ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ В ОРКЕСТРЕ И КАМЕРНОМ АНСАМБЛЕ XVII В.
статья на тему

Первые оркестры сформировались в начале XVII в. в итальянской опере. Одним из создателей оркестра явился основоположник классической оперы, гениальный реформатор в инструментальной сфере Клаудио Монтеверди (1567 – 1643). Он разделил все инструменты оркестра на группы смычковых и духовых; на группы, сопровождающие и ведущие мелодию. Монтеверди использовал инструменты, более совершенные по устройству и новые по эмоциональной выразительности. Композитор одним из первых ввел в оперный оркестр трубы с сурдинами (как правило, они применялись в быту при исполнении траурной музыки). 

Духовые инструменты в оркестре Монтеверди играли не только важную колористическую роль, но и участвовали в музыкально-сценическом развитии. Так, пасторальный колорит ряда сцен создается звучанием маленькой флейты; использование тромбонов сгущает атмосферу страха в картине царства теней усопших, а подвижные пассажи в партиях двух корнетов еще более подчеркивали драматический характер эпизодов. 

В 1637 г. в Венеции открывается первый общедоступный оперный театр «Сан-Кассиано». Вслед за ним на протяжении XVII в. появляются другие оперные театры, всего свыше десяти. Духовые инструменты получали все большую самостоятельность. В увертюрах и шествиях все шире применялись трубы, они же часто противопоставлялись голосу в ариях; в фантастических эпизодах звучали фаготы, корнеты и тромбоны; в изобилии употреблялись литавры, барабаны и другие ударные инструменты. Флейты использовались в оркестре пока еще очень редко. Смелым новшеством явилось введение Кавалли в оркестр (в опере «Свадьба Фетиды и Пелея», 1639) хора охотничьих рогов. Оно открыло дорогу сначала использованию этих инструментов в сценах лесной природы и охоты, а позднее – появлению и введению в оркестр валторны. Важные преобразования в оркестре реализовал глава неаполитанской оперной школы Алессандро Скар-латти (1660 – 1725), который включил в состав своего оркестра пару натуральных валторн. Было устранено «парное письмо» для духовых инструментов, при котором каждый голос партии исполнялся двумя музыкантами. Это привело к выделению одного из них как солирующего инструмента, а также к появлению аккомпанемента. 

Духовые инструменты получили свое развитие и в английской музыке. Из народных инструментов бытовали волынка «бэгпайп» и рожок «хорнпайп». Музыке в театре Шекспира отводилась важная роль: трубные фанфары возвещали торжество, выборы королей, появление посланцев и вельмож; флейты участвовали в сценах свадеб, гобои – в веселых эпизодах, валторны – в охотничьих сценах, а тромбоны – в сценах погребения. 

Наиболее яркой и значительной фигурой в музыкальной культуре Англии был Генри Перселл (1659 – 1695), автор первой национальной оперы «Дидона и Эней» (1680). 

Трактовка оркестра Перселлом была своеобразной: духовые инструменты либо дублировали струнные, обогащая их тембровыми красками, либо перекликались с ними. У Перселла, как и у Монтеверди, выявляется важный принцип – обогащение оркестровой фактуры сочетанием различных тембров. 

Вторая половина XVII и начало XVIII столетия являются «золотым веком» солирующей трубы, которая в оркестре и в сольных произведениях обладала, как правило, чрезвычайно развитой и трудной, высокой по регистру партией. Такие высокие партии трубы носили название «кларино» (от лат. «clarus» – «ясный»). Размер канала этой трубы был вдвое длиннее современного, поэтому инструмент звучал октавой ниже и начинался с до малой октавы. Применяя мундштук с мелкой и плоской чашкой, исполнитель мог достигать на такой трубе верхние натуральные звуки. 

Достигнуть предельно верхних нот и подвижности на натуральной трубе могли только особо одаренные музыканты. Прославленный немецкий трубач и ученый И. Э. Альтенбург (1736 – 1801) отмечал, что исполнение партий кларино было делом нелегким, требовавшим от трубача природных подходящих губ, крепких зубов, гибкого языка, хорошего дыхательного аппарата, сильного выносливого организма и ко всему много времени для систематических занятий. 

Значительную роль в развитии подлинного стиля кларино сыграли итальянские оперные композиторы XVII в. Алессандро Страделла и Карло Паллавичино, разработавшие виртуозные партии труб и валторн в высоких регистрах. Вершиной этого стиля явились партии кларино в творчестве И.С. Баха и Г.Ф. Генделя. 

Сравнительно недавно, в 1958 г., в Праге был опубликован ряд сочинений чешского композитора XVII в. Павла Иозефа Вейвановского (ок. 1640 – 1694). Среди них – серенада и две сонаты, ведущую роль в которых играют трубы кларино. Композитор сам был превосходным трубачом и хорошо знал исполнительские возможности инструмента. 

В числе первых сочинений для других солирующих духовых инструментов следует назвать сонату для флейты и струнных инструментов Перселла, шесть трио-сонат для двух гобоев и цифрованного баса одиннадцатилетнего Генделя, написанных в 1696 г. 

XVII век явился периодом дальнейшего развития камерного ансамбля духовых инструментов. Необычайно интересны дошедшие до нас сочинения немецкого композитора Георга Даниеля Спеера (1636 – 1707). Для его произведений характерно мягкое, бархатное звучание тромбонов и звонкие голоса корнетов. 

В XVII в. появляются и закрепляются в оркестровой практике гобой и поперечная флейта. Первым, кто ввел флейту в оперный оркестр как постоянный инструмент, был Ж.Б. Люлли. Но в его оркестре флейты еще были продольными (прямыми). Прямую флейту, или флейту с наконечником, держали прямо перед собой. 

Где и когда возникла поперечная флейта, неизвестно. Предполагают, что проникла она в Западную Европу, прежде всего в Германию, из Азии. На всех европейских языках поперечная флейта получила название «немецкой». Основное же отличие поперечной флейты от продольной состояло в том, что звучала она гораздо выразительнее и поэтому прочно заменила свою соперницу. 

Признание флейты в качестве художественно-концертного инструмента произошло во Франции. Французские мастера первыми начали заниматься усовершенствованием поперечной флейты. Так, в 1695 г. ими был применен клапан ре-диез, повышавший основной звук инструмента на полутон. Тогда же в конструкцию поперечной флейты были внесены и некоторые другие улучшения: более точное сверление канала облегчило получение верхних звуков и сделало их более красивыми и певучими; изготовление же ствола из трех частей (колен) со сменной средней частью, которая имела разные размеры, давало возможность менять строй флейты. Для точной подстройки инструмента прибегали к раздвиганию головной части, но поскольку при этом внутри канала получался глубокий зазор, влиявший на качество звука, в канал вставляли специальные деревянные кольца. 

Вторым инструментом симфонического оркестра был гобой. Его изобретение приписывают французским мастерам М. Филидору и Ж. Оттетеру. 

Наряду с развитием исполнительства на духовых инструментах и совершенствованием их конструкций появляются педагогические руководства по обучению игре на том или ином инструменте. Наиболее раннее учебное пособие, дошедшее до нас, – это «Искусство игры на поперечной флейте», написанное знаменитым флейтистом Л. Оттетером и изданное в 1707 г. 

Постоянно развивавшееся в XVII в. исполнительство на духовых инструментах свидетельствует об уже существовавших тогда определенных методах и педагогических приемах, способствовавших развитию духового инструментального искусства.