Современное выставочное искусство в области художественной деятельности
статья (5 класс) на тему

Современное выставочное искусство в области художественной деятельности

   Выставочное искусство - единичные, авторские художественные произведения, в которых наиболее ярко проявлена творческая индивидуальность профессионального художника.

   В отличие от народного мастера художник-прикладник свободен в осуществлении творческих замыслов. Он экспериментирует с материалом, формой, цветом, создавая каждый раз что-то новое.

   Современное декоративно-прикладное искусство очень разнообразно – это керамика, стекло, металл, гобелен, батик, мода и многое другое. Работы художников – это современные произведения декоративно-прикладного искусства, которые можно увидеть на выставках, в художественных галереях.

   Керамика – это изделия из цветной обожженной глины. Керамические изделия удивительно разнообразны – они различаются формой, декором, фактурой.

Если в народном творчестве глиняная посуда была связана с практическим применением, то в современном  декоративном искусстве керамику применяют в оформлении помещений, раскрывают новые пластические возможности материала, создают новые оригинальные формы и целые композиции.

  Изделия из стекла  очень живо реагируют на свет, высвечивая глубину, отражая все цвета радуги. Работа художника – стекольщика необычайно сложна. Она требует высокого мастерства, чувства материала.

Выдувное стекло, получаемое ручным способом, называется гутное стекло. Изделия из гутного стекла очень разнообразны, позволяют выразить свою творческую фантазию.  

   Безграничная фантазия побуждает художника искать новые темы, технологические приемы. В своем творчестве он стремится отразить не только сегодняшний день, но и заглянуть в будущее.

  Гобелен – это художественно исполненный  тканый ковер для украшения стены. Создается за ткацким станком. Традиционные ткацкие материалы – это шерсть и  лен. Но современные художники могут использовать  новые  материалы- синтетические волокна, шнуры, веревки, конский волос, проволоку, дерево, кусочки кожи.

   Создавая гобелен, автор выступает в различных ролях: как виртуозный ткач; как живописец рисует цветными нитями, как скульптор – лепит нитями объем, как архитектор, если произведение служит для украшения интерьера.

   Современные художники создают произведения из металла. Они используют различные техники и приемы обработки – ковку, литье, чеканку, сварку и т.д.

   Если художник занимается ковкой, то ему часто приходится своими руками создавать из железа образы, которые рождает его фантазия.

   Батик- техника росписи тканей, многоцветная ткань, рисунок на которую наносится ручным способом.

   Современные художники работают в разных техниках батика. Одна из них горячий батик. Растопленный воск наносится на ткань точно по рисунку, и постепенно им покрывают все цвета в соответствии с рисунком ( от светлого к темному ). Существует менее трудоемкий способ – холодный батик. Рисунок выполняется по ткани специальным составом (резервом) при помощи стеклянных трубочек. Резерв, проникая в ткань, создает перегородку, которая не пропускает краску. Для росписей используют специальную краску или анилиновые красители.

   Выставочная деятельность – это упорный, напряженный труд, в результате которого рождаются авторские вещи. В отличие от предметов массового производства авторские вещи всегда неповторимы. Они сохраняют творческую индивидуальность и становятся продолжением личности художника.

   Современные художники – профессионалы нередко обращаются к русской старине, к традиционным образам и сюжетам народного искусства.

Множество споров возникает и по восприятию выставочного искусства. Обобщим фрагменты анкет и бесед.

«Художник не слишком талантлив и способен, если не может создать многослойное в плане смысла и эстетики произведение, которое бы разными своими гранями трогало восприятие разных слоёв общества, эрудированных, неэрудированных, попросту неграмотных.

Практически все художники, которые привнесли в живопись что-то новое (ну, исключив разве что некоторых мастеров Эпохи Возрождения и придворных художников типа Веласкеса), критиковались их современниками. Фрагменты картин Микеланджело зарисовывались драпировками по требованию священников, Караваджо обвиняли в нелицеприятной реалистичности, Сезанна полюбили только в 19 в. Список можно продолжать долго. Речь идет не о каком-нибудь арт-хаусе, это художники, которые стали классикой. Тогда о каком понимании массами идет речь? Я тоже не сторонник называть искусством все, что дорого стоит.

И если произведение возлагает основную работу по расшифровке на зрителя, то собственно получается, что это зрителю нужно платить и воздавать похвалу больше, чем создателю.

Большое удовольствие - думать над смыслом,который в классических произведениях тоже не всегда понятен без контекста. Попробуйте по тому же Пушкинскому погулять просто так и с аудиогидом, сравните впечатления. Отсутствие контекста лишает удовольствия от восприятия деталей и цельного смысла картины. Без знаний, в любом произведении вы можете оценить только общую картинку, это вершина айсберга, разгадывать его. Замечательно, что можно создать абстрактное произведение, и каждый будет видеть в нем что-то свое. По-моему, такая многогранность придает современным произведениям дополнительную эмоциональную ценность.

И вот что интересно: тот же Пикассо рисовал в 14 лет так, как многие критикующие его, вряд ли когда-нибудь смогут. Но осознанно выбрал для себя именно тот путь, который выбрал.

Если говорить глобально, то я не считаю, что люди без специального образования (и я в том числе) могут судить о значимости современного искусства. Сейчас об этом могут говорить только искусствоведы. А наши потомки решат лет через 200 объективно, что гениально, а что бездарно».

Источник: http://www.adme.ru/tvorchestvo-hudozhniki/ya-ne-ponimayu-sovremennoe-iskusstvo-450355/comments/ © AdMe.ru

Мы провели анкетирование и результаты говорят о том, что сегодня это направление очень актуально. Потому что встал вопрос: «Что же является гениальным? И почему некоторые произведения  школьники готовы разместить в детский альбом вместо Русского музея?»

Считается, что достаточно привести в музей (город, на выставку), ярко и интересно дать информацию и ученик готов стать зрителем: «волшебная силаискусства» сделает все сама, обеспечив катарсис (ведь именно так произошлос героем произведения Г. Успенского «Выпрямила»).

Но массовый педагогический опыт опровергает эти стереотипы.

Накопление опыта визуального диалогового взаимодействия с

произведением требует такой же тщательной поэтапной подготовки, как умение не только читать слова, но понимать подтекст и контекст

литературного произведения, улавливая его скрытые смыслы, способность

слышать музыку, а не набор звуков, следить за развитием музыкальной темы

и пр.

Непонимание природы искусства значительной частью педагогического сообщества и, как следствие, отсутствие потребности в адекватных технологиях работы с ним приводит к тому, что большинство выпускников школы так и остаются на стадии «начинающего зрителя»

3. Они могут смотреть, но не видеть: не способны замечать отдельные, мелкие и, казалось бы, незначительные детали произведения; воспринимать их во взаимосвязи; интерпретировать визуальные объекты и образы; формулировать свое мнение по поводу увиденного и отстаивать его.

Наиболее ярко это подтверждает анализ поведения посетителей музеев.

Социологи давно заметили, что музеи являются для многих людей пространством, в котором они чувствуют себя дискомфортно, особенно если предстоит осваивать его самостоятельно, без экскурсовода, гида или того,«кто знает». Петербургский исследователь М. В. Осорина установила, что затруднения, отсутствие контакта между зрителями произведением обусловлены комплексом личностных психологических проблем, среди которых выделяет три основных:

• страх, связанный с комплексом неполноценности, ощущением собственной некомпетентности и интеллектуальной недостаточности;
• протест, связанный с негативным опытом авторитарного педагогического давления на зрителя;
• предубеждения, обусловленные предварительным некомпетентным вмешательством авторитетных лиц и мнений.

Обозначенные проблемы порождены той самой школьной ситуацией, в которой ребенку не дали права «свое суждение иметь». Большинство

посетителей музея искренне убеждены, что не смогут без специалиста

«понять» картины, скульптуры, декоративно-прикладное искусство,

поскольку «не знают сюжетов», «не имеют специального образования» или «не видели раньше это произведение»… Но в том-то и дело, что произведения искусства создаются для всех людей. Пластические искусства предполагают, что зрители прежде всего рассматривают, а не слушают рассказ или читают этикетаж (путеводители, справочники). Корень проблемы не в недостатке информации о произведении, а в отсутствии опыта взаимодействия с ним, выражающемся в страхе показаться смешным, неумении видеть и размышлять об увиденном, боязни дать себе свободу и высказывать собственное мнение, возможно, не совпадающее с

общепринятым.

Для преодоления подобных проблем с восприятием, овладением

стратегией визуальной коммуникации и развитием зрительских навыков существуют различные способы. Один из них основан на исследованиях

Л. С. Выготского и Ж. Пиаже и теории стадий эстетического развития

американской исследовательницы А. Хаузен, которая выделила и описала пять основных стадий развития эстетического восприятия: от «начинающего зрителя» до зрителя опытного.^[1]

В теории и практике современного педагогического образования весьма актуальной является проблема формирования познавательного интереса к изучаемым предметам в общеобразовательной школе.

Предмет «Изобразительное искусство» развивает чувства детей, обращается непосредственно к созерцанию, восприятию и воспроизведению окружающего мира. Стремление к цели в творческом процессе всегда мотивировано интересом, а ее достижение вызывает у школьников радость и удовлетворение.

Творческая деятельность должна иметь выход, экспонироваться для зрителя. В образовательном процессе данный способ также популярен и используется чаще всего в экспонировании художественного творчества, как детей, так и взрослых.

Участие в выставках – это не только реклама и самореклама. Это, прежде всего, подъём авторитета учреждения и конкретно участников выставки, активизация интереса сообщества к коллективному и персональному творчеству, выявление успехов, поддержка одарённых детей и подростков, демонстрация возможностей педагогов, привлечение внимания общественности и родителей к проблемам художественного творчества и детского творчества в частности. Продукт детского художественного творчества – рисунки, поделки, становятся частью искусства, пусть и самодеятельного, непрофессионального.

Искусство существует не только как совокупность произведений. Оно существует и «работает» в системе: художник – искусство – зритель или творец – произведение – общество. Организация и проведение конкурсов и выставок детского творчества учащихся образовательных учреждений позволяет учащимся проявить свои художественные способности и представить творческие работы на суд жюри и зрителей – посетителей выставок, что, несомненно, привлекает интерес учащихся к предмету «Изобразительное искусство», так как даёт им возможность самореализации.