Секреты композиции: от живописи к фотографии
статья на тему

Секреты композиции: от живописи к фотографии

Правила композиции появились одновременно с понятием «искусство». Человек выявил, осознал и стал пользоваться некими приемами, делающими предмет или изображение более приятным и привлекательным для восприятия.

Как показала история, не важно, к какому времени, и к какой исторической цивилизации относится творчество, к Древнему Египту, европейскому средневековью или к современной России; не важно, что изображение передано в камне или на холсте красками, или сделано при помощи фотоаппарата. Правила композиции всегда остаются теми рабочими приемами, которыми умело пользуется настоящий мастер.
Рассмотрим подробно те правила композиции, которые вот уже много столетий используется в живописи и которые не менее актуальны при обучении фотографии:

1. Правило золотого сечения. Применительно к плоским изображениям – рисунку, картине, фотографии – это правило можно сформулировать следующим образом: размещайте узловые объекты, на которые Вы хотите сделать акцент, в так называемых «зрительных центрах» своего кадра. Их легко найти, если разделить воображаемыми линиями всю плоскость изображения на три равные части по горизонтали и на три – по вертикали. В четырех местах пересечения наших незримых направляющих и будут находиться четыре «активных» точки – «зрительские центры». Если поместить в них главные смысловые составляющие кадра, то общая картинка при будет выглядеть намного гармоничнее и сбалансированнее.

2. Визуальное восприятие изображения. Человеческий глаз рассматривает любое изображение слева на право, и одновременно снизу вверх. Воспользуйтесь этим, выстраивая композицию кадра. При этом не стоит перегружать изображение деталями, не имеющими отношения к идее снимка. Композиция не должны быть очень простой, тогда глазу просто не на чем будет «зацепиться», композиционная линия должна (слева направо, снизу вверх) должна «ломаться» какими-то объектами, побуждающими начать разглядывать целое изображение по частям, наслаждаясь каждым элементом.

3. Играйте контрастом. Контраст – это не только звенящая резкость всего кадра. Научитесь грамотно применять этот художественный прием: усиление контраста в главных деталях, без ненужной перегрузки заднего фона. Приглядитесь к известным живописным полотнам, они наглядно показывают при каких условиях нужно детально прописывать все мелкие детали, а при каких это нежелательно. Например, портреты имеют либо более размытый фон, либо снабжены множеством деталей, каждая из которых несет важную информацию об изображаемом человеке (вспоминаем парадный портрет 18-19 веков). Большинство же пейзажей стремится к прорисовке деталей, так как именно изображение природы является главной целью художника.

4. Правило глубины: Тональность заднего плана должна быть холоднее переднего. Мягкие тени на заднем плане так же помогают добавить объем и создать нужную глубину заднего фона.

5. Чередование форм. Старайтесь создавать композицию кадра так, чтобы она заключала в себе и плавные и резкие-ломаные линии. Облака на фоне гор, плавное течение реки с острыми и кривыми деревьями по берегам – подобные примеры найти довольно просто. Главное, уметь их замечать и использовать это в своих работах.

6. Гармония цвета. Человеческий глаз смешивает в своем восприятии находящиеся рядом цвета. Обратите на это внимание. Старайтесь не перегружать фотографию разными оттенками одного цвета (не более 3-4), особенно в мелких деталях.

7. Закон равновесия. Человек старается в любом изображении найти равновесие. Это не значит, что симметрия – лучшая композиция. Но привести композицию кадра в «ассиметричное равновесие» желательно. Чем сложнее по цветовой и световой нагрузке детали кадра – тем интереснее получится фотография при условии достижения композиционного равновесия.