Становление русской вокальной школы
методическая разработка на тему

СТАНОВЛЕНИЕ РУССКОЙ ВОКАЛЬНОЙ ШКОЛЫ.

Костарева Н.Ф, педагог дополнительного образования

МАУ ДО «Детская школа искусств» Мотовилихинского р-на г. Перми

В репертуар моего хора и солистов всегда входят различные русские народные песни, обладающие огромной художественно-воспитательной ценностью. На начальном этапе в учебном репертуаре колыбельные, плясовые, игровые, хороводные и шуточные песни, трудовые, календарные песни: «Скок, скок, поскок», «Жил-был Иванушка»,«Как у нас-то в мастерской», «На зеленом лугу», «Калинка», «Пойду ль, выйду ль я», «Сею-вею» и др. Народные песни обладают яркой мелодией, четким ритмом. Смысл их изначально обращен непосредственно к детям, и, естественно, содержит традиционно-незатейливую художественную образность и куплетную форму построения. Народные песни нередко имеют свою линию драматургического развития, а все описываемые в них события при исполнении требуют их жестикуляционных комментариев со стороны исполнителей. Игровые приемы и танцевальные движения, способствуют снятию зажима у детей, развитию их эмоциональности. Песня помогает формировать художественный вкус, обогащает речь типично народными выражениями, поэтическими оборотами: травушка-муравушка, трава шёлковая, зимушка-зима.В средних и старших классах представление детей о народной песне расширяется. Помимо игровых и плясовых песен в репертуаре появляются обрядовые, лирические, исторические, современные народные песни: «А кто у нас моден»-плясовая,  «Как по морю»-протяжная лирическая, сродни плачу, «Милый мой хоровод»-хороводная, «Пряха» -городской романс. Многообразие жанров и стилей песен, желание объяснить детям особенности данного произведения выявляет необходимость изучения базовых основ народного творчества, его роль в процессе становления русской вокальной школы.

Изучение русских народных песен не может быть не связано с изучением проблемы понимания ее «языка», народной терминологии, связанной с разнообразием жанровых и стилистических особенностей устной музыкальной культуры.

Следует отметить, что в народной культуре очень разнообразно разработана терминология, связанная с типами интонирования (песенным, плачевым, обрядовым, эпическим); с исполнителями музыкально-фольклорных текстов, с обстоятельствами исполнения. Выделены специальными терминами и отдельные певческие приемы, а также структурные особенности напевов. Прочная, неразрывная связь произведений народной музыки с обрядовым, трудовым, хозяйственным подтекстом, с эмоциональным переживанием жизненных ситуаций свидетельствует о том, что все вокально-поэтические жанры русского музыкального фольклора имеют свою, строго определенную функцию в народной культуре.Это подтверждают сами носители традиций, говоря: «Каждой песне-свое место».

 Многочисленные высказывания народных певцов и музыкантов, свидетельствуют о полном отсутствии в народной «теории» вокального музицирования понятий, аналогичных классическим теоретическим понятиям лада, ритма и т.п. Само слово «музыка» в народной культуре имеет весьма узкое значение и включает в себя в основном инструментальные наигрыши. Большинство определений, существующих в народной музыкальной культуре, относится к вокальным жанрам и особенностям их исполнения. Общерусский термин «петь» народные певцы относят лишь к лирическим, протяжным и, отчасти, свадебным песням. Иногда глагол «петь» вообще не употребляется народными исполнителями. Так жители некоторых южнорусских сел считают, что поют в церкви, а свадебные и хороводные песни играют, сказители былин считают, что песня сказывается, а протяжные –не поют, а стягивают. Такие термины как кричать, гукать, кликать относятся к обрядовым интонированиям, плачи же нужно кричать, причитывать, выть, вопить, рявкать.

В народной музыкальной культуре, где голос человека являлся основным, доминирующим  в исполнении, сам термин - «голос», становится весьма многозначным. Поющий человеческий голос в народной терминологии приобретает эпитеты, отражающие качественные характеристики голоса: его высоту, громкость, тембр и др. Например, светлый, веселый (Вологодская обл.), гремучий (Брянская обл.), связанный с различными обрядами и переходными периодами: свадебный, похоронный, масленичный,  весняный голос и т.п. [5,с.410].О плохо поющих говорили, что они «возят голосом» или что у них «голос в сторону». О высшей степени мастерства в пении, владении исполнительскими приемами: «переливает голосом, играет». В протяжных песнях с внутрислоговыми распевами певец «водит голосом».

С принятием христианства в России была заимствована из Византии и вся система богослужения. Первоначально, ввиду отсутствия специально обученных певчих, в богослужении участвовали греческие и болгарские певцы. Со временем появились и русские певчие. Церковные песнопения отличались спокойным, величаво-повествовательным характером. Плавные мелодии, отсутствие больших интервалов, средняя тесситура, неширокий звуковой объем делали пение удобным для голоса. Проникновенность, ясное произношение слов, безукоризненность интонации, сдержанная динамика и общее благородство стиля - вот характерные черты церковного пения. В церковном пении певец приобретал необходимый профессионализм. Все это дало впоследствии возможность русским певцам с легкостью справляться со сложным оперным репертуаром, ввезенным в XVIII веке в Россию с Запада и соперничать с итальянскими певцами.

Таким образом, русская народная песня и народное исполнительское искусство с одной стороны, и высокая вокальная культура церковного пения, с другой, были теми важнейшими факторами, которые подготовили почву для возникновения светского профессионального певческого искусства.

Параллелизм развития церковной и народной ветвей русского певческого искусства в XV-XVI веках отмечается рядом исследователей. Именно к этому времени относится, как полагают ученые, формирование шедевра русского певческого искусства - протяжной песни. Характерной особенностью протяжной русской песни является глубина содержания, психологизм и неразрывная связь слова с музыкой. Слово в песне является ведущим, оно и определяет характер мелодии. Исполнение их требует наполненного звучания, ровности и красоты тембра, большого дыхания.

 Русская народная песня играла основополагающую роль в создании отечественного профессионального музыкального и вокального искусства. Песня являлась неиссякаемым источником вдохновения отечественных композиторов: А. Варламова, М.И.Глинки, М. Мусоргского.

М.И.Глинка хорошо знал традицию русского церковного пения, он работал в придворной певческой капелле, где русский духовный репертуар был основным, но от певцов требовал иного подхода к исполнению: раскрытия содержания, психологизма и неразрывной связи слова с музыкой. Слово в песне является ведущим, оно и определяет характер мелодии. Брызжущие юмором песни-скороговорки вырабатывали у народных певцов чеканную дикцию, умение четко донести слово.

Одной из самобытных традиций итальянской школы был инструментальный метод развития голоса, сводившийся к объемности и ровности голоса по всему диапазону, т.е. от самого низкого до самого высокого звука, в особой «инструментальной» тембровой окраске. Этот метод рассчитан на идеальную природу и полный природный диапазон голоса, природную ровность регистровых порогов голоса. Глинка же полагал, что все голоса не идеальны и требуют развития и усовершенствования. Он считал важным не только выявить и «огранить» природу певца, но и приумножить.  На основе эстетических воззрений о красоте тембра сформировался и укрепился признанный «концентрический метод» развития голоса. Глинка также не писал аккомпанемента для вокальных упражнений, в чём нетрудно усмотреть определённую закономерность: ведь русские народные песни, за исключением плясовых, обычно исполнялись без инструментального сопровождения. Хоровое пение развивалось в стиле a’cappela, что требовали каноны православия. Методический принцип сольного пения без инструментального сопровождения в наши дни получил научно-теоретическое обоснование.

Сходны требования к голосу и упражнения первых педагогов русской вокальной школы Г.Я. Ломакина, Ф. Евсеева М.И. Глинки и А.Е. Варламова.Как истинные представители русской школы авторы первых учебно-методических трудов требовали от своих учеников задушевности, искренности и высокой эмоциональности исполнения. Ломакин утверждал, что певец должен овладеть "чувством", "теплотой души". Варламов также писал о непосредственном влиянии "состояния души" на голосовой аппарат, а искусство пения считал "языком сердца, чувства и страсти".

Принципы русской вокальной педагогики, сформировавшиеся в 30-е годы 19 века, получили своё дальнейшее развитие. Наиболее полно, рельефно характерные особенности русской вокальной школы проявились в конце XIX - начале XX века в искусстве большой группы выдающихся исполнителей, среди которых, как яркие звезды, выделяются трое: Фёдор Иванович Шаляпин (1873-1938), Леонид Витальевич Собинов (1872-1934) и Антонина Васильевна Нежданова (1873-1950).