ЖЕНСКИЙ ОБРАЗ В МИРОВОМ ИСКУССТВЕ. ИЗ XVIII В XXI ВЕК
классный час по теме

             Муниципальное автономное дошкольное образовательное учреждение

                        Детский сад «Солнышко»

 «ЖЕНСКИЙ ОБРАЗ В МИРОВОМ             ИСКУССТВЕ. ИЗ XVIII В XXI ВЕК»

        п. Каменск

                           2013 г.

«ЖЕНСКИЙ ОБРАЗ В МИРОВОМ ИСКУССТВЕ. ИЗ XVIII В XXI ВЕК»

В этом миpе чудес бродит величайшая краса — женщина в бесконечных ее видоизменениях. Нежное тело у одной — белоснежное, у другой — желтое, как матовая слоновая кость; у одной оно отливает цветом червонного золота, у другой — черного дерева. Длинные мягкие волосы то золотисты, как солнечные лучи, то красны, как огненные языки, то черны, как вороньи перья, а томные глаза то голубые, как небо, то черны, как ночь. Здесь женщины ходят в костюме Евы, там они покрывают свое нежное телo полотном, бархатом, шелком и украшают себя перьями, пестрыми цветами, золотом и драгоценными камнями. И всюду, во всех видах, они сознательно или бессознательно вызывают у мужчин восторг, поклонение, любовь и владычествуют, благодаря своему обаянию.
Карл Штрац, “Красота женского тела”.

Женские образы в изобразительном искусстве Древнего Египта 

Женщины Египта имели больше независимости и свободы, нежели женщины других стран. Однако "равенство полов" в Древнем Египте не было, так как в соответствии с миропорядком, установленным Маат, жизненная сущность мужчин и женщин разная. Мужчины Египта преклонялись перед женщинами. Они восхищались ими, заботились о них. При этом, естественно, требуя от женщин внимания и уважения к себе. В традиционном изобразительном искусстве Египта женщин чаще всего представляли в образе любящей жены, держащей мужа за руку, или обнимающей его за плечо. Мужчины работали на свежем воздухе на полях или у реки, их кожа была тёмной, а у женщин, которые были заняты в закрытом от палящего солнца помещении - светлой. Этот жизненный уклад создал правила раскраски изображений: женское тело красилось в желтоватый цвет, мужское – в кирпичный. Считалось, что если кожа жены светла, значит – её муж трудолюбив и заботлив. Согласно изобразительному искусству, египтянок обычно представляют хрупкими и изящными, однако только на изображениях эпохи Древнего Царства представлены женщины крепкого телосложения с округлыми лицами. Это относится не только к портретам знатных утонченных дам, широко известны изображения жриц, танцовщиц, музыкантш, акробаток, кухарок, служанок. Женские образы египетской живописи поражают своей грацией и стройностью. На стенах гробниц рядом с умершим мужем часто изображалась его жена. Некоторые исследователи ссылаясь на подобные фрески, утверждали, что живую жену похоронили вместе с покойным мужем. Уже позже этот миф был опровергнут. Подобные изображения символизируют любовь друг к другу, которую даже смерть не в силах разрушить, и надежду на встречу в загробном мире. На стенах гробниц иногда изображалась и мать умершего.

«Если ты склонен к добру, заведи себе дом.

Как подобает, его госпожу возлюби.

Чрево ее насыщай, одевай ее тело,

Кожу ее умащай благовонным бальзамом,

Сердце ее услаждай, поколе ты жив!

Она - превосходная пашня для своего господина» (Поучения Птахотепа)

             Женщина в живописи Древнего Рима 

Живописных портретов сохранилось немного. Об их характере в известной мере дают представления фаюмские портреты 2-3.в названых по месту нахождения в некрополе Эль-Фаюм, в восточной римской провинции Египта. Живописный портрет в Эль-Фаюме, развивался под воздействием эллинестически - римского искусства. Он сохранил здесь ещё культовое назначение, продолжая этим традицию древнеегипетского портрета. Исполненный на тонкой деревянной дощечке или холсте, портрет после смерти человека вставлялся в забетонированную мумию. Фаюмский портрет был основным видом живописного искусства. В нём уже не было скованности фронтальной композиции египетского портрета. Модель изображалась с естественным трёх четвёртным поворотом головы и обычно помещалась в нейтральном фоне. Плоская декоративная раскраска сменилась живописной лепкой объёма. Применялась чистая темпера, а также смешение этих красок, дающее разнообразные живописные эффекты. В фаюмских портретах обращает внимание яркая обрисовка индивидуальных особенностей модели: Точно воспроизводятся и возрастные особенности, и этнические черты различных народов. Особенно привлекают обаятельные женские образы. В изысканном портрете «Молодой женщины», за внешней горделивостью и сдержанностью, проступает волевой, яркий, страстный темперамент.
Насыщенные краски переливаются глянцем, мерцают как драгоценные камни. В конце 2-3в. н.э. в фаюмских портретах появились элементы схематизма. Вместе с тем в них усилилось воздействие местной древнеегипетской традиции. Формы представлялись плоскостно, контур силуэта становился более чётким, черты лица воспроизводились дробным орнаментальным рисунком. В 1 в. до н. э. Древнеримская живопись отходит от Этрусской традиции, с которой она была до этого связанна, и обращается к греческим образцам. Один из художников называющий себя «афинским», оставляет свою подпись под монохромной картиной «Женщины, играющие в кости». На ней изображено несколько тонко прорисованных и покрытых слоем краски женских фигур, навеянных изображениями с аттических белофонных ваз.

Художественный образ – это способ выражения автором его видения предмета или окружающего мира. Чтобы наиболее полно раскрыть явление или действительность, творческий человек создает художественный образ, который объединяет видение,  субъективную интерпретацию и авторскую оценку.
Поскольку мы говорим об образе в живописи, то  способ создания живописного образа – это  изображение. Смысл художественного образа не всегда может быть понятен или понимается по-разному – это зависит от уровня мышления, определенной ситуации, конкретной культуры и еще от множества факторов. Поэтому бывает так, что созданный художником образ не волнует современников, но высоко оценивается потомками или, наоборот, потомки не находят ничего привлекательного в том образе, которым восхищались современники. Однако есть такие произведения искусства, которые  остаются  шедеврами для многих поколений, а созданный образ волнует людей во все времена.

Для образа характерны  обобщение, типизация, целостность, метафоричность, эмоциональность…

Рассмотрим образы, созданные великим художником Возрождения Леонардо да Винчи.

Леонардо да Винчи
«Мадонна с цветком», или «Мадонна Бенуа», была написана Леонардо да Винчи во Флоренции около 1478 г.  Образ леонардовской мадонны не является олицетворением  образа Богородицы, это обобщенное поэтическое воплощение женственности и материнства.

У его мадонны простое, подчеркнуто юное лицо, веселая улыбка. Ее фигура четко вырисовывается на фоне полумрака комнаты. Ничего торжественного и неземного нет в этой картине, наоборот, изображена как будто даже бытовая сцена: мать играет с ребенком, протягивая ребенку цветочек, а он еще неловок, смешно берет цветок своими неуклюжими  ручками, но не может сразу ухватить его. И мать, сама почти еще дитя, улыбается и восхищается младенческой прелестью сына.

Фигуры, созданные Леонардо да Винчи, отмечены реальностью: тщательно передается рельеф складок платья, объемность фигур, игра света.

Образ материнства передан так точно и так выразительно, что перед нами уже не просто мать, а Мадонна, именно  вечное торжество и красота материнства делают простую женщину Мадонной.

Леонардо да Винчи "Мона Лиза" ("Джоконда")

Это самая известная работа Леонардо да Винчи. О ней написаны горы книг, сняты фильмы, «загадку» Джоконды пытаются разгадать вот уже несколько веков: кто изображен на этой картине? Почему художнику настолько дорога была эта картина, что он никогда не расставался с ней? Что скрывается за этой загадочной улыбкой?

С.М. Сандомирский писал: «В Джоконде человек осознает себя частью природы, включенным в ее бесконечные творения. Трагическая разумность природы и жизни, необходимости  понимания ее законов, дабы человеку состояться в своих трудах, в строительстве своей жизни… мы видим не воспроизведение жизни данной женщины, некоей Моны Лизы, а модель человеческой жизни».

И мы тоже давайте оставим это неблагодарное занятие – поиски прообраза или смысла улыбки. Мы лучше внимательно посмотрим на образ запечатленной женщины и, может быть, увидим в ней себя или близкого нам человека. Ведь у каждого из нас много общего.

Одно неоспоримо: полная гармония в картине. Как достиг этого художник?

Продуманная композиция, тонкая живопись, благодаря которой создается реальность и в то же время неопределенность человеческого бытия: легкая дымка, смягчающая очертания и создающая незаметные переходы между формами и красками; взгляд Моны Лизы, обращенный прямо на зрителя, создает ощущение ее присутствия; ландшафт картины, который подчеркивает загадочность женщины…

        «Флорентийские мадонны»

        Флорентийские мадонны Рафаэля – это бесконечно изящные, миловидные, трогательные и чарующие юные матери. Мадонны, созданные им в Риме, то есть в период его полной художественной зрелости, приобретают иные черты. Это уже владычицы, богини добра и красоты, властные своей женственностью, облагораживающие мир, смягчающие человеческие сердца и сулящие миру ту одухотворенную гармонию, которую они собой выражают. «Мадонна в кресле», «Мадонна с рыбой», «Мадонна дель Фолиньо» и другие всемирные известные мадонны, то в полной свободе вписанные в круг, то царящие в славе над прочими фигурами в больших алтарных  композициях, знаменуют новые искания Рафаэля, путь его к совершенству в воплощении идеального образа мадонны.

        Общность типа некоторых рафаэлевских женских образов римского периода породила предположение, что художнику служила моделью одна и та же женщина, его возлюбленная, прозванная «Форнарина», что значит булочница. Эта римлянка с ясными благородными чертами лица, удостоившаяся любви вельможнейшего из живописцев, была дочерью пекаря. Быть может, образ её и вдохновлял Рафаэля, однако этот образ, по-видимому, все же не был единственным.

        «Сикстинская мадонна»

        Важное место в искусстве великого художника по-прежнему занимает образ мадонны, который приобретает черты большей монументальности и уверенности. Такова «Сикстинская мадонна».

        Этот образ более глубокий, чем ранние мадонны. Мария идёт по облакам, неся своего ребёнка. Серьезный и тревожный взгляд матери нам говорит о том, что она уже знает, какие испытания выпадут на долю ее сына. Слава ее ничем не подчеркнута. Ноги босы. Но как повелительницу встречает ее, преклонив колени, папа Сикст, облаченный в парчу; святая Варвара опускает глаза с благоговением, а два ангелочка, чуя ее поступь, устремляют вверх мечтательно – задумчивый взор. Колено преклонный, покорный Сикст не отрывает восторженного взора от богоматери. Она идет к людям, юная и величавая, что–то тревожное затаив в своей душе. Мадонна не только красива, она еще и бесконечно мудра.

        Ее взор, кажется, проникает в самую глубь явлений. О ней можно сказать словами стихов Сервантеса, посвященных поэзии:

                          Она умеет видеть суть явлений

                и там, где для мудрейшего темно…

        «Сикстинская мадонна»! Величавая, простая. После всего хаоса, разрушений, которые прошли перед нами, особенно ярко поражали гармония, красота этого величайшего шедевра мировой живописи.

        Зрелище, преображающее реальность в ее величии, вещей мудрости и красоте, зрелище, возвышающее душу своей абсолютной гармонией.

        Эта мадонна – воплощение того идеала красоты и добра, который смутно воодушевлял народное сознание в век Рафаэля и который Рафаэль высказал до конца, раздвинув занавес, то самый, что отделяет будничную жизнь от вдохновенной мечты, и показал этот идеал миру.

           «Мадонна  Конестабиле»

          В этой картине не ничего случайного,            

и нет образа более лирического, как и более крепкого своей внутренней структурой. Какая гармония во взгляде мадонны, наклоне ее головы и каждом деревце пейзажа, во всех деталях и во всей композиции в целом! И уже самой живой жизнью дышат фигуры нежно- задумчивой матери и так чудесно устроившегося на ее руках младенца.

        Резко выступающая нижняя губа, линия рта, красиво и энергично изогнутая, тонкий овальный подбородок выдают решимость и властность. Все здесь значительно и законченно – ясно.

Джон Уайт Александер (англ. John White Alexander, род. 7 октября 1856 г. Аллегейни — ум. 31 мая 1915 г. Нью-Йорк) — американский художник-символист и иллюстратор.

Дж. У.Александер рано осиротел и в детские годы воспитывался дедом в Питтсбурге. В 12 лет работает на телеграфе, здесь впервые проявляется его талант художника. В 1874 году переезжает в Нью-Йорк, служит в еженедельнике Харперс Уикли иллюстратором и карикатуристом. После трёхлетнего обучения в Нью-Йорке Александер в 1877—1881 годах совершает путешествие в Европу. Он посещает Мюнхен, где занимается у Фрэнка Дювенека; затем — Венецию и Флоренцию, где знакомится с Джеймсом Уистлером. Под творческим влиянием последнего Александер продолжает изучать живопись и графику в Нидерландах и в Париже.

После возвращения художника в Нью-Йорк в 1881 году он добивается большого успеха как иллюстратор и портретист (в частности, написал портреты О. У. Холмса Старшего, Джона Берроуза, Уолта Уитмена и др.). С 1890 по 1901 год Александер живёт в Париже. В 1893 здесь в Салоне с большим успехом проходит его персональная выставка. Находясь во Франции, был дружен с Уистлером, С.Малларме, Генри Джеймсом. В 1901 году возвращается в Нью-Йорк. С 1909 по 1915 год занимал должность президента Национальной Академии дизайна.

В 1900 Дж.У.Александер был награждён Золотой медалью на Всемирной выставке в Париже. С 1901 — кавалер французского Ордена Почётного легиона.

Жан Огю́ст Домини́к Энгр  — французский художник, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.
Родился 29 августа 1780 в Монтобане на юго-западе Франции. Учился в Тулузской академии изящных искусств. По окончании академии переезжает в Париж, где в 1797 становится учеником Жака-Луи Давида. В 1806—1820 учится и работает в Риме, затем переезжает во Флоренцию, где проводит ещё четыре года. В 1824 возвращается в Париж и открывает школу живописи. В 1835 вновь возвращается в Рим в должности директора Французской академии. С 1841 года до конца жизни живёт в Париже. Скончался 14 января 1867, похоронен на парижском кладбище.

Daniel Ridgway Knight Художник Daniel Ridgway Knight) - яркий представитель плеяды западных художников 19-го века в живописи. Его картины выполнены в различных жанрах: пейзаж, портрет, цветочные темы, историческая живопись.

Даниэль Риджвей Найт родился 15 марта 1839г. в Пенсильвании. Годы учёбы. Кропотливый труд принёс ему успех. Его картины были выставлены в Пенсильванской академии изящных искусств, где он одноклассник Мэри Кассатт и Томас Еакинс. В 1861 году он отправился в Париж, чтобы продолжить свое обучение в Школе Изящных искусств под Кабанел, он - ученик в мастерской Шарля-Габриэль-Глейере.

           Для овладения искусством передачи цвета Найт кропотливо изучал фазы дня, их влияние на окружающую среду, "игру" света и тени. На его картинах каждая сцена изображена весьма подробно, при этом уделяется особое внимание реалистичному изображению ланшафта.
            В 1871 году Найт женился на Ребекке Моррис Вебстера. В период после свадьбы он работает художником-портретистом, чтобы заработать достаточно денег.
            К середине 1890-х годов Найт переехал в дом в Роллейбойсе, что недалеко от Парижа. Дом находится в обрамлении прекрасных цветников. Здесь он начал рисовать картины, которые сейчас особенно популярны и ценятся современными коллекционерами изящного искусства. На его картинах великолепные цветники, юные женские лица, вся многоликая красота природной флоры.
           Найт получил целый ряд наград: медаль на Салоне в 1888 году, золотую медаль на выставке в Мюнхене в том же году, в 1889 году он удостоен серебрянной медали на Парижской выставке и был представлен в Легион почёта, став офицером в 1914 году, в 1896 году он получил Гран Медаль почёта Пенсильванской академии изящных искусств.
           Даниэль Р.Найт умер 9 марта 1924 года.

Emile Vernon (Эмиль Вернон), французский живописец
          Emile Vernon родился в 1872 году во французском городке Блуа (Blois).
          Изучал живопись в мастерской жанрового художника и скульптора Огюста Жозефа Трюфема (1836-1898). Существует мнение, что Вернон учился и у Буже (Bouge).

           Затем был учеником отделения изобразительных искусств Университета в г. Туре, получившим приз за свои рисунки в 1888 году. Специализировался Вернон на портретной живописи и жанровых сценах. Особенно популярными являются его портреты молодых девушек и детей. Но, он писал также пейзажи и цветочные натюрморты, сведений о которых, увы, нет.

           В 1898 году он принимает участие в выставке изобразительных искусств в Туре.
          В том же году Вернон выставил свои работы в официальном Салоне в Париже, о чем найдены записи во французских архивах Салона. Показывать свои работы в Салоне Вернон будет до 1913 года.

           В 1899 художник осуществляет оформление (купол и занавес сцены) театра де Шателлье в городе Невер. Невер (главный город французского департамента Ньевр на правом берегу реки Луары).

           В 1904 году Вернон переезжает в Лондон. Живет он на улице Upstall, 2 в Кембервилле, пригороде Лондона, о чем тоже есть документальное подтверждение. В этом же году Вернон представляет несколько цветочных натюрмортов на выставке в Королевской Академии. В 1910 х Вернон работал и в Лондоне, и в Париже.

          Многие его работы находятся в частных коллекциях и стали известны благодаря коллекционерам в США, Канаде и Японии. Поэтому очень часто полотна художника принимают участие в аукционах. Одна из картин Вернона висит в ратуше города Тура.
        Умер Вернон в 1919 или начале 1920 года в возрасте 47 лет.

Hans Zatzka Ханс Зацка (нем. Hans Zatzka; 8 марта 1859 — 17 декабря 1945) — австрийский художник, известный также под псевдонимами H. Zabateri, P. Ronsard и J. Bernard.

Окончил Венскую академию художеств (1882), ученик Христиана Грипенкерля, Карла Вурцингера и Карла фон Блааса.

Автор многочисленных салонных картин на стилизованные античные сюжеты, а также церковных росписей. Известна его картина «Cherubs at boat»: лесные нимфы наряжают девушку (возможно невесту), спящую в маленькой лодке. Озерце, лес, два лебедя, 7 нимф и дева, либо 8 нимф или девушек в венках из цветов.

Ханс Зацка родился 8 марта 1859 года в Вене в семье архитектора. Его детство прошло в 19-ом районе Вены, на Брайтензеер Штрассе, 2 (в течение жизни Ханс Зацка никогда не оставлял этот дом на длительное время). Его художественный дар стал заметным ещё в раннем возрасте. С 1877 по 1882 годы Ханс Зацка обучался в Академии Изящных Искусств, его преподавателем был профессор Блаас. В обучении Ханс Зацка достиг больших успехов и в 1880 году был награждён золотой медалью. По окончании обучения он совершил несколько исследовательских поездок в Италию, позже занимался фреской, росписью в церквях и портретами. Особым интересом у Ханса Зацки пользовалась жанровая живопись, идеальные женские образы и купидоны (амуры). В возрасте 26 лет он получил свой первый значимый общественный заказ: изготовление фрески потолка в "Курхаус Баден" около Вены. Изображена была "Наяда Бадена" (первоначальное название "Badener Quellennymphe") с купидонами и историческими надписями. На жизнь Ханс Зацка зарабатывал религиозной живописью, росписью церквей и алтарей. Жил он в своей домашней студии, поглощённый своей работой. Ханс Зацка никогда не брал учеников и не занимался преподавательской деятельностью Единственной возможностью для родственников его увидеть, было время приёмов пищи. Рисовал Ханс Зацка до 80-летнего возраста. 9-го июля 1945 года, венский тогдашний вице-мэр Кунтшак собственноручно предложил в письменной форме заместителю секретаря профессору Карлу Люгмайеру с Миноритенплатц, присвоить 87-летнему живописцу звание профессора. 16-го августа 1945 года ректор Академии Изящных Искусств сообщил, что профессорский совет единодушно одобрил министерское предложение. Умер Ханс Зацка 17-го декабря 1945 года  

Бакст Лев Самойлович (настоящая фамилия - Розенберг Лейб-Хаим Израилевич) (1866–1924), русский художник и сценограф.
          Родился в Гродно в 1866 году в семье мелкого коммерсанта. Учился в гимназии, четыре года  был вольнослушателем в Академии Художеств, но, разочаровавшись в академической подготовке, покинул это заведение. Занимался живописью самостоятельно, подрабатывая иллюстратором детских книг и журналов.
           Впервые представил свои работы на выставке в 1889 г., приняв в качестве псевдонима сокращенную фамилию бабушки по матери (Бакстер).
           В начале 1890-х годов выставлял свои работы, в основном, пейзажи, в «Обществе акварелистов». С середины 1890-х примкнул к кружку писателей и художников, объединившихся вокруг С. Дягилева и А. Бенуа, и в дальнейшем стал одним из инициаторов создания «Мира искусства».
           Именно графические работы для журнала «Мир искусства» принесли Баксту широкую известность. Бакст внес волнистую линию модерна и почти восточное пристрастие к плоскостному рисунку и ярким краскам в мир садов, архитектурных перспектив и развевающихся драпировок, излюбленный художниками, близких «Миру искусства».
Художник продолжал заниматься и станковой живописью, исполнив множество графических и живописных портретов известных писателей и художников — Ф. Малявина (1899), В. Розанова (1901), Андрея Белого (1905), З. Гиппиус (1906) и др.
           По необходимости содержать семью, — овдовевшую мать и малолетних братьев и сестер, Бакст стал учителем рисования детей великого князя Владимира, а в 1902 г. получил от царя заказ — изобразить «Встречу русских моряков» в Париже.
           Период с 1893 по 1899 г. провел в Париже, при этом часто наезжая в Петербург.
           В 1898 году Бакст выставляется на первой выставке русских и финляндских художников, устроенной С. Дягилевым, а с 1899 года принимает постоянное и деятельное участие в выставках «Мира искусства», в выставках «Secession» в Мюнхене, до 1910 года — в выставках «Союза русских художников», а также различных художественных выставках в Праге, Венеции, Риме, Брюсселе, Берлине.
                  В годы первой русской революции сотрудничал с сатирическими журналами «Жупел», «Адская почта» и «Сатирикон», затем оформлял журналы «Золотое руно» и «Аполлон». Занимался книжной графикой и декоративным искусством, оформляя интерьеры и выставки.
                  К концу 1900-х г.г. Бакст ограничил себя работой в театре, благодаря которой и вошел в историю как выдающийся театральный художник. Дебютировал в театре он еще в 1902 г. Позднее художник делал театральные костюмы для артистов (например, для Анны Павловой).
                 Бакст стал ведущим художником «Русских сезонов» и «Русского балета С. Дягилева» и создал декорации и костюмы к таким балетным спектаклям как «Клеопатра» (1909), «Шехерезада» и «Карнавал» (1910), «Нарцисс» (1911), «Дафнис и Хлоя» (1912) и др., поражавшие зрителей своей фантазией, сказочной роскошью, утонченной изысканностью костюмов, новыми и смелыми сочетаниями красок.
                 Все эти годы Бакст проживал в Европе, что было вызвано необходимостью находиться возле балетной труппы, а также тем, что, как еврей, он не имел вида на жительство в Петербурге.
                 В 1914 г. Бакст был избран членом Императорской Санкт-Петербургской Академии Художеств.
                 Нараставшее напряжение в отношениях Бакста и Дягилева привели к тому, что в 1918 г. художник был вынужден покинуть труппу.
                 Умер 27 декабря 1924 г. в Париже .

Курилко М.И. М. И. Курилко родился 31 мая (12 июня) 1880 года в городе Каменец-Подольский (ныне Хмельницкая область, Украина). В 1905 году поступил в Высшее художественное училище ИАХ. Руководил студенческим комитетом, который провёл забастовку, приведшую к закрытию Академии на один год. В 1907 году возобновляет занятия у профессора В. В. Матэ.

В 1913 году заканчивает обучение с отличием и получает право на пенсионерскую поездку.

Преподаватель Высших Женских Политехнических курсов (в 1915 году преобразованы в Женский Политехнический институт).

Совместно с Т. Я. Бардтом — изобретатель системы театра нового типа в Новосибирске (в 1932 году получает авторское свидетельство).

Главный художник ГАБТ (1924—1928).

Профессор (1940). Преподаватель МАРХИ (1939—1956).

Руководитель театрально-декорационной мастерской МГАХИ имени В. И. Сурикова (1948—1960).

Руководитель мастерской офорта АА СССР.

Среди учеников — В. Я. Левенталь.

Сын — художник М. М. Курилко-Рюмин.

М. И. Курилко умер 1 марта 1969 года.

 Г. Глюкман Американский живописец и график русского происхождения. В 19 лет он поступил в Первые Государственные свободные художественные мастерские, ставшие позже МУЖВЗ (Московское училище живописи, ваяния и зодчества), но три года спустя, в 1920, уехал в Берлин, сбежав от революции. В 1922 вступил в художественное сообщество «Веретено».
           В 1924 он поехал в Италию, где в течение 9 месяцев во Флоренции написал много картин. Затем поселился в Париже. В 1920-х работал в основном в области книжной графики. Иллюстрировал и оформлял книги для парижского издательства «La Pleiade».
          В октябре 1924 у Глюкмана состоялась первая персональная выставка в Галерее Druet в Париже. В своём творчестве сочетал традиции русского реализма и францусского импрессионизма. Картины Глюкмана приобретались многими французскими музеями, в частности Люксембургским музеем, Пети Палэ и другими.
          С 1925 Глюкман показывал свои работы в парижских Салонах - Салоне Тюильри (des Tuileries), Осеннем Салоне, Салоне независимых художников и на выставках Национального Общества изящных искусств. В 1930-х обратился к станковой живописи. Основными темами Глюкмана были парижские уличные сцены, заполненные людьми, чувственные обнаженные фигуры стиля «ню» и парижская ночная жизнь. Он писал портреты, сцены из городской жизни и пейзажи.
Именно в Париже в 1930-е годы и произошел пик его карьеры. Его картины были положительно оценены критиками и хорошо продавались.    После начала Второй мировой войны переехал с женой в США, здесь супруги поселились в Беверли-Хиллс (штат Калифорния). В США произведения Глюкмана были приобретены Художественным институтом в Чикаго, Галереей искусств в Сан-Диего, музеем Фрай в Сеаттле и другими. Картины Глюкмана представленыт в коллекции Британской энциклопедии и приобретены многими американскими коллекционерами. В ноябре 1972 музей Пальм-Спрингс (штат Калифорния) устроил ретроспективную выставку работ художника. В августе 1973 в галерее Далзел Хэтфилд в Лос-Анджелесе состоялась мемориальная выставка, посвящённая его памяти.
           Скончался художник Гр. Глюкман в 1973году 25 июля.

Jean-Gabriel Domergue, французский художник, считавший себя создателем стиля пин-ап, родился в Бордо 4 марта 1889 года. Он учился в Школе изящных искусств в Париже. Рано начал выставлять свои картины в Салоне в 1906 году в возрасте 17 лет, что свидетельствует о его больших способностях. Ученик Тулуз-Лотрека и его последователь, Domergue сначала рисовал пейзажи, но славу и богатство ему принесли изображения женщин. Эти женщины – обнаженные или полуобнаженные – легко узнаваемы. Именно Domergue показал миру истинную француженку – элегантную, кокетливую красавицу с лебединой шеей. Многие знаменитости позировали художнику, среди них были Жозефин Бейкер, Брижит Бардо, Джина Лоллобриджида.
В 1927 году Domergue купил роскошную виллу в Каннах, Виллу Фиезоле, которую он завещал городу. Он был назначен куратором Musée Jacquemart- André в 1955 году, и до самой своей смерти в 1962 году он организовывал очень важные выставки картин Тулуз-Лотрека, Ван Гога, Берты Моризо, Гойи и других знаменитых художников.
Умер в 1962 году в Париже.

Тулуз Лотрек  Анри Мари Раймон (1864-1901) - французский живописец, один из ярчайших представителей постимпрессионизма.
           Родился в старинной дворянской семье. В детстве, дважды упав с лошади, сломал обе ноги и на всю жизнь остался калекой. Этот физический недостаток наложил отпечаток на дальнейшую жизнь художника. Интерес к рисованию пробудился под влиянием художника Р.Пренсето. Учился у Л.Бонна (1883) и Ф.Кормона (1884- 1885). Большое влияние на формирование его творческой манеры оказало искусство Э.Дега и японской гравюры.
           Тулуз-Лотрек писал картины из жизни парижской богемы, ему не свойственно морализаторство, он точно передает яркие моменты.

Гойя, Ботичелли, Ренуар, Рафаэль и др. Рядом с этими именами ставят имена женщин - их моделей, муз или центральных персонажей знаменитых полотен этих мастеров. Однако, в 20 веке женщина, как центральная фигура в творчестве, ушла в тень. Художники стремились передать неконкретные картины видимого мира, а переосмыслить явления невидимого мира. Вместе с тем, в открытый мир, в жизнь в разных ее ипостасиях, буквально ворвалось множество женщин, чтобы навсегда остаться в истории человечества. Супер-женщины - наши современнницы - талантливые личности, замечательные красавицы или просто женщины, в отличие от исторических дам прошлого - особ королевских кровей, аристократок или куртизанок.

          ,,Во всяком искусстве есть то, что лежит на поверхности, и кто пытается проникнуть глубже поверхности, тот идет на риск," - писал О.Уайльд.
           С этой точки зрения некоторые работы В.Мухина просто завораживают, рождают чувство, будто на холсте мазками, линией, цветом художник останавливает время.
            Владимир Николаевич Мухин родился 25 апреля 1971 года в г. Караганда, Казахстан. Окончил Пензенское художественное училище им. К.А. Савицкого. Затем учился во Всероссийской Академии живописи и зодчества. Постоянно действующая экспозиция в Галереях «Элит» (Калифорния, США), Галерея «Кармел» (Скатсдейл, Аризона). В настоящее время живет и работает в Москве.
            Работы Владимира Мухина находятся в галереях и частных собраниях в США, России.
Много прекрасных картин можно посмотреть на официальном сайте художника http://www.muhin-art.ru/]Site

                Владимир Мухин в своих произведениях показывает целые сцены, где образ элегантной и красивой женщины является центральным. Женщина с лошадью, женщина с собачкой, женщина у камина, женщина в богатом интерьере… Манера живописи мастерски передает «шик» красивой жизни.

            Игорь Андриянов Igor Andrianov, Shulman.

            Игорь Андриянов родился в 1959 в Твери, Россия. Свое художественное образование он получил в Колледже Искусства Венецианова. Участвовал в многочисленных выставках в России и за границей. С 1999 года живет в Праге, и с тех пор по настоящее время пишет свои картины под именем Shulman.

William Whitaker Уильям Уитакер (Whitaker, b. 1943) - американский художник, представитель академического направления в живописи.
Был единственным ребенком в семье живописца и с детства рос в художественной среде. Уже в возрасте 6 лет он начал рисовать, и отец создал все условия для развития его способностей, научив его писать маслом и рисовать акварели. В 17 лет он начинает получать систематическое художественное образование у художника - портретиста Элвина Гиттинса в Универистете штата Юта. После творческого поиска и экспериментов с разными стилями, Уитакер пришел к выводу, что его художественной манере ближе всего реалистическое направление в живописи.
С 1965 года Уитакер становится профессиональным художником, а также преподавателем. В качестве профессора живописи он преподавал в разных университетах.

Художник-акварелист Вячеслав Коробейников

Вячеслав Коробейников, родился в Челябинске, Россия в 1968 году. Там же закончил Художественную школу. С 1992 по 1998 учился в Санкт-Петербургской Академии Искусств. В настоящее время и живет и работает в Санкт-Петербурге.
Его акварельные работы можно встретить и на выставках в России, и в Бельгии, Франции, Финляндии.

Анатолий Зверев, столь экстравагантный в жизни, в набросках женских голов следовал принципам старой культуры рисунка и живописи. С его стремлением объединять все стили и манеры, импровизируя, он добивался эффекта красивости, которая порой могла иметь и оттенок салонности (в старом, добром смысле этого слова). Нередко, как известно, художник льстил своим моделям, но и в этом высказывал свое поклонение перед женской красотой. Анатолий Тимофеевич Зверев (3 ноября 1931, Москва — 9 декабря 1986, Москва) — известный русский художник-авангардист. Является ярким представителем периода «Второго русского авангарда», а также выдающимся художником неофициального (нонконформистского) искусства того времени.

Однако крупнейший коллекционер русского авангарда Георгий Костаки считал его первым русским экспрессионистом.

Родился 3 ноября 1931 года в Москве в Сокольниках, в семье инвалида гражданской войны, мать — рабочая. Учился в школе рисованию на уроках художника-графика Николая Васильевича Синицына (ученика А. П. Остроумовой — Лебедевой). В 1954 поступил в Московское областное художественное училище памяти 1905 года, откуда вскоре был исключен за богемно-анархическое поведение.

Участник квартирных выставок 1959—1962 гг. Первая зарубежная выставка — в 1965 г. в галерее «Мот», Париж.

Творческий путь Анатолия Зверева во многом был вызовом обывательскому «здравому смыслу», полуосознанным самоотторжением от мертвящей казёнщины устоявшихся норм и общепринятых представлений об искусстве. Влияние его новаторского творческого опыта на всю современную живопись ощутимо до сих пор.

Кульминация, максимальный личный взлет его творчества состоялся на рубеже 50—60-х гг. и был своего рода живым воплощением духа тогдашних свободных «независимо-подпольных» тенденций в искусстве. Он был несомненным лидером в контексте нонконформизма 60-х. Но он был слишком самим собой, чтобы пленяться любым доктринёрством или групповой ангажированностью, хотя для тогдашнего «андеграунда» путь художника-одиночки был вообще очень характерен. Среди большинства художников своего поколения и союзников по независимому искусству он выделяется уже тем, что не вписывается ни в одну из сложившихся там общностей.

Творческое наследие Анатолия Зверева насчитывает более 30 тысяч работ. Разнообразие обстоятельств создания работ художника, материалов при этом использованных и смешение школ делает крайне затруднительным достоверную искусствоведческую экспертизу для отделения настоящих работ от подделок, присутствующих на рынке. В этих условиях «знаточество»[3] становится единственным способом работы над наследием А. Т. Зверева.

Марина Тиме-Блок (1913-1999)

          Известнейший российский художник, яркий самобытный автор.

          Марина Георгиевна Тиме-Блок родилась 23 мая 1913 года в Петрограде в интеллигентной семье. Отец, Блок Георгий Петрович, двоюродный брат поэта Александра Блока, был потомственным юристом, а так же был наделен многими талантами, в том числе был блестящим рисовальщиком. Александр Николаевич Бенуа, хорошо знавший Георгия Петровича, высоко ценил его способности.

          Как пишет в своей автобиографии Марина Георгиевна: - «детство мое прошло в среде друзей и знакомых родителей – Верейского, Билибина, Добужинского, Кустодиева. В памяти остались замечательные детские праздники, которые, несмотря на трудное голодное время, устраивались в доме Кустодиевых на Введенской. Гостями были всегда Маруся и Митя Шостакович, дети Добужинских, Орик Верейский. Незабываемо и детское впечатление от ярких, радостных картин Бориса Михайловича Кустодиева. Должно быть, все это и породило у меня неистребимое желание рисовать. Сколько себя помню – рисовала всегда.»

          В 1940 году Марина Георгиевна окончила Таврическое художественное училище и поступила в академию художеств на живописное отделение. Вместе с ней учились замечательные мастера: А.А. Мыльников, В.Ф. Загонек, Ф. И. Пакун, Е.Е. Моисеенко, скульптор М.А. Аникушин. Любимым педагогом был К.И. Рудаков.

          Учеба закончилась только в 1949 году и 20 лет Марина Георгиевна преподавала живопись, рисунок, композицию в родном Таврическом художественном училище и в Академии художеств.

          «В 1955 году меня приняли в Ленинградское отделение Союза художников. Наиболее близкие творческие отношения сложились в это время с Татьяной Бруни, Александрой Щекатихиной-Потоцкой, Софьей Юнович. Я принимала участие более чем в 40 различных художественных выставках, проходивших в различных городах страны. Среди моих учеников были теперь уже многим известные художники Юрий Межиров, Юрий Люкшин, Игорь Майоров, Борис Смирнов и многие другие».

          В 1969 году Марина Георгиевна вышла на пенсию и больше не преподавала. Появилась своя хорошая мастерская на Петроградской стороне. «Пишу портреты (Ахматовой, Бергольц, Шостаковича, Улановой, Нуреева, поэтов Тихонова, Дудина, Шефнера, писателей Бражнина, Зощенко и многих других), натюрморты, пейзажи. И все же главная моя любовь – это мой родной Ленинград-Петербург. Его рисовать самое большое удовольствие и счастье. В эти работы я вкладываю всю свою душу без остатка. Без этой постоянной работы жить не могу, нет смысла».

          «В 1986 году к 40-летию независимости Индии я написала две большие работы: панно, посвященное великой истории дружественного нам народа и портрет Индиры Ганди на фоне Тадж Махала. Панно находится в Бомбее, а портрет Индиры Ганди в Нью-Дели в музее Индиры Ганди. Эти работы заслужили похвалу С.Н. Рериха». Последние годы жизни Марии Георгиевны были трудными. «Беда, конечно, что с каждым годом слабеет зрение, память, уходят силы – трудней становиться ходить, рисовать. Но не убывает желание творить, трудиться, быть полезной обществу, радоваться жизни, новым переменам».

Художник Sergio Cerchi родился во Флоренции, где он живет и работает в настоящее время.                Художественное образование получил в Porta Romana Art Institute и Cherubini Conservatory. С раннего возраста две страсти, которые неотделимы друг от друга - музыка и изобразительное искусство. Он начал рисовать в 15 лет, экспериментируя с различными методами до созревания своего личного стиля. Принимая участие в художественных семинарах, играл в музыкальных ансамблях.

         "Фигуры и геометрия" они составляют его видение из реальности, эстетически художественные образы они выражают еще философские и исторические ценности. Фон растет в его живописи как музыкальный ряд, испаряя плоский горизонт и объемы, где подробно и разборчиво возникают образы. Оттенки масляной краски - теплые тона красного смешанные с оттенками охры, зеленые, синие тона и мудрый старый светло-серый, включающий в себя элементы камня и скульптуры. Это как знаковые цвета величайших мастеров искусства Эпохи Возрождения, которые вдохновляют художника.

Tae Park Тэ Парк, корейская художница, родилась и выросла в городе Kyouнг-Ю, Южная Корея. Парк получила степень бакалавра живописи в сангшингском женском университете, в Сеуле, Корея, а затем степень магистра в изобразительном искусстве в Академии искусств.
           Tae Парк прекрасная художница с многолетним опытом профессиональной работы. За плечами у нее не один десяток персональных и коллективных выставок.
            Тэ Парк, рисует картины, открывающие дверь в другой мир, в другую реальность. "Живопись не только помогает создавать иллюзию трехмерного пространства, но и отражение мира, который существует внутри меня", говорит художница. Внутренний мир, который она изображает, это, на самом деле, идеализированная реальность, вызываемая мирными, но мимолетными моментами повседневной жизни.
            Цель Тэ - создание сказочного настроения, часто персонажи или пейзажи на ее картинах видятся в мистическом свете. Для достижения этого эффекта, она может выйти с моделью в лес, около 5 часов утра зимой и начать фотографировать, или выйти на улицу в сильный дождь, облачным, туманным утром со своей камерой, чтобы сделать пару кадров.
В детстве она была очарована греческой и римской мифологией, особенно фантазиями о существах, известных как нимфы. Сегодня эти мистические существа из леса и воображение продолжают предлагать бесконечные идеи для ее работ.

Frida Kahlo (1907-1954)

Трагическая жизнь и прекрасные работы художницы Фриды Кало

Я твое повторяю имя
по ночам во тьме молчаливой,
когда собираются звезды
к лунному водопою
и смутные листья дремлют,
свесившись над тропою.
И кажусь я себе в эту пору
пустотою из звуков и боли,
обезумевшими часами,
что о прошлом поют поневоле.

Я твое повторяю имя
этой ночью во тьме молчаливой,
и звучит оно так отдаленно,
как еще никогда не звучало.
Это имя дальше, чем звезды,
и печальней, чем дождь усталый.

Полюблю ли тебя я снова,
как любить я умел когда-то?
Разве сердце мое виновато?
И какою любовь моя станет,
когда белый туман растает?
Будет тихой и светлой?
Не знаю.
Если б мог по луне гадать я,
как ромашку, ее обрывая!
Г.Г.Лорка (пер. Я.Серпина)

Фрида Кало родилась в Мехико в 1907. Она третья дочь Гулермо и Матильды Кало. Отец - фотограф, по происхождению - еврей, родом из Германии. Мать - испанка, рождённая в Америке. Фрида Кало в 6 лет заболела полиомелитом, после чего осталась хромота. "Фрида — деревянная нога" — жестоко дразнили ее сверстники. А она наперекор всем плавала, играла с мальчишками в футбол и даже занималась боксом. На ногу натягивала по 3–4 чулка, чтобы выглядела, как здоровая. Физический дефект помогали скрывать брюки, а после замужества — длинные национальные платья, какие до сих пор носят в штате Оахака и которые так нравились Диего. Впервые Фрида появилась в таком платье на их свадьбе, одолжив его у служанки. 
         ...Автокатастрофа произошла дождливым вечером 17 сентября 1925 года. Автомобиль, в котором Фрида ехала со своим школьным другом, столкнулся с трамваем. Удар был таким сильным, что парня вышвырнуло из машины. Но он легко отделался — лишь контузией. А Фрида... Сломанный железный прут токосъемника трамвая воткнулся в живот и вышел в паху, раздробив тазобедренную кость. В трех местах был поврежден позвоночник, сломаны два бедра, нога. Врачи не могли поручиться за ее жизнь. Фриде Калон было 18 лет. И она победила.
Начались мучительные месяцы неподвижного бездействия. Именно в это время она попросила у отца кисть и краски. Для Фриды сделали специальный подрамник, позволявший писать лежа. Под балдахином кровати прикрепили большое зеркало, чтобы Фрида могла видеть себя. Она начала с автопортретов. "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего".
           В 22 года Фрида Кало поступает в самый пристижный институт Мексики (национальную подготовительную школу). На 1000 студентов взяли только 35 девушек. Там Фрида Кало встречает будующего мужа Диего Риверу, только вернувшегося домой из Франции.
В день свадьбы Диего показал свой взрывной нрав. 42-летний новобрачный немного перебрал текилы и стал палить из пистолета в воздух. Увещевания только распаляли разгулявшегося художника. Случился первый семейный скандал. 22-летняя супруга ушла к родителям. Проспавшись, Диего просил прощения и был прощен. Молодожены переехали в свою первую квартиру, а потом — в ставший знаменитым "голубой дом" на улице Лондрес в Койаокане, самом "богемном" районе Мехико, где они прожили много лет. 
             Их семейная жизнь бурлила страстями. Они не всегда могли быть вместе, но никогда — врозь. Их связывали отношения, по словам одного из друзей, "страстные, одержимые и порой мучительные". В 1934 году Диего Ривера изменил Фриде с ее младшей сестрой Кристиной, позировавшей ему. Сделал это открыто, понимая, что оскорбляет жену, но отношений с ней порывать не хотел. Удар для Фриды был жестоким. Гордячка, она своей болью не желала делиться ни с кем — только выплеснула ее на холст. Получилась картина, быть может, самая трагичная в ее творчестве: обнаженное женское тело иссечено кровавыми ранами. Рядом с ножом в руке, с равнодушным лицом тот, кто нанес эти раны. "Всего-то несколько царапин!" — назвала полотно ироничная Фрида. После измены Диего она решила, что тоже имеет право на любовные увлечения. Это взбесило Риверу. Позволяя себе вольности, он был нетерпим к изменам Фриды. Знаменитый художник был болезненно ревнив. Однажды, застав жену с американским скульптором Исамой Ногучи, Диего выхватил пистолет. К счастью, не выстрелил. 
            Романтическим ореолом овеяны отношения Фриды Кало с Троцким. Мексиканская художница восхищалась "трибуном русской революции", тяжело переживала его высылку из СССР и была счастлива, что благодаря Диего Ривере он нашел в Мехико приют.
В январе 1937 года Лев Троцкий и его жена Наталья Седова сошли на берег в мексиканском порту Тампико. Их встречала Фрида — Диего лежал тогда в госпитале. Художница привезла изгнанников в свой "голубой дом", где они нашли наконец тишину и покой. Яркая, интересная, обаятельная Фрида (после нескольких минут общения ее болезненных увечий уже никто не замечал) мгновенно пленила гостей. Почти 60-летний революционер увлекся, как мальчишка. Он всячески пытался выразить свою нежность. То будто невзначай притрагивался к руке, то тайком касался под столом ее колена. Строчил пылкие записки и, вложив их в книгу, передавал прямо на глазах своей жены и Риверы. Наталья Седова о любовной авантюре догадывалась, а Диего, говорят, так никогда и не узнал о ней. "Я очень устала от старика", — якобы обронила однажды Фрида в кругу близких друзей и оборвала недолгий роман.
             Есть и другая версия этой истории. Молоденькая троцкистка будто бы не устояла перед напором трибуна революции. Их тайное свидание состоялось в загородном поместье Сан-Мигель Регла, в 130 километрах от Мехико. Однако Седова зорко следила за мужем: интрижка была задушена на корню. Вымаливая у жены прощение, Троцкий назвал себя "ее старой верной собакой".      После этого изгнанники покинули "голубой дом".
Но это слухи. Никаких свидетельств этой романтической связи нет. 

             Больше всего в жизни Фрида любила саму жизнь — и это магнитом притягивало к ней мужчин и женщин. Несмотря на мучительные физические страдания, он искрилась юмором, могла хохотать до изнеможения, подшучивать над собой, развлекаться и от души кутить. И только взяв кисть, позволяла себе думать о неизбежном. Она мечтала о ребенке, но страшная травма не позволила ей иметь детей. Три беременности — а это был настоящий подвиг в ее положении — закончились трагично. И тогда она стала рисовать детей. Чаще всего — мертвых. Хотя большинство ее картин, натюрмортов, пейзажей пронизаны солнцем и светом. 
Фрида была коммунисткой. Она вступила в мексиканскую компартию в 1928 году, но через год вышла из нее вслед за исключенным Диего Риверой. А через десять лет, верная своим идейным убеждениям, снова вступила в компартию. В ее доме на книжных полках стоят потрепанные, зачитанные до дыр тома Маркса, Ленина, работы Сталина, рядом — Зиновьев, изданный в 1943 году в Мехико, тут же — публицистика Гроссмана, посвященная Великой Отечественной войне, и совершенно неожиданная "Генетика в СССР". В спальне, в изголовье кровати, висят большие портреты основоположников марксизма-ленинизма и самых даровитых их последователей. В частности, Мао Цзедуна в красивой деревянной раме. увеличенная фотография, тоже в раме: Ленин выступает с трибуны на Красной площади перед уходящими на фронт красноармейцами. Инвалидная коляска стоит рядом с подрамником, на холсте незаконченный портрет Сталина. Вождь изображен суровым, с нахмуренными бровями, в белом парадном кителе, с одним золотистым маршальским погоном. Второй погон Фрида нарисовать не успела...

            Поврежденный позвоночник постоянно напоминал о себе. Периодически Фриде Кало приходилось ложиться в госпиталь, чуть ли не постоянно носить специальные корсеты. В 1950 году ей сделали 7 операций на позвоночнике, 9 месяцев она провела на больничной койке. Теперь она может передвигаться только в инвалидной коляске. Через два года — новая трагедия: ей ампутируют до колена правую ногу. И как утешение — в том же, 1953, году проходит первая персональная выставка Фриды Кало. Она счастлива. Она, как всегда, смеется. И чуточку подтрунивает над собой. Вот, мол, какая я знаменитость. Не хуже Риверы...

              А дома в крохотной спальне (ее трепетно берегут хранители "голубого дома") на потолке порхают большие яркие нарисованные бабочки — глядя на них, Фрида успокаивается, боли утихают, и она засыпает. Чтобы проснувшись, снова взяться за кисть.

             Ни на одном автопортрете Фрида не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные черные усики над плотно сжатыми чувственными губами. Идея ее картин зашифрована в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика художницы, говорят искусствоведы, опирается на национальные традиции, тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. Фрида Кало блестяще знала историю своей родины. Множество подлинных памятников древней культуры, которые Диего и Фрида собирали всю жизнь, находится сейчас в саду "голубого дома". Каменные идолы, такие же каменные животные схоронились под пальмами и кактусами. Тут и там выглядывают индейские маски. Здесь есть даже — редкость для иного этнографического музея — каменная плита с кольцом для игры в мяч — древняя и совсем небезобидная забава мексиканских индейцев: ведь капитан проигравшей команды приносился в жертву богам.

               Фрида Кало умерла от воспаления легких, через неделю после того, как отметила свое 47-летие, во вторник 13 июля 1954 года. На следующий день близкие собрали ее любимые украшения, в том числе старинное, еще доколумбовых времен, ожерелье, дешевенькие простые вещицы из морских ракушек, которые она особенно любила, и положили все это в серый гроб, установленный в "Бельяс Артес" — Дворце изящных искусств. Гроб накрыли черным покрывалом, который спускался до самого пола, усыпанного красными розами. Одноклассник Фриды Кало— Артуро Гарсиа Бустос, как и она, увлеченный революционными идеями, принес красное знамя с серпом и молотом в центре белой звезды и положил его на гроб. Возник скандал, который быстро замяли, убрав знамя. Рядом с Диего Риверой стояли бывший президент Мексики Ласаро Карденас, известные художники, писатели — Сикейрос, Эмма Уртадо, Виктор Мануэль Вильясеньор.

Мэри Кассат (Mary Cassatt) (1844 - 1926) -  знаменитая американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма. Она прожила большую часть своей жизни во Франции. Дочь банкира, училась в Пенсильванской Академии художеств в Филадельфии (1861-1865), в Парме (1872), в Париже у Ш.Шаплена (1874), совершенствовала мастерство в европейских музеях, особое внимание уделяя творчеству Ж.Д.Энгра и Г.Гольбейна. Много путешествовала, была во Франции, Италии, Испании, Бельгии.Находясь в Париже, брала уроки живописи у Э.Дега. Большое влияние на формирование ее художественного метода оказало творчество французских импрессионистов, в особенности Дега и Мане, а также искусство японской гравюры.

Очевидно, что все эти художники, показывают образ современной женщины как бы примеривая к нему те, которые создавались вне нынешней цивилизации, примет которой тут и не увидишь. Они словно испытывают этот образ на прочность: выдержит ли он уподоблению с мастерами предшествующих времен. К примеру, с салонным искусством рубежа XIX-XX веков.

Художник-иллюстратор  Jules Erbit  Мало что известно о Jules Erbit. Американский художник, иллюстратор. Родился в 1889 году. Умер в 1968 году. Он был мастер пастели, один из самых известных и очаровательных художников с 1930 по 1950 годы.

Художник Josef Loukota Loukota Джозеф (1879-1967) 
            Живописец, рисовальщик, профессор академии в Праге. В годы 1896 - 1899 годах учился в Fox . Затем, в Академии Вацлав Brozik и Hanus Schwaiger . Он исполнил несколько работ по декоративной росписи Hynaisova , таких как стены аллегории в Пантеоне в Национальном музее в Праге. Он рисует сцены из жизни простых людей. Многие из его работ были воспроизведены в Золотую Прагу. С 1910 года возглавлял Академию Roubalik, а позже Мысльбека в Праге.

Маковский Константин Егорович (20.06(2.07).1839 - 17(30).09.1915), русский художник, действительный член петербургской Академии художеств (1898).

Родился в Москве, в семье одного из организаторов Московского училища живописи ваяния и зодчества Е. И. Маковского. Старший брат художника Владимира Маковского.

Учился в МУЖВЗ (1851-58) у С. К. Зарянко и в Академии художеств (с 1858).

Один из участников "бунта четырнадцати" (Крамской,Корзухин, Лемох, Вениг, Григорьев и др.), Константин Маковский в 1863 г. покинул Академию художеств, став одним из членов Артели художников , а затем входил в состав Товарищества передвижников (см. художники передвижники).

Творчество Константина Маковского можно разбить на два этапа. В 1860-х - начале 1870-х годов под влиянием передвижнических идей обращался к сюжетам из народной жизни ("Селедочница" 1867 г., "Балаганы на Адмиралтейской площади" 1869 г., обе картины в Государственном Русском музее, Санкт-Петербург, "Маленькие шарманщики у забора зимой" 1868 г, частное собрание).

Поворотным моментом в творчестве художника можно считать путешествие в Египет и Сербию ( середина 1870-х гг.). После этого события Маковский начал всё больше склоняться к академизму ("Возвращение священного ковра из Мекки в Каир", 1876, Русский музей).

В 1883 году состоялся окончательный разрыв с передвижниками. С этого момента писал главным образом внешне эффектные портреты и жанрово-исторические сцены (портрет жены художника, 1881, "Поцелуйный обряд", 1895, - оба в Русском музее; "Князь Репнин на пиру у Ивана Грозного", Иркутский областной художественный музей). Картины Константина Маковского имели огромный успех в высшем свете. Он был одним из самых высоко ценимых художников того времени.

Маковский Константин Егорович погиб в результате несчастного случая (трамвай столкнулся с его экипажем) в 1915 году в Санкт-Петербурге. Художник оставил огромное художественное наследие.

Djordje Prudnikoff Рука Бога соединила сербскую женщину и русского мужчину, приехавшего в Сербию со своими родителями после Октябрьской революции. В 04.1939 у них родился сын Джордже Прудников. В 1946 семья перехала в Белград. После школы Джордже поступает в Академию искусств, которую оставляет через несколоко месяцев, чтобы записаться в Академию прикладных искусств, которую он закончил под руководством профессора Михайло Петрова. Во время учебы он был несколько раз награжден за работы по графическому дизайну. В 1967 году он продолжил занятия дизайном в Вене. Один из его проектов даже выиграл "Оскара" для дизайна в Германии в 1969.

На Международном конкуре на новые идеи в дизайне мебели, он получил награду и три месяца стажировки в Италии. Во время стажировки и после он главным образом занят в области прикладного искусства, принимает участие в разработке проектов мебели и керамики для нескольких известных итальянских предприятий. Его работы отобраны для выставки Итальянского дизайна, которая пройдет во многих европейских столицах. Это было время, когда итальянский дизайн считали одним из лучших в мире.

Прудников встретил много интересных людей в Италии. Имя Prudnikoff и желание заняться живописью он привез оттуда.

В 1976 он возвращается в Белград. Художник-график и дизайнер с академическим образованием, но живописец по призванию, за десять лет Прудников очень ярко раскрыл свое необычное дарование и индивидуальность.

Он принимает участие в многочисленных выставках и в стране, и за границей.

На (из) темных таинственных фонах появляются лица и фигуры людей, они растворяются или возникают в потоках света. Как будто его искусство прибыло в наше время из семнадцатого столетия. Его тематически выразительные сюжеты, драматический темперамент и «сфумато1», передающее эффекты освещения в ателье, гладкое письмо, выверенная композиция и поток сентиментальности ведут нас назад к миру Караваджо, Джовани Батисты или Сальвадора Розы. Италия не прошла для него даром.

Метод Прудникова прост. В его картинах есть вездесущее мастерство. Рука мастера, которая знает точно, как смешать краски, дозирует их количество и плотность. Он, как будто, избегает всего, что дало бы повод говорить о его современности. Он «иногда эпически велеречив, иногда лирически тих, время от времени - трагичен, чаще, чем нужно - патетичен...

Может завтра, когда потеплеет, когда солнце твердо усядется на престоле - все... испарится, уйдет как дым... А может, что-то и задержится. Как скромный знак того таинственного, что всегда близко, всегда с нами, того, что всегда на виду, а мы, часто не желаем этого видеть» (Горан Петрович).

Художник много пишет портретов известных людей: маршала Тито, оперную диву Ядранку Йованович, политиков, Милошевича, актеров, ученых, женские и детские портреты, пейзажи. Критики долго обходили своим вниманием живопись Прудникова, чувствуя его как причудливое и весьма необычное явление для Белградского искусства живописи. Кроме того, экстраординарные высокие цены его работ привлекали больше внимание публики, чем арт-критиков.

Однако, постмодернизм конца 20 века, совершенно спокойно позволил увидеть в холстах Прудникова не ретроградные тенденции, а возможность различного их прочтения и интерпретации. Тот, кто хотел видеть в этих работах искусство "анахронизма", мог посмотреть с другой стороны и объявить автора как «идущего впереди».

Живопись - единственное, что реально, даже больше реального, поскольку создает несколько реальностей.

Близорукие используют очки, глухие - слуховой аппарат, инвалиды - протезы, а атрофированные или ампутированные чувства востанавливает искусство.

Марина Подгаевская закончила ЛХУ им. Серова в 1983 году, в 1998 году - школу-студию по старинной технике живописи. Создала более 500 полотен. Многие из ее работ находятся в частных коллекциях России, США, стран Западной Европы. Самобытные полотна питерской художницы хранятся в Пулковской обсерватории, Петербургском университете, посольстве Словакии в Москве. 1991-участие в выставке "Художники Петербурга" в ЛЕНЭКСПО, 1995-1997-участие в выставке в Летнем саду в Петербурге, 2001-участие в выставке в выставочном зале "Смольный" в Петербурге, 2005-2006-галерея "Резиденция" в Питере, 2005-2006-галерея "Дар" в Петербурге, 2006-участие в выставке в Этнографическом Музее в Питере, 2007-участие в благотворительном аукционе в посольстве Москвы в СПб, организованного фондом "Милость" в Петербурге, 2007-персональная выставка "Ненавязчивый сон" в галерее "Ди Ди" В Петербурге, 2007-персональная выставка "Ненавязчивый сон - 2" в салоне т/х "Казань" в Петербурге, 2007- коллективная выставка в Центре книги и графики в Питере, 2007-коллективная выставка "Artindex" в Питере 2008 - коллективная выставка художников в Гостинном дворе в Москве, 2008-худож.выставка в ЦДХ в Москве, 2008-персональная выставка в "Английском клубе" в Питере. 2008-персональная экспозиция в рамках морской международной выставки "Ботшоу" в ЛЕНЭКСПО в Питере.

 Валерий Харитонов (род. В 1939 г. ВМоскве)

 1962 – Окончил Всесоюзный государственный институт кинематографии (ВГИК). Художник - живописец и график,  работает в смешанной технике в  собственном стиле мистического экспрессионизма. 

         В картинах художника мистически прослеживается дыхание жизни – образы возникают, исчезают, как бы уплывая на время из нашего видения, фантастически преображаются и являются нам снова уже в другом обличьи и значении, позволяя заглянуть в скрытые тайны бытия и сознания.

               «Родословные корни Валерия Харитонова — в античности, в русской православной мистике.
Они в платоновских идеях бессмертия души…Мистический экспрессионизм художника— это вариации состояния взорванного времени, в котором художник ищет нити порушенной связи человека с Творцом…  

                В “полые формы” заимствованного с Запада визуального языка абстрактного экспрессионизма у Харитонова вселяется совсем иная, и по сути сверхличная и сверхрациональная Неведомая Сила, восточно-христианская по своему воздействию и творящей мощи…

               Огненная солнечная мужская энергия восстания против мира сего,  воспарения ввысь… заменяет чаще всего лунную, природно-зависимую душевную стихийность типичного экспрессионизма (хотя и в нем, конечно, особенно у немцев, последняя порой преодолевалась через дионисийский мятеж письма)…

               В отличие же от “абстракции”..живопись у Валерия Харитонова становится не только изображающей, но и повествующей в эпически возвышенных интонациях о пределах земного бытия, о пути человека к высшему предназначению…»   (из эссе о художнике).

          Работы в коллекциях музеев и частных собраниях:
Королевы Испании Софии (Мадрид)
экс-Генерального секретаря ООН Х.Переса де Куэльяра (Нью-Йорк)
Иоанниса Кардасидиса (Афины)
Музея современного русского искусства (Джерси-Сити, США)
Государственного центрального театрального музея им. А.А.Бахрушина
музеях Малого театра и Паневежского драматического театра (Литва)
Московского Музея современного искусства
Фонда пропаганды искусств (Москва)
Папского Совета по культуре (Ватикан)

А. Херманн Родился в 1950 году в Буэнос-Айресе (Аргентина).

Живет и работает на юге Испании.

Работы художника с 1988 года экспонировались на многих европейских выставках в Австрии, Швейцарии, Италии, Франции, Германии, Великобритании, Испании, после чего получили признание во всем мире. С 1997 по 2005 год художник регулярно выставляется в Международной британской галерее (Лондон, Великобритания).

Работы Алехандро Херманна находятся в галереях и частных собраниях в США, Великобритании, Германии, Швейцарии, Австрии, Франции, Италии и Испании.

Дмитрий Александрович Шорин родился в 1971 в Новосибирске.

В 1988 – 1993 учился в художественных вузах Омска и Санкт-Петербурга, сначала по специальности «живопись», затем по специальности «художник-проектировщик костюма».

С 1991 года живет и работает в Петербурге.

В 1993 году вступил в Товарищество художников «Свободная культура» (Пушкинская,10, Санкт-Петербург).

В 1998 году принят в Международную Федерацию художников (при ЮНЕСКО).

С 1995 года регулярно принимает участие в художественных выставках как в России, так и за рубежом. Успешно участвовал в проекте ART LINK Аукциона Сотсби.

Работы Дмитрия Шорина находятся в собраниях 
Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Государственного Художественного музея (Омск), Музея Современного искусства Арт-Центра «Пушкинская,10» (Санкт-Петербург),
ГЦСИ (Санкт-Петербург) и в частных коллекциях.