-30-х годов

Театральный музей
тел.: 571–21–95

После октябрьской революции главной задачей театрального искусства стала пропаганда нового общественного устройства. Слияние искусства с жизнью, которая отменила все прежние установки классового общества, вылилось в невозможную прежде форму улично-площадного массового зрелища, в котором принимали участие все желающие. Первая советская пьеса «Мистерия-буфф» В. Маяковского была поставлена в Петрограде В. Мейерхольдом в декорациях К. Малевича. В 1919 году создан в Петрограде театр классического репертуара Большой Драматический.

Обновленная классика в новой режиссуре, тяготеющей к эксцентрике и цирку, определяет деятельность таких признанных мастеров, как режиссеры В. Мейерхольд, А. Таиров, балетмейстер Ф. Лопухов, а также таких молодых новаторов, как Н. Акимов, С. Эйзенштейн, И. Терентьев. И в музыкальном, и в драматическом театре начало 1920-х годов – время авангардных поисков, проходивших под лозунгом Мейерхольда «Театральный Октябрь». В 1930-ые годы новаторская форма зрелища диктует и обновление музыкального языка. Это время первых постановок балетов и опер Д. Шостаковича. В экскурсии фрагменты из знаменитых спектаклей демонстрируются вместе с документами и материалами в слайд-шоу. На большом экране в зале 1920-х –1930-х годов представлен видеоролик уникальных документальных съемок деятелей театра и заснятых спектаклей тех лет.



Театр пушкинской поры

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Кипучая театральная жизнь в Петербурге пушкинской поры захватывала все слои общества. Самым популярным был Большой (Каменный) театр, построенный в 1783 г. В зрительном зале были предусмотрены места для всех сословий. В начале XIX века в России на одной сцене ставились трагедии, комедии, оперы и балеты. Кроме основной пьесы, в начале и в конце представления давались одноактные водевили или дивертисменты. Ведущим жанром оставалась трагедия. Успеху его способствовали прославленные артисты Е. Семёнова, А. Яковлев, Я. Брянский. Среди комедийных актёров особенно выделялись М. Валберхова, Л. Дюрова, И. Сосницкий. Балету уделялось особое внимание и покровительство властей. Балетмейстер Дидло, знаменитые балерины Е. Колосова, А. Истомина, М. Данилова, А.Новицкая восхищали зрителей. В 1825 году, после известных событий, репертуарная политика и атмосфера в театре резко меняется. Экскурсия предназначена для взрослых и детей с 8-го класса.



Театр петровской эпохи

Театральный музей
тел.: 571–21–95

О первых шагах к созданию общедоступного театра пойдет речь в этой экскурсии. Сделать театр доступным для всех сословий задумал Пётр I. В центре Москвы была сооружена Комедиальная храмина, для выступления в ней пригласили труппу немецкого актёра Иоганна Кунста. А для обучения отечественных лицедеев набрали русских ребят. Всего-то около пяти лет просуществовало детище царя. Но подхватила «комедиальную затею» брата царевна Наталья Алексеевна. Уже в новой столице она создаёт общедоступный и бесплатный театр, правда, любительский. Придворных по-прежнему развлекают заезжие иноземные актеры.



Сценическая история "Ревизора"

Театральный музей
тел.: 571–21–95

«Ревизор» впервые был представлен публике на сцене Александринского театра 19 апреля 1836 года. В рекордно короткие сроки пьеса прошла цензуру, так как послана была туда самим императором Николаем I. В том же году премьера состоялась в Московском Малом театре. В течение всего XIX века комедия много раз воплощалась на разных сценах, но только в 1921 году МХТ впервые показал настоящего Гоголя.

Хлестакова сыграл гениальный М. Чехов. В 1926 году – ещё одно открытие – знаменитый спектакль В. Мейерхольда. Это самая радикальная постановка пьесы в истории театра – режиссёр взял «взял курс на трагедию». В 1972 году Г. Товстоногов, обратившись к «Ревизору», возвращается к традиции М. Чехова и Мейерхольда. С 2002 года на сцене Александринского театра идёт «Ревизор» в постановке В. Фокина, идёт, вечно значимый для России «ревизор без конца». Видеоролик сцен из фильма с участием И. Горбачева, Ю. Толубеева будет предложен для просмотра. Для старших классов.



Сценическая история "Горе от ума"

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Законченная в 1824 году, комедия А. Грибоедова появилась на театральной афише уже после трагической гибели драматурга. Цензурные искажения текста, тяготение актёров к сценическим традициям «светской» комедии на долгие годы отодвинули раскрытие смысла пьесы и создали ей репутацию литературной. Переломным в сценической истории комедии стал спектакль МХТ 1906-го года, поставленный К. Станиславским и В. Немировичем-Данченко в стиле сценического реализма.

В 1928 году В. Мейерхольд поставил спектакль «Горе уму», вокруг которого разгорелась острая дискуссия о принципе отношений театра с классикой. Следующей заметной вехой в жизни пьесы становится спектакль Г. Товстоногова 1962 года на сцене БДТ. «Горе от ума» и сегодня – в репертуаре многих российских театров, поскольку каждое поколение открывает для себя бессмертную комедию А. Грибоедова. Просмотр сцен из спектаклей разных лет с участием О. Меньшикова, О. Табакова, С. Юрского, К. Лаврова завершает экскурсию. Для школьников с 9 класса.



Русский театр на рубеже XIX-XX вв.

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Экскурсия предполагает познакомить аудиторию с одной из самых ярких эпох в развитии отечественной культуры – с ее Серебряным веком. Новаторские художественные идеи возникают во всех жанрах: в драме, опере, балете. Это эпоха поэзии и драматургии А. Блока, повестей и пьес Л. Андреева, насыщенных символическими мотивами, а также остросоциального творчества М. Горького и других. Возникает, как новый вид искусства, кинематограф, с которым сотрудничают лучшие артисты всех жанров.

Искусство выдающихся актеров этой эпохи связано с режиссерскими исканиями основателей МХТ К. Станиславского и В. Немировичем-Данченко, а также с новой, прежде всего, чеховской драмой. Главный оппонент театра жизненных соответствий Вс. Мейерхольд создает и разрабатывает на разных сценах идею символического Условного театра, которая увлекла великую актрису В.Комиссаржевскую. В экскурсии представлены уникальные документы, портреты, фото, эскизы и костюмы к спектаклям МХТ, Мариинского, Большого и других театров, работы выдающихся художников своего времени. Творчество артистов всех жанров – Ф. Шаляпина, В. Комиссаржевской, А. Павловой, Т. Карсавиной, М. Фокина и др. – представлено в экскурсии серией материалов. В качестве иллюстрации демонстрируется видеоролик «Великий немой» с фрагментами фильмов, в которых участвуют выдающиеся артисты эпохи. Экскурсия предназначена для взрослых и детей с 9 класса.



Островский и театр

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Автор 47 оригинальных пьес, А. Островский стал известен после выхода в печать первого произведения «Банкрот, или Свои люди – сочтемся» в 1849 году. Для постановки в театре пьеса была запрещена. Последующие его пьесы ещё 4 года оставались вне театра. Только 14 января 1853 года на сцене Московского Малого театра состоялась премьера спектакля «Не в свои сани не садись». Тогда и началась театральная жизнь пьес А. Островского – один из самых важных этапов в развитии русского сценического искусства. Менялась театральная погода, приходили новые веяния и не раз пьесы драматурга предавались забвению. Но приходили новаторы и опять возвращались к А. Островскому.

Каждая новая фаза в русской жизни, меняющая и вкусы, и психологию человека, обнаруживала коренную связь с персонажами Островского. В экскурсии делается акцент на самой знаменитой драме «Гроза», которая стала событием не только театральной, но и общественной жизни России, также поднимается вопрос об интерпретации ряда пьес драматурга на разных этапах истории театра. Видеозаписи сцен из спектаклей разных лет завершают экскурсию. Для школьников 9-11 классов.



Достоевский и театр

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Великий писатель был благодарным театральным зрителем, но никогда не писал пьес и не делал инсценировок. Однако с 80-х годов ХIХ века ряд произведений Ф. Достоевского переделывались для сцены и входили в репертуар выдающихся русских артистов. Экскурсия знакомит посетителей с образами Раскольникова и Мити Карамазова, созданными знаменитым актером-гастролером Павлом Орленевым, а также с героями Ф. Достоевского в исполнении других прославленных мастеров русской сцены.
В конце 50-х-60-х годов ХХ века в центре театральной жизни СССР появился князь Мышкин, сыгранный выдающимся артистом И. Смоктуновким в спектакле БДТ. Экскурсия иллюстрируется фрагментами видеозаписей из этого спектакля, а также из спектаклей разных лет, открывая широкую панораму современного мирового театра в контексте идей и образов Ф. Достоевского.



Горький и театр

Театральный музей
тел.: 571–21–95

Горький-драматург разрабатывал тему социальной нравственности отдельной личности и целых классов. Такие пьесы, как «Дети солнца», «Варвары», «Дачники» посвящены моральной деградации тех, кто считался творческой интеллигенцией, преобразователями и «властителями дум». Накопителям в пьесах М. Горького противостоят пролетарии и деклассированные элементы – прямые отрицатели существующего общественного устройства.

В пьесе «На дне» в ночлежке собраны представители всех сословий, выброшенные обстоятельствами на обочину жизни. Они – невостребованный потенциал общественной энергии, разрушительной, неуправляемой и бескорыстной. Пьесы «Васса Железнова», «Егор Булычов и другие» – о катастрофе ухода мощных, но уже нежизнеспособных лидеров из мира имущих. Драматургия М. Горького – классика советского театра – связана с именами великих русских артистов: В.Ф. Комиссаржевской, К.С. Станиславского, В.Н. Пашенной, Б.В. Щукина, Н.К. Симонова. Экскурсия иллюстрируется фрагментами лучших постановок пьес М.Горького в отечественном театре и кино.



Владимир Маяковский

Театральный музей
тел.: 571–21–95

«Мистерия-Буфф» В.Маяковского - первая советская пьеса.
Ее постановка в 1918 году В. Мейерхольдом стала началом нового этапа русского театра.

Смешение полярных жанров: библейской мифологии и площадного буффонно-пародийного зрелища для народа – открыло новую театральную форму революционного и агитационного современного театра.В сатирических пьесах «Клоп» и «Баня» поэт в форме пародийной утопии показал недалекое будущее страны советов.

МАСКИ:

ТРАГИЧЕСКАЯ


КОМИЧЕСКАЯ

ЗАНАВЕС

Действующее лицо: ПЬЕРО

                                                                                                ТЕАТРАЛЬНЫЕ КОСТЮМЫ

Театральный костюм                                                                                                

Костюм театральный (от итал. costume, собственно обычай) - одежда, обувь, головные уборы, украшения и другие предметы, используемые актером для характеристики создаваемого им сценического образа. Необходимое дополнение к костюму - грим и прическа. Костюм помогает актеру найти внешний облик персонажа, раскрыть внутренний мир сценического героя, определяет историческую, социально-экономическую и национальную характеристику среды, в которой происходит действие, создает (вместе с остальными компонентами оформления) зрительный образ спектакля. Цвет костюма должен быть тесно связан с общим колористическим решением представления. Костюм составляет целую область творчества театрального художника, воплощающего в костюмах огромный мир образов - остросоциальных, сатирических, гротесковых, трагических.

Процесс создания костюма от эскиза до сценического воплощения состоит из нескольких этапов:

1) выбор материалов, из которых будет изготовлен костюм;

2) подбор образчиков для окраски материалов;

3) поиски линии: изготовление патронок из других материалов и наколка материала на манекен (или на актера);

4) проверка костюма на сцене в различном освещении;

5) "обживание" костюма актером.

История возникновения костюма восходит к первобытному обществу. В играх и обрядах, которыми древний человек откликался на различные события своей жизни, большое значение имели прическа, грим-раскраска, ритуальные костюмы; в них первобытные люди вкладывали много выдумки и своеобразного вкуса. Иногда эти костюмы были фантастическими, в иных случаях напоминали животных, птиц или зверей. С древних времен существуют костюмы в классическом театре Востока. В Китае, Индии, Японии и других странах костюмы носят условный, символический характер. Так, например, в китайском театре желтый цвет костюма означает принадлежность к императорской фамилии, в костюмы черных и зеленых цветов одеты исполнители ролей чиновников и феодалов; в китайской классической опере флажки за спиной воина указывают на количество его полков, черный платок на лице символизирует смерть сценического персонажа. Яркость, богатство красок, великолепие материалов делают костюм в восточном театре одним из основных украшений представления. Как правило, костюмы создаются для определенного спектакля, того или иного актера; существуют также закрепленные традицией наборы костюмов, которыми пользуются все труппы независимо от репертуара. Костюм в европейском театре впервые появился в Древней Греции; он повторял в основном бытовой костюм древних греков, но в него были внесены различные условные детали, помогавшие зрителю не только понять, но и лучше увидеть, что происходит на сцене (театральные сооружения были огромных размеров). Каждый костюм имел особый цвет (например, костюм царя - пурпурный или шафранно-желтый), актеры носили маски, хорошо видные издали, и обувь на высоких подставках - котурнах. В эпоху феодализма искусство театра продолжало жить в жизнерадостных, злободневных, остроумных представлениях бродячих актеров-гистрионов. Костюм гистрионов (так же как и у русских скоморохов) был близок к современному костюму городской бедноты, но украшен яркими лоскутами, шуточными деталями. Из представлений возникшего в этот период религиозного театра наибольшим успехом пользовалась мистерия, постановки которой обставлялись особенно пышно. Яркой красочностью отличалось предшествующее показу мистерии шествие ряженых в различных костюмах и гримах (фантастические персонажи сказок и мифов, всевозможные животные). Главное требование, предъявляемое к костюму в мистерии – богатство и нарядность (независимо от исполняемой роли). Костюм отличался условностью: святые были в белом, Христос - с позолоченными волосами, черти - в живописных фантастических костюмах. Значительно скромнее были костюмы исполнителей назидательно-аллегорических драм-моралите. В самом живом и прогрессивном жанре средневекового театра – фарсе, содержавшем резкую критику феодального общества, появился современный карикатурный характерный костюм и грим. В эпоху Возрождения актеры комедии дель-арте средствами костюмировки давали остроумную, подчас меткую, злую характеристику своим героям: в костюме обобщались типичные черты ученых-схоластов, озорных слуг. Во 2-й пол. 16 в. в испанских и английских театрах актеры выступали в костюмах, близких к модным аристократическим костюмам или (если этого требовала роль) в шутовских народных костюмах. Во французском театре костюм повторял традиции Средневекового фарса.