Предмет "Музыкальная литература"

22  октября

7 класс ФГТ    Урок №6

А. П. Бородин  опера «Князь Игорь»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника. Выполните задания в «Занимательных страничках»

По данным ссылкам прослушайте  и посмотрите фрагменты оперы:

2  действие

• Песня половецкой девушки «На безводье, днем на солнце» -  слушать здесь    смотреть здесь
• Каватина Кончаковны – видео  - здесь
• Ария князя Игоря – видео - здесь
• Ария хана Кончака – видео - здесь
• Половецкие пляски – видео  - здесь

23 октября  3 класс ОРП

Урок №7                                 Классицизм

Видео «Музыка эпохи классицизма»  - смотреть здесь

23 октября

8 класс ФГТ Урок №7

А. Н. Скрябин Творческий облик композитора

Читать материал учебника стр. 54-67

Выполните задания в «Занимательных страничках»

По данной  ссылке посмотрите фильм:

• фильм «А. Н. Скрябин» - биография - здесь

25 октября    4 класс ОРП

М. И. Глинка   Романсы и песни

 Глинка  был замечательным  певцом-исполнителем, вокальным педагогом, создавшим пособие «Школа пения», учителем выдающихся певцов – О. Петрова и А. Воробьевой-Петровой.

Глинка написал более 70 песен и романсов. 

Образы и темы

Любовь, ревность, разочарование: бытовые сценки, картины природы

Жанры

Лирические романсы, элегии, «русские песни», серенады, баркаролы, застольные песни, баллады. Некоторые романсы написаны в танцевальных жанрах вальса, мазурки, польки, болеро, полонеза.

Авторы стихов

Глинка писал романсы на стихи русских поэтов-современников: А. Пушкина, Е. Баратынского, В. Жуковского, А. Дельвига, К. Батюшкова, Н. Кукольника и др.

Музыкальных язык

        Напевная, выразительная мелодия (истоки – от народной песни до итальянского бельканто). Музыкальное воплощение общего настроения текста, следование за поэтической мыслью стиха.  Речитативные  интонации выделяют важные детали текста.

Форма

Куплетная, в том числе трехчастная, рондо.

Вокальный цикл «Прощание с Петербургом» был написан в 1840 году. Автор стихов Н. Кукольник. Все 12 романсов цикла объединяет тема странствий. Самые известные из них – «Попутная песня» и «Жаворонок».

А. Пушкин посвятил стихотворение «Я помню чудное мгновенье» Анне Петровне Керн (1825 г.)  В 1840 году Глинка влюбленный в дочь А. Керн – Екатерину, написал романс на текст поэта

По данным ссылкам прослушайте романсы композитора:

• Сл. Баратынского  «Не искушай» - здесь
• Сл. А. Пушкина «Я помню чудное мгновенье» - здесь
• Сл. Кукольника «Попутная песня» - здесь
• Сл. Козлова «Венецианская ночь» -  здесь 
• Сл. В. Жуковского  баллада «Ночной смотр» - здесь
• Сл. Кукольника «Жаворонок» - здесь
• Патриотическая песня - здесь

8 октября

4 класс ФГТ  Урок №5

Выразительные средства музыки: фактура, регистр, темп

Прочитайте материал учебника стр.11-20

По этим ссылкам прослушайте музыкальные произведения  

1. В каком регистре звучат следующие музыкальные произведения?

• Э Григ «В пещере горного короля»   Видео: здесь
• Н. А. Римский-Корсаков Тема Шахриара из сюиты «Шехеразада»  - слушать здесь
• П. И. Чайковский «Марш деревянных солдатиков» из цикла «Детский альбом»  - видео  - здесь
• Э.Григ «Птичка» слушать  здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

5 ноября

7 класс ФГТ        

А. Бородин Опера «Князь Игорь»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника. Прослушайте фрагменты оперы по данным ссылкам.

Выполните задания в «Занимательных страничках»

3 д.

«Половецкий марш» - смотреть здесь

4 д.

Хор поселян -   Плач Ярославны – видео - здесь

Эпилог  - здесь

6 ноября   3 класс ОРП

Урок №8                    Жизненный путь Й Гайдна

Фильм – смотреть здесь

 Прочитайте материал урока и ответьте на вопросы теста - здесь

В конце теста нажмите «ОТПРАВИТЬ»

Со времени смерти великого австрийского композитора  Йозефа Гайдна прошло больше двухсот лет. Но истинно великое неподвластно времени. Сочинения Гайдна стали достоянием всего человечества. В конце своей жизни Гайдн пользовался огромной славой, был одним из самых знаменитых  композиторов своего времени. Он вошел в историю музыкального искусства как один из самых светлых и гармоничных художников. Й. Гайдн не был философом, но выработал свое собственное понимание жизни, основанное на оптимизме. Это гармоничное мироощущение наложило отпечаток на его музыку.

Гайдн был великим мастером, и стремление к мастерству отличало его всю жизнь. Ему доставляли радость сама работа, ощущение ее слаженности. Он всегда с удивительным простодушием радовался жизни и эту радость жизни привносил в свою музыку.

Гайдн прожил долгую жизнь, за которую написал огромное количество произведений. Именно его называют «отцом» симфонии и квартета. Конечно, он не был первооткрывателем. Симфонии и квартеты писали композиторы и до него. Но Гайдн сумел придать этим жанрам классическую законченность и совершенство.

Начало его жизни не предвещало такой яркой музыкальной карьеры. Гайдн родился в 1732 г. в местечке Рорау близ Вены. Трудовая семья (отец был каретником, а мама кухаркой) не могла дать своим детям хорошего образования. Детей в семье было семнадцать. Зато им привили прочные нравственные понятия, которые подготовили Гайдна к нелегкой самостоятельной жизни. Но главное.: сама атмосфера семьи, дружная, добро-желательная, уклад деревенской жизни опреде-лили характер молодого человека.

Семья была музыкальной. Отец будущего композитора, не зная нот, хорошо пел и играл на арфе. Кстати, младший брат Гайдна Михаэль тоже стал профессиональным музыкантом. Долгое время Й. Гайдн жил в Зальцбурге, где встречался с Моцартом. Но несмотря на то, что музыкальная одаренность детей проявилась очень рано, платить за уроки родители не могли. И будущий знаменитый композитор, у которого был хороший голос, отправился в большой незнакомый город и поступил там певчим в церковный хор. Руководитель хора во время своей поездки по стране в поисках одаренных мальчиков-певчих обратил внимание на восьмилетнего Йозефа и с согласия родителей увез его в Вену.

Когда у Гайдна начал ломаться голос и он больше не был пригоден для пения в хоре, его уволили из капеллы. Гайдн остался без хлеба и крова. Ни-когда ему не было так трудно. И все же это были счастливые годы. За десять лет упорного труда Гайдн сделался профессиональным музыкантом. Его мечтой была композиция. Понимая, что его знаний недостаточно, а денег на оплату уроков нет, Гайдн поступил на службу к крупному музыканту того времени Николо Порпора. Молодой человек бесплатно прислуживал ему, чистил по утрам его костюм и башмаки, приводил в порядок его ста-ромодный парик. С трудом добивался он расположения старика и в виде награды изредка получал от него полезные музыкальные советы. Будучи слугой, Гайдн стал внимательным трудолюбивым учеником. Старый Порпора и сам жил в доме одного богача почти на положении слуги, и только потому, что его музыка нравилась возлюбленной этого богача.

Если бы не беззаветное стремление Гайдна к музыке, может быть, он, как и его отец, стал бы каретным мастером и, как отец, всю жизнь работал с песней. Возможно, и сочинял бы песни, да не умел их записывать. Но благодаря своей удивительной целеустремленности и трудолюбию в 1759 г. Гайдн получает свою первую постоянную должность придворного капельмейстера у чешского аристократа графа Морцина. А спустя два года получает должность капельмейстера у крупнейшего венгерского магната князя Эстергази.

Дворец князя находился в маленьком городке Эйзенштадте недалеко от Вены. Летнее время князь проводил в загородном имении. Вместе с ним переезжала вся свита, включая и музыкантов. Вот здесь и провел Гайдн почти тридцать лет. Жизнь его была внешне крайне однообразной. Но была заполнена музыкой, составлявшей ее смысл.

В обязанности Гайдна входили не только руководство капеллой, исполнение музыки во дворце и в церкви. Он должен был обучать музыкантов, следить за дисциплиной, отвечать за инструменты и ноты. А главное, должен был писать по требованию князя симфонии, квартеты, оперы. Иногда хозяин давал на создание произведения всего лишь день. Только гений Гайдна выручал его в таких ситуациях.

Князь Эстергази относился к Гайдну как к своему слуге. Каждое утро музыкант, чье имя уже знали далеко за пределами Австрии, должен был вместе со всеми слугами ожидать приказаний князя. Композитор не мог без согласия князя покинуть его владения. Более того, бессмертные творения, которые Гайдн сочинял в течение тридцати лет при дворе Эстергази, принадлежали не ему, а хозяину, князю. После смерти Николая Эстергази, прозванного Великолепным, все имущество князя, а вместе с ним и творения Гайдна перешли к его наследникам. Те, хоть и не очень ценили музыку, никак не хотели расставаться с рукописями великого композитора. Поэтому одни из них не были напечатаны, другие утеряны.

И все же такая ограничивающая свободу служба приносила пользу. Гайдн мог в живом исполнении прослушивать буквально все свои произведения, исправляя все то, что не очень хорошо звучало, и набираясь опыта.

Его называли «папашей Гайдном» и в молодости, и в глубокой старости. 30 лет он был «папашей» для музыкантов князя Эстергази, одного из самых богатых людей империи. Его называл «папашей» Моцарт, считавший его своим учителем. Князья, короли с восторгом слушали его музыку и заказы-вали Гайдну симфонии и оратории. Сам Наполеон, говорят, пожелал услышать ораторию «Сотворение мира». Гайдн получал дипломы, медали из разных стран мира. Ему надарили столько драгоценных перстней, кубков и разных диковинных вещей, что их трудно было поместить в маленьком доме. А музыкант оставался простым и скромным «папашей» Гайдном. Он был добряком и шутником. И музыка его такая же простая, добрая и шутливая, рассказывала о простой жизни, о природе. Он и симфонии свои называл, как картины: «Вечер», «Утро», «Полдень», «Медведь», «Королева». Именно «папаша» Гайдн написал «Детскую» симфонию для игрушечных инструментов: свистулек, трещоток, барабана, детской трубы, треугола.

Есть среди его симфоний и печальные. Однажды князь остался в летнем дворце до поздней осени. Стало холодно, музыканты начали болеть, они скучали по своим семьям, видеться с которыми им запрещалось. И тогда «папаша» Гайдн придумал, как напомнить князю, что музыканты слишком много работают и им надо отдохнуть.

Представьте концерт во дворце князя. Грустно ведут невеселую мелодию скрипки и басы. Проходят первая, вторая, третья, четвертая части. Князь привык к радости, шутливости, веселью в музыке

Гайдна, а здесь — сплошная грусть... Наконец, пятая часть — тоже неожиданность, ведь в симфониях обычно их только четыре. И вдруг второй валторнист и первый гобоист встают, гасят свечи у своих пюпитров и, не обращая внимания на оркестр, уходят со сцены. Оркестр продолжает играть, как будто ничего не произошло. Потом умолкает фагот, музыкант тоже гасит свечу и уходит. В общем, скоро на сцене остаются только первая и вторая скрипки. Они играют все печальнее и, наконец, замолкают. Скрипачи молча в темноте покидают сцену.

Вот такую грустную шутку придумал Гайдн, чтобы помочь своим музыкантам. Намек был понят, и князь велел переезжать в Эйзенштадт.

В 1791 г. умер старый князь Эстергази. Его наследник не любил музыку и не нуждался в капелле. Он распустил музыкантов. Но отпустить Гайдна, прославившегося во всей Европе, он не хотел. Для того чтобы до конца своих дней Гайдн числился его капельмейстером, молодой князь назначил ему пенсию. Этот последний период жизни был для Гайдна самым счастливым. Композитор был свободен! Он мог путешествовать, давать концерты, дирижировать своими произведениями. Эти годы были насыщены такими впечатлениями, каких Гайдн не получил за тридцать лет службы у Эстергази. Он слушал много новой для себя музыки. Под впечатлением ораторий Генделя им были созданы монументальные творения — оратории «Сотворение мира» и «Времена года». Дважды композитор посетил Англию, где были написаны его знаменитые «Лондонские симфонии».

Как-то утром Гайдн, по английскому обычаю, развлекался тем, что обходил лавки. Войдя в нотный магазин, он спросил у хозяина, нет ли у него хороших музыкальных пьес. «Найдется, — ответил продавец, — я только что напечатал великолепную пьесу Гайдна». — «Ну, она-то мне и не нужна, — ответил Гайдн. — Покажите мне лучше что-нибудь другое». — «Нет, сударь, у меня, конечно, есть и другие ноты, но они не для вас», — и повернулся к покупателю спиной. В этот момент в магазин вошел знакомый Гайдна и, здороваясь с ним, называет его по имени. Услышав это, торговец повернулся и возмущенно сказал вошедшему: «Да, да! Именно Гайдн! А тут вот нашелся человек, который не любит музыку этого великолепного композитора!» Англичанин засмеялся и объяснил, кто же возражал против Гайдна.

Последние годы жизни Гайдна прошли на окраине Вены в покое, отдыхе, общении с людьми, почитавшими великого мастера. Умер Гайдн в 1809 г.

6 ноября

6 класс ФГТ  Урок №9          Творческий облик Ф. Шопена

Уважаемые ученики! Прочитайте материал в учебнике стр. 194-205

Посмотрите по данным ссылкам видео о композиторе.

Выполните задания в «Занимательных страничках»

• Биография Ф. Шопена – видео -   смотреть здесь 
• Биография Ф. Шопена «По следам великих композиторов»

Видео -  смотреть здесь 

6 ноября

8 класс ФГТ      Урок №8

Творчество А. Н. Скрябина

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника – стр.56 – 66

По данным ссылкам прослушайте произведения:

• Прелюдия №5 Ре мажор – здесь
• Прелюдия №14 ми-бемоль минор - здесь
• Этюд №12 ре-диез минор - здесь
• Симфония №3 «Божественная поэма»  - здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

8 ноября

4 класс  ОРП           Александр Сергеевич Даргомыжский

1813 - 1869

Даргомыжский — младший современник и друг Глинки — продолжил дело создания русской классической музыки. Вместе с тем его творчество принадлежит уже другому этапу в развитии национального искусства.

 Если Глинка выразил круг образов и настроений пушкинской эпохи, то Даргомыжский находит свой путь: его зрелые сочинения созвучны реализму многих произведений Гоголя, Некрасова, Достоевского, Островского, художника Павла Федотова.

Стремление передать жизнь во всем ее разнообразии, интерес к личности «маленького» человека и к теме социального неравенства, точность и выразительность психологических характеристик, в которых особенно ярко раскрывается дарование Даргомыжского как музыкального портретиста, — вот отличительные особенности его таланта. Даргомыжский был по своей природе вокальным композитором. Главными жанрами его творчества стали опера и камерная вокальная музыка. Новаторство Даргомыжского, его поиски и достижения нашли продолжение в произведениях следующего поколения русских композиторов — членов балакиревского кружка и Чайковского.

Биография Детство и юность. 

Даргомыжский родился 2 февраля 1813 года в имении родителей в Тульской губернии. Через несколько лет семья переезжает в Петербург, и с этого момента большая часть жизни будущего композитора протекает в столице.

Отец Даргомыжского служил чиновником, а мать, женщина творчески одаренная, пользовалась известностью как поэтесса-любительница. Родители стремились дать своим шестерым детям широкое и разностороннее образование, в котором главное место занимали литература, иностранные языки, музыка. С шести лет Сашу стали обучать игре на фортепиано, а затем и на скрипке; позже он занимался и пением. Свое фортепианное образование юноша завершил у одного из лучших столичных преподавателей, австрийского пианиста и композитора Ф. Шоберлехнера.

Став превосходным виртуозом и неплохо владея скрипкой, он часто принимал участие в любительских концертах и квартетных вечерах петербургских салонов.

Тогда же, с конца 1820-х годов, начинается чиновничья служба Даргомыжского: примерно полтора десятилетия он занимал должности в различных департаментах и вышел в отставку в чине титулярного советника.

Первые попытки сочинения музыки относятся к одиннадцатилетнему возрасту: это были разные рондо, вариации и романсы. С годами юноша проявляет все больший интерес к композиции; в освоении приемов композиторской техники немалую помощь ему оказал Шоберлехнер. «На восемнадцатом и девятнадцатом году моего возраста, — вспоминал впоследствии композитор в автобиографии, — написано было много, конечно не без ошибок, множество блестящих сочинений для фортепиано и скрипки, два квартета, кантаты и множество романсов; некоторые из этих сочинений были тогда же изданы...»

Но, несмотря на успехи у публики, Даргомыжский еще оставался дилетантом; превращение любителя в настоящего композитора-профессионала началось с момента знакомства с Глинкой.

Первый период творчества. 

Встреча с Глинкой произошла в 1834 году и определила всю дальнейшую судьбу Даргомыжского. Глинка тогда работал над оперой «Иван Сусанин», и серьезность его художественных интересов, профессиональное мастерство заставили Даргомыжского впервые по-настоящему задуматься о смысле композиторского творчества. Музицирование в салонах было заброшено, и он приступил к восполнению пробелов в своих музыкально-теоретических познаниях, штудируя тетради с записями лекций Зигфрида Дена, которые передал ему Глинка.

Знакомство с Глинкой вскоре перешло в настоящую дружбу. «Одинаковое образование, одинаковая любовь к искусству тотчас сблизили нас, но мы скоро сошлись и искренно подружились несмотря на то, что Глинка был десятью годами старше меня. Мы в течение 22 лет сряду были с ним постоянно в самых коротких, самых дружеских отношениях», — вспоминал впоследствии композитор.

Помимо углубленных занятий Даргомыжский с середины 1830-х годов посещает литературные и музыкальные салоны В. Ф. Одоевского, М. Ю. Виельгорского, С. Н. Карамзиной (Софья Николаевна Карамзина — дочь Николая Михайловича Карамзина, известного историка и писателя, автора многотомной «Истории государства Российского»), где встречается с Жуковским, Вяземским, Кукольником, Лермонтовым. Царившая там атмосфера художественного творчества, беседы и споры о развитии национального искусства, о современном состоянии русского общества формировали эстетические и социальные взгляды молодого композитора. По примеру Глинки Даргомыжский задумал сочинение оперы, но в выборе сюжета проявил самостоятельность художественных интересов. Воспитанная с детства любовь к французской литературе, увлечение французскими романтическими операми Мейербера и Обера, желание создать «нечто истинно драматическое» — все это остановило выбор композитора на популярном романе Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери».

Опера «Эсмеральда» была закончена в 1839 году и представлена для постановки в Дирекцию императорских театров. Однако ее премьера состоялась лишь в 1848 году: «...Эти-то восемь лет напрасного ожидания, — писал Даргомыжский, — и в самые кипучие года жизни, легли тяжелым бременем на всю мою артистическую деятельность». В ожидании постановки «Эсмеральды» романсы и песни стали единственным средством общения композитора со слушателями. Именно в них Даргомыжский быстро достигает вершины творчества; подобно Глинке он много занимается вокальной педагогикой. В его доме по четвергам устраиваются музыкальные вечера, на которых бывают многочисленные певцы, любители пения, а иногда и Глинка в сопровождении своего друга Кукольника. На этих вечерах исполнялась, как правило, русская музыка, и прежде всего сочинения Глинки и самого хозяина.

В конце 30-х — начале 40-х годов Даргомыжский создает много камерных вокальных произведений. Среди них такие романсы, как «Я вас любил», «Юноша и дева», «Ночной зефир», «Слеза» (на слова Пушкина), «Свадьба» (на слова А. Тимофеева), и некоторые другие отличаются тонким психологизмом, поиском новых форм и средств выразительности. Увлечение поэзией Пушкина привело композитора к созданию кантаты «Торжество Вакха» для солистов, хора и оркестра, которая впоследствии была переработана в оперу-балет и стала первым в истории русского искусства образцом этого жанра.

Важным событием в жизни Даргомыжского стала его первая заграничная поездка в 1844—1845 годах. Он отправился в путешествие по Европе, причем главной целью был Париж. Даргомыжский, как и Глинка, был очарован и покорен красотой французской столицы, богатством и разнообразием ее культурной жизни. Он встречается с композиторами Мейербером, Галеви, Обером, скрипачом Шарлем Берио и другими музыкантами, с одинаковым интересом посещает оперные и драматические спектакли, концерты, водевили, судебные процессы. По письмам Даргомыжского можно определить, как меняются его художественные взгляды и вкусы; на первое место он начинает ставить глубину содержания и верность жизненной правде.

И, как это ранее случилось с Глинкой, путешествие по Европе обострило у композитора патриотические чувства и потребность «писать по-русски».

Зрелый период творчества.

Во второй половине 1840-х годов в русском искусстве происходят серьезные изменения. Они были связаны с развитием передового общественного сознания в России, с усилением интереса к народной жизни, со стремлением к реалистическому отображению повседневного быта людей простого сословия и социального конфликта между миром богатых и бедных. Появляется новый герой — «маленький» человек, и описание судьбы и жизненной драмы мелкого чиновника, крестьянина, ремесленника становится главной темой произведений современных писателей. Этой же теме посвящены многие зрелые сочинения Даргомыжского. В них он стремился усилить психологическую выразительность музыки. Творческий поиск привел его к созданию в вокальных жанрах метода интонационного реализма, который правдиво и точно отражает внутреннюю жизнь героя произведения.

 В 1845—1855 годы композитор с перерывами работает над оперой «Русалка» по одноименной неоконченной драме Пушкина. Даргомыжский сам сочинял либретто; он бережно подошел к пушкинскому тексту, по возможности сохраняя большинство стихов. Его привлекла трагическая судьба крестьянской девушки и ее несчастного отца, потерявшего рассудок после самоубийства дочери. В этом сюжете воплощена постоянно интересовавшая композитора тема социального неравенства: дочь простого мельника не может стать женой родовитого князя. Такая тема давала возможность автору раскрыть глубокие душевные переживания героев, создать настоящую лирическую музыкальную драму, полную жизненной правды. В то же время глубоко правдивые психологические характеристики Наташи и ее отца замечательно сочетаются в опере с красочными народно-бытовыми хоровыми сценами, где композитор мастерски претворил интонации крестьянских и городских песен и романсов.

Отличительной особенностью оперы явились ее речитативы, отразившие стремление композитора к декламационным мелодиям, ранее уже проявившее себя в его романсах. В «Русалке» Даргомыжский создает новый вид оперного речитатива, который следует за интонацией слова и чутко воспроизводит «музыку» живой русской разговорной речи. «Русалка» стала первой русской классической оперой в реалистическом жанре психологической бытовой музыкальной драмы, проложив дорогу лирико-драматическим операм Римского-Корсакова и Чайковского.

Премьера оперы состоялась 4 мая 1856 года в Петербурге. Дирекция императорских театров отнеслась к ней недоброжелательно, что сказалось в небрежной постановке (старые, убогие костюмы и декорации, сокращение отдельных сцен). Высшее столичное общество, повально увлеченное итальянской оперной музыкой, проявило к «Русалке» полное равнодушие. Тем не менее, опера имела успех у демократической публики. Незабываемое впечатление производило исполнение партии Мельника великим русским басом Осипом Петровым. Передовые музыкальные критики Серов и Кюи горячо приветствовали рождение новой русской оперы. Однако на сцене она шла редко и вскоре исчезла из репертуара, что не могло не вызвать у автора тяжелых переживаний.

Во время работы над «Русалкой» Даргомыжский пишет много романсов. Его все сильнее привлекает поэзия Лермонтова, на чьи стихи создаются проникновенные монологи «Мне грустно», «И скучно, и грустно». Он открывает новые стороны в поэзии Пушкина и сочиняет превосходную комедийно-бытовую сценку «Мельник».

Поздний период творчества Даргомыжского (1855— 1869) характеризуется расширением круга творческих интересов композитора, а также активизацией его музыкально-общественной деятельности. В конце 50-х годов Даргомыжский начинает сотрудничать в сатирическом журнале «Искра», где в карикатурах, фельетонах, стихах высмеивались нравы и порядки современного общества, печатались Салтыков-Щедрин, Герцен, Некрасов, Добролюбов. Руководителями журнала были талантливый художник-карикатурист Н. Степанов и поэт-переводчик В. Курочкин. В эти годы на стихи и переводы поэтов-искровцев композитор сочиняет драматическую песню «Старый капрал», сатирические песни «Червяк» и «Титулярный советник».

К этому же времени относится знакомство Даргомыжского с Балакиревым, Кюи, Мусоргским, которое немного позже перейдет в близкую дружбу. Эти молодые композиторы вместе с Римским-Корсаковым и Бородиным войдут в историю музыки как члены кружка «Могучая кучка» и впоследствии обогатят свое творчество достижениями Даргомыжского в различных областях музыкальной выразительности. Общественная активность композитора проявилась в его работе по организации Русского Музыкального Общества (РМО — концертная организация, созданная в 1859 году А. Г. Рубинштейном. Она ставила перед собой задачи музыкального просвещения в России, расширения концертной и музыкально-театральной деятельности, организации музыкальных учебных заведений).

В 1867 году он становится председателем его петербургского отделения. Он принимает участие и в разработке устава Петербургской консерватории. В 60-е годы Даргомыжский создает несколько симфонических пьес: «Баба-яга», «Казачок», «Чухонская фантазия». Эти «характеристические фантазии для оркестра» (по определению автора) основаны на народных мелодиях и продолжают традиции «Камаринской» Глинки.

С ноября 1864-го по май 1865 года состоялось новое заграничное путешествие. Композитор посетил ряд европейских городов — Варшаву, Лейпциг, Брюссель, Париж, Лондон. В Брюсселе состоялся концерт из его произведений, который имел большой успех у публики, получил сочувственные отклики в газетах и принес автору немало радости.

Вскоре по возвращении на родину в Петербурге состоялось возобновление «Русалки». Триумфальный успех постановки, ее широкое общественное признание содействовали новому душевному и творческому подъему композитора.

Он начинает работу над оперой «Каменный гость» по одноименной «маленькой трагедии» Пушкина и ставит перед собой невероятно сложную и смелую задачу: сохранить неизменным пушкинский текст и построить произведение на музыкальном воплощении интонаций человеческой речи. Даргомыжский отказывается от привычных оперных форм (арий, ансамблей, хоров) и делает основой произведения речитатив, который является как главным средством характеристики персонажей, так и основой сквозного (непрерывного) музыкального развития оперы (Некоторые принципы оперной драматургии «Каменного гостя», первой русской камерной оперы, нашли свое продолжение в произведениях Мусоргского («Женитьба»), Римского-Корсакова («Моцарт и Сальери»), Рахманинова («Скупой рыцарь»).

 На музыкальных вечерах в доме композитора в дружеском кругу неоднократно исполнялись и обсуждались сцены из почти готовой оперы. Ее наиболее восторженными поклонниками были композиторы «Могучей кучки» и музыкальный критик В. В. Стасов, особенно сблизившиеся с Даргомыжским в последние годы его жизни.

Но «Каменный гость» оказался «лебединой песнью» композитора — он не успел закончить оперу. Даргомыжский скончался 5 января 1869 года и был похоронен в Александро-Невской лавре, недалеко от могилы Глинки. Согласно завещанию композитора, оперу «Каменный гость» закончил по авторским эскизам Ц. А. Кюи, а оркестровал Римский-Корсаков. Благодаря усилиям друзей в 1872 году, спустя три года после смерти композитора, его последняя опера была поставлена на сцене Мариинского театра в Петербурге.  

• Биографический фильм  - смотреть здесь 

Биография А. С. Даргомыжского (таблица)

Ответьте на вопросы теста  - здесь

Романсы и песни А. С. Даргомыжского

Даргомыжский создал более 100 романсов и песен. Среди них — все популярные вокальные жанры того времени — от «русской песни» до баллады. Вместе с тем,  Даргомыжский стал первым русским композитором, который воплотил в своем творчестве темы и образы, взятые из окружающей действительности, и создал новые жанры — лирико-психологические монологи («И скучно, и грустно», «Мне грустно» на слова Лермонтова), народно-бытовые сценки («Мельник» на слова Пушкина), сатирические песни («Червяк» на слова Пьера Беранже в переводе В. Курочкина, «Титулярный советник» на слова П. Вейнберга).

«Шестнадцать лет» (слова А. Дельвига). В этом раннем лирическом романсе сильно проявилось влияние Глинки. Даргомыжский создает музыкальный портрет прелестной, грациозной девушки, используя изящный и гибкий ритм вальса. Краткое фортепианное вступление и заключение обрамляют романс и строятся на начальном мотиве вокальной мелодии с его выразительной восходящей секстой. В вокальной партии преобладает кантилена, хотя в некоторых фразах ясно слышны речитативные интонации.

Слушать - здесь

В драматической песне «Старый капрал» (слова П. Беранже в переводе В. Курочкина) композитор развивает жанр монолога: это уже драматический монолог-сцена, своеобразная музыкальная драма, главный герой которой — старый наполеоновский солдат, осмелившийся ответить на оскорбление молодого офицера и осужденный за это на смерть. Волновавшая Даргомыжского тема «маленького человека» раскрывается здесь с необыкновенной психологической достоверностью; музыка рисует живой правдивый образ, полный благородства и человеческого достоинства. Песня написана в варьированной куплетной форме с неизменяющимся припевом; именно суровый припев с его четким маршевым ритмом и настойчивыми триолями в вокальной партии становится ведущей темой произведения, главной характеристикой героя, его душевной стойкости и мужества.

Слушать - здесь

Сатирическая песня «Титулярный советник» написана на слова поэта П. Вейнберга, который активно работал в «Искре». В этой миниатюре Даргомыжский в музыкальном творчестве развивает гоголевскую линию. Рассказывая о неудачной любви скромного чиновника к генеральской дочери, композитор рисует музыкальный портрет, родственный литературным образам «униженных и оскорбленных». Меткие и лаконичные характеристики персонажи получают уже в первой части произведения (песня написана в двухчастной форме): бедный робкий чиновник обрисован осторожными секундовыми интонациями piаnо, а надменная и властная генеральская дочка — решительными квартовыми ходами fortе. Аккордовое сопровождение подчеркивает эти «портреты».

Слушать - здесь

11 ноября

5 класс ФГТ Урок №7      И. С. Бах   «Сюиты»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.38-40.

Сделайте задания в «Занимательных страничках»

По данным ссылкам прослушайте Французскую сюиту №2 до минор - здесь

Видео - здесь

Аллеманда

Куранта

Сарабанда

Ария

Менуэт

Жига

12  ноября

4 класс ФГТ  Урок №9      «С чего начинается музыка?»

«Марш в музыке»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал в учебнике – стр.102-107.

Прослушайте музыкальные произведения по данным ссылкам.

Выполните задания в «Занимательных страничках»

• Походный марш В.Агапкин «Прощание славянки» видео - здесь
• Церемониальный марш  - здесь
• И. О. Дунаевский Концертный марш видео - здесь
• Сказочный, фантастический марш М. И. Глинка Опера «Руслан и Людмила» Марш Черномора видео - здесь
• Спортивный марш И. О. Дунаевский видео - здесь
• Ф.Шопен Соната №2 для фортепиано си-бемоль минор Траурный марш – видео - здесь
•  П. И. Чайковский Цикл «Детский альбом» «Марш деревянных солдатиков»  Игрушечный марш  видео - здесь
• П. И. Чайковский Балет «Щелкунчик» Марш   видео - здесь
• Церемониальный марш Мендельсон «Свадебный марш» из концертной сюиты "Сон в летнюю ночь" –  здесь
• С.С. Прокофьев Опера «Любовь к трем апельсинам»  (юмористический марш) видео - здесь
• Д.Тухманов «День Победы» (песня-марш) видео - здесь

12  ноября

7 ФГТ Урок №8

А. П. Бородин.  Вокальное творчество

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника 171 - 174,   по данным ссылкам  прослушайте следующие произведения, выполните задания в «Занимательных страничках»

• «Спящая княжна» сл. А. Бородина – видео – смотреть здесь
• «Песня тёмного леса» сл. А. Бородина – смотреть здесь
• «Для берегов Отчизны дальной» сл. А. Пушкина – смотреть здесь
• «Спесь» сл. А. Толстого – смотреть здесь

13 ноября    3 класс ОРП

Й. Гайдн Симфоническое творчество

Годы создания:

С конца 1750-х до середины 1790-х годов.

• Ранние симфонии мало чем отличались от сюиты и не выходили за рамки  развлекательно- бытовых жанров (поздние симфонии Гайдна были написаны, когда Моцартом были созданы уже все симфонии).
• Лондонские симфонии – 4-х частные, со вступлением, которое контрастирует с сонатным аллегро.
• Между главной и побочной партиями существует тональный, но не образный контраст.
• Вторые части звучат в умеренно-медленном темпе. Форма – сложная трехчастная или вариационная. Характер: задумчиво-лирический, сосредоточенный.
• Третьи части – менуэты. Форма – сложная трехчастная
• Финалы – сцены и образы народной жизни. Форма: сонатная или рондо-соната.

Оркестр

        Первоначально оркестр князя Эстергази насчитывал 12 музыкантов. В Лондонских симфониях участвуют уже около 40 исполнителей: струнный квинтет, по два деревянных духовых инструмента (такой состав называется парным), 2 трубы, 2 валторны, пара литавр.

Оркестр Гайдна:  струнный квинтет и парный состав духовых инструментов. В том числе гобои и кларнеты. Ведущая роль принадлежит струнному квинтету (виолончели и контрабасы играют одну и ту же басовую партию в октаву; партии выписываются на одной строке). Духовые инструменты исполняют не только гармонию (голоса аккордов), но и участвуют в изложении и развитии тематического материала на равных правах со струнными инструментами.

Лондонская симфония Ми – бемоль мажор №103

(с тремоло литавр)

Эта симфония написана во время второй поездки Гайдна в Лондон.

Год создания 1795.

Форма – четыре части

План симфонии:

Особенности строения.

        Тема вступления играет большую роль в развитии всей симфонии (в 1 части появляется в экспозиции, в репризе и коде)

Схема строения 1 части

Слушать 1 часть симфонии – видео -  здесь

Урок  №10              Ф. Шопен  «Фортепианное творчество»

Цель: Формирование идейно-эстетической позиции учащихся на примере романтических произведений Ф. Шопена.

Задачи:

• познакомить с особенностями мазурок и полонезов Ф. Шопена;
• характеризовать музыкально – художественные средства выразительности, основные приёмы развития драматургии и связать их с эстетико-романтическим направлением в искусстве;
• развивать внимание, образно - ассоциативного мышление учащихся; воспитывать интерес к творчеству Ф. Шопена, целостное отношение к музыке, а также эмоциональную чувствительность и эстетический вкус.

Конспект урока

1. Организационный момент
2. Целеполагание и мотивация

Из  биографии Ф. Шопена мы узнали, что творчество его  тесно связано с событиями его жизни: разлукой с горячо любимой родиной, мечтами о свободной стране.

Шопен одним из первых привнес в западно-европейскую музыку славянские интонационные и ладовые элементы. Блестяще раскрыл технические и выразительные возможности фортепиано – инструмента, для которого написаны почти все его сочинения.

3. Актуализация

- Для творчества Шопена характерны как классические, так и романтические черты.

- Будучи романтиком, композитор тяготел к классической завершенности и ясности выражения: мелодическая выразительность, романтический блеск виртуозности, красота и красочность звучания облекаются в стройные формы.

 - В произведениях Шопена чувство никогда не брало верх над разумом. Мировосприятие композитора проявляет себя в удивительной стройности общего замысла, в предельной отточенности, соразмерности деталей.

4. Первоначальное освоение нового материала

Мазурки.

- Любимый жанр Шопена. Композитор обращался к ним на протяжении всей жизни. Р. Шуман сказал о мазурках Шопена – «Пушки, прикрытые цветами».

Шопен называл мазурки «образки» («картинки»).

Мазурки для Шопена – своеобразные дневниковые записи. Условно мазурки можно разделить на три группы:

- Народные мазурки – подражание народным инструментам, использование ладов народной музыки. Вступления написаны в духе народных наигрышей – с пустыми грубоватыми унисонами (квинты, октавы). Гармония простая: чередование D7 и тоники, обилие органных пунктов.

Для создания таких мазурок Шопен использовал три вида народных танцев:

мазур (с «капризным» ритмом),

куявяк – более плавный, с акцентом на любой доле такта,

оберек – самый задорный, энергичный, с акцентом на второй доле третьего такта.

- Бальные мазурки – торжественные величавые. Использование характерных средств выразительности: фанфары, хоральность фактуры, маршевость.

- Лирические мазурки – более медленный темп, сложный лад, декламационность. Некоторые из них представляют собой лирические поэмы. В этих мазурках Шопена певучесть, распевность сочетается с танцевальностью.

- Форма мазурок трехчастная (ABA).

Мазурка До мажор ор. 56 №2

- Народная мазурка, картина деревенского праздника. Поляки называют ее «мазуркой мазурок».

-. С первых тактов в басу гудит тоническая квинта. На ее фоне звучит  веселая  мелодия, подвижная с четким острым ритмом. Как будто ее наигрывают скрипки на фоне звучания волынки и контрабаса. Так ф-но подражает звучанию трех инструментов, которые обычно составляют в польской музыке деревенский оркестр.

Как свойственно танцевальной музыке, форма  состоит из нескольких «коленец»:

1 – общая пляска

2 – (мелодия звучит в низком регистре) – мужская пляска

3 – с начала - перекличка нежных «женских» и мужественных «мужских» фраз; затем возникает «мельница» - шутливая суматоха – нижний голос догоняет верхний, имитируя его в октаву.  Этот эпизод окрашен лидийским ладом (мажорный лад с повышенной 4-й ступенью).

4 – заканчивается все общей пляской под вариант  первого «коленца»

Мазурка Си-бемоль мажор ор.7 №1

- Относится к группе блестящих бальных танцев.

- Форма рондо, построена на контрастных темах.

- Ее отличают черты, свойственные бальным мазуркам: резкие скачки в мелодии, острый ритм.

Из 2-х эпизодов очень колоритен второй  с выделяющимся ходом на ув.2 в мелодии, звучащих на фоне гудящих квинт. Можно представить, что на балу появился кто-то в необычном красочном наряде.

Мазурка ля минор ор 68.№2

- Связана с образами Родины. Мазурка звучит в необычном медленном темпе ленто. Написана в 3-х частной форме.

Характер крайних - грустный, задумчивый, нежный. Середина - задорный деревенский танец в Ля мажоре.

Полонез Ля мажор

Предок полонеза — степенный польский народный танец-шествие. Попав в шляхетскую — польскую дворянскую — среду, а также в другие европейские страны, этот танец получил название «полонез», произведенное от французского слова «ро-1опа» — «польский».

Сделавшись бальным, танец сильно видоизменился. Его музыка из четырехдольной сделалась трехдольной с типичной ритмической фигурой.

 С начала бальные полонезы танцевали только мужчины, придавая им воинственный рыцарский характер. Потом к танцорам стали присоединяться женщины. Было принято, чтобы бал открывал полонезом сам хозяин дома в паре с наиболее знатной гостьей.

В конце XVIII — начале XIX века много полонезов создали польские композиторы — предшественники Шопена. Это, например, Михал Клеофас Огиньский, один из полонезов которого до сих пор пользуется выдающейся популярностью.

Сочиняли полонезы также В. Живный и Ю. Эльснер — учители Шопена.

А его собственные полонезы явились непревзойденной вершиной в развитии этого жанра. Они вдохновлены романтическими помыслами об исторических судьбах Польши.

Таков и получивший большую известность Полонез ля мажор. По своему характеру он и горделивый, пышно-торжественный, и воинственно-героический, маршеобразный. Преимущественно аккордовая фактура обладает здесь оркестровой мощью.

В среднем разделе пьесы появляется фанфарная тема, подобная призывному военному сигналу. В ряде переложений этого Полонеза для различных составов оркестра она поручается трубе:

Этот полонез - символ Польши.

- Горделивый, торжественный, воинственно-героический, маршеобразный, несмотря на трехдольность.

- Отличается мощной оркестровой звучностью, рыцарской героикой, духовным величием и блеском. На всем протяжении произведения сохраняется светлая мажорная краска (даже отклонения совершаются исключительно в мажорные тональности).

- Основная тема имеет величественный, ликующе-победный характер.

5. Первичное закрепление нового материала

- Использовал ли Шопен законы классицизма в своих произведениях? В чем это проявлялось?

- О каких произведениях мы говорили сегодня на уроке?

- Какие виды мазурок использовал Шопен?

- Простучите ритмическую фигуру  полонеза

6. Информация о домашнем задании
7. Рефлексия

13 ноября

8 класс ФГТ   Урок №9

И. Ф. Стравинский

Творческий облик композитора

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр. 70-81

Фильм о композиторе – смотреть здесь

«Игорь Стравинский – композитор» - смотреть здесь

Выполните задания «Занимательные странички»  

18 ноября

5 класс ФГТ Урок №9

Современники И. С. Баха «Композиторы эпохи барокко»

Антонио Вивальди - выдающийся итальянский композитор, дирижер и педагог; скрипач-виртуоз, а также католический священник; создатель жанра инструментального концерта. Родился в Венеции 4 марта 1678 года в семье скрипача капеллы Святого Марка. С детства уроки музыки давал будущему музыканту как раз отец. Позже он брал уроки у Дж. Легренци. В возрасте 15 лет он был принят в монахи, а еще через десять лет посвящен в духовный сан. Отец привлек Антонио к работе в своей капелле, которую тот позже возглавил. В церкви будущий композитор прослужил недолго, так как его манила музыка.

У четы Вивальди было шестеро детей, старшим из которых был Антонио. В детстве он увлекался игрой на клавесине и скрипке. Ссылаясь на плохое самочувствие, он часто оставался дома и репетировал. С 1703 года он работал учителем музыки по классу скрипки в Венецианском доме сирот. Через несколько лет, однако, его уволили из-за повальных сокращений, а в 1711 году вновь восстановили. В 1716 году он был назначен концертмейстером оркестра «Пьета». Между тем, каждый год он успевал писать по одной опере и общественная слава о нем росла.

К его работам относились оперы «Оттон», «Нерон» и др. Но самыми продуктивными в жизни преуспевающего композитора стали 1720-е годы, когда он издал цикл под названием «Искус гармонии и инвенции», по другим источникам «Опыт гармонии и изобретения». В него вошли знаменитые «Времена года». Несмотря на то, что композитор создавал каждый опус («Весна», «Лето», «Осень», Зима») по отдельности, в современной аранжировке их играют как один концерт. Вивальди был недоволен своими гонорарами, поэтому после этого он перестал издавать новые опусы.

К концу 1735 года он вернулся к былой должности концертмейстера, а через три года его уволили из оркестра за частые путешествия. После его отстранения оперные постановки перестали пользоваться успехом. В 1740 году композитор уехал навсегда из Венеции и поселился в Вене. Через год, покинутый и забытый всеми, он умер. Его нищенски похоронили и долгое время не вспоминали даже имени. Несмотря на это, творческое наследие музыканта составляло более 19 опер и 700 других опусов. Главным в его творчестве оставался жанр инструментального концерта.

Слушать : А. Вивальди – Концерт «Весна» 1 часть – смотреть здесь

Гендель Георг Фридрих (1685 – 1759)

Родился Гендель в Галле (Германия). Его отец был придворным лекарем-цирюльником. Он мечтал дать сыну образование юриста, а на музыкальные способности мальчика особенного внимания не обращал. Но одаренность Георга заметил курфюст Галле – герцог Саксонский и настоял, чтобы отец все же отдал сына в руки лучшего музыканта города Ф. Цахова, который в течение нескольких лет прививал Генделю музыкальный вкус, знакомил с разными музыкальными стилями, отрабатывал композиторскую технику. Он видел в нем большой потенциал. И ученик его не подвел. В одиннадцать лет он уже стал известен в стране как музыкант и композитор. Но ему еще предстояло выполнить волю покойного отца – стать юристом. Юноша поступает в Галльский университет (1702) и изучает право. Но одновременно служит органистом в храме, сочиняет музыку, преподает пение. Его влечет опера, и он едет в Гамбург, в котором есть оперный театр, соперничающий с французскими и итальянскими театрами, поступает в оркестр, где играет на нескольких музыкальных инструментах. Здесь он в своей стихии. Директор театра – Р. Кайзер – оперный композитор, И. Маттезон – певец, композитор и литератор – замечают талантливого юношу, сотрудничают с ним, помогают и оказывают большое влияние на формирование будущего великого композитора. Первые оперы «Альмира» и «Нерон» были, конечно, поставлены в Гамбурге (1705).

Окрыленный успехом он едет в Италию (театр Кайзера закрылся из-за банкротства), где посещает театры Флоренции, Неаполя, Венеции, учится, впитывая в себя впечатления от итальянского оперного искусства. Через несколько месяцев он уже настолько изучил эту новую для себя стилистику, что пишет оперу «Родриго» (1707) и ее ставит Флорентийский театр. Спустя два года в Венеции успешно стартует его вторая итальянская опера «Агриппина». Взыскательные итальянцы восторженно принимают оперы композитора. Так он становится знаменитым. Его принимают в Аркадскую академию, где он на равных с такими корифеями как А. Корелли, Б. Марчелло, А. Скарлатти, итальянские аристократы наперебой делают музыканту заказы для своих домашних театров. В 1710-ом маэстро приглашают в Англию, где он получает английское гражданство и живет до конца своих дней. Здесь начинается настоящий расцвет его таланта и славы. Творчество гения поднимает английскую музыку на необыкновенную мировую высоту.

В 1720-ом немецкий композитор становится руководителем Академии итальянской оперы и Лондонского оперного театра, где ставятся его новые шедевры в итальянском стиле: «Радамист» (1720), «Оттон» (1723), «Юлий Цезарь» (1724), «Тамерлан» (1724), «Роделина» (1725), «Адмет» (1726). Благородство образов, напряженный трагизм кульминаций, психологизм характеров – все превосходило известную доселе стилистику итальянской оперы.

Слушать  Г. Гендель – Пассакалия из сюиты до минор – смотреть здесь

Жан Батист Люлли (1632-1687) — выдающийся французский композитор, дирижер, певец и танцор.  

Жан-Батьист Люлли обрел известность как композитор и дирижер благодаря своим оперным произведениям. Он был дворянским дворянином и получил образование в Париже, где он изучал музыку и танцы. Люлли прославился своими балетными музыками, которые стали популярными во Франции в то время. Он быстро заработал славу благодаря своим уникальным композиционным методикам и инновационным идеям в музыкальном искусстве.

Одним из ключевых достижений Люлли является создание жанра французской оперы. Он разработал свои собственные правила композиции, сценической постановки и музыкального стиля, которые отличались от привычных итальянской оперы. Люлли также сотрудничал со знаменитыми писателями и поэтами своего времени, такими как Филипп Кинель и Мольер, и тесно работал с королем Людовиком XIV.

Великие творческие достижения Люлли включают в себя такие оперные произведения, как «Атисс», «Изис», «Принцесса Эльидора» и «Беллиног море». Кроме того, он составил множество танцевальных музыкальных композиций, таких как «Триумф Любви» и «Классический балет». Люлли также был автором множества кантат и ораторий, которые широко известны и исполняются по сей день.

Богатое и разнообразное наследие Люлли композитора продолжает вдохновлять и восхищать музыкантов и слушателей по всему миру. Его вклад в развитие оперного искусства и французской музыки невозможно переоценить, и его музыка остается великолепным примером элегантности, красоты и гениальности.

 Слушать  Ж. Люлли  - Аллеманда  - смотреть здесь

Генри Перселл родился в 1659 году, в Лондоне, в семье придворного композитора, певца и лютниста. Рано обнаружил музыкальные способности, в десять лет (по другим источникам — в шесть или семь) начал петь в детском хоре Королевской капеллы, которым руководил энергичный музыкант, капитан Кук, обучался пению, игре на органе и клавесине, композиции под руководством видного композитора П. Хемфри. В четырнадцать лет Перселл был зачислен на должность помощника хранителя королевских инструментов, а год спустя стал настройщиком органа в Вестминстерском аббатстве; с 1677 года он — придворный композитор, а еще через пять лет — и органист Королевской капеллы. На этой службе он и пробыл до самой смерти. Будучи придворным музыкантом, Перселл, с одной стороны, писал произведения для придворных празднеств и торжественных событий — оды, приветственные песни, королевские кантаты. Большей частью это были малозначительные сочинения.

С другой стороны, в предисловии к первому опубликованному сборнику трио-сонат, посвященных Карлу II, композитор подчеркивал свое стремление приобщить англичан к серьезному искусству. Не случайно эти сонаты он распространял по подписке через лондонские газеты, обращаясь непосредственно к широкой публике. Для той же аудитории по заказу частных лиц он писал музыку к городским праздникам и народным гуляньям. Многое песни Перселла рождались во время пирушек, в клубах и тавернах, где он был завсегдатаем (одну лондонскую таверну даже украшал его портрет). Некоторые песни еще при жизни композитора стали народными, а в следующем столетии цитировались как фольклорные образцы. Вышедший три года спустя после смерти композитора сборник песен под названием «Британский Орфей» был необычайно популярным среди англичан.

Обращаясь ко всем жанрам современной музыки, Перселл за пятнадцать лет творческого пути создал свыше ста духовных сочинений. Среди них особую ценность представляют шестьдесят антем-гимнов на поэтические библейские тексты для хора (нередко с концертирующими соло и ансамблями, в сопровождении оркестра), трактованных в светском, концертном и даже театральном духе. Наивысшим достижением ГОрселла явились произведения для театра (более пятидесяти), в которых раскрылся его талант драматурга; нередко он принимал непосредственное участие в постановках, а иногда и сам выступал как актер и певец-бас. Однако именно в театральных жанрах положение композитора оказалось наиболее трагическим. За три года до смерти в предисловии к «Королеве фей» он писал о необходимости поддержки нарождающейся английской опере.

Но в Англии в силу общественно-исторических особенностей развития, в отличие от Италии или Франции, в ту эпоху не было условий для становления и расцвета оперного жанра. Лишь единственный раз удалось композитору осуществить свою мечту, создав оперу «Дидона и Эней», свободную от традиций придворного и городского театра. Это был «школьный спектакль» для закрытого женского пансиона в Челси. Другого случая написать серьезную оперу Перселлу не представилось. В последующих произведениях («Король Артур», «Королева фей», «Буря» и др.) он был вынужден подчиняться господствующим вкусам и по существу создал лишь великолепные музыкальные интермедии к поверхностным и фривольным драматическим спектаклям — типичным образцам английского театра эпохи упадка.

 Слушать  Г. Пёрселл – Чакона соль минор – смотреть здесь

19  ноября

4 класс ФГТ Урок №10

С чего начинается музыка?

Народные танцы

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.108-111.

Прослушайте музыкальные произведения по данным ссылкам. Выполните задания в «Занимательных страничках»

• П. И. Чайковский  балет «Щелкунчик» Трепак  

Видео – смотреть здесь

• И. Ф. Стравинский балет «Весна священная» Пляска щеголих   - слушать здесь

• Русский танец «Камаринская»  Видео – смотреть здесь 

• Украинский танец  Гопак  - смотреть здесь

• Белорусский танец  «Бульба»   - смотреть здесь 
• А. Хачатурян балет «Гаянэ»   Лезгинка    

Видео - смотреть здесь 

• А. Дворжак «Славянский танец №8 соль минор»  (фуриант)   

Видео  - смотреть здесь 

• И. Брамс   Венгерский танец №5  (чардаш)  

Видео -  смотреть здесь

• Э. Григ Норвежский танец Ля мажор  (халлинг)

Видео  - смотреть здесь

20 ноября    3 ОРП

Урок №10          Й. Гайдн  Симфония №103 «С тремоло литавр»  

II, III, IV части

II часть

Слушать - здесь

III часть

Слушать - здесь

 IV часть

Слушать - здесь

20 ноября

6 ФГТ Урок №11       Ф. Шопен Фортепианное творчество

(прелюдии, этюды)  

Прочитайте материал учебника по данной теме стр. 216-220

По данным ссылкам прослушайте музыкальные произведения:

• Прелюдия ми минор (№ 4) - смотреть здесь 
• Прелюдия ля мажор (№ 7) – смотреть здесь
• Прелюдия до минор (№20) – смотреть здесь
• Этюд до минор (ор. 10, № 12) – смотреть здесь
• Этюд Ми мажор (ор. 10, № 3) – смотреть здесь

Выполните задания в тетради «Занимательные странички»

20 ноября

8 класс ФГТ        Урок №10

Характеристика творчества И. Ф. Стравинского

Уважаемые ученики, прочитайте материал учебника стр.70-80

Прослушайте произведения по данным ссылкам:

• Балет «Жар-птица» «Поганый пляс Кощеева царства» - смотреть здесь
• Балет «Петрушка» - смотреть здесь
• Балет «Весна священная» «Весенние гадания. Пляски щеголих»  - смотреть здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

25 ноября

5 класс ФГТ Урок №10          Классицизм

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника  стр.46-49

По данным ссылкам посмотрите видео об эпохе классицизма

• Шишкина школа «Классицизм»  видео – смотреть здесь

• Классицизм видео  - смотреть здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

26  ноября

4 класс ФГТ Урок №11

С чего начинается музыка?

Европейские танцы

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.108-118, по данным ссылкам прослушайте произведения, выполните задания в «Занимательных страничках»

• Ф. Шопен Полонез Ля мажор – смотреть здесь
• М. И. Глинка  Опера «Иван Сусанин»  Полонез – смотреть здесь
• Ф. Шопен  Мазурка Ми мажор соч.6 №3 – смотреть здесь
• М. И. Глинка  Опера «Иван Сусанин»  Краковяк – смотреть здесь
• П. И. Чайковский Цикл «Детский альбом»  Полька  - смотреть здесь
• Дж.  Россини «Неаполитанская тарантелла» - смотреть здесь
• Ж. Бизе Музыка к драме «Арлезианка»  Фарандола – смотреть здесь
• М. И. Глинка  Испанская увертюра «Арагонская хота» - смотреть здесь
• Равель  «Болеро» - смотреть здесь
• Ф. Шуберт  «Вальс» си минор  - смотреть здесь
• Ф. Шопен Вальс до-диез минор   - смотреть здесь 

27 ноября   3 класс ОРП

Урок №11                         Й. Гайдн  Клавирное творчество

        К жанру сонаты Гайдн обращался на протяжении всей жизни. Количество сонат – более 50.

        Новаторство:

• Гайдн обновил и обогатил  тематизм народными интонациями
• Гайдн выработал типовой аккомпанемент – всевозможные виды фигураций, основанные на движении по звукам аккордов
• Большое внимание Гайдн уделял штрихам, динамике, акцентам

Форма сонаты

• Сонатный цикл из 3-х частей: быстро – медленно – быстро.
• Во второй части  часто встречаются Менуэты.

Соната Ре мажор

Год создания сонаты – 1779.

Форма

Жанр

Жанровая основа 1 и 3 частей – народно-танцевальная

2 часть – сарабанда

Особенности сонаты

• Жизнерадостная музыка крайних частей контрастирует драматической второй части
• Вторая и третья части исполняются без перерыва
• В первой части отсутствует контраст между главной и побочной темами

По данным ссылкам прослушайте муз. произведение:

1 часть – смотреть здесь

2 часть – смотреть здесь

3 часть – смотреть здесь

27 ноября    6 класс ФГТ

Урок №12                     Фортепианное творчество Ф. Шопена

(Вальсы, ноктюрны)

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.212-216

Выполните задания в «Занимательных страничках»

• Вальс до-диез минор  - видео  - здесь
• Ноктюрн  фа минор –  видео  - здесь

27 ноября

8 класс ФГТ    Урок №11

Обзор русской музыкальной культуры ХХ века

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр. 82 – 87.

Выполните задания в «Занимательных страничках»

Прослушайте произведения по данным ссылкам

• «Песня о Каховке» из к/ф «Три товарища» - смотреть здесь
• «Песня о встречном» из к/ф «Встречный» (Д. Д. Шостакович - Б. П. Корнилов) – смотреть здесь
• «Сердце, тебе не хочется покоя» из к/ф «Весёлые ребята» -

смотреть здесь 

• «Летите, голуби»   (И. О. Дунаевский -М. Л. Матусовский)  -

 смотреть здесь

• «Песенка Паганеля» из к/ф «Дети капитана Гранта» -смотреть здесь
• «Марш весёлых ребят» из к/ф «Весёлые ребята» - смотреть здесь
•  «Песня о весёлом ветре»  - смотреть здесь 
•  «Тачанка» (К. Я. Листов - М. И. Рудерман) – смотреть здесь 
• «Если завтра война» (Дм. и Дан. Покрасс - В. И. Лебедев-Кумач) –

смотреть здесь

• «Песня о Родине» из к/ф «Цирк» - смотреть здесь

29 ноября

4 класс ОРП    Урок №8

Русская музыкальная культура 60-х годов 19 века

Вторая половина XIX века стала временем серьезных перемен в общественной жизни России, периодом небывалого расцвета и мирового признания русской национальной культуры. Переломными в этом процессе явились 60-е и 70-е годы. Тяжелое экономическое положение и поражение России в Крымской войне (1856) остро поставили вопрос о необходимости коренных изменений в устройстве государства.

Начало «эпохе великих реформ» положила отмена крепостного права (1861) при Александре II, вошедшем в русскую историю под именем «царя-освободителя». Реформы коснулись органов самоуправления и системы судопроизводства, введения всеобщей воинской повинности и народного образования, ослабления цензуры и развития печати. Они сопровождались мощным общественным подъемом, охватившим все слои населения. Особую роль в нем играла разночинная (недворянская) интеллигенция, которая объединяла учителей и ремесленников, врачей и агрономов, чиновников и выходцев из крестьян и духовенства, студентов и литераторов.

Важное значение в распространении демократических и революционных идей имела деятельность Герцена и его газеты «Колокол», а также сочинения Чернышевского и Добролюбова, которые вместе с Некрасовым сотрудничали в журнале «Современник». Позже традиции «Современника» Некрасов продолжил и развил в журнале «Отечественные записки».

Происходившие перемены оказали огромное влияние на развитие отечественной литературы, науки и искусства. Гордостью русской культуры стало творчество Тургенева, Гончарова, Салтыкова-Щедрина, Достоевского, Островского, Льва Толстого, а также работы выдающихся историков Соловьева, Костомарова, Ключевского. Стремительному прогрессу естественных наук способствовали труды биологов Мечникова и Тимирязева, химиков Зинина, Менделеева и Бутлерова, физика Столетова, физиолога Сеченова и других ученых.

В эти годы расцветает театральное искусство. Помимо государственных («казенных») театров в столице и провинции появляются многочисленные частные труппы; в их репертуар все чаще включается современная реалистическая драма. Глубокие психологические образы в спектаклях создают такие корифеи русской сцены, как Пров Садовский, Федотова, Ермолова, Савина, Варламов.

Обновляется и изобразительное искусство. В 1870 году группа художников организовала «Товарищество передвижных художественных выставок», которое начало устраивать выставки картин в различных городах России. В число «передвижников» вошли Крамской, Перов, Суриков, братья Васнецовы, Репин, Шишкин, Поленов, Саврасов, Ге, Васильев, Куинджи, Маковский, Ярошенко, а в 80-е годы к ним присоединились Левитан и В. Серов. В своих пейзажах, портретах, бытовых и исторических картинах художники стремились воплотить реальную жизнь во всей сложности ее социальных и нравственных проблем, раскрыть судьбу отдельного человека и всего народа. Начиная с середины 50-х годов их лучшие произведения приобретал московский купец П. М. Третьяков, задумавший составить коллекцию русской живописи. Его собрание стало основой первой русской национальной галереи, которую в 1892 году он передал в дар Москве.

Изменились и формы музыкально-концертной жизни. Увеличилось число людей, интересующихся серьезным искусством. Чтобы «сделать хорошую музыку доступной большим массам публики» (Д. В. Стасов), в Петербурге в 1859 году было основано Русское музыкальное общество (РМО), которое позднее стало именоваться Императорским (ИРМО). Инициатором его создания стал Антон Григорьевич Рубинштейн — великий русский пианист, композитор и дирижер. РМО не только устраивало симфонические и камерные концерты: оно способствовало созданию музыкальных учебных заведений (музыкальных классов) и проведению конкурсов среди русских композиторов на создание новых произведений. Вслед за Петербургом отделения РМО открываются в Москве и большинстве крупных городов России.

Для обучения и воспитания профессиональных музыкантов, потребность в которых резко увеличилась, в 1862 году в Петербурге музыкальные классы РМО были преобразованы в первую русскую консерваторию, директором которой стал А. Г. Рубинштейн. В 1866 году открывается Московская консерватория; ее возглавил брат А. Г. Рубинштейна Николай Григорьевич Рубинштейн — пианист и дирижер, много сделавший для развития музыкальной жизни Москвы.

В 1862 году в Петербурге одновременно с консерваторией была создана Бесплатная музыкальная школа (БМШ), которой руководили М. А. Балакирев и хоровой дирижер, композитор и преподаватель пения Г. Я. Ломакин. В отличие от профессиональных целей консерваторского образования главной задачей БМШ было распространение музыкальной культуры среди широкого круга людей. Рядовой любитель музыки мог получить в БМШ основы музыкальной теории, навыки пения в хоре и игры на оркестровых инструментах.

Большое значение в музыкально-просветительской работе БМШ имели ее симфонические концерты (с участием хора школы), причем значительную часть их репертуара составляли произведения русских композиторов.

Огромный вклад в популяризацию русской музыки и развитие национального исполнительского искусства внесли пианисты и дирижеры братья Рубинштейны, певцы Платонова, Лавровская, Мельников, Стравинский, скрипач Ауэр, виолончелист Давыдов, дирижер Направник и другие.

В 60—70-е годы свои лучшие произведения создают А. Н. Серов и А. Г. Рубинштейн. Тогда же в полной мере раскрывается талант представителей молодого поколения — Чайковского и целой группы петербургских композиторов, которые объединились вокруг Балакирева. Это творческое содружество, возникшее на рубеже 50—60-х годов, получило название «Новая русская музыкальная школа», или «Могучая кучка». Помимо Балакирева, возглавившего кружок, в него вошли Кюи, Мусоргский, Римский-Корсаков и Бородин. Их творческие взгляды сложились под влиянием демократических идей Белинского, Герцена, Добролюбова, Чернышевского. Музыканты считали себя продолжателями дела Глинки и Даргомыжского и свою цель видели в обновлении и развитии русской национальной музыки. Они считали, что художник в своем творчестве должен воспроизводить жизненную правду во всем ее многообразии, что искусство призвано выполнять просветительские и воспитательные задачи и быть, по выражению Чернышевского, «средством для беседы с людьми».

Творчество композиторов «Могучей кучки» было тесно связано с историей и бытом России, с музыкальным и поэтическим фольклором, с древними обычаями и обрядами. Важное значение для них имела народная крестьянская песня. Бережно собирая и изучая народные мелодии, они видели в них источник вдохновения и основу своего музыкального стиля.

Члены кружка, не имевшие профессионального музыкального образования, приобретали мастерство под руководством Балакирева. Ярко одаренный композитор, блестящий пианист-виртуоз, способный дирижер, Милий Алексеевич Балакирев (1836—1910) имел уже немалый творческий и исполнительский опыт и пользовался огромным авторитетом у молодых коллег.

Балакирев руководит Бесплатной музыкальной школой и ее постоянными концертами, продолжает сочинять симфоническую и камерную музыку (музыкальная картина «1000 лет», фортепианная фантазия «Исламей», романсы), делает обработки народных песен (сборник «40 русских народных песен» для голоса с фортепиано), является главным дирижером РМО.

В 70-е годы Балакирева начинают преследовать неудачи как в его музыкально-общественной деятельности, так и в личной жизни. Изменяются его отношения с членами «Могучей кучки», которые, став зрелыми композиторами, перестали нуждаться в его помощи и опеке. Борьба с жизненными невзгодами, утрата веры в свои силы, материальная нужда приводят Балакирева к длительному душевному и творческому кризису.

Вначале 80-х годов Балакирев возвращается к музыкальной деятельности — вновь возглавляет БМШ, становится директором Придворной певческой капеллы, создает новые произведения (симфоническая поэма «Тамара», позднее две симфонии, а также романсы и фортепианные сочинения). Но это был уже другой человек — замкнутый и утративший прежнюю энергию.

Рука об руку с Балакиревым и его молодыми единомышленниками новые пути в русском искусстве прокладывал музыкальный и художественный критик, историк искусства Владимир Васильевич Стасов (1824—1906). Человек энциклопедических знаний, знаток музыки, живописи, скульптуры, театра, литературы, народного искусства, он был им близким другом и помощником, вдохновителем и инициатором творческих замыслов. Стасов был участником всех музыкальных собраний балакиревского кружка, первым слушателем и критиком новых сочинений. В своих статьях он пропагандировал творчество крупнейших представителей отечественного искусства и всю свою долгую жизнь посвятил борьбе за самостоятельный национальный; путь его развития.

Одновременно со Стасовым русскую музыкальную критику в этот период представляют А. Серов, Ц. Кюи и Г. Ларош; со статьями и рецензиями выступают Чайковский, Бородин, Римский-Корсаков.

Русская музыка 60—70-х годов стала важным этапом в развитии национального искусства и открыла новые пути для дальнейшего развития отечественной и мировой музыкальной культуры.

В последние два десятилетия XIX века композиторы Бородин, Балакирев, Римский-Корсаков, Чайковский продолжат свой творческий путь и создадут в различных жанрах выдающиеся произведения.