Изобразительное искусство
материал по рисованию (старшая группа) по теме

АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ ЖАНР

Многие художники любят изображать зверей и птиц. Некоторые из них посвятили этому все свое творчество. Они создают произведения анималистического жанра. Живописцы выбирают его редко, а вот графики и скульпторы любят рисовать и лепить различных зверей и их детенышей. Художника, который специализируется в этом жанре, называют анималистом. Он уделяет основное внимание художественно-образной характеристике животного, но при этом с научной точностью передает его анатомическое строение. Изображение животного мира можно встретить в произведениях живописи, скульптуры, графики, декоративно-прикладного искусства, иллюстрациях к научным и детским книгам.

В книжной графике, иллюстрациях к сказкам, басням, аллегорическим и сатирическим произведениям животное часто «очеловечивается», то есть наделяется присущими людям чертами, с поступками и переживаниями, свойственными человеку, животных одевают в костюмы. Например, рисунки Е.Рачева и Ю.Васнецова.

Для скульптуры и мелкой пластики, декоративного и прикладного искусства (резьба по дереву, кости, камню, глиняная игрушка, вышивка) особенно существенна декоративная выразительность фигуры, силуэта, фактуры, цвета животного.

Фольклорные, гротесковые и сказочные образы зверей и птиц встречаются в искусстве разных стран и народов.

Произведения первобытного искусства — наскальные рисунки зверей, пещерная живопись свидетельствуют об острой наблюдательности древних художников. Например, росписи пещеры Альтамира (Испания) — объемные изображения мамонтов, оленей, бизонов в характерных позах и движениях. Тесно связанное с первобытными мифологическими воззрениями, искусство основывалось на одухотворении сил природы (анимизм) и культе животных (тотемизм).

Изображения животных встречаются в античной скульптуре, вазописи, мозаиках.

В эпоху Возрождения художники начали рисовать животных с натуры. Величайший мастер рисунка А.Дюрер любил изображать лошадей, зайцев и других зверей. Его работы отличает реалистическая точность и пластическая выразительность.

В искусстве Востока к изображению зверей и птиц с давних времен относились с особым вниманием. Для них характерны изысканная красота линии, пятен, форм, философская утонченность и опоэтизированность образов.

В русском искусстве яркие образы животных создали такие прославленные художники, как Е.Лансере, П.Клодт, В.Серов. Выразительным и точным изображением львов, медведей, собак, котов, лошадей, коров прославились скульпторы России. Например, замечательные конные статуи П.К.Клодта украшают мосты в С.-Петербурге.

Творчество известных русских художников-анималистов В.А.Ватагина, И.С.Ефимова, Е.И.Чарушина, А.М.Лаптева и других отмечено сочетанием познавательного восприятия животного мира с яркой образной характеристикой.

Например, в иллюстрациях Е.И.Чарушина мир зверей раскрыт в ярких образах, с большой теплотой и гуманностью. У него свои приемы передачи формы, цвета и фактуры. Его герои и реалистичны, и сказочны одновременно. Он стремится лаконичными средствами выразить характер каждого зверя, передать радость общения с живым.

Чарушин настолько хорошо изучил животных, что, создавая свои рисунки, с легкостью добивался точности в передаче формы или пропорции. Каждая иллюстрация не похожа на другую, в каждой свой выразительный образ — определенный характер в определенном состоянии. Герои Е.И.Чарушина добры, обаятельны. Они легко входят в сказочный мир. Художник любил изображать звериных детенышей — пушистых, мягких и еще совсем беспомощных.

Чарушин выработал свой метод иллюстрирования — чисто живописный. Он рисует необычайно искусно, не контурно, а, можно сказать, антиконтурно, пятнами и штрихами. Зверь может быть изображен просто «лохматым» пятном, но в нем ощущается и настороженность позы, и характерность движения, и особенность фактуры — упругость поднятой дыбом длинной и жесткой шерсти вместе с пуховой мягкостью густого подшерстка.

Главным художник считал создание образа, «а если нет образа, так и изображать нечего, и остается другой процесс работы – вроде рукоделия; это путь, идущий от механических навыков».

Богородская игрушка

В селе Богородское Московской области издавна все, даже женщины и дети, вырезали из дерева игрушки. Пользовались славой работы резчиков Устратовых, Бобловкиных, Ерошкиных, Барашковых, Стуловых, Зининых, Барденковых, Шишкиных, Пучковых, Чушкиных и других.

Знают здешние мастера счастье творчества, понимают красоту дерева. Режут они игрушки — медведей и мужиков, оленей и орлов, коней и козлов, петушков и курочек. Дерево послушно каждому прикосновению ножа и резца, которые оставляют ритмичные следы, подчеркивая форму. Красота неокрашенной игрушки во многом зависит от выразительности силуэта.

В отличие от игрушек Севера и Поволжья в Богородском и Сергиевом Посаде делают фигурки реалистические. Их сначала обрубают топором, а затем детально отделывают ножом и стамесками. Тщательно прорабатывают шерсть животного или оперение птицы, но выполняются они орнаментально и декоративно. Рельефные, плоские и заглубленные порезки создают удивительно (живописную игру поверхности и выявляют красоту неокрашенного дерева. Все это помогает сохранить определенную меру условности и подчеркнуть выразительность формы.

Знаменитые «Кузнецы» стали символом русской народной деревянной игрушки. По сторонам наковальни укреплены на планочкахрезные фигурки кузнеца и медведя. Привлекают не только занимательный сюжет, теплый юмор, типичность персонажей, но и движение игрушки — весело стучат молоточки по наковальне, когда двигаешь планочки.

Подвижность вносит в деревянную игрушку момент неожиданности, делает ее еще более занимательной. Например, игрушка с клюющими курами удивительно верно и в то же время чрезвычайно комично напоминает повадки настоящих кур. На круглой дощечке укреплены схематичные, но выразительные фигурки кур и петуха. Под дощечкой на нитках подвешен шарик, при вращении которого курочки начинают суетливо клевать.

У мишки-дергуна лапы сзади подвижно скреплены; когда дергают за веревочку, он начинает забавно плясать. Есть игрушки с потайными кнопками, например, Мишка будет рубить дрова, если нажать на такую кнопку.

Части или детали некоторых игрушек для большей подвижности прикрепляют на пружинках, например листочки на дереве. Они начинают трепетать, если дотронуться до такой игрушки.

При создании многофигурных композиций мастера используют конструкцию так называемых разводов, позволяющих менять группировку персонажей и сохранять элемент игры.

В облике богородского коня привлекают гордо поднятая голова, крутой выгиб шеи, динамичная линия силуэта, так создается прекрасный и могучий образ.

Медведь в богородской игрушке — большой и добродушный зверь. Вместе с тем мастер подчеркивает в его характере черты, присущие человеку.

Интересно отметить, что игрушечный медведь может выполнять не только традиционную крестьянскую работу: пилить дрова, косить траву, ловить рыбу, подметать, носить воду, пахать, — но и играть в хоккей, мыться под душем и даже работать на компьютере. Игрушка получается запоминающейся и веселой. Так в народной игрушке нашли отражение старые и современные сюжеты.

Самое притягательное в народной деревянной игрушке — яркая образность, сочетающая реальность с поэтическим преувеличением и сказочным вымыслом.

Гжельская керамика

В старину мастера из Гжели хотели сотворить такую посуду, которая могла бы поспорить с дорогим фарфором и была бы неповторимой, запоминающейся. Они создали свой особый стиль росписи. Их цветы, птиц, зверей не спутаешь с другими. Гжельских мастеров вдохновила прохлада синих вечеров, голубизна неба и родные белоснежные просторы. Смотришь на гжельские узоры, и кажется, что белая метель синие цветы запорошила, как в песне поется.

Родина фарфора с синей росписью — Раменский район Подмосковья. Гжель — название одного из сел, ставшее собирательным для нескольких сел и деревень округи, в которых занимались гончарным промыслом. Не сразу гжельские изделия приобрели свой самобытный художественный стиль росписи синим кобальтом. В предшествующие столетия гжельский фарфор и майолика были многоцветными, но постепенно именно в полуфаянсе синий цвет становится классическим. Создается новый изобразительный язык торжества синего на белом. Секрет искусства Гжели в ее ярко выраженном сочетании синих узоров и белого фона, оригинальных приемах росписи и органичных формах изделий. Образы Гжели вызывают волнующее чувство соприкосновения с природой.

Современные художники Гжели работают над созданием образцов, которые идут в массовое производство, а также над уникальными произведениями искусства. Много приходится трудиться гжельским умельцам, чтобы создать эту красоту. Сначала художник в эскизах карандашом и красками прорабатывает новые формы сосуда и придумывает роспись. Затем форма сосуда лепится из пластилина, а форматор первичную гипсовую заготовку обтачивает до нужных размеров. Затем модель передают для формовки будущих изделий из шликера (фарфоровая масса, разбавленная водой до консистенции густых сливок). Изделие-сырец проходит первичную обработку. На этом этапе к тулову изделий прикрепляют отформованные отдельно ручки, носик и другие детали. Швы с поверхности изделия срезают и зачищают.

Далее следуют сушка и первичный обжиг. После утильного обжига изделия попадают в живописный цех. Мастер-живописец использует кисти различной толщины, стеклянную палитру для смешивания красок, кальку с наколотым на ней рисунком (сколок) и тампон с угольной пылью для перевода рисунка.

Роспись выполняют кобальтовой краской. Появляются черные широкие мазки с плавными тональными переходами знаменитой гжельской розы, тонкие линии стеблей, спирали усиков и листочки. У каждого мастера свой почерк: мазок то уже, то шире, тонкая линия изгибается плавно или упруго, листочки то больше, то меньше. Вот почему даже в массовых изделиях Гжели не встретишь скучного однообразия росписи.

На следующем этапе изделия окунают в чан с глазурью, и роспись скрывается под белым составом, поэтому она и называется подглазурной. Наступает самый ответственный момент — второй обжиг при высокой температуре. В жарком пламени горна глазурь становится стекловидной, прозрачной и блестящей, а роспись приобретает яркий синий цвет.

Постигать художественные достоинства Гжели лучше на примерах изделий известных мастеров. Кружки для молока, бокалы для пива, кувшины, конфетницы, сахарницы, декоративные вазы, созданные И.А.Хазовой, свидетельствуют о понимании формы этих сосудов как произведения искусства. В них проявляется тесная связь с народным творчеством: ваза напоминает крестьянскую кринку, кувшин для молока соотносится с формой гончарного кувшина с открытым носиком. При этом назначение предмета точно соответствует его декоративной форме. Роспись И.А.Хазовой отличают крупные цветы, вокруг которых группируются пышным веером веточки.

Изделия В.И.Авдонина настолько нарядны, что кажется, будто на них набросили платки с узорами павловопосадских мастеров. Букеты из роз фризовым рядом охватывают тулово сосудов и сочетаются с графическими сеточками, которые подчеркивают тональную насыщенность широкого мазка.

Прозрачно-голубые цветы Н.Б.Квитницкая создает с необычайной легкостью. Она замыкает мазок в круг, поверх которого вычерчивает спираль тонкой линии. В середине — синяя точка. Цветок готов. В нем сохраняются основные признаки не только цветка вообще, но и конкретного растения — розы. Такая манера росписи напоминает «агашку» — простой цветок старой гжели.

З.В.Акулова любит писать розу, лотос, лилию, ромашки и незабудки, превращая их в сказочно-декоративные узоры. Но самый любимый цветок художницы — мак. Он на вазах, кувшинах, пельменницах, чайном сервизе, который так и называется — «Большой мак». Акцент синего в рельефных деталях сервиза перекликается с узором, олицетворяющим цветение.

Н.А.Бессарабова, одна из старейших художников, автор методики освоения гжельских приемов кистевой росписи, советовала не закрывать сплошным узором всю поверхность изделия, потому что фон любит оставаться белым.

О различных подходах к созданию гжельских узоров лучше всего рассказывают сами художники. В.Г.Розанов говорит о том, что цветок как бы тянется к свету, а волнистая линия завершает розу, подобно кокошнику русской красавицы. И.А.Хазова рекомендует вести мазок с тенями, то, нажимая на кисть, то, пуская ее свободно, чтобы лепестки у розы получились широкие и пышные. Н.Б.Квитницкая больше всего ценит акварельность живописи кобальтом. Опытный мастер может получить более 30 оттенков синего цвета. В.И.Авдонин рекомендует высветлять середину розы, а темные лепестки располагать по краю, чтобы подчеркнуть свежесть и упругость маленького цветка. А вот Т.С.Дунашева любит расписывать без предварительного рисунка, во всем доверяя руке. Много секретов у мастеров!

Кроме посуды гжельские умельцы делают мелкую скульптуру — сценки из жизни и пронизанные юмором композиции: здесь можно увидеть, как одна хозяйка доит корову, другая раздувает сапогом самовар, а третья пряжу прядет да песни поет. Могут вылепить мастера петушков, коней и даже скульптурные сосуды. А сказочный рыба-кит, на спине, которого расположился целый город, может оказаться масленкой или шкатулкой.

Традиции и новизна, красота и польза сочетаются в современных работах гжельских мастеров.

Для освоения особенностей гжельской росписи надо изучить последовательность выполнения ее основных элементов. Гжельские мотивы лучше всего рисовать на бумаге синей гуашью (лазурь железная). Именно она позволяет добиться особой глубины и бархатистости мазка в росписи. Краску для росписи следует разводить на палитре. В учебных целях можно воспользоваться и акварелью.                                            

Для росписи нужны кисти разных номеров. Каждая кисть используется только для определенного элемента: № 8, 9 — лепестки розы; № 6, 7 — крупные листья; № 4, 5 — декоративные веточки; № 3, 4 — «капельки», небольшие листочки; № 1, 2 — усики, завитки.

Прежде чем приступить к созданию эскизов гжельской росписи для посуды, необходимо выполнить серию упражнений по освоению элементов этой росписи.

Посмотрите, как рождается особый гжельский мазок — основа всей росписи. Красота и выразительность этого мазка в постепенном переходе синего цвета от темного к светлому. Секрет такого мазка в том, что краска набирается на одну сторону кисти. Ее прикладывают всем ворсом к поверхности бумаги и быстро поворачивают. Получается округлый мазок с темным краем, постепенно истаивающий к середине. Этот прием получил название «мазок на одну сторону», «мазок с тенями», живописный, или тональный, мазок. Он бывает разной конфигурации.

Кроме этого, в гжельской росписи используется прием сплошного мазка, который называют «капелькой». Этот сплошной мазок создается определенным ритмическим движением кисти. Краску набирают равномерно, ставят кисть на кончик и, легко нажимая, чуть протягивают и быстро отрывают кисть от бумаги. Простым примакиванием такого эффекта получить невозможно. «Капельку» можно назвать узким мазком.

Орнаментальное богатство гжельской росписи достигается во многом за счет сочетания широких и узких мазков с тонкой линией стебельков и усиков, четкой штриховкой сеток и разнообразными - бордюрами.

Гжельская роза — один из главных мотивов. Все лепестки цветка выполняют «живописным мазком». Обычно начинают писать цветок с середины, постепенно наращивая лепестки с левой и правой стороны от первого, а также немного ниже. Во время этой работы бумагу можно вращать, чтобы удобнее было расписывать.

После того как написан главный цветок, приступают к изображению стебля с листочками. Декоративные веточки выполняются «мазком с тенями», а листочки — широким сплошным мазком. Краска для листочков должна быть немного светлее лепестков цветка.

Завершающий этап — прописка тонких линий завитков, усиков и прожилок, которые придают росписи изящество и законченность.

Красота тональных переходов синего на белом фоне, глубина цвета создают незабываемый колорит гжельской керамики. Особая напевность гжельских орнаментов рождает у нас ассоциации с родной природой

Городец

Старинный русский город Городец Нижегородской области словно пришел из сказки. В нем живут замечательные мастера, которые создают красоту своими руками, поэтому этот город называют «городом мастеров». Порой, кажется, что каждый его житель — художник или мастер. Здесь всегда любили сказки: мастерили сказочно красивые корабли, дома и разную домашнюю утварь украшали затейливой резьбой и росписью.

Расписные панно, ларцы, тарелки с всадниками, барышнями, воинами, птицами и цветами Городецких художников излучают добро и радость. Традиционны для этой росписи сцены чаепития, катания на тройках, праздничных гуляний.

Композиции с чаепитиями похожи на большой торт, украшенный пышными цветами. Какая прелесть таится в чашках и вазочках, чуть намеченных «оживками», на фоне нарядной скатерти! Кавалер с дамой расположились за чашкой чая. Сцена чаепития с традиционным пузатым самоваром, вареньем и пряниками передает домашний уют и тепло семейного очага.

На прялочных донцах всегда размещают праздничные сюжеты городецкой росписи — катание на тройках, свадьбу и другие, в которых переданы торжественность, красочность, декоративность. Пышный орнамент из купавок, роз, листьев обрамляет сюжетные картинки, расположенные ярусами.

Цветы старые мастера писали фантастические, каких в природе не встретишь, но это только на первый взгляд так, кажется. Если присмотреться внимательно, то можно узнать купавки, ромашки, ягоды, а в середине сказочного букета — пышную розу. Центр розана совпадает с центром розетки лепестков. У купавки центр цветка смещен влево или вправо.

Растительный орнамент, как и фигуры, выполняются сочными легкими мазками. Свобода кистевой росписи сродни веселью на русских праздничных гуляньях, удали и душевной широте, что сближает Городецкую роспись с русской народной песней.

Красивый городецкий тонконогий конь с сильной шеей — поэтический образ-загадка. Гордых коней рисуют на дверцах шкафчиков, спинках детских стульчиков, столах, тарелках на стену. Окружают коней сказочные цветы, иногда здесь же изображают диковинных птиц и зверей. Кажется, что скачут кони по волшебным садам.

Сказочные, летящие, как птицы, кони, волшебные цветы и сцены из обычной жизни — все у Городецких художников выглядит радостно и празднично!

Важные изменения произошли в Городецкой росписи в наши дни: вместо темперных и клеевых красок мастера стали писать масляными. Это отразилось и на характере декора. Ведущим в росписи становится растительный орнамент. Масляные краски позволяют добиваться разнообразных сложных цветовых оттенков. Например, даже в симметричных росписях можно один цветок сделать сиреневым, а другой — малиновым.

Пишут городецкие мастера, как по цветному фону, так и по неокрашенному дереву. Чаще всего они используют красивую фактуру сосны. Палитра городецкой росписи красочна и разнообразна. Зеленые, золотые, желтые,

голубые, синие, коричневые, розовые и красные цвета сочетаются с черным и белым. Однако у каждого мастера своя любимая палитра цветов.

Особую выразительность Городецкой росписи придает нарядная «оживка», выполненная белилами. Штрихи, линии, точки, дуги украшают цветы и фигуры. Т.Маврина, глубоко понимающая народное искусство, очень метко и образно оценила значение «оживки» в Городецкой росписи: «Самое интересное в этой живописи — ее завершение, «оживка». Закончить, поставить точку, много белых точек, штрихов, линий; не для светотеневой моделировки, а просто для красы-басы. Иногда так много и так густо наложена эта оживка, что хочется потрогать ее руками, как дорогое шитье жемчугом»'. Некоторые изделия так и называются — «жемчужные».

Черным цветом тоже можно подчеркнуть форму ягод, цветов, листочков. Очень выразительны цветы, у которых половина круга выделена черной оживкой, а половина — белой. Этот простой прием создает впечатление движения, вносит динамику в роспись.

В творчестве Городецких мастеров проявилось удивительное чувство декоративности, передающее праздничность традиционной росписи.

В наше время художники промысла разрабатывают новый ассортимент изделий: разнообразные кухонные наборы, разделочные доски, декоративные поставки, солонки, хлебницы, сундучки-укладки, ларцы, шкатулки, ложки, игрушки — и по-прежнему украшают их Городецкой росписью.

Создавая изделие, мастер подбирает его форму, продумывает рисунок, находит сюжет и сразу кисточкой выполняет роспись: появляются цветы и деревья, лица кавалеров и барышень, кони и птицы. Линии и краски словно взрываются ярким фейерверком орнаментов городецкой росписи.

Много сил и таланта отдали этому промыслу такие старые мастера, как А.В.Мельникова, И.К.Лебедев, К.А.Кленова, А.Е.Коновалов, и современные художники А.В.Соколова, Т.М.Рукина, Л.Ф.Беспалова, В.В.Деревянко, Ф.Н.Касатова, Л.А.Кубаткина, В.А.Черткова и другие.

Секрет этого чуда, имя которому — Городецкая роспись, в силе традиций и живом творчестве.

Процесс Городецкой росписи состоит из нескольких этапов: выполнение крупной кистью подмалевка основных цветовых пятен, нанесение мелкими кистями оттенков или моделировка форм штриховкой, оживка мотивов белилами или другими цветовыми тонами.

Завершают роспись графические элементы в виде рамочек, которые ограничивают композицию. Городецкая живопись может выполняться как на фоне чистого дерева, так и на цветном фоне, тогда роспись начинают с его окраски. В городецкой росписи существует много разновидностей простейших орнаментальных мотивов. Для их выполнения используют не только кисть, но и всевозможные тычки.

Прежде чем приступить к росписи сложных изображений, учатся писать простые мотивы. Изменяя в них отдельные элементы, можно достигнуть большого разнообразия орнаментов. Внимательно изучите последовательность нанесения красок при выполнении наиболее часто встречающихся мотивов, например конь и птица. Рассмотрите последовательность выполнения цветов в городецкой росписи.

Нанесение основных пятен орнамента на поверхность изделия круговым движением кисти, поставленной вертикально. Необходимо брать достаточное количество краски на кисть, чтобы получить яркое пятно за один прием. Это — подмалевок.                                             *

Следующий этап — более подробная прорисовка орнамента.

Завершающий этап — оживка. Точки, черточки и дужки разной величины делают орнамент более выразительным. Обратите внимание, как белая и черная «оживки» завершают роспись, делают ее еще наряднее.

В городецкой росписи господствует кистевой рисунок без предварительного контура. Мастера из Городца выражают в росписи свою любовь к цветам, травам, птицам.

Искусство городецкой росписи включает сюжетные мотивы и цветочные орнаменты.

Полхов-майданская роспись

Процесс росписи и лакирования состоит из небольшого числа операций, их разделяют промежуточные сушки при комнатной температуре.

Сначала игрушку зачищают и ошкуривают, а затем, чтобы краситель не растекался, ее два-три раза грунтуют крахмальным клейстером, разведенным до густоты сметаны. Заваренный крахмал можно наносить на изделие губкой или тампоном, а также руками. Захватив немного клейстера, размазывают его по ладоням. Затем, перекатывая вещь между руками, смазывают ее поверхность грунтом.

На хорошо просушенную игрушку ученическим пером черной тушью наводят контурный рисунок, затем ее опять сушат в течение часа. Перо в зависимости от изменения нажима дает линию разной толщины, она получается живой и выразительной.

Роспись выполняют колонковыми или беличьими кистями анилиновыми водорастворимыми красителями, используют желтый, малиновый, синий цвета.

Сплошную окраску плоскостей и роспись делают за один прием, не проводя кистью несколько раз по одному месту. Вначале наносят желтую краску, окрашивая и те места, где позднее появится красный или зеленый цвет. Перекрывая желтый красным, получают очень яркий красный; перекрывая желтый синим, получают ярко-зеленый.

При работе с анилиновыми красителями следует соблюдать меры предосторожности, так как краска оставляет трудно удаляемые пятна.

После сушки изделие дважды лакируют мебельным лаком, поверхность получается ровной и блестящей, а краски под пленкой лака приобретают еще большую яркость. Лак наносят непосредственно руками или тампоном.

ГРАФИКА

Графика — вид изобразительного искусства, который включает рисунок, и печатные художественные изображения: гравюру на дереве (ксилография), гравюру на металле (офорт), литографию, линогравюру, гравюру на картоне и другие, основанные на искусстве рисунка, но имеющие собственные выразительные средства.

Рисунок относится к уникальной графике потому, что каждый рисунок является единственным в своем роде. Произведения печатной графики могут воспроизводиться (тиражироваться) во многих равноценных экземплярах — эстампах. Каждый оттиск является оригиналом, а не копией произведения.

Рисунок — основной вид графики. Как правило, графическое изображение выполняется на листе бумаги. Художнику порой достаточно очень простых средств — графитного карандаша или шариковой ручки, чтобы сделать графический рисунок. В других случаях он может использовать такие сложные приспособления, как печатный станок, литографские камни, резцы (штихели) для линолеума или дерева и многое другое.

Изображение, полученное в результате оттиска на бумаге с печатной формы — доски из металла, дерева или линолеума с нанесенным на нее углубленным рисунком, называется гравюрой. В этом случае рисунок выполняется специальными резцами (штихелями) или вытравливается кислотой (в офорте). Различают гравюру для высокой печати и для глубокой.

При высокой печати (гравюра на дереве — ксилография, линогравюра) краску накатывают на поверхность доски, ее выступающие части, с которых и печатают черным (или каким-нибудь другим) цветом, в углубления краска не  попадает. К этому виду печати относится и гравюра на картоне: изображение выклеивается из кусочков картона и становится выпуклым.                

В процессе глубокой печати (гравюра на металле — офорт) краску затирают в глубь штриха, выступающие части дают светлый тон, а углубленные штрихи — темный.

К гравюре относят и литографию, которая является оттиском рисунка, нанесенного на специально обработанный литографский камень (используется в плоской печати).

Как правило, цветные гравюры печатают с нескольких досок, каждая из которых служит для одной краски. Один лист бумаги последовательно прокатывают через эти доски, чтобы получить необходимые чистые и смешанные цвета. В литографии при цветной печати для каждой краски подготавливают свой камень. Иногда печатают и с одной доски, покрывая ее разными красками.

Рассматривая гравюру или рисунок, чаще всего мы видим небольшой по размеру лист бумаги, на который нанесены какие-либо точки, штрихи, линии или пятна. Поверхность, как правило, не бывает закрыта полностью. Рисунок и гравюра воспринимаются одновременно и как условное отображение мира, и как реальный предмет — лист бумаги с нанесенным на него изображением. При этом само изображение также воспринимается и как конкретное изображение, и как сочетание линий и пятен на поверхности бумаги.

Термин «графика» первоначально употребляли применительно только к письму и каллиграфии. Искусство шрифта с давних времен было связано с графикой. Новое значение и понимание она получила в конце XIX — начале XX в., когда графика определилась как самостоятельный вид искусства.

Язык графики и главные его выразительные средства — это линия, штрих, контур, пятно, тон. Активно участвует в создании общего впечатления и белый лист бумаги. Добиться выразительности рисунка можно даже при использовании только черного цвета. Именно поэтому графику часто называют искусством черного и белого. Однако это не исключает применения в графике цвета.

Графическое произведение в отличие от живописного, где цвет играет главенствующую роль, также может быть цветным, но характер применения цвета здесь совершенно иной. Цвет подчиняется особенностям изображения, присущим рисунку. Художник именно рисует художественными материалами, поэтому не имеет значения — акварель это или гуашь, цветные карандаши или пастель. Формы и пространство строятся преимущественно с помощью линий, штрихов и пятен, открытые участки фона могут разрушать непрерывность изображения.

Однако даже традиционными графическими материалами, например, такими, как сангина и уголь, соус и сепия, чернила и тушь, можно достигнуть интересных живописных эффектов, особенно на цветном или тонированном фоне. Мир рисунка бывает очень богатым по цвету.

Любое изображение в достаточной мере условно, однако в графике условность цвета особенно велика. Использование цвета не меняет отношение изображения к поверхности бумаги. Обычно применяют ограниченное количество цветов, которые образуют сближенную цветовую гамму и сохраняют условность изображения. В рисунке цвет не имеет того организующего значения. как в живописи, его роль скорее вспомогательная.

Кроме этого, очень многим произведениям графики и живописи свойственен переходный характер, то есть их можно отнести как к одному, так и к другому виду изобразительного искусства.

Границы между графикой и живописью очень подвижны, например, технику акварели, пастели, а иногда и гуаши относят то к одному, то к другому виду искусства, в зависимости от того, каково назначение произведения, в какой степени используется цвет, что художник предпочитает использовать — линию или пятно.

Одним из отличительных признаков графики является особое отношение изображаемого предмета к пространству. Чистый белый фон листа, проступающий под красочным слоем или не занятый изображениями, условно воспринимается как пространство. Особенно наглядно это можно увидеть в книжной графике, когда изображение на чистой странице воспринимается в пространстве интерьера, улицы, пейзажа — в соответствии с текстом, а не на снежном поле.

Художественно-выразительные достоинства графики заключаются в ее лаконизме, емкости образов, концентрации и строгом отборе графических средств. Некоторая недосказанность, условное обозначение предмета, как бы намек на него, составляют особую значимость графического изображения, рассчитаны на активную работу воображения зрителя.

В этой связи не только тщательно прорисованные графические листы, но и беглые наброски, зарисовки с натуры, эскизы композиции имеют самостоятельную художественную ценность. Быстрые штрихи могут запечатлеть неповторимость уходящего мгновения.

Графике доступны разнообразные жанры (портрет, пейзаж, натюрморт, исторический жанр и др.), ее возможности изображения и образного истолкования мира практически неограниченны.

По назначению различаются станковая, книжная и газетно-журнальная, плакат (афиша), прикладная графика (графический дизайн), компьютерная графика.

Произведения станковой графики можно увидеть на выставках. Это, как правило, рисунки, не имеющие прикладного назначения, а также печатная графика (эстамп, лубок). Графические листы можно легко переносить с места на место, они могут быть предназначены не только для выставки, но и для украшения интерьеров жилых и общественных зданий.

Специфическими видами в станковой графике является лубок, а в газетножурнальной — карикатура. Художественное оформление газет и журналов связано с текстом, так же как в книжной графике, и выдерживается в едином стиле в рамках одного типа издания.

Важнейшей областью является книжная и газетно-журнальная графика. В древних рукописных книгах рисунки выполняли и раскрашивали вручную. Они назывались миниатюрами. Книжная графика не просто часть издательского дела или средство для передачи знаний, она является частью культуры.

Все элементы книжного оформления — и расположенные внутри книги, и внешние — создают целостное произведение искусства. Художник определяет размеры (формат) книги, особенности шрифта, размещение набора (текста), разнообразного иллюстративного материала. Но особенно велика роль художников-иллюстраторов, работающих над элементами внешнего оформления книги (суперобложка, переплет или обложка), над форзацем и другими элементами внутреннего оформления книги (авантитул, титульный лист, шмуцтитул, иллюстрации).

Плакат, или афиша, — это, как правило, живой отклик на происходящие важные события (олимпиады, конкурсы, концерты, выставки и др.). Выделяют плакаты политические, спортивные, экологические, рекламные, сатирические, просветительские, театрально-зрелищные и др. Плакат — лаконичное броское изображение, рассчитанное на всеобщее внимание, как правило, сопровождается текстом. Нередко плакаты выполняются не только графическими, но и живописными средствами. Многие плакаты делают в единственном экземпляре для выставки или для оформления улиц. Современный плакат обычно полиграфическое воспроизведение созданного художником оригинала. Специфика художественного языка плаката определяется тем, что он должен восприниматься на большом расстоянии, выделяясь среди разнообразных средств информации. Плакат воздействует ярким, условным, лаконичным графическим и цветовым строем, декоративной выразительностью.

Цветовое решение плаката имеет принципиальное значение. Как правило, используется ограниченное количество цветов. Художник создает особый колорит, уравновешивая цвета не только изображения, но и шрифта. В плакатном искусстве огромная роль принадлежит символике цвета, силе его эмоционального воздействия.

Специфические средства плаката: плоскостное изображение, общепонятные символы, изобразительные метафоры, эффектное сопоставление образов, масштабов, точек зрения, степеней условности, обобщенные, а подчас и сатирические образы.

Плакат широко использует силуэты, экспрессивные формы, контуры и фотографический материал. Плакаты выполняются в агитационных, политических, рекламных, учебных целях. В последнее время широкое распространение получили экологический, кинорекламный, театральный, спортивный плакаты.

К прикладной графике относятся поздравительные открытки, красочные календари, конверты к пластинкам, которые нарисовал художник, и многое другое. Этикетки на различных упаковках — это тоже прикладная или промышленная графика (промграфика), которая имеет практическое назначение, помогает сориентироваться в большом количестве разнообразных товаров, украшает наш быт.

В настоящее время промышленную графику относят к графическому дизайну. Кроме этого, разнообразные оформительские работы, особенно в области рекламы, разработку графического стиля учреждения также причисляют к графическому дизайну. Графический стиль какой-либо фирмы включает создание знаков, шрифтов и прочего оформления для буклетов, бланков, этикеток, визиток и других документов. Здесь важно то, как шрифт сочетается с изображением и как все это вместе создает имидж фирмы.

Новым видом является компьютерная графика. Художники выполняют композиции из сложно пересекающихся линий, объемных элементов, узоров, цветовых пятен на экране дисплея, а затем полученные изображения выводят на принтере. Способность графики быстро откликаться на актуальные события, выражать чувства и мысли художника, развитие техники создают условия для возникновения все новых видов графики.

Рисунок как вид графики занимает особое положение в мире изобразительного искусства, так как рисунок — структурная основа любого изображения: графического, живописного, скульптурного, декоративного. Рисунок — средство познания и изучения действительности.

Многочисленные виды рисунка различаются по технике, методам и характеру, по назначению, жанрам и темам. Рисунок может служить учебным, вспомогательным целям, участвовать в создании произведений разных видов искусств и украшать интерьер.

Самостоятельное значение имеет станковый рисунок — выполненное на мольберте (станке художника), на отдельном листе, тщательно проработанное художественное произведение. Это могут быть рисунки различных жанров:

портрет, пейзаж, натюрморт, бытовой, мифологический рисунок и др. Темы для рисунков подсказывают сама жизнь, история или фантазия.

Жизненные впечатления художник может зафиксировать в быстро выполненных разнообразными художественными материалами набросках и зарисовках.

Подготовительный рисунок необходим при создании живописных полотен, фресок, мозаик и витражей. Дизайнер или архитектор свой первоначальный замысел проекта фиксирует с помощью рисунка в эскизах. Скульптору необходимо хорошее владение рисунком, чтобы правильно передавать пропорции и объем, располагать форму в пространстве. Композиция скульптурного рельефа начинается с рисунка.

Академический рисунок — многочасовую работу с подробной передачей конструкции и светотени объектов — выполняют слушатели Академии художеств и студенты высших специальных учебных заведений. Такая система обучения сложилась с конца XVI в. и, как правило, включает копирование «оригиналов» признанных мастеров, рисование с гипсовых античных слепков и затем с живой натуры.

Учебный рисунок включает рисование с натуры, рисование по памяти и воображению. Он составляет основу художественного образования. Например, для рисования с натуры предлагаются разнообразные геометрические тела, гипсовые орнаменты, натюрморты, объекты мира техники и природы. Не только с натуры, но и по памяти рекомендуется рисовать фигуру человека, пейзаж, архитектурные постройки и др. Воображение помогает запечатлеть невиданные края и фантастические образы. Как правило, учебные задания по рисунку соответствуют программным задачам, их выполняют по мере нарастания сложности под контролем педагога.

Искусство рисунка, как и любое другое искусство, создается с помощью особого языка. Им необходимо овладеть, чтобы наилучшим образом понимать рисунок и научиться рисовать. В воплощении замысла художника, как правило, участвуют все элементы рисунка.

ДЕКОРАТИВНО-ПРИКАДНОЕ ИСКУССТВО

Народное и декоративно-прикладное искусство являются неотъемлемой частью художественной культуры. Произведения прикладного искусства отражают художественные традиции, миропонимание, мировосприятие и художественный опыт народа, сохраняют историческую память.

Народное искусство развивается по своим законам, определяемым его сущностью, и как самостоятельный тип творчества взаимодействует с другим типом творчества – искусством профессиональных художников.

Особенно важно отметить, что народное искусство, как часть духовной культуры, может быть источником идей и вдохновения профессиональных художников. В живописных полотнах замечательных старых мастеров В. Васнецова, М. Врубеля, В. Попова воплощены традиции древнерусского искусства и народного творчества.

В широком значении народное искусство (фольклор) – это создаваемые народом на основе коллективного творческого опыта, национальных традиций и бытующие в народе поэзия (предания, сказки, эпос), музыка (песни, наигрыши, пьесы), театр (драма, театр кукол), танец, архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство.

В народном искусстве выделяют два направления: городское художественное ремесло и народные художественные промыслы. В качестве примера традиционных художественных промыслов можно назвать: роспись по дереву (Хохлома, Городец, Северная Двина) и по фарфору (Гжель), глиняную игрушку (Дымка, Каргополь, Филимоново), матрешек (Сергиев Посад, Семенов, Полхов-Майдан), подносы (Жостово), лаковые миниатюры (Федоксино, Палех, Мстера, Холуй), платки (Павловский Посад), резную деревянную игрушку (Сергиев Посад, Богородское), ювелирные изделия (Кубачи) и др.

Декоративное искусство – это один из видов пластических искусств. Декоративное искусство разделяется на непосредственно связанное с архитектурой – монументально-декоративное искусство (витражи, мозаики, росписи на фасадах и в интерьерах, декоративная садово-парковая скульптура и т.д.), декоративно-прикладное искусство (бытовые художественные изделия) и оформительское искусство.

Декоративно-прикладное искусство – область декоративного искусства: создание художественных изделий, имеющих практическое назначение в быту и отличающихся декоративной образностью (посуда, мебель, ткани, одежда, украшения, игрушки и т.д.). Все  предметы, окружающие человека, должны быть не только удобными, практичными, но и красивыми.

Как правило, произведения декоративно-прикладного искусства создают художники предприятий художественной промышленности или мастерских.

Композиция как значимое соотношение частей художественного произведения в народном и декоративно-прикладном искусстве может строиться по разнообразным схемам. Условно выделяют следующие активные элементы декоративной композиции: цвет, орнамент, сюжет (тема), плоскостное или объемное пластическое решение.

Цвет – рассматривается как важнейший компонент декоративного образа. В декоративной работе художники заботятся о гармоничном соотношении цветов, причем реальные цвета предметов могут быть заменены символическими.

Орнамент – как часть декоративного образа вещи играет очень важную роль в формировании ее облика. Один и тот же сосуд, украшенный разными орнаментами, каждый раз приобретает новую образность, а значит, и другую выразительность. Большое значение имеют расположение орнамента и его размеры.

Тема – особый художественный мир со своим условным порядком, а иногда с собственной архитектурой и конкретными, легко узнаваемыми персонажами.

В декоративной композиции особую роль приобретают выразительность силуэта, графическая красота контуров и линий фигур, очень важно найти правильное цветовое и тоновое соотношение фигур и фона композиции, так как именно они важны при стилизации.

Дымковская игрушка

В бывшей слободе Дымково, что недалеко от Вятки, родилась дымковская игрушка. Расположенная на берегу реки, слобода по утрам подернута легким туманом, как бы дымком. Возможно, с этим связано название слободы, а может, оно возникло оттого, что вился над каждым домом дым из русской печки, когда мастера обжигали игрушки.

Основание слободы относят к концу XV — началу XVI в. Население, лишенное земельных наделов, занялось разными промыслами, в том числе игрушечным. Лепили игрушки из красной глины, затем обжигали, белили меловым грунтом на молоке и расписывали. По белому фону мастерицы «разбрасывали» яркие круги, клетки, мелкие и крупные горошины. Цвета выбирали самые разнообразные в неожиданных контрастных сочетаниях: оранжевый, зеленый, красный, розовый, желтый, голубой, сиреневый и др. Иногда поверх узора налепляли кусочки сусального золота, придававшего еще большую нарядность игрушке.

Веселый игрушечный народец отличается яркими красками. Барыни и кавалеры щеголяют своими нарядами, петухи и индюки своими пышными хвостами напоминают сказочные букеты, кормилицы хвастаются богатым семейством. В дымковской игрушке радуют пышность форм, буйство цвета и жизнерадостная фантазия.

Дымковские игрушки изготавливались для старинного праздника «Свистопляска». Позднее ярмарка-праздник стала называться «Свистунья». Все посетители ярмарки, от мала до велика, считали своим долгом посвистеть в глиняную свистульку.

Лепка. Эти замечательные изделия игрушечного промысла надо лепить тщательно, отделывать каждую деталь.

Приступая к выполнению барыни или кормилицы, прежде всего, лепят юбку — широкий у основания пустотелый конус, — вертят в руках для выравнивания стенок. Затем на юбку, смоченную водой, насаживают торс, оттягивают шею, на ней укрепляют шарик-голову, к плечам прикрепляют сначала торчком, в стороны, руки-колбаски, потом их осторожно сгибают, закрепляют на талии. Затем игрушку наряжают: голову обрамляют витыми буклями, надевают шляпу, капор или кокошник с гладкими или оборчатыми полями. Плечи покрывают пелериной, верх платья или жакет дополняют воротником, оборками, пышными рукавами, в руки барыне дают муфту или сумочку, а иногда собачку. Места соединения всех деталей смачивают водой, швы заглаживают мокрой тряпкой и пальцами.

Сушка. Перед обжигом все игрушки обязательно сушат. В зависимости от их размеров и от влажности помещения этот процесс может продолжаться Один-два дня, а то и несколько недель. Мелкие игрушки сохнут быстрее, а крупные — медленнее. В сыром помещении глина дольше остается влажной.

Обжиг. Раньше обжигали в русской печи. Когда глина в огне раскалялась докрасна, обжиг заканчивали, а игрушки еще долго остывали в закрытой печи.

В наши дни игрушки обжигают в электрических печах, что значительно удобнее, так как можно регулировать температуру обжига.

Побелка. Из печи игрушка выходит красно-коричневой. Затем ее белят. Раньше игрушку несколько раз окунали в мел, растертый в порошок и разведенный неснятым молоком. Сегодня для этой цели используют водоэмульсионную краску, гуашевые

или темперные белила. На поверхности игрушки образуется плотный белый слой. Затем ее просушивают.

Роспись. Начинается процесс росписи с нанесения ярких гуашевых красок на ослепительно белый фон. Кисточками в старину служили палочки, обмотанные льняным лоскутом, а сейчас расписывают колонковыми или хорьковыми кистями. Гамма красок может быть весьма разнообразной. Любят мастера сочетания синих, голубых, оранжевых, розовых, малиновых, желтых, зеленых, салатовых цветов. Дополняет все черный контур некоторых деталей.

Веселый геометрический орнамент строится из разнообразных комбинаций круглых пятен, полос, клеток, кружков.

Для дымковской игрушки характерны неотразимое обаяние, праздничность цвета, крупный орнамент и стройное композиционное построение росписи.

Обычно орнамент возникает непосредственно в процессе росписи, без предварительных эскизов, в соответствии с той или иной украшаемой фигуркой, поэтому связь формы и орнамента органична, неразрывна. При всей кажущейся простоте один и тот же узор никогда не повторяется, поэтому найти две совершенно одинаковые игрушки невозможно.

Как правило, роспись выполняют в такой последовательности: у фигурок барынь, кормилиц, кавалеров головные уборы и одежду окрашивают одним ярким цветом, а затем широкие юбки и другие детали костюма украшают орнаментом. На белом лице с чуть выступающим курносым носом рисуют круглые красные пятна щек и рта, черные дужки бровей над точками-глазками. Волосы окрашивают черным или коричневым цветом. Уши, копытца зверей, клювы и гребешки птиц обычно окрашивают одним цветом, а всю остальную поверхность покрывают яркими узорами. Возможности украшения дымковской игрушки весьма разнообразны.

ЖИВОПИСНЫЕ ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ МАТЕРИАЛЫ

Художники-живописцы передают красоту окружающего мира с помощью красок: гуаши, акварели, темперы, масляных и др. Можно выбрать любую основу: холст, бумага, картон, доску, стену и др.

Краски выкладываются на палитру и смешивают, что бы получить нужный цветовой оттенок. Палитра – это небольшая тонкая доска прямоугольной, овальной или другой формы. Палитру для масляной живописи делают в основном из дерева, а для работы акварелью и гуашью – из белого пластика, иногда с углублениями для красок (так же: белое блюдо, кафельную плитку, лист бумаги).

Краски для живописи имеют специальные названия. Очень часто эти названия связаны с химическими или природными элементами (минералами, растениями), из которых они изготовлены. Основа всех красок – пигмент – это различные красящие вещества, или красители. Они бывают минерального, химического, органического (животного или растительного) происхождения.

Часто название красок происходит от связующего вещества, используемого для их приготовления. Например, основа масляных красок – льняное или какое-нибудь другое масло. Клеевые краски – акварель, гуашь, темпера.

Акварель – краски на растительном клее, которые разводятся водой. Работы, сделанные такими красками, тоже называются акварелями.

Акварельные краски обычно накладываются на бумагу прозрачным слоем, используя белый цвет бумаги, и эта прозрачность составляет главную прелесть акварели. Она требует быстрой точной работы, почти не терпит исправлений, ее привлекательность заключается в яркости цвета, светоносности, прозрачности, свежести впечатлений.

Акварелью можно писать быстро, что бы передать такие явления, как утренний туман, краски заката, легкость облаков, сверкание капель дождя. В технике акварельной живописи создают пейзажи, натюрморты, портреты и сложные композиции. Акварель прочно держится на бумаге и не требует фиксирования.

Акварельная живопись была известна еще в Древнем Египте и Китае, ее применяли средневековые миниатюристы. Акварель занимает промежуточное положение между графикой и живописью.

Гуашь – непрозрачная (корпусная, кроющая) краска, которая разводится водой. Произведение искусства,  выполненное такими красками, тоже носит название «гуашь». Гуашевые краски изготавливают из пигментов и клея с добавлением белил. В отличии от акварели слой краски, нанесенный на бумагу, не прозрачный, а матовый, плотный, с бархатистой поверхностью, которую придает примесь белил. При высыхании цвета гуаши несколько выбеливаются (высветляются), что должен учитывать художник в процессе рисования. Гуашевые краски яркие, во время работы возможны исправления, стоит лишь положить поверх неудачного места другой цвет. Темные тона можно перекрывать светлыми. В гуашь добавляют белил для получения более светлого тона.

Гуашь применяют для эскизов, картонов и других подготовительных и длительных работ, а так же для портретных миниатюр. Можно писать гуашью и большие станковые произведения, эскизы театральных декораций, костюмов, плакаты, используя ее декоративное качество.

Темпера – представляет собой пастообразную однородную непрозрачную красочную массу, которая разводится водой. Натуральные или искусственные эмульсии – связующие темперы. В зависимости от вида эмульгирующего вещества темпера бывает яичная, казеиновая, казеиново-масляная, поливинилацетатная.

Жостово

В начале XIX в. неподалеку от Федоскина, в деревне Жостово, возник промысел по производству лакированных металлических подносов с росписью. Конкурентами купцов Лукутиных были Вишняковы, их первые подносы были из папье-маше по примеру лукутинских изделий. Однако это вишняковское производство изделий из папье-маше в 1910-х гг. заглохло, а железные лакированные подносы к середине XIX в. стали очень популярны. Диковинные букеты на подносах разнообразной формы и размеров вот уже почти двести лет радуют нас своей красотой.

Познакомимся с восхитительным творчеством жостовских мастеров. Традиционный мотив жостовской росписи — цветочный букет на черном фоне. Его отличает декоративная обобщенность реалистической формы. В жостовских букетах можно увидеть нежные и яркие оттенки. Цветы на подносе легко узнаются. Это — королева всех цветов роза, алый мак, звездчатые астры или георгин. Их подбирают с особой выдумкой и вкусом. Дополняют композицию более мелкие цветочки: ромашки, васильки, колокольчики. Мелкие цветы скромно прячутся в глубине, но иногда их выделяет луч света. Рядом с цветами можно увидеть фрукты.

Пышные цветочные композиции переносят нас в мир фантазии и волшебства. Жостовский мастер не работает по образцам, перед ним нет живых цветов. Он пишет по воображению, руководствуясь традициями. Писали в Жостово и пейзажи («ландшафты»).  

Интересный узор, напоминающий черепаховую кость, также использовали для украшения жостовских подносов. Рисовали его не кистями и красками, а совсем по-другому. Мастер после подготовки подноса к росписи спускался в подвал, где нет движения воздуха, зажигал лампадку и держал ее таким образом, чтобы от копоти на поверхности подноса получались красивые узоры.

Жостовские мастера используют разнообразные приемы живописи. Кроме традиционных черных подносов бывают синие, красные, зеленые, желтые и многих других цветовых оттенков. Лессировочная живопись может выполняться по перламутру, по золотым и серебряным тонким пластинам (поталю), по поверхностям, припорошенным металлическим порошком.

Среди замечательных художников Жостова можно отметить А.И.Лезнова, В.И.Дюжаева, Б.В.Графова, Н.Н.Гончарову, Н.Н.Можаева и многих других.

Художники жостовского промысла передают свое мастерство от отца к сыну или дочери, из поколения в поколение. Работают здесь и целыми семьями. Например, В.В.Кледов и З.А.Кледова, муж и жена, оба удостоены почетного звания — заслуженный художник РСФСР. Однако их творческие принципы совершенно различны. Муж пишет традиционно — только на черном фоне, а жена считает, что традиция должна развиваться, поэтому для своих подносов она использует разнообразные цвета фона.

Прямоугольные, овальные, огромные и совсем крошечные, эти подносы-картины цветут вечным цветом подлинного народного искусства.

Жостовскую роспись выполняют в две стадии, то есть в два присеста. Первая стадия письма называется замалевкой (подмалевкой), а вторая — выправкой. Уникальные авторские работы мастера пишут не в два, а в три слоя, много дней, тщательно прорабатывая детали. Орнамент на этих подносах также выполняет сам автор.

В основе жостовской росписи лежит сочный, упругий, свободный мазок кисти. Жостовские мастера пишут масляными красками, разбавленными льняным маслом и скипидаром. Палитрой служит стекло. В руках живописца набор мягких беличьих кистей различных размеров. Поднос лежит на коленях, и мастер вращает его, подставляя под кисть нужное место.

Крупные и мелкие цветы объединяются в нескольких классических композициях: «Букет собранный», «Букет враскидку», «Венок», «Ветка с угла». Это любимые композиционные схемы размещения цветов на подносе.

Художник обдумывает композиционное размещение росписи и сразу, без предварительных эскизов, приступает к ее выполнению. Большинство композиций букета строится на ритмическом разнообразии трех больших пятен, к которым добавляют много мелких цветов и листьев.

Выполняют жостовскую роспись масляными красками мягкими беличьими кистями различных размеров, вбирающими большое количество краски, что необходимо для получения упругого живописного мазка.

Отличительной чертой жостовской живописи является ее многослойность. Во многом благодаря именно многочисленным лессировочным пропискам достигается удивительная объемность и декоративная живописность жостовских букетов. Рассмотрим основные этапы жостовской росписи.

Замалевок. Жостовское письмо начинается с «замалевка» — нанесения раз-беленной краской силуэтов цветов и листьев. Мастер заранее продумывает размещение главных и второстепенных элементов букета.

Тенежка. На просохший замалевок лессировочными красками накладывают тени. Этот прием выявляет объем растений, погружает букет в глубину фона.

Прокладка. Плотное корпусное письмо называется прокладкой. Форму цветов прописывают и высветляют, уточняют композицию букета. Прокладка — очень ответственный этап живописи.

Бликовка. Наложение бликов окончательно выявляет объем и свет, завершает лепку формы цветков, бутонов и листьев.

Чертежка. На этом этапе художник размещает детали: быстро и легко очерчивает прожилки и семена в чашечках цветов, лепестки и листья.

Привязка. Завершает письмо привязка — тонкие травки и усики объединяют букет. Эти элементы связывают его с фоном.

Уборка. Украшение борта подноса орнаментом, состоящим из геометрических и растительных элементов.

Как важна рама для картины, так важна и «уборка» для подноса. «Уборки» бывают несложные, а бывают и очень замысловатые. Есть мастера, которые специализируются только на этом этапе. Кажется, что звучит музыка, когда четкими ритмическими движениями кисть мастера создает орнаментальный бордюр. Как в музыке главную тему поддерживает аккомпанемент, так и в жостовской живописи для каждого подноса придумывается своего рода орнаментальный аккомпанемент к главной теме цветочной или сюжетной росписи.

Каргопольская игрушка

Жители русского Севера круглый жемчуг нарекли окатенем и каргапольчиком. Так появилось название достопримечательного города Каргополя. Удивительные мастера народной глиняной игрушки живут в этом городе. Их творчество широко известно в России и за ее пределами.

Изготавливается каргопольская игрушка так же, как дымковская, а вот образы и роспись иные. Игрушку из Каргополя можно узнать сразу. Она из края долгих зим и короткого лета, поэтому цвета ее не очень яркие, как и природа Севера. Тематика работ разнообразна: тут можно увидеть барыню, охотника, бородатого гармониста, танцующую пару, собаку с птицей на спине, волка, несущего овцу, утушку, козла и многое другое.

Лепили игрушки из красной глины. Обожженные фигурки покрывали меловой грунтовкой и расписывали. Мастера выбирали понравившиеся им цвета: красный, оранжевый, золотистый, желтый, коричневый, болотный, малиновый и др.

Птицы с девичьими лицами, медведицы, играющие на гармониках, веселые бородатые мужички, нарядные барышни, богатырские кони, сказочные Полканы рождены фантазией художников, основанной на творческом опыте прошлых веков. Веселый Полкан-богатырь со знаками солнца на груди — символ каргопольской игрушки. Полкан — это полуконь-получеловек, по этому он наделен большой силой. Его непременно изображают в шляпе и подбоченившимся левой рукой. Вероятно, именно таким был в представлении наших предков богатырь, близкий божеству древних славян Плихану или Полехану.

Каргопольский орнамент — это не просто геометрические узоры, а целый мир образов. Например, крест в круге — это солнце. Кружочки, ромбики, зигзаги, усеченные овалы — все это издревле имеет символическое значение. Подобные орнаменты можно увидеть на старинных вышивках и росписях.

Одним из замечательных игрушечников был Иван Дружинин. Его изделия отличались разнообразием и изяществом — что ни изделие, то сказка. У.И.Бабкина, народная сказительница, с неистощимой фантазией создала галерею ярких и запоминающихся образов в глиняной игрушке. Она сохранила традиционные приемы лепки и росписи. Замечательный мастер А.П.Шевелев много сделал для сохранения традиций каргопольской игрушки. Он передал свое мастерство молодым.

Основные этапы лепки и росписи каргопольских игрушек такие же, как и у дымковских. Только для росписи каргопольской игрушки используют совершенно особую цветовую гамму. Она изысканно сдержанная, иногда строгая. Здесь желтые тона сочетаются с зеленым, серым, коричневым, малиновым. В орнаменте и сплошной окраске деталей много красно-терракотового и охристого. При этом лица и руки игрушек, а иногда часть фона для орнаментальной росписи остаются белыми.

Орнаментальная роспись игрушек состоит из геометрических элементов, в ней сочетаются круги, косые и прямые кресты, штрихи, небольшие пятна, прямые и волнистые линии.

Иногда по черному или коричневому фону узоры наносят серебряными или бронзовыми штрихами.

Матрешки (Сергиев Посад, Семенов, Полхов-Майдан)

Замечательная игрушка матрешка! Деревянные куклы, помещающиеся одна в одной, пришли к нам из Японии. Родственница русской матрешки — складная кукла Фукурума — веселый старик. Эта кукла по форме похожа на яйцо.

Первым расписал русскую матрешку художник С.А.Малютин. Всем полюбилась веселая крестьянская девочка. Одета она в традиционный русский костюм: платок, сарафан и передник. В руках у нее черный петух. Видимо, от русского имени Матрена и возникло ласковое название «матрешка».

Художественный образ матрешки, как и всякой народной игрушки, весьма условен. Образ женщины — матери большого семейства близок и понятен. Плодородие, изобилие, бесконечность жизни, по всей видимости, в этом глубокий смысл популярной игрушки. Условны форма игрушки, изображение ее лица и наряда. Матрешка выражает предельно обобщенный образ русской красавицы: круглое лицо, яркий румянец, черные брови, маленький рот. Такой же образ красавицы воспевался в русских песнях и сказках.

Интересно отметить, что кроме матрешек-девочек и женщин традиционно в Сергиевом Посаде и в Семенове делали матрешек-мальчиков и отцов семейства, порой с кудрявой бородой, в кепке и нарядной рубашке. Сюжеты росписи тоже могли варьироваться. Как в старину, так и в наши дни, особенно в Сергиевом Посаде, кроме летнего наряда матрешек одевали и в зимнюю одежду. Были матрешки, изображающие жениха с невестой, боярина с боярыней, героев сказок и литературных героев.

Процесс изготовления всех матрешек одинаков. Сначала вытачивают форму на токарном станке. Затем подготавливают ее под роспись. Мастерицы расписывают матрешек без предварительного рисунка с образца. Цвета у всех одинаковые, а матрешки получаются разные, чуть непохожие, и в этом их художественная ценность. После раскраски матрешек лакируют. Под слоем прозрачного блестящего лака краски приобретают особую яркость.

Сергиевская (загорская) матрешка живет десятки лет, У нее скромный наряд, расписана она чистыми яркими цветами. Черная графическая наводка подчеркивает детали одежды и черты лица милой, добродушной матрешки.

У матрешек из Семенова на фартуках яркие букеты. Их изображение сочетается с формой и размером игрушки: чем больше матрешка, тем крупнее цветы в букете. Основной цвет в росписи — красный, черный контур обозначает край фартука и рукава кофты. На голове традиционный платок, украшенный по кайме. В росписи используют прием «пеструшка», который делается «тычком».

Полхов-майданские матрешки можно сразу узнать по необычной форме головы, удлиненному силуэту, характерному цветку и традиционному для этой росписи малиновому цвету. Яркие и сочные краски звучат во всю силу. Рядом с малиновым ложится темно-зеленый, а синий — с желтым. Все объединяет черный контур.

Мастера из Полхов-Майдана выработали свой, особый стиль декоративной цветочной росписи. Они украшают свою матрешку так, что цветы, ягоды и листья сплошным ковром закрывают фигурку спереди. Лицо матрешки порой изображают одним черным цветом, окружают забавными кудряшками.

Традиции русской деревянной игрушки богаты и разнообразны. Они хранят опыт народных умельцев многих поколений, мастерство обобщения и преобразования натуры в декоративные образы.

НАТЮРМОРТ

Своеобразные портреты вещей, их тихую жизнь изображают художники в натюрморте.

Натюрморт — жанр изобразительного искусства или произведение этого жанра. Сама постановка, которая является объектом изображения, тоже называется натюрморт. Он может состоять не только из неодушевленных предметов, но включать и природные формы. Поэтому более точно название, принятое в англоязычных странах, still life или немецкое Stilleben — «тихая жизнь».

Искусство натюрморта как жанр возникло в Голландии в начале XVII в. Знаменитые голландские натюрморты передают радость бытия; рассматривая их, кажется, ощущаешь вкус реальных плодов, рыбы, напитков. Они словно поют гимн материальному миру. Художники изображали самые обычные вещи, но это было красиво и поэтично. Одни любили натюрморты скромные, с небольшим количеством предметов, а другие писали на огромных холстах много дичи, рыбы, цветов (в Голландии П.Клас, В.Хеда, во Фландрии Ф.Снейдерс и др.). Основной мотив натюрморта мог быть дополнен изображением людей, зверей, птиц, насекомых.

Строгостью и свободой композиции, тонкостью колористических решений, удивительной человечностью выделяются произведения одного из самых замечательных мастеров натюрморта — французского художника Ж.Шардена.

В XIX в. многие ведущие мастера живописи, работавшие в разных жанрах, писали и натюрморты, особенно постимпрессионисты, для которых мир вещей был одной из основных тем (П.Сезанн, Ван Гог).

С начала XX в. к жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических направлений. Они экспериментируют с цветом, формой и пространством, увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморты выполняют и в строгой реалистической, и в декоративной манере, и в манере кубизма.

Изображение прекрасного мира вещей увлекало очень многих художников. В русском искусстве П.Кончаловский, И.Машков, Р.Фальк, К.Петров-Водкин, М.Сарьян, Ю.Пименов и другие создали великолепные натюрморты, раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его мысли и чувства. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на картине, и кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент. Например, на картине Ю.Пименова «Ожидание» (1959 г.) изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на оконном стекле подчеркивают тоскливость этого ожидания, вызывают знакомые ассоциации. В другом натюрморте этого же художника — «Актриса» через предметы раскрывается не только мир профессии, но и характер человека, хозяина этих вещей.

В ином типе натюрморта вещи говорят, прежде всего, о себе, предлагают полюбоваться красотой их формы, цвета, фактуры. Например, полотно И.Машкова «Снедь московская. Хлебы» словно передает аромат свежеиспеченного хлеба, предлагает полюбоваться богатством и разнообразием булок, батонов, караваев и калачей.

Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние приметы жизни определенной исторической эпохи.

Нижегородская «топорщима»

В XIX в. на основе богатых традиций Нижегородского края сложились самобытные центры народной деревянной игрушки, так называемая «нижегородская топорщима». Она очень разнообразна по форме и содержанию. Делали игрушку и топорно-щепную, которую сначала вырубали топором, затем вырезали ножом, и точенную на токарном станке. Среди них были коники, каталки, меленки. Например, кони в упряжках из села Пурех или из Городца отличаются высокой художественностью. Праздничный выезд отражает существенную черту быта нижегородского купечества, его ухарской дух, конечно, в рамках скульптурного лубка, каким является городецкая игрушка.

Для топорно-щепной игрушки из деревни Федосееве Семеновского района характерен стиль ящичный, так как кукольная мебель, пароходы, паровозы, сани, повозки, балалайки, мельницы и карусели сколочены из тесаных дощечек и лучинок.

Нижегородский конь и сегодня сохранил некоторые сказочно-мифологические элементы, например, на его шее изображают лучистую звезду, символизирующую языческое солнечное божество. Цвет в нижегородской игрушке слит с формой.

Знакомые персонажи — птицу, конька, женские фигуры — можно встретить в поволжской и подмосковной игрушке, но они сильно отличаются от образов северных игрушек. В них больше красочности, праздничности, игрушечности и декоративности. Совсем иное восприятие жизни, новые художественные задачи определили облик и содержание деревянной игрушки центральной и южной областей России.

Орнамент. Виды, принципы построения.

Орнамент является важнейшей частью народного и декоративно-прикладного искусства. Он служит для украшения зданий, одежды, предметов быта (утвари, мебели, инструментов и т.д.), оружия, широко применяется в книжной и прикладной графике, плакате и т.п. Орнамент можно нарисовать графическим материалом написать красками, вышить или выткать из ниток, вырезать по дереву или вычеканить по металлу и др. Общие стилистические признаки орнаментного искусства определяются особенностями и традициями изобразительной культуры каждого народа, обладают определенной устойчивостью на протяжении длительного исторического периода и имеют ярко выраженный национальный характер. Поэтому можно сказать, что орнамент является стилем эпохи.

Свойства орнамента зависят от назначения, формы, структуры и материала той вещи, которую он украшает. Орнамент помогает подчеркнуть пластические и конструктивные особенности предмета, усилить его образное решение, лучше выявить природную красоту предмета. Все это возможно при условии гармонического сочетания орнамента и формы предмета.

Искусство орнамента – сложное, многозначное явление, которое требует глубокого изучения, теоретического осмысления и практического освоения.

Орнамент – это узор, построенный на ритмическом чередовании и организованном расположении элементов.

Термин «орнамент» связан со словом «украшение». В зависимости от характера мотивов различают следующие виды орнаментов:

Геометрический орнамент – может состоять из точек, линий (прямых, ломаных, зигзагообразных, сетчато-пересекающихся), кругов, ромбов, многогранников, звезд, крестов, спиралей и т.д. Геометрический орнамент является одним из древнейших. С его помощью первобытный человек выражал свое представление о мире. Вначале это были простые, легко запоминающиеся знаки-символы: круг обозначал солнце, прямая горизонтальная линия – землю, квадрат или ромб – поле, волнистая линия – воду. Их ритмическое расположение на предмете, возможность составления более сложных узоров побуждали к творчеству, развивали эстетические чувства человека и его мышление.

Растительный орнамент – составляется из стилизованных листьев, цветов, плодов, ветвей и т.д. Наиболее часто встречается у всех народов мотив «древо жизни» - это растительный орнамент. Его изображают и как цветущий куст, и более декоративно-обобщенно в древнегреческих растительных орнаментах часто использовали изображения аканта, лотоса, папируса, пальмы и др. А у восточных народов популярным растительным мотивом был орнамент – спирально извивающийся вьюнок.

Зооморфный орнамент – изображает стилизованные фигуры или части фигур реальных и фантастических животных. Иногда подобный орнамент называют звериным стилем. Декоративное изображение птиц и рыб так же относятся к этому виду орнамента.

Антропоморфный орнамент – в качестве мотивов использует мужские и  женские стилизованные фигуры или части лица и тела человека. Сюда же можно отнести различные фантастические существа типа дева-птица, человек-конь и др.

Нередко в узорах встречаются сочетания самых разных мотивов: геометрических и растительных, антропоморфных и зооморфных. Такой орнамент можно назвать комбинированным.

По характеру композиционных схем можно выделить такие типы орнамента: ленточный (фриз, бордюр, кайма), имеющий семь разных видов симметрии, сетчатый (может быть семнадцать принципиально разных типов сеток с элементами орнамента) и замкнутый (в круге, квадрате, прямоугольнике, треугольнике и др.)

Очень важен в орнаменте ритм. Он может быть возрастающим и убывающим. Ритм в орнаменте – это чередование элементов узора в определенной последовательности.

Если повторяющиеся элементы орнамента – мотив – легко выделяются, то можно развивать композиционное построение орнамента в соответствии с линейными и сетчатыми структурами в любую сторону. Но бывают такие случаи, когда мотив выделить трудно, например в орнаментах типа «меандр», которые могут бесконечно повторяться влево или вправо. В этом случае надо выбрать любую произвольную точку в орнаменте и проследовать влево или вправо, где будет следующая точно такая же точка. Элемент узора, заключенный между этими точками, и будет составлять мотив орнамента.

Раппортом называются повторяющиеся элементы орнамента. Раппортной называют композицию, в которой орнаментный мотив ритмически повторяется через одинаковые интервалы. Существуют различные типы раппортных композиций. Обычно мотив на длинных полотнищах располагают по принципам построения сетчатых орнаментов.

Особая тема – орнамент и симметрия. Казалось бы, искусство и математические закономерности несовместимы, однако орнамент основан на точных расчетах.

Симметрией в искусстве называется точная закономерность расположения предметов или частей художественного целого.

Наиболее простым ее видом является зеркальная симметрия. Если узор можно разделить прямой линией на две равные части, каждая из которых как бы повторяет отражение другой в зеркале, то этот узор имеет зеркальную симметрию.

Плоскостью симметрии является линия, разделяющая смежные раппорты. Осью симметрии называется линия, при полном обороте вокруг которой происходит неоднократное совмещение орнамента. Ось симметрии проходит через центр композиции узора перпендикулярно к его плоскости.

Орнамент, созданный в круге делением его на равные части диаметрами, называется розеттой, или розеткой. Розетка, построенная на основе зеркальной симметрии, создает впечатление неподвижности. Те розетки, у которых отсутствует симметрия, вызывают ощущение движения. Симметрия помогает создать определенный ритм в орнаменте.

Не только симметричные, но и асимметричные орнаментальные композиции весьма разнообразны.

ОСНОВЫ ЦВЕТОВЕДЕНИЯ

Наука о цвете (цветоведение, или колористика) помогает художникам лучше понять особенности цвета, использовать его в живописи, применить в декоративном искусстве.

Колористика — наука о цвете, включающая знания о природе цвета, основных, составных и дополнительных цветах, основных характеристиках цвета, цветовых контрастах, смешении цветов, колорите, цветовой гармонии, цветовом языке и цветовой культуре. Она опирается на физические основы цвета, психофизиологический фундамент его восприятия и одновременно учитывает представления общества о культуре цвета.

В другом значении колористика мыслится как цветовая среда, или полихромия формирующих ее объектов, которые удовлетворяют человека эстетически и утилитарно. Такое понимание позволяет говорить о колористике города, здания, интерьера, отдельного произведения чаще всего как о результатах профессионального подхода художника или дизайнера в отличие от спонтанно возникающего цветового окружения.

Наука о цвете возникла очень давно. Шаг за шагом человек хотел овладеть тайнами цвета. Хотя цвет еще не выделяли из цельной, синкретично воспринимаемой картины мира, но уже тогда возник и широко использовался определенный цветовой язык.

В странах Древнего Востока существовала своя цветовая символика, которая повлияла на цветовую культуру Европы и Азии. Овладение цветом приобрело новые формы. В эпоху античности цвет впервые стал рассматриваться как категория эстетики. Еще в IV в. до н. э. древнегреческий философ Аристотель пытался объяснить происхождение цвета и разные цветовые явления. В средние века познание цвета происходит в русле метафизических религиозных учений.

Европейский Ренессанс снимает приобретенный во времена средневековья мистический покров с проблемы изучения цвета. Альберти и Леонардо да Винчи смотрят на мир глазами ученых-экспериментаторов, открывают законы взаимодействия цвета и света, зрительного восприятия, цветовой индукции, предлагают новое толкование цветовой эстетики. Леонардо да Винчи в своем «Трактате о живописи» дает такие сведения о цвете, которые имеют большое практическое значение и для художников нашего времени. Он образовал цветоряд из шести цветов, привязал их к природным стихиям: белый — свет, желтый — земля, зеленый — вода, синий — воздух, красный — огонь, черный — тьма. Для каждого отдельного цвета были найдены гармонирующие цвета и продуманы устойчивые цветовые аккорды, например, с зеленым гармонически согласуются пурпурный, красный, бледно-фиолетовый. Леонардо да Винчи определил гармонически контрастные цвета: белый—черный, синий—желтый, красный—зеленый. Фактически зарождалась наука о цвете.

Идею шестицветного цветоряда по-своему интерпретировали и развивали Ф.Рунге, А.Шопенгауэр, У.Адаме, Э.Делакруа, Ван Гог, В.Кандинский и другие.

И.Ньютон закладывает «физический» фундамент цветоведения. Он провел эксперимент с преломлением луча света через призму, выделил семь цветов спектра и освободил цвета от конкретной символической привязки. Каждый из семи цветов становится самостоятельным элементом гармонической системы — в зависимости от условий цвет может приобретать то или иное состояние и эмоциональную характеристику. В дальнейшем французский ученый Роже де Пиль доказывает, что цвет, а не рисунок имеет важнейшее значение для живописи.

М.В.Ломоносов предложил гипотезу о трехкомпонентности цветового зрения, не утратившую ценности и в наши дни. Он обратил внимание на то, что наш глаз имеет три цветоощущающих приемника и всегда требует их совместной деятельности — для наших глаз необходим цветовой баланс. Сочетание двух дополнительных цветов вызывает гармоничное ощущение потому, что один из них является суммой двух основных цветов. Таким образом, в каждой паре взаимодополнительных цветов присутствуют три цвета.

Гёте разрабатывал учение о цветовой гармонии и чувственнонравственном действии цветов. Рунге предложил принцип систематизации на основе трехмерного цветового тела. Опыт изобразительного искусства подводит к пониманию самоценности цвета, к раскрытию его собственной духовной содержательности пишет Ф.Гегель в своей «Эстетике».

Крупные открытия в области цвета происходят в XX в. На их основе создаются лазеры, голография, компьютерная графика. Результаты научных исследований все более целенаправленно используются в цветоведении, обучении живописи, влияют на творчество художников различных направлений (кубизм, оп-арт, кинетическое искусство и др.).

О природе цвета

Всем известно, что в темноте мы не видим никаких цветов. Когда в глаза попадают лучи солнечного или электрического света — световые волны, у нас возникает ощущение цвета.

Свет — это частный случай электромагнитного излучения. Свет имеет двойственную природу: при распространении он ведет себя как волна, а при поглощении и излучении — как поток частиц. Итак, свет принадлежит пространству, а цвет — предмету.

Солнечные лучи обладают удивительными свойствами. Если солнечные лучи преломляются в каплях дождя или косой грани стекла, например в трехгранной стеклянной призме, то появляется радуга. Первым это явление открыл английский физик И.Ньютон — ему удалось разложить белый свет на цвета спектра. Он определил в спектре семь цветов и объяснил, что их смешение является главной причиной многообразия цветовых гармоний, богатства красок природы.

Обычно все зрительные ощущения цвета разделяют на две группы.

Одну группу составляют ахроматические цвета: черный, белый и все серые (от самого темного до самого светлого). Это так называемые нейтральные (бесцветные) цвета. Они отличаются между собой по светлоте в зависимости от коэффициента отражения. Человек различает около 300 ахроматических оттенков.

К другой группе (цветных) хроматических цветов относятся цвета солнечного спектра и их производные. Это — все цвета, кроме черного, белого и серых, то есть красный, желтый, синий, зеленый, розовый, голубой, малиновый, бирюзовый и т. п. Хроматические поверхности характеризуются взаимодействием спектральных цветов, их смешением, цветовым тоном, насыщенностью и светлотой.

Важно отметить, что белый, черный и серые цвета, имеющие хотя бы незначительный, еле уловимый и трудноразличимый цветной оттенок (розоватый, желтоватый, зеленоватый и т. п.), уже будут являться хроматическими цветами. Только чистые белый, черный и серые цвета, без всяких примесей, относятся к ахроматическим цветам.

Цветовой круг обычно делят на две части — теплую и холодную.

Теплые цвета: красные, желтые, оранжевые и все другие, в которых есть хотя бы частичка этих цветов. Теплые цвета напоминают цвет солнца, огня, которые в природе действительно дают тепло.

Холодные цвета: синие, голубые, зеленые, сине-фиолетовые, сине-зеленые и цвета, которые можно получить от смешения с названными цветами. Холодные цвета ассоциируются в нашем представлении с чем-то действительно холодным — льдом, снегом, водой, лунным светом и т. п.

В творчестве любого художника есть периоды, когда он отдает предпочтение той или иной цветовой гамме. Так, испанский художник П.Пикассо одно время работал с холодными цветами, в другой период — с теплыми (так называемые голубой и розовый периоды в его творчестве). Одни художники пишут красками теплого оттенка (Рембрандт, Рубенс, Д.Левицкий, Тициан, В.Тропинин), другие отдают предпочтение холодным цветам (Эль Греко, Мурильо, В.Борисов-Мусатов).

Основные, составные и дополнительные цвета.

Цвета, которые невозможно получить при смешении каких-либо красок, называют основными. Желтый, красный и синий — это основные цвета. Равномерное смешение этих цветов дает серый цвет.

Цвета, которые можно получить от смешения основных красок, условно называют составными, или производными цветами. Это оранжевый, зеленый и фиолетовый цвета.

Проводя в цветовом круге диаметр через середину желтого цвета, можно определить, что противоположный конец диаметра пройдет через середину фиолетового цвета. Напротив оранжевого цвета в цветовом круге расположен синий цвет. Таким образом, легко определить пары цветов, которые условно называют дополнительными. У красного дополнительным будет зеленый и наоборот. Сочетание дополнительных цветов дает нам ощущение особенной яркости цвета.

Но не всякий красный цвет будет хорошо сочетаться с любым зеленым. Может быть много оттенков красного, зеленого, синего, оранжевого, желтого, фиолетового и других цветов. Если, например, красный будет близок к синему, то и дополнительным у такого красного будет желто-зеленый.

Цветовой круг может состоять из 12, 24 цветов, и далее его можно расширить за счет введения новых оттенков между каждой соседней парой цветов. Цветовой круг позволяет точнее определить оттенки дополнительных цветов, их пары.

Основные характеристики цвета

У каждого цвета есть три основных свойства: цветовой тон, насыщенность и светлота.

Кроме этого, важно знать о таких характеристиках цвета, как светлотный и цветовой контрасты, познакомиться с понятием локального цвета предметов и прочувствовать некоторые пространственные свойства цвета.

В нашем сознании цветовой тон ассоциируется с окраской хорошо знакомых предметов. Многие наименования цветов произошли прямо от объектов с характерным цветом: песочный, морской волны, изумрудный, шоколадный, коралловый, малиновый, вишневый, сливочный и т. д. Легко догадаться, что цветовой тон определяется названием цвета (желтый, красный, синий и т. д.) и зависит от его места в спектре, то есть цветовой тон определяется преобладающим монохроматическим излучением.

Интересно узнать, что натренированный глаз при ярком дневном освещении различает до 180 цветовых тонов и до 10 ступеней (градаций) насыщенности. Вообще, развитый человеческий глаз способен различать около 360 оттенков цвета.

Насыщенность цвета представляет собой отличие хроматического цвета от равного с ним по светлоте серого цвета. Если в какой-либо цвет добавить серую краску, цвет станет меркнуть, изменится его насыщенность.

Ахроматические цвета можно назвать цветами нулевой насыщенности. Наиболее насыщены цвета спектра, причем самый насыщенный из них фиолетовый, а менее всего насыщен желтый.

Третий признак цвета — светлота. Любые цвета и оттенки, независимо от цветового тона, можно сравнить по светлоте, то есть определить, какой из них темнее, а какой светлее. Изменяют светлоту цвета, добавляя в него белила или воду, тогда красный становится розовым, синий — голубым, зеленый — салатовым и т. д. Светлота — качество, присущее как хроматическим, так и ахроматическим цветам. Светлоту не следует путать с белизной (как качеством цвета предмета).

Сравнивать по светлоте можно любые цвета и оттенки: бледно-зеленый с темно-зеленым, розовый с синим, красный с фиолетовым и т. д. Следует заметить, что красный, розовый, зеленый, коричневый и другие цвета могут быть и светлыми, и темными цветами.

Благодаря тому, что мы помним цвета окружающих нас предметов, мы представляем себе их светлоту. Например, желтый лимон светлее синей скатерти, и мы помним, что желтый цвет светлее синего. Ахроматические цвета, то есть серые, белые и черные, характеризуются только светлотой. Различия по светлоте заключаются в том, что одни цвета темнее, а другие светлее. Любой хроматический цвет может быть сопоставлен по светлоте с ахроматическим цветом.

Цвет предмета постоянно меняется в зависимости от условий, в которых он находится. Огромную роль в этом играет освещение. Если свет на предмете холодный, его тень кажется теплой и наоборот.

Локальный цвет предмета — это те чистые, несмешанные, непреломленные тона, которые в нашем представлении связаны с определенными предметами как их объективные, неизменные свойства. Локальный цвет — основной цвет какого-либо предмета без учета внешних влияний. Локальный цвет предмета может быть однотонным, но может состоять и из разных оттенков.

При рисовании с натуры и по памяти надо передавать характерные особенности локального цвета предметов, его изменения на свету, в полутени и тени. Под влиянием света, воздуха, объединения с другими цветами один и тот же локальный цвет приобретает совершенно различный тон в тени и на свету. При солнечном освещении цвет самих предметов виден лучше всего в местах, где располагаются полутени. Локальный цвет предметов виден хуже там, где на нем лежит полная тень. Он высветляется и обесцвечивается на ярком свету.

Не следует забывать, что на локальный цвет предмета воздействует его окружение. Если желтое яблоко лежит рядом с зеленой драпировкой, то на нем появляется цветной рефлекс, а собственная тень яблока обязательно приобретает оттенок зеленого цвета.

Цветовые контрасты. В разнообразии контрастов заключено богатство цветового мира. Контраст света и цвета наиболее четко и ясно воспринимается на «переломе» формы, то есть на месте поворота формы предмета, а также на границах его соприкосновения с контрастным фоном.

Цвет предметов мы воспринимаем в зависимости от окружающего фона. Белая скатерть покажется голубой, если на нее положить оранжевые апельсины, и розовой, если на ней окажутся зеленые яблоки. Это происходит потому, что цвет фона приобретает оттенок дополнительного цвета по отношению к цвету предметов. Серый фон рядом с красным предметом кажется холодным, а рядом с синим и зеленым — теплым.

Если взять три одинаковые серые фигуры и расположить их на разном цветном фоне, то можно заметить, что на синем фоне серый цвет приобретает оранжевый оттенок, на желтом — фиолетовый, на зеленом — розовый, то есть он приобретает оттенок дополнительного цвета к цвету фона. Это пример одновременного цветового контраста. Кроме этого, на светлом фоне цвет предмета кажется более темным, на темном — более светлым.

Явление цветового контраста заключается в том, что цвет изменяется под влиянием других, окружающих его цветов, или под влиянием цветов, предварительно наблюдавшихся.

Дополнительные цвета в соседстве друг с другом становятся ярче и насыщеннее. Например, красный помидор будет выглядеть еще краснее рядом с зеленью петрушки, а фиолетовый баклажан рядом с желтой репой. Контраст дополнительных цветов — особый случай, потому что при их сопоставлении не возникает нового цвета, а изменяется только насыщенность цветов. Это же происходит и с основными цветами.

Контраст синих и красных — это прообраз контраста холодных и теплых. Можно сказать, что контраст — один из основных приемов художественного творчества.

Колорит -  это общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения искусства, характер взаимосвязи всех цветовых элементов произведения, его цветовой строй. Главное достоинство колорита — богатство и согласованность цветов.

Колорит — важнейший компонент художественного образа, одно из средств художественной выразительности в живописи, цветной графике, во многих произведениях декоративного искусства.

Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом.

Колорит раскрывает перед нами красочное богатство мира. Он помогает художнику передать настроение картины: колорит может быть спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит бывает теплым и холодным, светлым и темным.

Все окружающее нас в природе имеет определенный цвет. Созданное природой обычно считают гармоничным: природные, цвета, их сочетания и принадлежность определенным формам.

Художник, создавая произведения искусства, должен продумывать гармоничные цветовые сочетания. При комбинации красок часто возникает проблема: почему одни цвета создают приятное сочетание друг с другом, а другие режут глаз, раздражают? Эту проблему помогает решить знание законов гармонизации цветов и цветовой круг.

Гармония цветов предполагает совокупность общего и различного, взятых в определенных отношениях.

Гармонические сочетания цветов при смешении образуют серый цвет. Это дает возможность проверить правильность выбранной вами цветовой гармонии. Если смешать два, три, четыре или даже шесть цветов, определенных по законам гармонизации, то должен получиться ровный серый цвет. Первым, кто внес порядок в систему цветовых построений, был Гёте. Его учение систематизирует цвета и позволяет в практике находить их нужные сочетания.

Круг естественных цветов по Гёте

СКЖ — основной треугольник, первичные (основные) цвета. ФОЗ — перевернутый треугольник вторичные цвета, смешанные цвета

первого порядка).

СЗ, СФ, КФ и т.д. — смешанные цвета второго порядка. Расположение цветов в круге относительно друг друга дает возможность выделить, как считал Гёте, следующие виды сочетаний:

1. Контрастные сочетания. Цвета расположены друг против друга (например, Ф и Ж), считаются взаимно дополняющими друг друга и гармоничными.

2. Сочетания цветов, расположенных по углам либо основного, либо перевернутого треугольника (например, С и Ж), менее гармоничны.

3. Сочетания цветов, расположенных в круге под углом 90° (для подбора сочетаний в два, три или четыре цвета), например СФ и 3 или ЖО и 3.

4. Нюансовые (монохромные) сочетания (например, голубые и синие).

В концепции Гёте основных цветов шесть. Они образуют два цветовых треугольника. Два цвета — желтый и синий располагаются по горизонтали — первая «характерная пара». Она является основанием первого треугольника, на вершине которого пурпурный цвет. Над желто-синим вторая «характерная пара» — оранжево-фиолетовая и внизу «плебейский» зеленый цвет (перевернутый треугольник). Так Гёте впервые установил иерархию гармонических взаимосвязей в своем шестицветном круге. В круге Гёте три типа парных взаимосвязей: гармонические, характерные и нехарактерные.

Гармонические пары: пурпурно-зеленая, фиолетово-желтая, оранжево-синяя — противоположные цвета «нашли» друг друга и образовали целое, дающее человеческому духу ощущение умиротворяющей полноты.

Характерные пары: желто-синяя, желто-пурпурная, сине-пурпурная, оранжево-фиолетовая, оранжево-зеленая и фиолетово-зеленая.

Нехарактерные пары: желто-зеленая, желто-оранжевая, оранжево-красная, красно-фиолетовая, фиолетово-синяя, сине-зеленая.

Большой цветовой круг Оствальда:

1. Лимонно-желтый. 2. Желтый. 3. Золотисто-желтый. 4. Желто-оранжевый. 5. Красно-оранжевый, 6. Киноварно-красный. 7. Красный. 8. Карминно-красный. 9. Пурпурно-красный. 10. Пурпурно-фиолетовый. 11. Фиолетовый. 12. Сине-фиолетовый. 13. Синевато-фиолетовый. 14. Ультрамариновый. 15. Средне-синий. 16. Синий. 17. Васильково-синий. 18. Бирюзовый. 19. Цвет морской волны. 20. Изумрудно-желтый. 21. Сине-зеленый. 22. Средне-зеленый. 23. Хлорофилловый. 24. Желто-зеленый.

ПЕЙЗАЖ

Пейзаж — жанр изобразительного искусства, предметом которого является изображение природы, вида местности, ландшафта. Пейзажем называют также произведение этого жанра. Пейзаж — традиционный жанр станковой живописи и графики. В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный — ведута), индустриальный пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии — марина.

Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический, эпический характер. Например, пейзаж И.Левитана часто именуется «пейзажем настроения». На его картинах воплощаются изменчивые настроения, состояния тревоги, скорби, предчувствия, умиротворенности, радости и др. Поэтому художник передает объемную форму предметов обобщенно, без тщательной проработки деталей, трепетными живописными пятнами. Так написаны им в 1895 г. картины «Март» и «Золотая осень», знаменующие высшую точку в развитии русского лирического пейзажа.

Благодаря И.Шишкину, сумевшему создать на своих полотнах обобщенный эпический образ русской природы, русский пейзаж поднялся до уровня глубоко содержательного и демократического искусства («Рожь», 1878 г.; «Корабельная роща», 1898 г.). Сила шишкинских полотен не в том, что они почти с фотографической точностью воспроизводят знакомые ландшафты среднерусской полосы, искусство художника гораздо глубже и содержательнее. Бескрайние просторы полей, колышущееся под свежим ветром море колосьев, лесные дали на картинах И.Шишкина порождают мысли о величии и мощи русской природы.

Часто пейзаж служит фоном в живописных, графических, скульптурных (рельефы, медали) произведениях других жанров. Художник не только стремится точно воспроизвести выбранный пейзажный мотив, но и передает свое отношение к природе, одухотворяет ее, создает художественный образ, обладающий эмоциональной выразительностью и идейной содержательностью.

Человек начал изображать природу в далекие времена. Элементы пейзажа можно обнаружить еще в эпоху неолита, в рельефах и росписях стран Древнего Востока, особенно в искусстве Древнего Египта и Древней Греции. В средние века пейзажными мотивами украшали храмы, дворцы, богатые дома. Пейзажи нередко служили для передачи условных пространственных построений в иконах и в миниатюрах.

Как самостоятельный жанр пейзаж окончательно сформировался в XVII в. Его создали голландские живописцы. Еще в XVI в. художники обратились к изучению натуры (П.Брейгель в Нидерландах). Особый расцвет пейзажной живописи наблюдался в XVII—XVIII вв. (П.Рубенс во Фландрии, Рембрандт и Я.Рейсдал в Голландии, Н.Пуссен, К.Лоррен во Франции). Были созданы система валеров, световоздушная перспектива. В XIX в. творческие открытия мастеров пейзажа, завоевания пленэрной живописи (К.Коро во Франции, А.А.Иванов, А.Саврасов, Ф.Васильев, И.Шишкин, И.Левитан, В.Серов в России) продолжили импрессионисты (Э.Мане, К.Моне, О.Ренуар во Франции, К.Коровин, И.Грабарь в России), открывшие новые возможности в передаче изменчивости световоздушной среды, неуловимых состояний природы, богатства красочных оттенков.

Крупные мастера конца XIX—XX в. (П.Сезанн, П.Гоген, Ван Гог, А.Матисс во Франции, А.Куинджи, Н.Рерих, Н.Крымов в России, М. Сарьян в Армении) расширяют эмоциональные, ассоциативные качества пейзажной живописи. Традиции русского пейзажа обогатили А.Рылов, К.Юон, А.Остроумова-Лебедева, А.Куприн, П.Кончаловский и другие.

Особое развитие получил пейзаж в искусстве Востока. Как самостоятельный жанр он появился в Китае еще в VI в. Пейзажи китайских художников, выполненные тушью на шелковых свитках, очень одухотворенны и поэтичны. Они имеют глубокий философский смысл, как бы показывают вечно обновляющуюся природу, беспредельное пространство, которое кажется таковым из-за введения в композицию обширных горных панорам, водных гладей и туманной дымки. В пейзаж включаются человеческие фигурки и символические мотивы (горная сосна, бамбук, дикая слива), олицетворяющие возвышенные духовные качества. Под влиянием китайской живописи сложился и японский пейзаж, отличающийся обостренной графичностью, декоративными мотивами, более активной ролью человека в природе (К.Хокусай).

Жанр пейзажа не только выражает бесконечное многообразие и красоту природы в разное время года, в различных климатических условиях, при солнечном и лунном освещении, но и передает чувства и настроения. Сравните пейзажи К.Коро, Ван Гога, П.Сезанна, и вы увидите, что в основе любого из них — реальная природа, но при этом образы возникают самые разные, потому что главное — это индивидуальность художника. Он рисует не натуру, а передает свое внутреннее состояние в живописи, поэтому у каждого художника свои любимые цветовые сочетания, приемы, индивидуальное отношение к цвету.

И.Левитана можно назвать певцом русской природы. Замечательными русскими пейзажистами были Ф.Васильев, В.Поленов, А.Саврасов, И.Шишкин и другие.

Морские пейзажи называют «маринами», они составляют самостоятельный жанр. Яркий пример — картины И.Айвазовского.

Полхов-Майданские тарарушки

Тарарушки — это пестрые деревянные игрушки: погремушки, копилки, грибочки, птички-свистульки, каталки на палочке, пистолеты-хлопушки и др. Само название напоминает шум, прибаутки, бойкую торговлю на базаре. Веселое сказочное царство расписных деревянных игрушек и посуды из Полхов-Майдана радует своей праздничной красотой.

Как правило, хозяин дома вытачивал основу игрушки, а женщины и дети разрисовывали их яркими анилиновыми красками. Для этих игрушек характерны строгие, простые, округлые формы предметов и яркие, звучные краски, которые эффектно сочетаются со светлым фоном дерева. Пишут красками по загрунтованной крахмалом поверхности и покрывают лаком. Роспись располагают так, чтобы подчеркнуть криволинейную поверхность предмета. В основе росписи рисунок пером и тушью. Черная линия контура сочетается с цветовым пятном, положенным то плотным мазком, то полупрозрачным расплывом.

Разнообразные изделия отличают простота рисунка и яркость красок. Их не так уж много: зеленая, синяя, желтая, фиолетовая и малиновая, переходящая в розовые оттенки. Малиновые цвета полхов-майданской росписи напоминают солнышко на закате или отблески пламени в русской печке. Художники любят рисовать растительные мотивы орнамента и пейзажи:

домик среди лужайки, мельница на берегу реки, кусты, а над ними полыхает алая заря. В росписи букета, как в сказке, на одной ветке могут расти и золотые яблочки, и ягодки, и цветочки. Стиль полхов-майданской росписи, контрастной по цвету, пышной и яркой, хорошо выражает идею изобилия цветов, плодов и красочности мира. В основе образов тарарушек лежат преувеличение и фантастическое сочетание несоединимых в действительности вещей. Например, преувеличенные формы гриба или яблока уже

воспринимаются как условные и забавные, а ветка в росписи может стать сказочно громадной и превратиться в дерево. Искусство тарарушечников отличается сказочно-реалистическим строем образов, особой декоративностью. Полхов-майданская роспись повлияла на творчество многих художников, работающих в области графики и текстиля.

ПОРТРЕТ

Портрет — жанр изобразительного искусства, отличающийся изображением одного человека или группы людей. Кроме внешнего, индивидуального сходства художники стремятся в портрете передать характер человека, его духовный мир.

Существует много разновидностей портрета. К жанру портрета относятся: поясной портрет, бюст (в скульптуре), портрет в рост, групповой портрет, портрет в интерьере, портрет на фоне пейзажа. По характеру изображения выделяют две основные группы: парадные и камерные портреты. Как правило, парадный портрет предполагает изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим). В камерном портрете используется поясное, погрудное, поплечное изображение. В парадном портрете фигура обычно дается на архитектурном или пейзажном фоне, а в камерном — чаще на нейтральном фоне.

По числу изображений на одном холсте помимо обычного, индивидуального, выделяют двойной и групповой портреты. Парными называют портреты, написанные на разных холстах, если они согласованы между собой по композиции, формату и колориту. Чаще всего это портреты супругов. Нередко портреты образуют целые ансамбли — портретные галереи.

Портрет, в котором человек представлен в виде какого-либо аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа, называют костюмированным. В наименования таких портретов обычно включаются слова «в виде» или «в образе» (например, Екатерина II в виде Минервы).

Портреты различают и по размеру, например миниатюрный. Можно выделить еще автопортрет — изображение художником самого себя. Портрет не только передает индивидуальные черты портретируемого, или, как говорят художники, модели, но и отражает эпоху, в которую жил изображаемый человек.

Искусство портрета насчитывает несколько тысячелетий. Уже в Древнем Египте скульпторы создавали довольно точное подобие внешнего облика человека. Статуе придавали портретное сходство для того, чтобы после смерти человека его душа могла в нее вселиться, легко отыскать своего владельца. Этим же целям служили и живописные файюмские портреты, выполненные в технике энкаустики (восковой живописи) в I—III вв. Их отличает яркая жизненная образность, объемная светотеневая моделировка форм, которая со временем претерпела изменения.

Идеализированные портреты поэтов, философов, общественных деятелей были распространены в скульптуре Древней Греции. Правдивостью и точной психологической характеристикой отличались древнеримские скульптурные портретные бюсты. Они отражали индивидуальные черты.

Изображение лица человека в скульптуре или живописи во все времена привлекало художников. Особенно расцвел жанр портрета в эпоху Возрождения, когда человек стал мерой всего (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Тинторетто). Мастера Возрождения углубляют содержание портретных образов, наделяют их интеллектом, душевной гармонией, а иногда и внутренним драматизмом.

В XVII в. в европейской живописи на первый план выдвигается камерный, интимный портрет в противоположность портрету парадному, официальному, возвеличивающему. Выдающиеся мастера этой эпохи — Рембрандт, Ван Рейн, Ф.Гальс, Ван Дейк, Д.Веласкес — создали галерею замечательных образов простых, ничем не знаменитых людей, открыли в них величайшие богатства доброты и человечности.

В России портретный жанр активно начал развиваться с начала XVIII в. Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В. Боровиковский создали серию великолепных портретов знатных людей. Особенно прелестны и очаровательны, пронизаны лиризмом и духовностью женские образы. В первой половине XIX в. главным героем портретного искусства становится мечтательная и одновременно склонная к героическому порыву романтическая личность (на картинах О.Кипренского, К.Брюллова).

Становление реализма в искусстве передвижников отразилось и на искусстве портрета. Художники В.Перов, И.Крамской, И.Репин создали целую портретную галерею выдающихся современников. Индивидуальные и типичные черты портретируемых, их духовные особенности художники передают с помощью характерного выражения лица, позы, жеста. Человек изображался реалистично, давалась оценка еще и его общественному положению. В XX в. портрет сочетает самые противоречивые тенденции — яркие реалистические индивидуальные характеристики и абстрактные экспрессивные деформации моделей (П.Пикассо, А.Модильяни, Э.А.Бурдель во Франции, В.Серов, М.Врубель, С.Конёнков, М.Нестеров, П.Корин в России).

Портреты доносят до нас не только образы людей разных эпох, отражают историческое время, но и говорят о том, каким видел мир художник, как он относился к портретируемому.

Замечательными русскими портретистами были Ф.Рокотов, Д.Левицкий, В.Боровиковский, В.Серов и другие.

Роспись по дереву    Хохлома

Хохломскую посуду сравнивают с золотой, так и говорят «золотая хохлома». И действительно, хохломская роспись радует яркими красками и сиянием золота. Своей красотой хохломские изделия могут поспорить даже с дорогой посудой из золота и серебра, хотя сделаны они из очень доступного материала — дерева. Труд и талант народных мастеров превращают обычные чаши, бочонки, солонки и многое другое в «золото».

В росписях хохломы преобладают растительные мотивы, однако встречаются и изображения птиц. Золотые травы, листочки, ягоды малины и земляники, такие знакомые и в то же время преображенные фантазией художника, сплетаются в хохломские узоры. Цвета хохломской росписи в основном составляют черно-красную гамму с золотом, что придает изделиям праздничный и торжественный колорит. Кроме этого, используют зеленый, желтый и коричневый цвета для придания росписи еще большей яркости и нарядности.

Образная выразительность хохломской росписи достигается за счет композиционного единства травных узоров с формой и размерами деревянной посуды. Например, на дне чашки или блюда мастер часто рисует узор «пряник», напоминающий настоящий узорный пряник, положенный в чашку.

Талантливый мастер С. Веселов, создавая образ петуха красным по золотому сверкающему фону, всем строем росписи подчеркивает мифологическое значение этого символа, его связь с солнцем.

Не только разнообразные отдельные предметы: ложки, чайницы, сливочницы, вазочки, чаши, ковши, тарелки, блюда, шкатулки — расписывают мастерицы, но еще и целые наборы посуды для кваса, компота, окрошки, меда. Хохломской росписью украшают детские стульчики, столы, кресла и другую мебель. Современные художники, зная традиционные мотивы и типовые композиции, продолжают поиск новых форм изделий и композиционных вариантов орнаментов. Все виды росписи развиваются и совершенствуются. Создано много интересных авторских разработок. Для формирования хохломского орнамента большое значение имеет смелый кистевой мазок, широта письма.

Хохломские изделия привлекают и красотой орнамента, и прочным лаковым покрытием, благодаря которому в посуду можно наливать горячие и холодные напитки, словом, использовать по назначению. Сегодня хохлому называют золотой не только за красоту, но еще и за цену. Она дорого стоит, так как ее производство требует значительного ручного труда, а в прошлом веке такая посуда была дешевой и доступной для всех.

Деревянную посуду на Руси изготавливали с древних времен. Ее точили на станках, выдалбливали из дерева различной формы и размеров. Расписная посуда вносила радость и красоту в бедный крестьянский быт. Изготовление хохломских изделий значительно возросло в XIX в. Хохлома — старинное село. История его тесно связана с возникновением и развитием хохломской росписи. Крестьяне, живущие в деревнях вокруг Хохломы, тоже занимались росписью посуды.

Хохломские изделия успешно продавали на Нижегородской ярмарке, их вывозили и за рубеж. Посуда подкупала своей необычностью, яркостью, радовала глаз и в то же время была довольно дешевой и прочной.

В настоящее время главными центрами хохломской росписи являются фабрика «Хохломской художник» в селе Семино и объединение «Хохломская роспись» в городе Семенов Нижегородской области.

Технология изготовления хохломских изделий довольно сложна. Рассмотрим основные этапы.

Заготовка. Деревянную посуду, предназначенную под роспись, вытачивают на токарном станке или выдалбливают из хорошо просушенной древесины. Такие заготовки называют бельем. Готовое изделие нужно еще раз хорошо просушить. Продолжительность сушки зависит от размера изделия и может длиться от одной до трех недель. Недосушенное изделие при дальнейшей обработке может дать брак (трещины, пузырьки и пр.).

Грунтовка. Просушенную заготовку грунтуют: разведенную водой до жидкого состояния глину (вал) втирают в белье с помощью тряпки. Грунтовку наносят очень тонким слоем. Изделие просушивают в течение нескольких часов при комнатной температуре. Затем наносят второй слой и сушат уже  около 10 ч.                                                        

Можно воспользоваться готовой грунтовкой, которую наносят тонкими слоем, просушивают при комнатной температуре в течение суток, затем шлифуют наждачной бумагой.                                      

Вгонка. Прогрунтованное валом изделие пропитывают льняным маслом, через 30 мин сухой чистой тряпкой удаляют не впитавшееся в глину льняное масло и помещают в сушильный шкаф с температурой 60-70°С на 4—5 ч. Полученная таким образом прочная оболочка будет препятствовать на следующем этапе проникновению олифы в поры древесины. Высушенное изделие слегка шлифуют, чтобы удалить возможные неровности.

Изделия, покрытые готовой грунтовкой, льняным маслом, протирать не нужно.

Олифление. Эту операцию производят 4 раза. Первый, второй и третий слои олифы наносят на изделие и сушат в течение 2 ч. Четвертый слой наносят более густо и сушат в печи при температуре 50-бО°С. Необходимо внимательно следить за состоянием верхнего слоя. Нужно, чтобы олифа просохла не до конца, чтобы пальцы к ней прилипали — такая стадия называется стадией мягкого отлипа.

Для ранее рассмотренного варианта с грунтовкой изделие покрывают масляным лаком два раза. Первый слой просушивают сутки или больше, в зависимости от марки лака. Затем наносят второй слой и (см. первый вариант) внимательно следят за высыханием лака до мягкого отлипа.

Лужение, или полуда, производится алюминиевым порошком, который наносят с помощью тампона на липкую поверхность олифы или лака. Припорашивать изделие нужно над широкой чашкой или миской, чтобы порошок не разлетался на стол. Проверьте качество лужения визуально, чтобы не было пробелов. Лишний порошок стряхните и поставьте изделие сушиться

при комнатной температуре на сутки. Изделие готово к росписи. Перед нанесением краски еще раз протрите его поверхность хлопчатобумажной тряпкой.

Роспись. Это один из самых интересных этапов. Прежде чем приступить к росписи объемных изделий, необходимо выполнить ряд упражнений, чтобы изучить отдельные элементы хохломской росписи на бумаге. Можно потренироваться и на объемном изделии, но, чтобы не портить деревянных заготовок, для начала возьмите жестяную банку, бумажный стаканчик или тарелку.

Все элементы травного орнамента выполняют сразу кистью, без предварительного рисунка карандашом. Кисть необходимо держать у самого ее основания тремя пальцами и ставить вертикально к плоскости рисунка.

Хохломская роспись бывает двух видов: верховое письмо и фоновое. Верховое письмо — это травная роспись, роспись «под листок». Фоновое письмо— это кудрина, роспись «под фон».

Для «травного» орнамента характерно сочетание рисунка, выполненного красным и черным цветом, с золотой поверхностью фона. Верховое письмо выполняется по серебристому фону, а после покрытия лаком и закалки в печи «травка» будет сиять поверх мерцающего золотого фона. Просвечивая сквозь легкий ажурный рисунок, золотой фон делает изделие исключительно выразительным.

В хохломской росписи «травкой» называется орнамент, выполненный отдельными ритмично расположенными мазками. Главные элементы «травки»: «осочки», «травинки», «капельки», «усики», «завитки», «кустик». «Осочки» — самый простой элемент. Он выполняется легким движением кончика кисти сверху вниз. «Травинки»— это мазки с небольшим плавным утолщением. «Капельки» рисуют, прикладывая кисть к бумаге. «Усики» изображают непрерывной линией одинаковой толщины, закрученной в спираль. «Завитки» выполняют, как и «усики», только с легким нажимом в середине элемента. «Кустик» — это наиболее сложный элемент, так как он состоит из нескольких симметрично расположенных более простых элементов: «осочек», «травинок», «капелек», «усиков» и «завитков».

Главный стебель травного орнамента называется «криуль». Он состоит из «завитков», которые попеременно закручиваются то вверх, то вниз.

Ягодки могут дополнить травную роспись. Для ягод бруснички, смородинки и рябинки используют печатку-тычок, скрученную из плотной ткани, фетра или других материалов. Красную и желтую краски смешивают на палитре, а тычок обмакивают таким образом, чтобы оба цвета присутствовали одновременно в каждом отпечатке. А вот крыжовник, клубничку и малинку рисуют сразу кистью. После высыхания красной краски ягоды «разживляют» желтым цветом.

Расписывать посуду травкой следует начинать с крупных элементов; нанося мазки, необходимо сохранять определенный ритм.

В росписи «под листок» кроме красной и черной краски используют желтую и зеленую. Сначала рисуют черной краской стебельки и веточки, затем кисточкой или тычком наносят ягодки смородины, калины, брусники и др. Потом рисуют стилизованные листочки. Заканчивают роспись выполнением приписки — тоненьких крученых усиков, маленьких ягодок.

Роспись «под фон» более трудоемкая. Начинают с прописки контурного рисунка, затем каким-нибудь цветом (красным, черным) покрывают фон вокруг рисунка. Большие листья и цветки могут остаться незакрашенными, тогда они получатся золотыми. Далее выполняют радужку — прорисовку жилок на листках, тычинок. И последний этап, как в верховой росписи, — приписка. Ее делают по уже высохшему фону, используют всю цветовую палитру хохломы.

Кудрина, — пожалуй, самая трудная по технике выполнения роспись. Ее начинают так же, как и роспись «под фон», с нанесения контура рисунка и записывания фона. Весь рисунок создается за счет золотых цветов, листьев, а фон, как правило, окрашен в красный или черный цвет. Далее выполняют радужку, но она менее богата, чем в росписи «под фон». Роспись кудрина напоминает ковер.

Практически вся роспись изделий ведется на весу. Левой рукой держат изделие, а правой выполняют роспись. Правая рука остается без опоры, и только иногда отставленным мизинцем можно притронуться к изделию.

Лачение — один из важных этапов. Он необходим для того, чтобы получить золотой блестящий фон. Расписанное и просушенное изделие покрывают масляным лаком и закаливают в печи при температуре 270—300°С. Под действием температуры лак желтеет, и изделие приобретает золотистый цвет. Для получения более насыщенного золотого цвета операцию лачения можно повторить несколько раз.

Современные технологии допускают некоторые изменения в лачении. В лак добавляют несколько граммов оранжевого и желтого анилиновых красителей для получения более насыщенного золотого цвета. Иногда роспись выполняют не по полуде, а поверх этого желтого лака и затем опять лачат несколько раз, но уже прозрачным лаком. Если изделие не будет использоваться под горячее, то лачение не подвергают термической обработке.

Сергиевопосадская игрушка

Самая веселая на Руси ярмарка в прошлом веке проходила в Сергиевом Посаде. На видном месте в торговых рядах были разложены игрушки: погремушки, свистульки, деревянные резные гусары, барыни, кормилицы, щелкуны, каталки, карусели, богородские медведи, кони и различные матрешки.

По преданиям, легендарный мастер Татыга и некая баба, якобы вырезавшая для своих детей куклу «ауку» в виде спеленатого младенца, положили начало местному промыслу. В Посаде работали прославленные резчики Челпанов, Фигуркин, или Фигурка, прозванный так

за свое искусство резьбы человеческих фигурок, несколько поколений резчиков Рыжовых. Одни из них специализировались «по личному делу», то есть резали кукол, человеческие фигурки, а другие — «по дичи», так как резали птиц и зверей. Музейные собрания народных игрушек хранят «стада» и «зверинцы», сделанные в Посаде и в Богородском. В «стадах» можно увидеть коров, овец, козлов, лошадей. Резали мастера и других домашних животных:

собак, кошек, кур, петухов, уток. В «зверинцах» были представлены олени, медведи, волки, павлины, цапли и другие звери и птицы. Все игрушки отличались определенной мерой условности и реализмом.

Несложными инструментами делали самые разнообразные игрушки. Формы были проверены веками. Например, вырезанная из деревянной чурки или треугольного полена, Сергиевская игрушка своими гранями напоминали кристалл. Голова, руки, туловище и ноги, детали одежды выделялись условно. Руки, как правило, были плотно прижаты к телу, так как размеры чурки не позволяли делать их с широким размахом. Фигурки ярко раскрашивали. В сочетаниях красного, синего, желтого и зеленого мастер добивался красочности, нарядности и декоративности. Наиболее традиционными были образы барынь, гусаров, солдат, нянек с младенцами, пастушков и мужичков. Мастера часто вырезали монахинь и монахов, так как жили по соседству с Троице-Сергиевым монастырем. Для лучших Сергиевских игрушек характерны юмор, яркая образность. Неповторимые, индивидуальные черты персонажей переданы в выражении лица, в позах. Благодаря живой и меткой характеристике надменные барыни, чванливые господа, глуповатые мужички, няни будто переговариваются друг с другом или даже пляшут. Народные  мастера, импровизируя в процессе работы, никогда точно не повторяли образы, варьировали детали.                  

Скопинская керамика

Город Скопин Рязанской области издавна славился гончарными изделиями. Из светлой глины здесь делали простую посуду без поливы, так называемые «синюшки». Только в 60-х гг. прошлого века начало развиваться производство художественных вещей, культура пластики которых имеет древнейшие истоки. Полагают, что название промысла связано с птицей скопой, которая водится в здешних болотах.

Скопинские гончары селились на краю города. Мастера тут были замечательные! Каждый из них строго хранил тайны мастерства, свои секреты составления глазури и обжига. Например, Ф.И.Оводов сумел создать глиняный самовар, в котором кипела  вода и тлели настоящие угли.

Традиции древнего гончарного промысла отразились в произведениях скопинских мастеров. Здесь делали кувшины, кумганы, квасники, жбанчики, украшенные диковинными зверями и птицами, орлов с рас простертыми крыльями, коней-свистулек, всадников, медведей-музыкантов. Изделия покрывали зеленой или коричневой глазурью.

Скопинскую керамику отличает соединение скульптурных образов с формой сосудов. В произведениях поражает не только знание традиций древних славян, но и художественная фантазия, помогающая создавать живые образы и пластику.                                        

Народное восприятие мира как единство природы и человека, формы живой и формы предметной получило отражение и в скопинских сосудах. Логика конструкции сочетается с изобразительностью. Сказочный сосуд расширяется, как бы на глазах набухает, растет к горловине, раскрывается чашечкой цветка или прорастает из тулова крыльями, оборачивается, как в сказке, то зверем, то птицей, то рыбой. Разнообразные скульптурные изображения на месте ручек слиты с формой кувшина.

В скопинской керамике в равной мере активны объем и силуэт, поэтому формы монументальны и выразительны независимо от размера сосуда. В современных работах скопинских мастеров ярко выражен национальный характер, например таких, как «Подсвечник» М.Пеленкина, «Ваза с птицами» М.Линевой, «Квасник» Н.Насоновой.

СТИЛИЗАЦИЯ РАСТЕНИЙ

Стилизация – это декоративное обобщение и выделение характерных особенностей объектов с помощью ряда условных приемов. Можно упростить или усложнить форму, цвет, детали объекта, а так же отказаться от передачи объема. Однако упростить форму вовсе не значит обеднить ее, упростить – значит подчеркнуть выразительные стороны, опустив малозначительные детали.

Народные орнаменты создаются, как правило, на основе стилизации природных форм. На примере орнамента хорошо видно, как формы растений, животных и даже фигуры человека можно превратить в геометрические элементы.

Отбирая главное, мастер преобразует предмет, подчиняет его форму и цвет ритмическому строю орнамента. В основе творчества народного мастера эмоционально-ассоциативное восприятие, его образное решение может значительно отличаться от натуры.

Цветок, листья, ветвь можно трактовать почти как геометрические формы или сохранить природные плавные очертания. Упражнениям по стилизации растений должны предшествовать зарисовки с натуры. Исходя из реальных образов, художник на основе творческого воображения создает новое.

По рисункам вы можете проследить последовательность стилизации растений с использованием следующих приемов:

постепенное обобщение формы в ее границах, добавление деталей,

изменение абриса, насыщение формы орнаментом,

 превращение объемной формы в плоскостную,

 упрощение или усложнение конструкции,

разворот цветника или листьев в другую плоскость,

выделение силуэта,

замена реального цвета, различное цветовое решение одного мотива и др.

В декоративном искусстве в процессе обобщения формы художник, сохраняя ее пластическую выразительность, выделяет главное и типичное, отказываясь от второстепенных деталей. Все  наблюдаемые в реальной форме оттенки, как правило, сводятся к нескольким цветам. Возможен и полный отказ от реального цвета. Поиски образа подсказывают то или иное решение.

Общее стилевое решение орнамента, его линейная и цветовая композиции основаны на творческом переосмыслении натуры.

Филимоновская игрушка

Из давних времен пришли к нам эти яркие игрушки. Родились они в деревне Филимоново Тульской области. Местная глина очень пластична, фигурки из нее лепят, вытягивая форму, поэтому они такие стройные. Поколение за поколением следовали художники заветам старого мастера деда Филимона, создателя промысла, познавшего тайны красоты. Современные мастера сохранили в своем творчестве традиционные формы, сочетания цветов и орнаменты. В работах А.Масленниковой и Е.Карповой проявляется живое чувство пластической формы и декоративности.

Самое удивительное происходит, когда темную синеватую глину ставят в печь. После обжига она становится белоснежной. Бери и раскрашивай. Наряд филимоновской игрушки связан со старинными символами-оберегами.

Узоры филимоновской игрушки радуют звонкой пестротой ярких полосок. Красная, зеленая, и наоборот, зеленая, красная. Фон желтый. Полоски повторяются, выстраивая выразительный ритм — «тигровость».

Полоски, крестики, круги, звездочки, солнышки, волнистые линии, точки, елочки сочетаются с гладко окрашенными частями.

Рябит в глазах полосатое трехцветье, привораживает игрушка особым орнаментальным узорочьем. Нарядно расписывают женские фигурки, причем не только полосами, но и розетками, треугольниками, цветами.

«Любота» — это знакомые образы — барыня и солдат, они слеплены парой, на одной «земле». Жених с невестой милуются, друг дружкой любуются и пляшут.

Все филимоновские звери — свистульки. Среди персонажей больше домашних животных, коней, собак, баранов, кур и петухов. Характерные черты этих животных: маленькая голова на длинной шее, гибкое тело, ноги-подставки и хвост-свисток. С помощью маленьких деталей мастер превращает игрушку то в медведя с зеркалом в передних лапах, то в собаку с мисочкой, то в коня с курочкой-свистулькой, то совсем в фантастическое животное.

Искренность и непосредственность, чувство живого есть в каждой вещи независимо от того, большая она или маленькая. Все пронизано красотой.

Лепят филимоновскую игрушку из очень пластичной темной глины — «синюшки» методом вытягивания из одного куска, поэтому фигурки выделяются особым, удлиненным силуэтом.

Лепку формы начинают с вытягивания глиняного цилиндрика вверх. Изображения людей монолитны, без лишних деталей. Неширокая юбка-колокол плавно сужается на талии, от узких плеч отходят округлые руки, конусообразная голова составляет единое целое с шеей. Прямо из головы вытягивают раструб, который превращают в манерную шляпку.

Так же лепят фигурки животных-свистулек. У фигурок собак, козлов, коров, коней тонко перехваченное в талии туловище, плавно изогнутая шея с маленькой головкой. Только по форме рогов и ушей можно отличить одного зверя от другого. Например, у барана рога как круглые завитки, у коровы — большим полумесяцем, загнутые вверх.

Особым образом лепит филимоновская мастерица свисток. Готовое туловище животного — заднюю его часть превращают в широкий раструб, края которого постепенно сужаются, образуя полый шарик с оттянутым концом для свистка. По бокам шарика проделывают круглые отверстия, а снизу и в торце свистка — прямоугольные. Еще одно круглое отверстие проходит через туловище снизу игрушки.

Поскольку после обжига темная глина становится белоснежной, можно сразу расписывать анилиновыми красителями, разведенными на яйце. Малиновый, желтый, белый и зеленый — любимые цвета филимоновских художников. Для придания большей яркости и звучности краскам некоторые части игрушки покрывают желтым цветом и уже на этом фоне пишут красным и зеленым характерные орнаменты, состоящие из полосочек, елочек, розеток.