Предмет "Музыкальная литература"

13 ноября    3 класс ОРП

Й. Гайдн Симфоническое творчество

Годы создания:

С конца 1750-х до середины 1790-х годов.

• Ранние симфонии мало чем отличались от сюиты и не выходили за рамки  развлекательно- бытовых жанров (поздние симфонии Гайдна были написаны, когда Моцартом были созданы уже все симфонии).
• Лондонские симфонии – 4-х частные, со вступлением, которое контрастирует с сонатным аллегро.
• Между главной и побочной партиями существует тональный, но не образный контраст.
• Вторые части звучат в умеренно-медленном темпе. Форма – сложная трехчастная или вариационная. Характер: задумчиво-лирический, сосредоточенный.
• Третьи части – менуэты. Форма – сложная трехчастная
• Финалы – сцены и образы народной жизни. Форма: сонатная или рондо-соната.

Оркестр

        Первоначально оркестр князя Эстергази насчитывал 12 музыкантов. В Лондонских симфониях участвуют уже около 40 исполнителей: струнный квинтет, по два деревянных духовых инструмента (такой состав называется парным), 2 трубы, 2 валторны, пара литавр.

Оркестр Гайдна:  струнный квинтет и парный состав духовых инструментов. В том числе гобои и кларнеты. Ведущая роль принадлежит струнному квинтету (виолончели и контрабасы играют одну и ту же басовую партию в октаву; партии выписываются на одной строке). Духовые инструменты исполняют не только гармонию (голоса аккордов), но и участвуют в изложении и развитии тематического материала на равных правах со струнными инструментами.

Лондонская симфония Ми – бемоль мажор №103

(с тремоло литавр)

Эта симфония написана во время второй поездки Гайдна в Лондон.

Год создания 1795.

Форма – четыре части

План симфонии:

Особенности строения.

        Тема вступления играет большую роль в развитии всей симфонии (в 1 части появляется в экспозиции, в репризе и коде)

Схема строения 1 части

Слушать 1 часть симфонии – видео -  здесь

Урок  №10              Ф. Шопен  «Фортепианное творчество»

Цель: Формирование идейно-эстетической позиции учащихся на примере романтических произведений Ф. Шопена.

Задачи:

• познакомить с особенностями мазурок и полонезов Ф. Шопена;
• характеризовать музыкально – художественные средства выразительности, основные приёмы развития драматургии и связать их с эстетико-романтическим направлением в искусстве;
• развивать внимание, образно - ассоциативного мышление учащихся; воспитывать интерес к творчеству Ф. Шопена, целостное отношение к музыке, а также эмоциональную чувствительность и эстетический вкус.

Конспект урока

1. Организационный момент
2. Целеполагание и мотивация

Из  биографии Ф. Шопена мы узнали, что творчество его  тесно связано с событиями его жизни: разлукой с горячо любимой родиной, мечтами о свободной стране.

Шопен одним из первых привнес в западно-европейскую музыку славянские интонационные и ладовые элементы. Блестяще раскрыл технические и выразительные возможности фортепиано – инструмента, для которого написаны почти все его сочинения.

3. Актуализация

- Для творчества Шопена характерны как классические, так и романтические черты.

- Будучи романтиком, композитор тяготел к классической завершенности и ясности выражения: мелодическая выразительность, романтический блеск виртуозности, красота и красочность звучания облекаются в стройные формы.

 - В произведениях Шопена чувство никогда не брало верх над разумом. Мировосприятие композитора проявляет себя в удивительной стройности общего замысла, в предельной отточенности, соразмерности деталей.

4. Первоначальное освоение нового материала

Мазурки.

- Любимый жанр Шопена. Композитор обращался к ним на протяжении всей жизни. Р. Шуман сказал о мазурках Шопена – «Пушки, прикрытые цветами».

Шопен называл мазурки «образки» («картинки»).

Мазурки для Шопена – своеобразные дневниковые записи. Условно мазурки можно разделить на три группы:

- Народные мазурки – подражание народным инструментам, использование ладов народной музыки. Вступления написаны в духе народных наигрышей – с пустыми грубоватыми унисонами (квинты, октавы). Гармония простая: чередование D7 и тоники, обилие органных пунктов.

Для создания таких мазурок Шопен использовал три вида народных танцев:

мазур (с «капризным» ритмом),

куявяк – более плавный, с акцентом на любой доле такта,

оберек – самый задорный, энергичный, с акцентом на второй доле третьего такта.

- Бальные мазурки – торжественные величавые. Использование характерных средств выразительности: фанфары, хоральность фактуры, маршевость.

- Лирические мазурки – более медленный темп, сложный лад, декламационность. Некоторые из них представляют собой лирические поэмы. В этих мазурках Шопена певучесть, распевность сочетается с танцевальностью.

- Форма мазурок трехчастная (ABA).

Мазурка До мажор ор. 56 №2

- Народная мазурка, картина деревенского праздника. Поляки называют ее «мазуркой мазурок».

-. С первых тактов в басу гудит тоническая квинта. На ее фоне звучит  веселая  мелодия, подвижная с четким острым ритмом. Как будто ее наигрывают скрипки на фоне звучания волынки и контрабаса. Так ф-но подражает звучанию трех инструментов, которые обычно составляют в польской музыке деревенский оркестр.

Как свойственно танцевальной музыке, форма  состоит из нескольких «коленец»:

1 – общая пляска

2 – (мелодия звучит в низком регистре) – мужская пляска

3 – с начала - перекличка нежных «женских» и мужественных «мужских» фраз; затем возникает «мельница» - шутливая суматоха – нижний голос догоняет верхний, имитируя его в октаву.  Этот эпизод окрашен лидийским ладом (мажорный лад с повышенной 4-й ступенью).

4 – заканчивается все общей пляской под вариант  первого «коленца»

Мазурка Си-бемоль мажор ор.7 №1

- Относится к группе блестящих бальных танцев.

- Форма рондо, построена на контрастных темах.

- Ее отличают черты, свойственные бальным мазуркам: резкие скачки в мелодии, острый ритм.

Из 2-х эпизодов очень колоритен второй  с выделяющимся ходом на ув.2 в мелодии, звучащих на фоне гудящих квинт. Можно представить, что на балу появился кто-то в необычном красочном наряде.

Мазурка ля минор ор 68.№2

- Связана с образами Родины. Мазурка звучит в необычном медленном темпе ленто. Написана в 3-х частной форме.

Характер крайних - грустный, задумчивый, нежный. Середина - задорный деревенский танец в Ля мажоре.

Полонез Ля мажор

Предок полонеза — степенный польский народный танец-шествие. Попав в шляхетскую — польскую дворянскую — среду, а также в другие европейские страны, этот танец получил название «полонез», произведенное от французского слова «ро-1опа» — «польский».

Сделавшись бальным, танец сильно видоизменился. Его музыка из четырехдольной сделалась трехдольной с типичной ритмической фигурой.

 С начала бальные полонезы танцевали только мужчины, придавая им воинственный рыцарский характер. Потом к танцорам стали присоединяться женщины. Было принято, чтобы бал открывал полонезом сам хозяин дома в паре с наиболее знатной гостьей.

В конце XVIII — начале XIX века много полонезов создали польские композиторы — предшественники Шопена. Это, например, Михал Клеофас Огиньский, один из полонезов которого до сих пор пользуется выдающейся популярностью.

Сочиняли полонезы также В. Живный и Ю. Эльснер — учители Шопена.

А его собственные полонезы явились непревзойденной вершиной в развитии этого жанра. Они вдохновлены романтическими помыслами об исторических судьбах Польши.

Таков и получивший большую известность Полонез ля мажор. По своему характеру он и горделивый, пышно-торжественный, и воинственно-героический, маршеобразный. Преимущественно аккордовая фактура обладает здесь оркестровой мощью.

В среднем разделе пьесы появляется фанфарная тема, подобная призывному военному сигналу. В ряде переложений этого Полонеза для различных составов оркестра она поручается трубе:

Этот полонез - символ Польши.

- Горделивый, торжественный, воинственно-героический, маршеобразный, несмотря на трехдольность.

- Отличается мощной оркестровой звучностью, рыцарской героикой, духовным величием и блеском. На всем протяжении произведения сохраняется светлая мажорная краска (даже отклонения совершаются исключительно в мажорные тональности).

- Основная тема имеет величественный, ликующе-победный характер.

5. Первичное закрепление нового материала

- Использовал ли Шопен законы классицизма в своих произведениях? В чем это проявлялось?

- О каких произведениях мы говорили сегодня на уроке?

- Какие виды мазурок использовал Шопен?

- Простучите ритмическую фигуру  полонеза

6. Информация о домашнем задании
7. Рефлексия

13 ноября

8 класс ФГТ   Урок №9

И. Ф. Стравинский

Творческий облик композитора

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр. 70-81

Фильм о композиторе – смотреть здесь

«Игорь Стравинский – композитор» - смотреть здесь

Выполните задания «Занимательные странички»  

18 ноября

5 класс ФГТ Урок №9

Современники И. С. Баха «Композиторы эпохи барокко»

Антонио Вивальди - выдающийся итальянский композитор, дирижер и педагог; скрипач-виртуоз, а также католический священник; создатель жанра инструментального концерта. Родился в Венеции 4 марта 1678 года в семье скрипача капеллы Святого Марка. С детства уроки музыки давал будущему музыканту как раз отец. Позже он брал уроки у Дж. Легренци. В возрасте 15 лет он был принят в монахи, а еще через десять лет посвящен в духовный сан. Отец привлек Антонио к работе в своей капелле, которую тот позже возглавил. В церкви будущий композитор прослужил недолго, так как его манила музыка.

У четы Вивальди было шестеро детей, старшим из которых был Антонио. В детстве он увлекался игрой на клавесине и скрипке. Ссылаясь на плохое самочувствие, он часто оставался дома и репетировал. С 1703 года он работал учителем музыки по классу скрипки в Венецианском доме сирот. Через несколько лет, однако, его уволили из-за повальных сокращений, а в 1711 году вновь восстановили. В 1716 году он был назначен концертмейстером оркестра «Пьета». Между тем, каждый год он успевал писать по одной опере и общественная слава о нем росла.

К его работам относились оперы «Оттон», «Нерон» и др. Но самыми продуктивными в жизни преуспевающего композитора стали 1720-е годы, когда он издал цикл под названием «Искус гармонии и инвенции», по другим источникам «Опыт гармонии и изобретения». В него вошли знаменитые «Времена года». Несмотря на то, что композитор создавал каждый опус («Весна», «Лето», «Осень», Зима») по отдельности, в современной аранжировке их играют как один концерт. Вивальди был недоволен своими гонорарами, поэтому после этого он перестал издавать новые опусы.

К концу 1735 года он вернулся к былой должности концертмейстера, а через три года его уволили из оркестра за частые путешествия. После его отстранения оперные постановки перестали пользоваться успехом. В 1740 году композитор уехал навсегда из Венеции и поселился в Вене. Через год, покинутый и забытый всеми, он умер. Его нищенски похоронили и долгое время не вспоминали даже имени. Несмотря на это, творческое наследие музыканта составляло более 19 опер и 700 других опусов. Главным в его творчестве оставался жанр инструментального концерта.

Слушать : А. Вивальди – Концерт «Весна» 1 часть – смотреть здесь

Гендель Георг Фридрих (1685 – 1759)

Родился Гендель в Галле (Германия). Его отец был придворным лекарем-цирюльником. Он мечтал дать сыну образование юриста, а на музыкальные способности мальчика особенного внимания не обращал. Но одаренность Георга заметил курфюст Галле – герцог Саксонский и настоял, чтобы отец все же отдал сына в руки лучшего музыканта города Ф. Цахова, который в течение нескольких лет прививал Генделю музыкальный вкус, знакомил с разными музыкальными стилями, отрабатывал композиторскую технику. Он видел в нем большой потенциал. И ученик его не подвел. В одиннадцать лет он уже стал известен в стране как музыкант и композитор. Но ему еще предстояло выполнить волю покойного отца – стать юристом. Юноша поступает в Галльский университет (1702) и изучает право. Но одновременно служит органистом в храме, сочиняет музыку, преподает пение. Его влечет опера, и он едет в Гамбург, в котором есть оперный театр, соперничающий с французскими и итальянскими театрами, поступает в оркестр, где играет на нескольких музыкальных инструментах. Здесь он в своей стихии. Директор театра – Р. Кайзер – оперный композитор, И. Маттезон – певец, композитор и литератор – замечают талантливого юношу, сотрудничают с ним, помогают и оказывают большое влияние на формирование будущего великого композитора. Первые оперы «Альмира» и «Нерон» были, конечно, поставлены в Гамбурге (1705).

Окрыленный успехом он едет в Италию (театр Кайзера закрылся из-за банкротства), где посещает театры Флоренции, Неаполя, Венеции, учится, впитывая в себя впечатления от итальянского оперного искусства. Через несколько месяцев он уже настолько изучил эту новую для себя стилистику, что пишет оперу «Родриго» (1707) и ее ставит Флорентийский театр. Спустя два года в Венеции успешно стартует его вторая итальянская опера «Агриппина». Взыскательные итальянцы восторженно принимают оперы композитора. Так он становится знаменитым. Его принимают в Аркадскую академию, где он на равных с такими корифеями как А. Корелли, Б. Марчелло, А. Скарлатти, итальянские аристократы наперебой делают музыканту заказы для своих домашних театров. В 1710-ом маэстро приглашают в Англию, где он получает английское гражданство и живет до конца своих дней. Здесь начинается настоящий расцвет его таланта и славы. Творчество гения поднимает английскую музыку на необыкновенную мировую высоту.

В 1720-ом немецкий композитор становится руководителем Академии итальянской оперы и Лондонского оперного театра, где ставятся его новые шедевры в итальянском стиле: «Радамист» (1720), «Оттон» (1723), «Юлий Цезарь» (1724), «Тамерлан» (1724), «Роделина» (1725), «Адмет» (1726). Благородство образов, напряженный трагизм кульминаций, психологизм характеров – все превосходило известную доселе стилистику итальянской оперы.

Слушать  Г. Гендель – Пассакалия из сюиты до минор – смотреть здесь

Жан Батист Люлли (1632-1687) — выдающийся французский композитор, дирижер, певец и танцор.  

Жан-Батьист Люлли обрел известность как композитор и дирижер благодаря своим оперным произведениям. Он был дворянским дворянином и получил образование в Париже, где он изучал музыку и танцы. Люлли прославился своими балетными музыками, которые стали популярными во Франции в то время. Он быстро заработал славу благодаря своим уникальным композиционным методикам и инновационным идеям в музыкальном искусстве.

Одним из ключевых достижений Люлли является создание жанра французской оперы. Он разработал свои собственные правила композиции, сценической постановки и музыкального стиля, которые отличались от привычных итальянской оперы. Люлли также сотрудничал со знаменитыми писателями и поэтами своего времени, такими как Филипп Кинель и Мольер, и тесно работал с королем Людовиком XIV.

Великие творческие достижения Люлли включают в себя такие оперные произведения, как «Атисс», «Изис», «Принцесса Эльидора» и «Беллиног море». Кроме того, он составил множество танцевальных музыкальных композиций, таких как «Триумф Любви» и «Классический балет». Люлли также был автором множества кантат и ораторий, которые широко известны и исполняются по сей день.

Богатое и разнообразное наследие Люлли композитора продолжает вдохновлять и восхищать музыкантов и слушателей по всему миру. Его вклад в развитие оперного искусства и французской музыки невозможно переоценить, и его музыка остается великолепным примером элегантности, красоты и гениальности.

 Слушать  Ж. Люлли  - Аллеманда  - смотреть здесь

Генри Перселл родился в 1659 году, в Лондоне, в семье придворного композитора, певца и лютниста. Рано обнаружил музыкальные способности, в десять лет (по другим источникам — в шесть или семь) начал петь в детском хоре Королевской капеллы, которым руководил энергичный музыкант, капитан Кук, обучался пению, игре на органе и клавесине, композиции под руководством видного композитора П. Хемфри. В четырнадцать лет Перселл был зачислен на должность помощника хранителя королевских инструментов, а год спустя стал настройщиком органа в Вестминстерском аббатстве; с 1677 года он — придворный композитор, а еще через пять лет — и органист Королевской капеллы. На этой службе он и пробыл до самой смерти. Будучи придворным музыкантом, Перселл, с одной стороны, писал произведения для придворных празднеств и торжественных событий — оды, приветственные песни, королевские кантаты. Большей частью это были малозначительные сочинения.

С другой стороны, в предисловии к первому опубликованному сборнику трио-сонат, посвященных Карлу II, композитор подчеркивал свое стремление приобщить англичан к серьезному искусству. Не случайно эти сонаты он распространял по подписке через лондонские газеты, обращаясь непосредственно к широкой публике. Для той же аудитории по заказу частных лиц он писал музыку к городским праздникам и народным гуляньям. Многое песни Перселла рождались во время пирушек, в клубах и тавернах, где он был завсегдатаем (одну лондонскую таверну даже украшал его портрет). Некоторые песни еще при жизни композитора стали народными, а в следующем столетии цитировались как фольклорные образцы. Вышедший три года спустя после смерти композитора сборник песен под названием «Британский Орфей» был необычайно популярным среди англичан.

Обращаясь ко всем жанрам современной музыки, Перселл за пятнадцать лет творческого пути создал свыше ста духовных сочинений. Среди них особую ценность представляют шестьдесят антем-гимнов на поэтические библейские тексты для хора (нередко с концертирующими соло и ансамблями, в сопровождении оркестра), трактованных в светском, концертном и даже театральном духе. Наивысшим достижением ГОрселла явились произведения для театра (более пятидесяти), в которых раскрылся его талант драматурга; нередко он принимал непосредственное участие в постановках, а иногда и сам выступал как актер и певец-бас. Однако именно в театральных жанрах положение композитора оказалось наиболее трагическим. За три года до смерти в предисловии к «Королеве фей» он писал о необходимости поддержки нарождающейся английской опере.

Но в Англии в силу общественно-исторических особенностей развития, в отличие от Италии или Франции, в ту эпоху не было условий для становления и расцвета оперного жанра. Лишь единственный раз удалось композитору осуществить свою мечту, создав оперу «Дидона и Эней», свободную от традиций придворного и городского театра. Это был «школьный спектакль» для закрытого женского пансиона в Челси. Другого случая написать серьезную оперу Перселлу не представилось. В последующих произведениях («Король Артур», «Королева фей», «Буря» и др.) он был вынужден подчиняться господствующим вкусам и по существу создал лишь великолепные музыкальные интермедии к поверхностным и фривольным драматическим спектаклям — типичным образцам английского театра эпохи упадка.

 Слушать  Г. Пёрселл – Чакона соль минор – смотреть здесь

19  ноября

4 класс ФГТ Урок №10

С чего начинается музыка?

Народные танцы

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.108-111.

Прослушайте музыкальные произведения по данным ссылкам. Выполните задания в «Занимательных страничках»

• П. И. Чайковский  балет «Щелкунчик» Трепак  

Видео – смотреть здесь

• И. Ф. Стравинский балет «Весна священная» Пляска щеголих   - слушать здесь

• Русский танец «Камаринская»  Видео – смотреть здесь 

• Украинский танец  Гопак  - смотреть здесь

• Белорусский танец  «Бульба»   - смотреть здесь 
• А. Хачатурян балет «Гаянэ»   Лезгинка    

Видео - смотреть здесь 

• А. Дворжак «Славянский танец №8 соль минор»  (фуриант)   

Видео  - смотреть здесь 

• И. Брамс   Венгерский танец №5  (чардаш)  

Видео -  смотреть здесь

• Э. Григ Норвежский танец Ля мажор  (халлинг)

Видео  - смотреть здесь

20 ноября    3 ОРП

Урок №10          Й. Гайдн  Симфония №103 «С тремоло литавр»  

II, III, IV части

II часть

Слушать - здесь

III часть

Слушать - здесь

 IV часть

Слушать - здесь

20 ноября

6 ФГТ Урок №11       Ф. Шопен Фортепианное творчество

(прелюдии, этюды)  

Прочитайте материал учебника по данной теме стр. 216-220

По данным ссылкам прослушайте музыкальные произведения:

• Прелюдия ми минор (№ 4) - смотреть здесь 
• Прелюдия ля мажор (№ 7) – смотреть здесь
• Прелюдия до минор (№20) – смотреть здесь
• Этюд до минор (ор. 10, № 12) – смотреть здесь
• Этюд Ми мажор (ор. 10, № 3) – смотреть здесь

Выполните задания в тетради «Занимательные странички»

20 ноября

8 класс ФГТ        Урок №10

Характеристика творчества И. Ф. Стравинского

Уважаемые ученики, прочитайте материал учебника стр.70-80

Прослушайте произведения по данным ссылкам:

• Балет «Жар-птица» «Поганый пляс Кощеева царства» - смотреть здесь
• Балет «Петрушка» - смотреть здесь
• Балет «Весна священная» «Весенние гадания. Пляски щеголих»  - смотреть здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

25 ноября

5 класс ФГТ Урок №10          Классицизм

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника  стр.46-49

По данным ссылкам посмотрите видео об эпохе классицизма

• Шишкина школа «Классицизм»  видео – смотреть здесь

• Классицизм видео  - смотреть здесь

Выполните задания в «Занимательных страничках»

26  ноября

4 класс ФГТ Урок №11

С чего начинается музыка?

Европейские танцы

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.108-118, по данным ссылкам прослушайте произведения, выполните задания в «Занимательных страничках»

• Ф. Шопен Полонез Ля мажор – смотреть здесь
• М. И. Глинка  Опера «Иван Сусанин»  Полонез – смотреть здесь
• Ф. Шопен  Мазурка Ми мажор соч.6 №3 – смотреть здесь
• М. И. Глинка  Опера «Иван Сусанин»  Краковяк – смотреть здесь
• П. И. Чайковский Цикл «Детский альбом»  Полька  - смотреть здесь
• Дж.  Россини «Неаполитанская тарантелла» - смотреть здесь
• Ж. Бизе Музыка к драме «Арлезианка»  Фарандола – смотреть здесь
• М. И. Глинка  Испанская увертюра «Арагонская хота» - смотреть здесь
• Равель  «Болеро» - смотреть здесь
• Ф. Шуберт  «Вальс» си минор  - смотреть здесь
• Ф. Шопен Вальс до-диез минор   - смотреть здесь 

27 ноября   3 класс ОРП

Урок №11                         Й. Гайдн  Клавирное творчество

        К жанру сонаты Гайдн обращался на протяжении всей жизни. Количество сонат – более 50.

        Новаторство:

• Гайдн обновил и обогатил  тематизм народными интонациями
• Гайдн выработал типовой аккомпанемент – всевозможные виды фигураций, основанные на движении по звукам аккордов
• Большое внимание Гайдн уделял штрихам, динамике, акцентам

Форма сонаты

• Сонатный цикл из 3-х частей: быстро – медленно – быстро.
• Во второй части  часто встречаются Менуэты.

Соната Ре мажор

Год создания сонаты – 1779.

Форма

Жанр

Жанровая основа 1 и 3 частей – народно-танцевальная

2 часть – сарабанда

Особенности сонаты

• Жизнерадостная музыка крайних частей контрастирует драматической второй части
• Вторая и третья части исполняются без перерыва
• В первой части отсутствует контраст между главной и побочной темами

По данным ссылкам прослушайте муз. произведение:

1 часть – смотреть здесь

2 часть – смотреть здесь

3 часть – смотреть здесь

27 ноября    6 класс ФГТ

Урок №12                     Фортепианное творчество Ф. Шопена

(Вальсы, ноктюрны)

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.212-216

Выполните задания в «Занимательных страничках»

• Вальс до-диез минор  - видео  - здесь
• Ноктюрн  фа минор –  видео  - здесь

27 ноября

8 класс ФГТ    Урок №11

Обзор русской музыкальной культуры ХХ века

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр. 82 – 87.

Выполните задания в «Занимательных страничках»

Прослушайте произведения по данным ссылкам

• «Песня о Каховке» из к/ф «Три товарища» - смотреть здесь
• «Песня о встречном» из к/ф «Встречный» (Д. Д. Шостакович - Б. П. Корнилов) – смотреть здесь
• «Сердце, тебе не хочется покоя» из к/ф «Весёлые ребята» -

смотреть здесь 

• «Летите, голуби»   (И. О. Дунаевский -М. Л. Матусовский)  -

 смотреть здесь

• «Песенка Паганеля» из к/ф «Дети капитана Гранта» -смотреть здесь
• «Марш весёлых ребят» из к/ф «Весёлые ребята» - смотреть здесь
•  «Песня о весёлом ветре»  - смотреть здесь 
•  «Тачанка» (К. Я. Листов - М. И. Рудерман) – смотреть здесь 
• «Если завтра война» (Дм. и Дан. Покрасс - В. И. Лебедев-Кумач) –

смотреть здесь

• «Песня о Родине» из к/ф «Цирк» - смотреть здесь

29 ноября

4 класс ОРП    Урок №8

Русская музыкальная культура 60-х годов 19 века

Вторая половина XIX века стала временем серьезных перемен в общественной жизни России, периодом небывалого расцвета и мирового признания русской национальной культуры. Переломными в этом процессе явились 60-е и 70-е годы. Тяжелое экономическое положение и поражение России в Крымской войне (1856) остро поставили вопрос о необходимости коренных изменений в устройстве государства.

Начало «эпохе великих реформ» положила отмена крепостного права (1861) при Александре II, вошедшем в русскую историю под именем «царя-освободителя». Реформы коснулись органов самоуправления и системы судопроизводства, введения всеобщей воинской повинности и народного образования, ослабления цензуры и развития печати. Они сопровождались мощным общественным подъемом, охватившим все слои населения. Особую роль в нем играла разночинная (недворянская) интеллигенция, которая объединяла учителей и ремесленников, врачей и агрономов, чиновников и выходцев из крестьян и духовенства, студентов и литераторов.

Важное значение в распространении демократических и революционных идей имела деятельность Герцена и его газеты «Колокол», а также сочинения Чернышевского и Добролюбова, которые вместе с Некрасовым сотрудничали в журнале «Современник». Позже традиции «Современника» Некрасов продолжил и развил в журнале «Отечественные записки».

Происходившие перемены оказали огромное влияние на развитие отечественной литературы, науки и искусства. Гордостью русской культуры стало творчество Тургенева, Гончарова, Салтыкова-Щедрина, Достоевского, Островского, Льва Толстого, а также работы выдающихся историков Соловьева, Костомарова, Ключевского. Стремительному прогрессу естественных наук способствовали труды биологов Мечникова и Тимирязева, химиков Зинина, Менделеева и Бутлерова, физика Столетова, физиолога Сеченова и других ученых.

В эти годы расцветает театральное искусство. Помимо государственных («казенных») театров в столице и провинции появляются многочисленные частные труппы; в их репертуар все чаще включается современная реалистическая драма. Глубокие психологические образы в спектаклях создают такие корифеи русской сцены, как Пров Садовский, Федотова, Ермолова, Савина, Варламов.

Обновляется и изобразительное искусство. В 1870 году группа художников организовала «Товарищество передвижных художественных выставок», которое начало устраивать выставки картин в различных городах России. В число «передвижников» вошли Крамской, Перов, Суриков, братья Васнецовы, Репин, Шишкин, Поленов, Саврасов, Ге, Васильев, Куинджи, Маковский, Ярошенко, а в 80-е годы к ним присоединились Левитан и В. Серов. В своих пейзажах, портретах, бытовых и исторических картинах художники стремились воплотить реальную жизнь во всей сложности ее социальных и нравственных проблем, раскрыть судьбу отдельного человека и всего народа. Начиная с середины 50-х годов их лучшие произведения приобретал московский купец П. М. Третьяков, задумавший составить коллекцию русской живописи. Его собрание стало основой первой русской национальной галереи, которую в 1892 году он передал в дар Москве.

Изменились и формы музыкально-концертной жизни. Увеличилось число людей, интересующихся серьезным искусством. Чтобы «сделать хорошую музыку доступной большим массам публики» (Д. В. Стасов), в Петербурге в 1859 году было основано Русское музыкальное общество (РМО), которое позднее стало именоваться Императорским (ИРМО). Инициатором его создания стал Антон Григорьевич Рубинштейн — великий русский пианист, композитор и дирижер. РМО не только устраивало симфонические и камерные концерты: оно способствовало созданию музыкальных учебных заведений (музыкальных классов) и проведению конкурсов среди русских композиторов на создание новых произведений. Вслед за Петербургом отделения РМО открываются в Москве и большинстве крупных городов России.

Для обучения и воспитания профессиональных музыкантов, потребность в которых резко увеличилась, в 1862 году в Петербурге музыкальные классы РМО были преобразованы в первую русскую консерваторию, директором которой стал А. Г. Рубинштейн. В 1866 году открывается Московская консерватория; ее возглавил брат А. Г. Рубинштейна Николай Григорьевич Рубинштейн — пианист и дирижер, много сделавший для развития музыкальной жизни Москвы.

В 1862 году в Петербурге одновременно с консерваторией была создана Бесплатная музыкальная школа (БМШ), которой руководили М. А. Балакирев и хоровой дирижер, композитор и преподаватель пения Г. Я. Ломакин. В отличие от профессиональных целей консерваторского образования главной задачей БМШ было распространение музыкальной культуры среди широкого круга людей. Рядовой любитель музыки мог получить в БМШ основы музыкальной теории, навыки пения в хоре и игры на оркестровых инструментах.

Большое значение в музыкально-просветительской работе БМШ имели ее симфонические концерты (с участием хора школы), причем значительную часть их репертуара составляли произведения русских композиторов.

Огромный вклад в популяризацию русской музыки и развитие национального исполнительского искусства внесли пианисты и дирижеры братья Рубинштейны, певцы Платонова, Лавровская, Мельников, Стравинский, скрипач Ауэр, виолончелист Давыдов, дирижер Направник и другие.

В 60—70-е годы свои лучшие произведения создают А. Н. Серов и А. Г. Рубинштейн. Тогда же в полной мере раскрывается талант представителей молодого поколения — Чайковского и целой группы петербургских композиторов, которые объединились вокруг Балакирева. Это творческое содружество, возникшее на рубеже 50—60-х годов, получило название «Новая русская музыкальная школа», или «Могучая кучка». Помимо Балакирева, возглавившего кружок, в него вошли Кюи, Мусоргский, Римский-Корсаков и Бородин. Их творческие взгляды сложились под влиянием демократических идей Белинского, Герцена, Добролюбова, Чернышевского. Музыканты считали себя продолжателями дела Глинки и Даргомыжского и свою цель видели в обновлении и развитии русской национальной музыки. Они считали, что художник в своем творчестве должен воспроизводить жизненную правду во всем ее многообразии, что искусство призвано выполнять просветительские и воспитательные задачи и быть, по выражению Чернышевского, «средством для беседы с людьми».

Творчество композиторов «Могучей кучки» было тесно связано с историей и бытом России, с музыкальным и поэтическим фольклором, с древними обычаями и обрядами. Важное значение для них имела народная крестьянская песня. Бережно собирая и изучая народные мелодии, они видели в них источник вдохновения и основу своего музыкального стиля.

Члены кружка, не имевшие профессионального музыкального образования, приобретали мастерство под руководством Балакирева. Ярко одаренный композитор, блестящий пианист-виртуоз, способный дирижер, Милий Алексеевич Балакирев (1836—1910) имел уже немалый творческий и исполнительский опыт и пользовался огромным авторитетом у молодых коллег.

Балакирев руководит Бесплатной музыкальной школой и ее постоянными концертами, продолжает сочинять симфоническую и камерную музыку (музыкальная картина «1000 лет», фортепианная фантазия «Исламей», романсы), делает обработки народных песен (сборник «40 русских народных песен» для голоса с фортепиано), является главным дирижером РМО.

В 70-е годы Балакирева начинают преследовать неудачи как в его музыкально-общественной деятельности, так и в личной жизни. Изменяются его отношения с членами «Могучей кучки», которые, став зрелыми композиторами, перестали нуждаться в его помощи и опеке. Борьба с жизненными невзгодами, утрата веры в свои силы, материальная нужда приводят Балакирева к длительному душевному и творческому кризису.

Вначале 80-х годов Балакирев возвращается к музыкальной деятельности — вновь возглавляет БМШ, становится директором Придворной певческой капеллы, создает новые произведения (симфоническая поэма «Тамара», позднее две симфонии, а также романсы и фортепианные сочинения). Но это был уже другой человек — замкнутый и утративший прежнюю энергию.

Рука об руку с Балакиревым и его молодыми единомышленниками новые пути в русском искусстве прокладывал музыкальный и художественный критик, историк искусства Владимир Васильевич Стасов (1824—1906). Человек энциклопедических знаний, знаток музыки, живописи, скульптуры, театра, литературы, народного искусства, он был им близким другом и помощником, вдохновителем и инициатором творческих замыслов. Стасов был участником всех музыкальных собраний балакиревского кружка, первым слушателем и критиком новых сочинений. В своих статьях он пропагандировал творчество крупнейших представителей отечественного искусства и всю свою долгую жизнь посвятил борьбе за самостоятельный национальный; путь его развития.

Одновременно со Стасовым русскую музыкальную критику в этот период представляют А. Серов, Ц. Кюи и Г. Ларош; со статьями и рецензиями выступают Чайковский, Бородин, Римский-Корсаков.

Русская музыка 60—70-х годов стала важным этапом в развитии национального искусства и открыла новые пути для дальнейшего развития отечественной и мировой музыкальной культуры.

В последние два десятилетия XIX века композиторы Бородин, Балакирев, Римский-Корсаков, Чайковский продолжат свой творческий путь и создадут в различных жанрах выдающиеся произведения.

2 декабря

5 класс ФГТ    Урок №11          Венская классическая школа

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.46-49, выполните задания в «Занимательных страничках»

Прослушайте фрагменты произведений по данным ссылкам

• Й. Гайдн Симфония  «Детская»  - смотреть здесь
• Й. Гайдн Соната Соль мажор (1 часть) – смотреть здесь

3 декабря

4 класс ФГТ  Урок  №12

Уважаемые ученики! Прослушайте  музыку по данным ссылкам, выполните задания в «Занимательных страничках»

«С чего начинается музыка?»  «Песня»

• Р. Паулс  «Колыбельная»  - смотреть здесь
• Русская народная песня «Во поле береза стояла»   - смотреть здесь
• Русская народная песня «Ай, во поле липенька»  - слушать здесь
• Сл. А.Пушкина «Узник» - слушать здесь
• Сл. Кржижановского «Варшавянка» - смотреть здесь
• Революционная песня «Смело мы в бой пойдем»  - смотреть здесь
• Муз. Белого сл. Шведова  «Орленок»  - смотреть  здесь
• Муз. И.Дунаевского, сл. Лебедева-Кумача  «Песня о Родине» - смотреть здесь
• Муз. А.Александрова, сл. Лебедева-Кумача  «Священная война»   - смотреть здесь
• Муз. Новикова, сл. Л.Ошанина  «Гимн демократической молодежи мира» - смотреть здесь 
• Муз.В.Шаинского «Вместе весело шагать»  - смотреть здесь

3 декабря

7 класс ФГТ    Урок №10    

М. П. Мусоргский

Творческий облик композитора

Уважаемые ученики! Прочитайте в учебнике биография М. П. Мусоргского стр. 176 - 186

Выполните задания в тетради «Занимательные странички»

Посмотрите фильм о композиторе - здесь

Перепишите данную таблицу в тетрадь

4 декабря

8 класс ФГТ   Урок №12

С. С. Прокофьев. Творческий облик композитора

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.94-104; выполните задания в «Занимательных страничках»

По данным ссылкам просмотрите видео о С. С. Прокофьеве

• «Гении» - смотреть здесь
• Документальный фильм «  Прокофьев наш» - смотреть здесь 

9 декабря

2 класс ФГТ  (5) Урок №9

Современники И. С. Баха «Композиторы эпохи барокко»

Антонио Вивальди - выдающийся итальянский композитор, дирижер и педагог; скрипач-виртуоз, а также католический священник; создатель жанра инструментального концерта. Родился в Венеции 4 марта 1678 года в семье скрипача капеллы Святого Марка. С детства уроки музыки давал будущему музыканту как раз отец. Позже он брал уроки у Дж. Легренци. В возрасте 15 лет он был принят в монахи, а еще через десять лет посвящен в духовный сан. Отец привлек Антонио к работе в своей капелле, которую тот позже возглавил. В церкви будущий композитор прослужил недолго, так как его манила музыка.

У четы Вивальди было шестеро детей, старшим из которых был Антонио. В детстве он увлекался игрой на клавесине и скрипке. Ссылаясь на плохое самочувствие, он часто оставался дома и репетировал. С 1703 года он работал учителем музыки по классу скрипки в Венецианском доме сирот. Через несколько лет, однако, его уволили из-за повальных сокращений, а в 1711 году вновь восстановили. В 1716 году он был назначен концертмейстером оркестра «Пьета». Между тем, каждый год он успевал писать по одной опере и общественная слава о нем росла.

К его работам относились оперы «Оттон», «Нерон» и др. Но самыми продуктивными в жизни преуспевающего композитора стали 1720-е годы, когда он издал цикл под названием «Искус гармонии и инвенции», по другим источникам «Опыт гармонии и изобретения». В него вошли знаменитые «Времена года». Несмотря на то, что композитор создавал каждый опус («Весна», «Лето», «Осень», Зима») по отдельности, в современной аранжировке их играют как один концерт. Вивальди был недоволен своими гонорарами, поэтому после этого он перестал издавать новые опусы.

К концу 1735 года он вернулся к былой должности концертмейстера, а через три года его уволили из оркестра за частые путешествия. После его отстранения оперные постановки перестали пользоваться успехом. В 1740 году композитор уехал навсегда из Венеции и поселился в Вене. Через год, покинутый и забытый всеми, он умер. Его нищенски похоронили и долгое время не вспоминали даже имени. Несмотря на это, творческое наследие музыканта составляло более 19 опер и 700 других опусов. Главным в его творчестве оставался жанр инструментального концерта.

Слушать : А. Вивальди – Концерт «Весна» 1 часть – смотреть здесь

Гендель Георг Фридрих (1685 – 1759)

Родился Гендель в Галле (Германия). Его отец был придворным лекарем-цирюльником. Он мечтал дать сыну образование юриста, а на музыкальные способности мальчика особенного внимания не обращал. Но одаренность Георга заметил курфюст Галле – герцог Саксонский и настоял, чтобы отец все же отдал сына в руки лучшего музыканта города Ф. Цахова, который в течение нескольких лет прививал Генделю музыкальный вкус, знакомил с разными музыкальными стилями, отрабатывал композиторскую технику. Он видел в нем большой потенциал. И ученик его не подвел. В одиннадцать лет он уже стал известен в стране как музыкант и композитор. Но ему еще предстояло выполнить волю покойного отца – стать юристом. Юноша поступает в Галльский университет (1702) и изучает право. Но одновременно служит органистом в храме, сочиняет музыку, преподает пение. Его влечет опера, и он едет в Гамбург, в котором есть оперный театр, соперничающий с французскими и итальянскими театрами, поступает в оркестр, где играет на нескольких музыкальных инструментах. Здесь он в своей стихии. Директор театра – Р. Кайзер – оперный композитор, И. Маттезон – певец, композитор и литератор – замечают талантливого юношу, сотрудничают с ним, помогают и оказывают большое влияние на формирование будущего великого композитора. Первые оперы «Альмира» и «Нерон» были, конечно, поставлены в Гамбурге (1705).

Окрыленный успехом он едет в Италию (театр Кайзера закрылся из-за банкротства), где посещает театры Флоренции, Неаполя, Венеции, учится, впитывая в себя впечатления от итальянского оперного искусства. Через несколько месяцев он уже настолько изучил эту новую для себя стилистику, что пишет оперу «Родриго» (1707) и ее ставит Флорентийский театр. Спустя два года в Венеции успешно стартует его вторая итальянская опера «Агриппина». Взыскательные итальянцы восторженно принимают оперы композитора. Так он становится знаменитым. Его принимают в Аркадскую академию, где он на равных с такими корифеями как А. Корелли, Б. Марчелло, А. Скарлатти, итальянские аристократы наперебой делают музыканту заказы для своих домашних театров. В 1710-ом маэстро приглашают в Англию, где он получает английское гражданство и живет до конца своих дней. Здесь начинается настоящий расцвет его таланта и славы. Творчество гения поднимает английскую музыку на необыкновенную мировую высоту.

В 1720-ом немецкий композитор становится руководителем Академии итальянской оперы и Лондонского оперного театра, где ставятся его новые шедевры в итальянском стиле: «Радамист» (1720), «Оттон» (1723), «Юлий Цезарь» (1724), «Тамерлан» (1724), «Роделина» (1725), «Адмет» (1726). Благородство образов, напряженный трагизм кульминаций, психологизм характеров – все превосходило известную доселе стилистику итальянской оперы.

Слушать  Г. Гендель – Пассакалия из сюиты до минор – смотреть здесь

Жан Батист Люлли (1632-1687) — выдающийся французский композитор, дирижер, певец и танцор.  

Жан-Батьист Люлли обрел известность как композитор и дирижер благодаря своим оперным произведениям. Он был дворянским дворянином и получил образование в Париже, где он изучал музыку и танцы. Люлли прославился своими балетными музыками, которые стали популярными во Франции в то время. Он быстро заработал славу благодаря своим уникальным композиционным методикам и инновационным идеям в музыкальном искусстве.

Одним из ключевых достижений Люлли является создание жанра французской оперы. Он разработал свои собственные правила композиции, сценической постановки и музыкального стиля, которые отличались от привычных итальянской оперы. Люлли также сотрудничал со знаменитыми писателями и поэтами своего времени, такими как Филипп Кинель и Мольер, и тесно работал с королем Людовиком XIV.

Великие творческие достижения Люлли включают в себя такие оперные произведения, как «Атисс», «Изис», «Принцесса Эльидора» и «Беллиног море». Кроме того, он составил множество танцевальных музыкальных композиций, таких как «Триумф Любви» и «Классический балет». Люлли также был автором множества кантат и ораторий, которые широко известны и исполняются по сей день.

Богатое и разнообразное наследие Люлли композитора продолжает вдохновлять и восхищать музыкантов и слушателей по всему миру. Его вклад в развитие оперного искусства и французской музыки невозможно переоценить, и его музыка остается великолепным примером элегантности, красоты и гениальности.

 Слушать  Ж. Люлли  - Аллеманда  - смотреть здесь

Генри Перселл родился в 1659 году, в Лондоне, в семье придворного композитора, певца и лютниста. Рано обнаружил музыкальные способности, в десять лет (по другим источникам — в шесть или семь) начал петь в детском хоре Королевской капеллы, которым руководил энергичный музыкант, капитан Кук, обучался пению, игре на органе и клавесине, композиции под руководством видного композитора П. Хемфри. В четырнадцать лет Перселл был зачислен на должность помощника хранителя королевских инструментов, а год спустя стал настройщиком органа в Вестминстерском аббатстве; с 1677 года он — придворный композитор, а еще через пять лет — и органист Королевской капеллы. На этой службе он и пробыл до самой смерти. Будучи придворным музыкантом, Перселл, с одной стороны, писал произведения для придворных празднеств и торжественных событий — оды, приветственные песни, королевские кантаты. Большей частью это были малозначительные сочинения.

С другой стороны, в предисловии к первому опубликованному сборнику трио-сонат, посвященных Карлу II, композитор подчеркивал свое стремление приобщить англичан к серьезному искусству. Не случайно эти сонаты он распространял по подписке через лондонские газеты, обращаясь непосредственно к широкой публике. Для той же аудитории по заказу частных лиц он писал музыку к городским праздникам и народным гуляньям. Многое песни Перселла рождались во время пирушек, в клубах и тавернах, где он был завсегдатаем (одну лондонскую таверну даже украшал его портрет). Некоторые песни еще при жизни композитора стали народными, а в следующем столетии цитировались как фольклорные образцы. Вышедший три года спустя после смерти композитора сборник песен под названием «Британский Орфей» был необычайно популярным среди англичан.

Обращаясь ко всем жанрам современной музыки, Перселл за пятнадцать лет творческого пути создал свыше ста духовных сочинений. Среди них особую ценность представляют шестьдесят антем-гимнов на поэтические библейские тексты для хора (нередко с концертирующими соло и ансамблями, в сопровождении оркестра), трактованных в светском, концертном и даже театральном духе. Наивысшим достижением ГОрселла явились произведения для театра (более пятидесяти), в которых раскрылся его талант драматурга; нередко он принимал непосредственное участие в постановках, а иногда и сам выступал как актер и певец-бас. Однако именно в театральных жанрах положение композитора оказалось наиболее трагическим. За три года до смерти в предисловии к «Королеве фей» он писал о необходимости поддержки нарождающейся английской опере.

Но в Англии в силу общественно-исторических особенностей развития, в отличие от Италии или Франции, в ту эпоху не было условий для становления и расцвета оперного жанра. Лишь единственный раз удалось композитору осуществить свою мечту, создав оперу «Дидона и Эней», свободную от традиций придворного и городского театра. Это был «школьный спектакль» для закрытого женского пансиона в Челси. Другого случая написать серьезную оперу Перселлу не представилось. В последующих произведениях («Король Артур», «Королева фей», «Буря» и др.) он был вынужден подчиняться господствующим вкусам и по существу создал лишь великолепные музыкальные интермедии к поверхностным и фривольным драматическим спектаклям — типичным образцам английского театра эпохи упадка.

 Слушать  Г. Пёрселл – Чакона соль минор – смотреть здесь

9 декабря

5 класс ФГТ Урок №12    

«Й. Гайдн.      Творческий облик композитора»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника: стр.52-60; выполните задания в «Занимательных страничках».

По данным ссылкам посмотрите видео о Й. Гайдне.

• Видео – биография  - смотреть здесь
• Видео «Знаменитые композиторы» - смотреть здесь

10  декабря

7 класс ФГТ Урок №11, 12

М. П. Мусоргский Опера «Борис Годунов»

Учебник: стр. 187-189

Задания «Занимательные странички» Урок 11-12

Посмотрите фильм Мусоргский «Борис Годунов» История Сюжет - здесь

• Пролог 1и 2  картина  - смотреть здесь

1 картина   - вступление

- хор «На кого ты нас покидаешь…»

- хоровой речитатив («Митюх, а Митюх…»)

2 картина  - праздничный колокольный звон

                 - хор «Уж как на небе солнцу красному слава…»

                - монолог Бориса «Скорбит душа…»

11 декабря  3 класс ОРП

Урок №12                      Вольфганг Амадей Моцарт

«Художественный гений являлся и остается для человека вечной тайной, и у нас кружится голова при попытках исследовать ее глубины; но вместе с тем он вечно будет предметом высочайшего восхищения», — так говорил, восхищаясь гением Моцарта, Чайковский.

Моцарт прожил неполных 36 лет, но за этот короткий срок творчество его достигло той зрелости, какая обычно связана с долгим опытом жизни. Завершив достижения музыкальной культуры XVIII в., оно открывало новые пути для художников следующих поколений.

Удивительным было музыкальное развитие Моцарта, который жил в одно время с Гайдном. Детство Моцарта было гораздо счастливее. Ему, можно сказать, повезло: он родился в 1756 г. в семье музыканта, и отец, Леопольд Моцарт, бывший придворным музыкантом архиепископа Зальцбургского, сам мог дать своему гениальному сыну хорошее музыкальное образование.

Все, кто знал Моцарта, уже в самые ранние его годы смотрели на него, как на чудо, называли волшебником, чародеем. Ну, судите сами, мальчику было только три года, когда он мог, с трудом взбираясь на стул возле клавесина, повторить двумя руками только что сыгранную отцом пьесу. В четыре года он уже сочинял собственные пьесы, но, еще не умея записывать ноты, «диктовал» их, т. е. играл на клавесине своему отцу, а тот записывал их на нотную бумагу.

К шести годам Моцарт стал настоящим вирту- озом-клавесинистом и автором многих сочинений для разных инструментов. В этом возрасте он совершил свою первую концертную поездку. В семь лет маленький музыкант был уже известен во многих странах Европы. По словам отца, в восемь лет он знал и умел все, что можно было требовать от профессора сорока лет.

Музыкальная одаренность Вольфганга действительно была чудом. Лучистость, внутреннюю гармонию, жизнерадостность его ощущали все, кто знал Моцарта.

Слава пришла к Моцарту очень рано. Семья Моцартов отправилась в свое первое концертное турне, длившееся почти три года. Они посетили Мюнхен, Вену, Париж, Лондон, Амстердам, Гаагу, Женеву. Концерты Вольфганга и его сестры Анны - Марии проходили с триумфальным успехом. Дети вызывали восхищение и удивление. Да можно ли было не восхищаться маленьким виртуозом, который играл на клавесине, скрипке, органе, им-провизировал на заданную тему. Ему устраивали всевозможные экзамены. Например, закрывали клавиатуру платком и просили его играть сложные пьесы. Вольфганг исполнял сложные пассажи одним пальцем. Он мог определить высоту любого звука, даже отвернувшись от инструмента. Представьте, какой нагрузкой для ребенка были концерты, продолжавшиеся четыре, пять часов. Тем более, что был он мал ростом, очень худ, бледен. На концерты его одевали в настоящий придворный костюм, расшитый золотом, в завитой, напудренный парик. А кроме того, отец водил его на оперные спектакли, знакомил с музыкой лучших композиторов того времени, продолжал его музыкальное образование.

Среди всей этой суматохи мальчик еще и сочи-нял музыку. В Париже им были написаны первые сонаты для скрипки с клавиром. В Лондоне поя-вились первые симфонии, которые еще упрочили его славу. В общем, они возвращались на родину в 1766 г., завоевав Европу. Маленького Моцарта называли не иначе, как чудом XVIII в.

После первой поездки молва пошумела и замолк¬ла. Четырнадцатилетнего Вольфганга отец снова решил везти за границу — на этот раз в Италию, где музыка была в большом почете, откуда приезжали все оперные знаменитости и куда стремились все музыканты.

Италия встретила юного музыканта восторженно. Его концерты вызывали такой ажиотаж, что иногда, чтобы пройти к залу, нужно было силой прокладывать дорогу среди слушателей. Миланский оперный театр, один из крупнейших в то время, заказал Моцарту оперу «Митридат, царь Понта», которую юный композитор закончил за полгода. Опера с огромным успехом была поставлена в театре двадцать раз подряд. И Моцарт получил заказ на следующее оперное творение и другие сочинения.

Интересный случай, подтверждающий, каким феноменальным слухом и памятью обладал Моцарт, произошел с ним в Риме. В этом городе только два раза в год в знаменитой Сикстинской капелле исполнялось многоголосное хоровое произведение «Мизерере» композитора Аллегри. Сочинение это считалось собственностью церкви, поэтому выносить его из церкви или переписывать запрещалось под страхом тяжелого наказания. Моцарт услышал его всего один раз. Вернувшись домой, он записал многоголосную партитуру без единой ошибки. Церковь не знала, как поступить: ведь он не выносил нот и не переписывал в храме, а только запомнил!

В Болонье наравне с взрослыми композиторами он участвовал в состязаниях филармонической академии. Ему дали одноголосную пьесу, которую он должен был развить в сложное четырехголосное произведение. Моцарт выполнил это задание за полчаса. Жюри было в восторге. И хотя по правилам в члены Болонской академии избирались только самые крупные композиторы не моложе двадцати лет, ради четырнадцатилетнего гения пришлось их нарушить — Моцарта избрали академиком.

Поездка в Италию завершала его детство и юность. По возвращении в Зальцбург началась взрослая жизнь, полная творчества и несбывшихся надежд.

В 1772 г. в Зальцбург приехал Йозеф Гайдн. Похожие на австрийские народные песни мелодии Гайдна давно покорили Моцарта. Сам Гайдн оказался таким же добрым и приветливым, как и его музыка. Моцарт видел в сорокалетием Гайдне своего главного учителя и друга. А зрелый, давно известный миру композитор относился к юному Вольфгангу с уважением и говорил, что «может быть, раз в столетие появляется такой талант». Других таких людей, как Гайдн, рядом с Моцартом не было.

Как и отец, Моцарт получил место музыканта при дворе архиепископа в Зальцбурге. Каждое утро он должен был вместе с другими слугами стоять в передней хозяина и ждать распоряжений на день, терпеть постоянные издевательства и унижения.

И, наконец, не выдержав, Моцарт подал архиепископу прошение об уходе. Никто из слуг никогда ранее не осмеливался добровольно отказаться от службы при дворе архиепископа. Неслыханная дерзость! Один из приближенных просто спустил Моцарта с лестницы. Потрясенный грубостью, Моцарт потерял сознание и надолго заболел.

Зато как радостно стало на душе, когда наступили первые дни свободы. Моцарт приехал в Вену и с воодушевлением взялся за работу. Он писал, бегал по урокам, вечерами выступал перед публикой. Он был неутомим!

Это было в 1781 г. Моцарт писал из Вены отцу: «Счастье мое начинается только теперь».

В первый год свободы появилась его опера «По-хищение из сераля». Почти в это же время Моцарт женился на Констанце Вебер. Он был полон любви и благодарности к девушке, пришедшей ему на помощь в трудные минуты его жизни. Это чувство наполняло его, когда он создавал образ главной героини оперы — нежной, поэтичной, бесстрашной девушки, носившей имя его невесты. Эта опера была поставлена в Немецком театре в Вене и с восторгом принята зрителями. Только император посчитал ее слишком сложной. «Ужасно много нот, мой милый Моцарт», — сказал он. На что Моцарт ответил: «Ровно столько, сколько нужно, ваше величество».

В последние годы жизни из-под пера Моцарта одно за другим выходили гениальные произведения. Это были оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта», вызывавшие неизменный восторг и восхищение. Герои его опер были живыми людьми, и правдивость образов покоряла слушателей. Это были лучшие его инструментальные произведения: три последние симфонии, квартеты, трио. Недаром Гайдн сказал его отцу: «Я считаю вашего сына величайшим композитором из тех, о ком я когда-либо слышал».

В этот период ему приходилось много заниматься исполнительской деятельностью. Он участвовал в концертах, устраивал свои академии, что принесло ему славу первого виртуоза своего времени.

Но у этой яркой жизни была и обратная сторона Моцарт постоянно испытывал материальные лишения. Ни его исполнительская деятельность, ни издание его произведений, ни его оперы не при-носили денег, необходимых для содержания семьи. За свою должность сочинителя танцевальной му-зыки при дворе императора он получал мизерную плату. Поэтому великий Моцарт вынужден был писать музыку на заказ, давать дешевые уроки.

Последнее произведение Моцарта— «Реквием», похоронная месса. Он писал ее, будучи тяжело больным, лежа в постели. Сами обстоятельства заказа этого произведения произвели на композитора неизгладимое впечатление. К нему явился незнакомый господин, одетый в черный плащ, и, не называя своего имени, заказа л ему заупокойную мессу. Моцарт считал, что это посланник смерти, и реквием он пишет для себя, хотя сегодня мы знаем, что господин этот был слугой известного в то время меломана графа Вальзега. Граф уже не раз заказы-вал крупным композиторам произведения, а затем выдавал их за свои. Вот и теперь он хотел почтить память своей умершей жены реквиемом, а затем скромно признаться, что автором его является он сам. Но Моцарт этого не знал, потому был так потрясен появлением «черного посланника».

Произведение это стало лебединой песней Моцарта. Болезнь и смерть не дали ему завершить свое последнее творение. По записям композитора это сделал один из его учеников. В этой гениальной музыке Моцарт раскрыл свою глубокую любовь к людям. И сегодня это одно из самых известных произведений.

Работа над Реквиемом отняла у Моцарта последние силы. Он умер, не дожив до 36 лет. Неожиданная смерть композитора настолько поразила современников, что по Вене поползли слухи, что придворный композитор Сальери так завидовал гению, что решился отравить его. Эта легенда легла в основу маленькой трагедии Пушкина «Моцарт и Сальери ».

Надо сказать, что до сих пор ведут споры исследователи, правда это или нет. Для нас с вами важно одно — великий композитор ушел из жизни очень молодым, а у его жены не было денег на достойные похороны мужа. Он был похоронен в общей могиле для бедняков. А когда через некоторое время его жена пришла на кладбище, чтобы поклониться могиле мужа, оказалось, что место его захоронения утеряно. Мы сегодня не знаем, где покоится прах гения человечества. Но лучшим памятником ему является его музыка.

По данной ссылке посмотрите фильм - здесь

Фильм «Сказки старого пианино» (о Моцарте) - здесь

11 декабря

6 класс ФГТ  Урок №13        

Композиторы-романтики первой половины XIX века

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.222 – 250. Выполните задания в «Занимательных страничках»

По данным ссылкам прослушайте произведения:

• Р. Шуман «Карнавал» Эвзебий – смотреть здесь
• Р. Шуман «Карнавал» Флорестан  - смотреть здесь
• Р. Шуман «Карнавал» «Марш Давидова братства  против филистимлян» - смотреть здесь
• Ф. Лист Венгерская рапсодия №2 – смотреть здесь
• Э. Григ  Сюита «Пер Гюнт» «Утро» - смотреть здесь
• Э. Григ Концерт для фортепиано с оркестром  часть 1 – смотреть здесь

11 декабря

8 класс ФГТ Урок №13

Симфоническое творчество С. С. Прокофьева

Симфония №7

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр. 108-112.

По данным ссылкам прослушайте фрагменты симфонии. Выполните задания в «Занимательных страничках»

1 часть – видео – смотреть здесь

2 часть – видео – смотреть здесь

3 часть – видео – смотреть здесь

4 часть – видео – смотреть здесь

13 декабря

4 класс ОРП             Жизнь и творчество А. П. Бородина.

Александр Порфирьевич Бородин был удивительно разносторонней личностью. Всю свою жизнь он делил себя между двумя привязанностями — к химии и к музыке. Действительно, он вошел в историю и как крупный композитор, и как выдающийся химик, и как общественный деятель. Он был также и талантливым литератором, что подтверждают написанное им либретто оперы «Князь Игорь», тексты романсов.

Творчество Бородина отличается поразительной цельностью. И связано это с тем, что все его сочинения объединяет одна ведущая мысль — о богатырской мощи русского народа.

Обстоятельства жизни Бородина необычны. Он был рожден вне брака. Отцом его был князь Лука Степанович Гедианов, происходивший по одной линии от татарских, по другой — от грузинских князей. Мамой будущего композитора была дочь солдата Авдотья Константиновна Антонова. Ребенка записали сыном дворового человека князя Порфирия Бородина.

Мальчик рос хрупким и впечатлительным, дружил в основном с девочками. Играл с ними в куклы. Примечательно то, что первым сочинением девятилетнего Саши была «Полька Элен». Он посвятил ее одной юной особе, в которую был влюблен. Потом им были созданы концерт для флейты, фортепианные пьесы, трио на темы оперы Мейербера «Роберт-Дьявол».

В 13 лет на дому ему стали преподавать гимназический курс. Это были занятия по географии, истории, черчению, французскому, английскому языкам и латыни. Вот тогда - то он и увлекся химией. И дом превратился в большую лабораторию. Саша проводил эксперименты, опыты, делал фейерверки. Несколько раз у него происходили взрывы, и он чуть было не сжег весь дом. Прошло время, и химия победила все другие увлечения.

В 17 лет Бородин поступил в Медико-хирургическую академию в Петербурге. Он стал любимым учеником выдающегося русского химика профессора Н.Н. Зимина. Но увлечение литературой, философией, музыкой не бросил. В студенческие годы он играл в любительских квартетах, сочинял.

Закончив академию, Бородин проходил врачебную практику в госпитале. Здесь он познакомился с молодым офицером Модестом Мусоргским. Это знакомство сыграло большую роль в жизни Бородина. Но до этого молодой ученый защитит докторскую диссертацию и в 1859 году уедет за границу.

Три года Бородин провел в Германии, Франции, Италии вместе со своими друзьями, которые в будущем станут выдающимися учеными, Д. Менделеевым и  И. Сеченовым. Они занимались в крупнейших библиотеках Европы, изучали новые методы преподавания.

Во время этой поездки Бородин познакомился со своей будущей женой, пианисткой из Москвы Екатериной Протопоповой. Она открыла ему мир музыки Шопена, Шумана, Листа, Вагнера.

В 1862 году Бородин вернулся в Россию. Его сразу же избрали профессором Медико-хирургической академии.

Вскоре произошло еще одно важное событие в его жизни: зимой на одном из вечеров профессора Боткина Бородин встретился с Милием Алексеевичем Балакиревым. Он был известен как прекрасный пианист, композитор, руководитель Бесплатной музыкальной школы и глава кружка молодых композиторов, получившего название «Могучая кучка». В это содружество вошли Римский-Корсаков, Кюи, Мусоргский и Стасов.

Обучил его музыкальной форме, инструментовке. Именно Балакирев предложил Александру Порфирьевичу взяться за сочинение симфонии, и композитор сразу же включился в работу. Все члены кружка были поражены. Мусоргский писал: «Месяц мы с ним не виделись. Но что произошло за это время! Александр Порфирьевич окончательно переродился, музыкально вырос на две головы, приобрел то в высшей степени оригинально-бородинское, чему неизменно приходилось позднее восхищаться». Вот так, благодаря Балакиреву, Бородин стал активным участником «Могучей кучки».

Премьера Первой симфонии состоялась в Петербурге в 1869 году и имела огромный успех.

Это вызвало большой прилив сил у Бородина. Он сразу же начал работать над Второй симфонией и оперой «Князь Игорь». Оба этих замысла были очень близки по общему эпическому характеру и по складу тем. Правда, работа эта растянулась на много лет. Ведь будучи ученым, Бородин и здесь подошел к работе с научной точки зрения. Он долго изучал старинные летописи, трактаты, «Слово о полку Игореве», русские эпические песни и сказания. Композитор сам составил общий план оперы. Его очень отвлекала научная работа. А еще в 1872 году театральная дирекция заказала членам «Могучей кучки» написать оперу-балет «Млада». Бородин в этом произведении писал четвертое действие. Но, к сожалению, этот совместный проект не был завершен, и Бородин вновь вернулся к симфонии и «Князю Игорю».

Вторая симфония была закончена в 1876 году. Друзья называли ее «львиной симфонией» и очень любили, когда автор играл ее им на фортепиано. Стасов назвал ее «богатырской», ее содержание связывали с русским героическим эпосом. Премьера симфонии в Москве в 1880 году стала важным событием в жизни композитора. Ведь московская публика не знала его творчества, и исполнение этого шедевра стало настоящим торжеством для автора.

Работа над «Князем Игорем» продвигалась очень медленно. Много времени и сил отнимали занятия в Медико-хирургической академии, научная работа, организация Женских врачебных курсов — первого в России женского медицинского учебного заведения, участие в издании журнала «Знание». Все это не оставляло времени на сочинение музыки. Друзья шутили и радовались, когда он болел и не мог уходить из дому. В одном из писем Бородин писал: «Зимою я могу писать музыку,  только когда болен настолько, что не читаю лекций, не хожу в лабораторию, но все-таки могу чем-то заниматься. На этом основании мои музыкальные товарищи, вопреки общепринятым обычаям, желают мне постоянно не здоровья, а болезни».

В такие дни работа у него кипела. Ученый-химик изобрел собственный способ ускорения записи музыкальных произведений. Переписывать с черновика на чистовик было некогда, поэтому он записывал ноты карандашом, а потом нотные листы покрывал специально изобретенным лаком. И развешивал их как белье на веревках через всю квартиру. Если «кучкисты», придя к нему домой, видели эти веревки, они сразу понимали —хозяин был болен и писал оперу.

И все же, несмотря ни на что, он создал в это время множество произведений: два квартета, симфоническую картину «В Средней Азии», «Маленькую сюиту» для фортепиано, романсы, отдельные сцены оперы.

Это было время расцвета его композиторской известности и авторитета. В 1885 году он получил приглашение приехать на выставку в Антверпен в Бельгии, где в культурную программу были включены его произведения.

По дороге в Бельгию Бородин заехал в Веймар, чтобы повидаться с Ф. Листом. Еще в 1877 году он познакомился с великим маэстро. Лист был в восторге от его Первой симфонии: «Вы сочинили прекрасную симфонию! У вас громадный и оригинальный талант… Следуйте вашим путем, никого не слушая. Вы во всем всегда логичны, изобретательны и совершенно оригинальны». И на этот раз их встреча была «самая душевная». Бородин показал мастеру свои сочинения, которые очень понравились маэстро.

Концерты русской музыки в Антверпене прошли с большим успехом. Публика увидела в Бородине великого представителя молодой русской национальной школы.

В 1886 году Бородин начал работу над Третьей симфонией. В его портфеле были также два квартета, «Маленькая сюита» для фортепиано.

В один из дней друзья договорились встретиться у него дома, чтобы всем вместе заставить его завершить оперу. Среди пришедших в тот день к Бородину был известный в то время музыкальный издатель и меценат Беляев, который предложил композитору купить у него право издания оперы за крупную сумму. Бородин согласился. Теперь он старался работать каждое утро, чтобы собрать воедино все написанное. Оставалось не так много, но как всегда находились другие дела. Он писал жене: «Утопаю в кипах написанной бумаги разных комиссий, тону в чернилах, которые обильно извожу на всякие отчеты, донесения, рапорты. Господи, когда же конец этому будет?»

К сожалению, он наступил скоро. На Масленицу в академии был устроен костюмированный бал. Бородины с удовольствием принимали в таких вечерах участие. Александр Порфирьевич любил танцевать, быстро становился душой общества, умел рассказывать веселые истории, остроумные шутки. Около полуночи он подошел к группе беседующих, присоединился к их разговору. И вдруг, на полуслове, упал. Его даже не успели подхватить. Среди присутствующих было много врачей, но сделать они ничего не смогли. Он умер, не приходя в сознание, от остановки сердца. Было композитору в то время пятьдесят три года. «Словно страшное вражеское ядро ударило в него и смело его из среды живых», — писал об этом ужасном событии Стасов.

Бородина похоронили в Некрополе Александро-Невской лавры в Петербурге, где покоится прах многих великих русских деятелей науки и искусства. Его незаконченные, а, вернее, не записанные произведения были завершены Римским-Корсаковым и Глазуновым, которые часто слышали их в фортепианном исполнении автора.

Если попытаться охватить огромную деятельность этого русского исполина, можно понять, что такое разнообразие жизненных устремлений давало ему возможность полной самореализации, ощущение гармоничности своей жизни.

Его не зря называли «богатырем русской музыки». Его мощная «богатырская» музыка стала выражением его духа. «В ней (музыке Бородина) нашли друг друга эпоха, избравшая одним из важнейших своих культурных знаков образ народа-исполина, и личность исполинского размаха. Веления натуры, помноженные на запросы времени, дали искусство, поражающее эпической мощью». Так писал о музыке Бородина журнал «Музыкальная жизнь».

Конечно, мир Бородина разнообразен. Среди его произведений мы встречаем живописную музыкальную картину «В Средней Азии», трагическую элегию «Для берегов отчизны дальной», полные юмора песни «Спесь», «У людей-то во дому». Но самой главной чертой, отличающей творчество Бородина от музыки других композиторов, является эпос, его богатырские образы, воскрешающие величавую героику древних былин.

 Посмотрите  видео по ссылкам:

• Видео «Волшебный дар наук и муз» -  смотрите здесь
• Видео «Лица истории» «Химия музыки»  А.П.Бородин- смотрите здесь
• Видео «Русская пятерка» - смотрите здесь

Копируйте себе таблицу – памятку по биографии А. П. Бородина

16 декабря

5 класс ФГТ Урок №13  Симфоническое творчество Й. Гайдна

Симфония №103 Ми-бемоль мажор «С тремоло литавр»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.61 – 66. Выполните задания в «Занимательных страничках», послушайте  темы  симфонии по ссылкам.

1 часть  - видео  -    смотреть здесь    с нотным текстом  (все разделы

сонатного аллегро  отмечены)  

17 декабря

4 класс ФГТ    Урок №14  

«Народная песня в обработке русских композиторов»

Уважаемые ученики! Прочитайте материал учебника стр.119-122. Прослушайте по данным ссылкам музыкальные произведения, выполните задания в «Занимательных страничках»

• «Заиграй, моя волынка» (хороводная)  - слушать здесь
• «Эй, ухнем»  - слушать здесь
• «Как за речкою, да за Дарьею» (историческая)- слушать здесь
• «Я вечор млада во пиру была» (плясовая) – слушать  здесь

18 декабря

3 класс ОРП                    В. А. Моцарт

Симфония № 40 соль минор

«Достичь небес - это нечто прекрасное и возвышенное, но и на милой земле несравненно прекрасна жизнь. Поэтому оставьте нас быть людьми» - эти слова величайшего композитора В. А. Моцарта раскрывают его творческое кредо.

Моцартовские симфонии настоящие инструментальные драмы. От них - прямой путь к симфониям Бетховена и откровениям композиторов-романтиков. Л. Бернстайн, выдающийся американский композитор и дирижёр ХХ века, писал: «Музыка Моцарта переступила пределы своего времени. Она обращена назад - к Баху и вперёд - к Бетховену, Шопену, Шуберту... Верди и даже к Вагнеру. Моцарт - это сама музыка; что бы вы ни пожелали найти в музыке, вы найдёте у Моцарта... Моцарт... дух милосердия, всеобщей любви, даже страдания - дух, который не знает возраста, который принадлежит вечности».

В 1788 г. Моцарт сочиняет три симфонии (№ 39, 40, 41 «Юпитер»). Через три года жизнь его трагически оборвётся. Этим грандиозным симфоническим циклом композитор словно венчает своё творчество. В этих симфониях композитор раскрывает «неизмеримые богатства человеческой души», готовит путь героике Бетховена. Увлечённость и страстность, с которой Моцарт предавался сочинению, выражена в письме к отцу: «Я всецело поглощён музыкой, я занимаюсь ею весь день, всё время размышляю о ней, постоянно разучиваю, обдумываю её…»

Симфония № 40 занимает особое место в творчестве композитора. Внутреннее содержание её богато, сложно и широко развито. Эта музыка затрагивает самые глубокие человеческие чувства, отражает драматическое, даже трагическое состояние души. Симфония как бы опередила своё время. Многим современникам композитора она казалась странной, непонятной.

Симфонию № 40 Моцарта можно сравнить с другим величайшим шедевром - «Джокондой» Леонардо да Винчи. Читаем о картине Леонардо да Винчи (эти характеристики приводит в своей книге о Моцарте исследователь его творчества Г. Чичерин), а каждое слово как будто о музыке Моцарта!

«Этот портрет изображает молодую женщину не то с улыбкой на губах, не то с каким-то особым выражением лица, похожим на улыбку. Но вовсе не радость или веселье выражает это лицо: чувствуется что-то нежное, глубокое и вместе страстное и чувственное в этом удивительном портрете». «Матовое лицо выступает из дымки. < ... > Взгляд коричневых глаз производит двойственное впечатление. Он и целомудрен, и обольстителен, в нём светятся истома и ирония, лукавство и очарованье. На губах играет непостижимая улыбка».

В музыке Моцарта, как и в «Джоконде» Леонардо да Винчи, загадка мира и внутренней жизни, неизмеримое богатство человеческой души... Глубина и непостижимость образа возникает от слияния контрастов в едином, внутренне противоречивом целом...

Музыка симфонии с первых звуков захватывает слушателя удивительной искренностью высказывания автора. У многих людей создаётся при её прослушивании впечатление, что для понимания этой музыки не надо прикладывать никакого усилия, что всё в ней предельно ясно и просто. Но если прослушать симфонию много раз, вы поймёте, как много в ней скрыто такого, что не поддаётся мгновенному осмыслению. В ней всё сосредоточено на человеке, его личности. Его душа предстаёт перед нами ищущей гармонию, разумность, ясность. Эта симфония едва ли не самое трагичное произведение XVIII века. Автор размышляет в ней о несовершенстве мира, о невозможности разрешения жизненных конфликтов.

Но самое главное, что делает эту музыку столь популярной, это простота выражения трагического её содержания. Здесь нет «сгущения красок». Как будто сам Моцарт, глядя сверху на эту скорбь, видит красоту самой жизни, человеческих чувств в их разнообразии и напряжённости и изливает эти впечатления в музыке.

В симфонии четыре части.

I. Allegro molto

Первая часть написана в сонатной форме сонатного allegro.

Главная партия звучит с первых же тактов произведения. Это несколько грустная, трепетно-нежная музыка. Эта тема очень похожа на речь взволнованного жалующегося человека. Послушайте её внимательно, и вы услышите, что герой симфонии, как бы захлёбываясь и вздыхая, жалуется нам на что-то. Эту взволнованность, трепетность и беспокойство придают музыке нисходящая секунда, повторение одного звука, учащённый ритм. Мелодию исполняют скрипки, и это придаёт музыке большую певучесть, мягкость, теплоту.

Слушать: ГП - здесь

Всё, что дальше будет происходить в первой части симфонии, связано с развитием главной партии. Противостоит ей только побочная партия, но она лишь ненадолго уводит из мира главной.

Тем более светло и безоблачно звучит побочная партия. Она изложена в параллельной к соль минору тональности - си-бемоль мажоре. Лукавая, несколько танцевального склада, эта тема звучит мягко и изящно.

Слушать: ПП – здесь

Кажется, что герой достиг своей цели и погрузился в мир отрешения от острых коллизий, мир душевного покоя. Но это лишь миг. Покой рассеивается, и вновь главенствует образ главной партии.

В разработке развивается исключительно только основная тема. Напряжение всё более усиливается, нарастает драматизм. Тема предстаёт то мрачной, то исступлённо-горестной, то проникнутой безысходной скорбью. Постепенно она приобретает энергичный характер. Вместо задушевной вокальной «жалобы» появляется грозное и решительное звучание главной партии. Кажется, что весь оркестр приходит в движение.

После напряжённых изменений главной партии в разработке её полное проведение в репризе похоже на попытку героя вновь обрести душевные силы. Но восстановить утраченную целостность чувств не удаётся. Безутешны страдания. И даже побочная партия в репризе меняет свой характер. Она теряет свою светлую окраску, а вместе с ней задорный, лукавый оттенок. Минор окрашивает её в грустные, печальные тона. Так исчезает единственный солнечный «островок».

Всем своим образным строем реприза уже предвещает, чем закончится развитие всего симфонического цикла. Тщетны порывы к гармонии.

Можно трактовать 1-ю часть симфонии по-разному: с одной стороны, она по своему интонационному и образному строю выделяется среди других частей сонатно-симфонического цикла, составляет его «точку отсчёта» (явное присутствие двух начал: мужского - главная партия и женского - побочная; их сопоставление и взаимодополнение); с другой стороны, сравнение лирико-драматических образов 1-й части с образами финала даёт возможность подчеркнуть драматичность, стремительность движения, порывистость, мятежность последней части. Если 1-я часть сродни внутреннему монологу героя симфонии, то финал ближе к объективному повествованию, открытому для других. Именно исключительность музыки 1-й части Симфонии № 40 сделала её любимой и узнаваемой несколькими поколениями слушателей, дала повод современным музыкантам обращаться к её разнообразным интерпретациям.

Смотреть видео – 1 часть симфонии №40 - здесь

18 декабря

8 класс ФГТ    Урок 15-16

  Уважаемые ученики!   Прочитайте материал в учебнике стр113-120

Прокофьев С. С. Кантата «Александр Невский»

По данным ссылкам прослушайте музыку:

1 часть «Русь под игом монгольским»  - видео  -  здесь

2 часть «Песня об Александре Невском» - видео  - здесь

3 часть «Крестоносцы во Пскове» - видео  - здесь

4 часть «Вставайте, люди русские» - видео - здесь

5 часть «Ледовое побоище» - видео - здесь

6 часть «Мертвое поле» - видео  - здесь

7 часть «Въезд Александра  во Псков» - видео - здесь

 Выполните задания в «Занимательных страничках»

23 декабря

5 класс ФГТ  Урок №14  Симфоническое творчество Й Гайдна

Симфония №103 Ми-бемоль мажор (с тремоло литавр)

• 2 часть  - видео -  смотреть здесь  

• 3 часть  - видео -  смотреть здесь 

• 4 часть  - видео -  смотреть здесь  

Учебник стр.61-68.  Выполните задания в «Занимательных страничках»