Искусство итальянского Возрождения

ИСКУССТВО ИТАЛЬЯНСКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ

Итальянское искусство эпохи Возрождения  – одно из ярчайших явлений в истории мировой культуры.  Это период, в который жили и творили великие архитекторы, художники и скульпторы, создавшие непревзойденные произведения искусства. Никогда больше ни до, ни после Возрождения, не случалось такого, чтобы на протяжении сравнительно короткого отрезка времени  жило и работало так много необычайно одаренных, гениальных людей. По мнению Е.В. Яйленко, «если бы было возможно вывести точную математическую формулу, которая бы выразила  соотношение между количеством гениев и всех остальных людей, живущих в один и тот же исторический период, для Италии эпохи Возрождения такой показатель оказался бы максимальным». Конечно, это не может не притягивать к ней пристального внимания и желания узнать и саму эпоху, и ее удивительную культуру. Искусство в эти столетия заняло в общественной жизни небывалое до того времени положение. Художественное созидание, казалось, столь неутолимой потребностью людей ренессансной эпохи, выражением их неиссякаемой энергии. В передовых центрах Италии страстное увлечение искусством захватило самые широкие слои общества - от правящих кругов до простых людей. Возведение общественных построек, установка, монументов, украшение главных сооружений города были делом государственной важности и предметом внимания высших должностных лиц. Появление выдающихся художественных произведений превращалось в крупное общественное событие. О всеобщем преклонении перед выдающимися мастерами может свидетельствовать, тот факт, что величайшие гении эпохи - Леонардо, Рафаэль, Микеланджело - получили у современников наименование божественных. По своей активности эпоха Возрождения в Италии, охватывающая около трёхсот лет, сопоставима с целым тысячелетием, на протяжении которого развивалось искусство средневековья.

Обязано Итальянское Возрождение своим происхождением не какому-либо одному, а нескольким источникам. В период предшествующий этой эпохе, Италия явилась пунктом скрещения нескольких средневековых культур. Здесь равно значительное выражение нашли обе основные линии средневекового искусства Европы - византийская и Романо-готическая, осложнённые в отдельных областях Италии воздействием искусства востока. И та, и другая линия внесли свою долю в становление ренессансного искусства. От византийской живописи приходит идеально прекрасный строй образов и формы монументальных живописных циклов. Готическая образная система способствовала проникновению в искусство  XIV столетия эмоциональной взволнованности и более конкретного восприятия действительности. Но еще более важным было то, что Италия явилась хранительницей художественного наследия античного мира.  Т.Ильина, объединяет выше перечисленные источники дает  определение Возрождения как грандиозного культурного движения, призванного, «возрождая к новой жизни античность после тысячелетнего ее забвения и оживляя лучшее в затухающем средневековье, открыть перспективы развития западной культуры Нового времени».

Новая культура, расцвет которой приходится на XV—XVI века,  связанная с появлением в феодальном обществе буржуазии, получила в истории название «Возрождение». Уже в самом термине, который  впервые употребил в 1550 г. итальянский художник и историограф Дж. Вазари в «Жизнеописании наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих содержится указание на одну важнейшую особенность итальянской культуры того времени, а именно на «возрождение античности».  Главной особенностью искусства Итальянского Возрождения является соединение двух устремлений: возрождения классических форм античности и идеологии гуманизма.  Гуманистическая культура Возрождения пронизана мечтой о новом человеке и его новом духовном развитии. В качестве ведущей черты этого образа выдвигается понятие virtu (доблесть), это качество помогло таким мастерам как, например Мазаччо, Андреа дель Кастаньо, Мантеньи, Микеланджело - в героических образах, и у Рафаэля и Джорджоне - в гармонических.

Для Ренессанса характерно восприятие античности уже как далекого прошлого и потому — как «идеала, о котором можно тосковать», а не как «реальности, которую можно использовать, но и бояться» (Э. Панофски). Античность приобретает в это время значение самостоятельной ценности. Отношение к ней становится, как верно замечено, не только и не столько познавательным, сколько романтическим, даже у такого знатока античности, как Мантенья.  Дж. Вазари писал о том, что и «древнее», и средневековое искусство закончилось. Поэтому античность является не «образцом для подражания», а стимулом для творчества.

От античности Ренессанс стал воспринимать человека как микрокосм, «малое подобие большого космоса — макрокосмоса», во всем его многообразии. Вот что пишет об этом известный гуманист и философ Джованни Пико делла Мирандола: «Я ставлю тебя в центре мира, чтобы оттуда тебе было удобнее обозревать все, что есть в мире. Я не сделал тебя ни земным, ни небесным, ни смертным, ни бессмертным, чтобы ты сам, свободный и славный мастер, формировал себя в образе, который ты сам предпочтешь… О дивное и возвышенное назначение человека, которому дано постигнуть то, к чему он стремится, и быть тем, чем он хочет!» Для итальянских гуманистов главным было — направленность человека на самого себя. Человек становился открытым миру. Его судьба в большой степени находится в его собственных руках — в этом принципиальное отличие от восприятия человека в древнем мире, в котором его ценили по степени причастности к миру богов. И художник в ренессансную эпоху воспринимается, прежде всего, как индивидуум, как личность, как таковой.

 Невольно хочется предостеречь философов возрождения от слишком дерзких и смелых высказываний, а по мнению В.Г. Власова,  трагедия и быстрый крах искусства Итальянского Возрождения были предопределены именно тем, что вместо космоса и Бога человек самонадеянно поставил в центр мира себя, безмерно преувеличив собственные возможности. Но уникальность ситуации в Италии на рубеже XIV-XV вв. состоит в том, что именно там совпали интересы «художественно настроенных гуманистов и гуманистически настроенных художников». Остановить, на мой взгляд, развитие идей гуманизма было просто невозможно.

Сами масштабы величайшего расцвета, которыми был ознаменован итальянский ренессанс, кажутся особенно поразительными по контрасту с небольшими территориальными размерами тех городских республик, где зародилась и пережила свой расцвет культура этой эпохи. В зависимости от различных этапов эволюции и от традиций сложились отдельные территориальные художественные школы. Поскольку экономическое и культурное развитие итальянских государств не было равномерным, соответственно был различным вклад их в искусство на протяжении отдельных его периодов. Флоренция  шла в авангарде нового искусства, начиная с Проторенессанса до Высокого Возрождения. Столица Тосканы оказалась как бы фокусом экономической, политической и культурной жизни Италии с XIII до начала XVI века, и события её истории, утратив свой чисто локальный характер, приобрели общеитальянское значение. Флоренция была родиной или местом творческой деятельности крупнейших мастеров от Джотто до Микеланджело. Ее по праву считают колыбелью итальянского Возрождения. Большую роль  в подъёме и расцвете искусства Возрождения сыграли здесь великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств) - крупнейших покровителей и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры. С конца XV начала XVI века в качестве ведущего центра художественной жизни страны наряду с Флоренцией выдвигается Рим. Усиление авторитета римского понтифика привлекают к своему двору крупнейших зодчих, скульпторов и живописцев. Возвышение Рима как главного художественного центра страны совпало с началом периода Высокого Возрождения, своё положение Рим сохранял в течении первых трёх десятков XVI века. Созданные в эти годы лучшие произведения Браманте, Рафаэля, Микеланджело и многих других, работавших в Риме мастеров, знаменовали собой зенит эпохи Возрождения. Но с утратой итальянскими государствами политической независимости, в период кризиса ренессансной культуры папский Рим превратился в оплот идеологической реакции, облекшейся в форму, контрреформации. После Рима третьим крупнейшим центром художественной культуры становится Венеция. Венеция была последней из сильных итальянских республик, отстоявшей свою независимость и сохранившей немалую долю своих богатств. Оставаясь вплоть до конца XVI века крупным очагом ренессансной культуры. Именно ей было суждено раскрыть лучшие качества позднего Возрождения. Творчество Тициана в последний период его деятельности, а также крупнейших представителей второго поколения живописцев 16 века - Веронезе и Тинторетто.

  Периодизация Возрождения определяется верховной ролью изобразительного искусства в его культуре: вводный период - Проторенессанс,  ок.1280-1410, (треченто и частично кватроченто XIII-XIVвв.), Раннее Возрождение - 1410 – 1500 (кватроченто XV вв.), когда новые тенденции активно взаимодействуют с готикой, преодолевая и творчески преобразуя ее, а также Высокое - 1500 - 1520 и Позднее Возрождение  - 1520 - 1560  (чинквеченто XVI вв.); особой фазой которых стал маньеризм.

Проторенессанс. Обновлению, которое властно заявило о себе в самом начале  XV века, предшествовала длительная и упорная, занявшая почти полтора столетия  работа по овладению новыми изобразительными возможностями и поиску новых форм в искусстве. Начальный этап этого процесса связан с первыми, еще робкими и несмелыми попытками преодоления сдерживающих оков «византийской манеры» в самом конце XIII века. Сквозь наслоения романских и готических форм, сквозь мощный пласт византийской традиции в этом сложном процессе все ощутимее пробиваются ростки нового и оригинального художественного мировоззрения, которому будет суждено послужить основой для грядущего возрождения искусства, наполненного пытливым интересом к человеку и окружающему его миру. В изобразительном искусстве безличное цеховое ремесло уступает место индивидуальному творчеству. В архитектуре, скульптуре и живописи выдвигаются крупные мастера, ставшие гордостью эпохи, творчество которых во многом определило дальнейшее развитие итальянского искусства, заложив основы для обновления. Итальянская архитектура в течение длительного времени следовала средневековым традициям, что выражалось, главным образом, в использовании большого количества мотивов готики. Вместе с тем сама итальянская готика сильно отличалась от готической архитектуры северной Европы: она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членениям, широким поверхностям стен. Церковь Санта-Кроче, одна из самых больших во Флоренции, была начата Арнольфо ди Камбио в конце XIII в. (фасад создан в XIX в.). Храм отличается широкими пролетами, единством внутреннего пространства; вместо сложных готических сводов в нем использовано деревянное потолочное перекрытие. В 1296 г. во Флоренции начали строить собор Санта-Мария дель Фьоре. Среди наиболее известных городских дворцов — палаццо Веккьо (палаццо делла Синьория) во Флоренции. Более нарядным выглядит ритмически организованное палаццо Публико в Сиене (1298—1310).  

 Ранее всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре Никколо и Джованни Пизано. Главное достижение ваятелей состоит в том, что они сумели придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.

Необходимо отметить, что в искусстве итальянского Возрождения настенная живопись занимала господствующее место. Она выполнялась в технике фрески. Во многом здесь сказывалась зависимость местной школы от византийского искусства, в котором иконографическая схема монументальной декорации храма была разработана вплоть до мельчайших подробностей. Постепенное изживание византийских элементов, отказ от иконных принципов – вот главный смысл дальнейшего развития итальянской живописи.

Некоторые искусствоведы, вслед за Дж.Вазари считают, что самым замечательным прологом в развитии итальянской живописи стало творчество Чимабуэ, в котором он делает первые попытки отойти от «грубой греческой манеры». Другие пальму первенства отдают мастеру Римской школы - Пьетро Каваллини, чье творчество служило важным звеном в процессе появления совершенно новой живописной формы - картины. В художественном строе его фресковых ансамблей прочно удерживаются элементы античного иллюзионизма, проявляющегося в убедительных пространственных построениях, в мастерских компоновках фигурных групп и в трактовке отдельных деталей. Может, именно его новшества служат основой для живописной реформы Джотто, который, по разным источникам, так или иначе, испытывал влияние обоих мастеров. Слава Джотто была велика еще при жизни, а в следующем столетии его единодушно признали величайшим преобразователем искусства. Самым замечательным произведением Джотто являются росписи в Капелле дель Арена в Падуе. В трех рядах композиций на стенах Капеллы художник изобразил сцены из жизни Христа, Марии, Иоакима и Анны, а также аллегорические фигуры добродетелей и пороков.  Главное достижение художника состоит в том, что он, часто пренебрегая догматическими соображениями о соблюдении канонических норм сюжетной иконографии решает чисто художественные задачи: вводит в свои композиции элементы пространственных построений и объемной формы, чем навсегда изживает условности художественного языка иконописи. Джотто был не только живописцем. В 1334 г. по его проекту было начато строительство колокольни собора Санта – Марии дель Фьоре, так называемой кампанилы — стройной прямоугольной башни с поэтажными горизонтальными членениями и изящными готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых еще долго сохранялась в итальянской архитектуре. Кампанила и по сей день украшает Флоренцию своим легким сквозным силуэтом, контрастируя с мощным куполом собора.

В период Треченто центром художественной культуры выступает также город Сиена. Культура Сиены аристократична, пронизана феодальным мировоззрением, духом церковности. Произведения сиенской школы нарядны, декоративны, праздничны, но и значительно более архаичны, чем флорентийские, полны готицизмов. Так, в искусстве Дуччо ди Буонинсенья (около 1250—1319) «первом цвете этого сада», по словам Беренсона, еще много византийских черт; это в основном алтарные композиции, живопись темперой на доске, на золотом фоне с готическими элементами, в архитектурном обрамлении в виде вимпергов и стрельчатых арок. В его мадоннах (знаменитая «Маэста» — «Величание Марии») при всей архаичности рисунка и композиции много искренности, лирического чувства, высокой одухотворенности. Это создается при помощи мягкого плавного ритма (как линеарного, так и пластического), сообщающего произведениям Дуччо особую живописную музыкальность. Один из знаменитых мастеров сиенского Треченто — Симоне Мартини (1284—1344). Возможно, длительное пребывание в Авиньоне сообщило его искусству некоторые черты северной готики: фигуры Мартини удлинены и, как правило, представлены на золотом фоне. Но при этом Симоне Мартини старается моделировать форму светотенью, сообщает фигурам естественное движение, пытается передать определенное психологическое состояние, как он это сделал в образе Мадонны из сцены «Благовещение». 

В течение «Раннего Возрождения» искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. При этом мы наблюдаем не  простую реформу технических средств или смену тематических принципов, а смену мировоззрения, мыслей и чувств. Вместе с этим меняется взгляд человека на окружающий мир. Благодаря открытию Яном ван Эйком техники масляной живописи, широкое распространение получает живописная форма, в которой нашли отражение важнейшие черты мировоззрения эпохи – портрет. Чрезвычайно широкое распространение получают сюжеты, связанные с историей и мифологией классической античности. В первой половине XV в. во Флоренции жили и работали три «отца Возрождения»: архитектор Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо. Языком архитектуры, скульптуры и живописи они прославляли физическую красоту человека. Вопреки учению церкви они утверждали право людей на свободу и счастье, говорили о том, что человек силой разума может и должен познать законы мира. Несмотря на решительный разрыв с традицией готики, отдельные элементы готического стиля еще долго удерживались в творчестве Брунелелески и Донателло, препятствуя окончательному сложению нового художественного языка. Этого, однако, нельзя сказать об искусстве Мазаччо, который своими композиционными решениями, телесной плотностью фигур и исключительной правдивостью смог совершить настоящую революцию в искусстве. Родоначальником ренессансной архитектуры Италии стал Филиппо Брунеллески (1377—1446) — архитектор, скульптор и ученый, один из создателей научной теории перспективы. Величайшим инженерным достижением Брунеллески стало возведение купола собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции. Кроме того, что Брунеллески одним из первых в зодчестве Италии творчески осмыслил и оригинально истолковал античную ордерную систему (Оспедале дельи Инноченти, 1421—44),  положил начало созданию купольного храма на основе античного ордера (Старая сакристия церкви Сан-Лоренцо). Подлинной жемчужиной Раннего Возрождения стала созданная Брунеллески по заказу богатого флорентийского семейства капелла Пацци (начата в 1429). Гуманизм и поэтичность творчества Брунеллески, гармоничная соразмерность, легкость и изящество его построек, сохраняющих связь с традициями готики, творческая свобода и научная обоснованность его замыслов определили большое влияние мастера на последующее развитие архитектуры Возрождения.

Особое место в истории итальянского зодчества занимает Леон Баттиста Альберти (1404—72). Всесторонне одаренный и широко образованный человек, он был одним из самых блестящих гуманистов своего времени. Круг его интересов был необычайно разнообразен. Главным призванием Альберти была архитектура. В архитектурном творчестве Альберти тяготел к смелым, экспериментаторским решениям, новаторски используя античное художественное наследие. Альберти создал новый тип городского дворца (палаццо Ручеллаи). В культовом зодчестве, стремясь к величию и простоте, Альберти использовал в оформлении фасадов мотивы римских триумфальных арок и аркад (церковь Сант-Андреа в Мантуе, 1472—94). Имя Альберти по праву считается одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения.

Скульптором, которому выпало в искусстве на целые столетия вперед решить многие проблемы европейской пластики — круглой скульптуры, монумента, конного монумента, — был Донато ди Никколо ди Бетто Барда, известный в истории искусства как Донателло (1386?—1466). Герои Донателло непокорны и горды, в них чувствуется готовность к борьбе и жажда справедливости. В его искусстве наблюдаются и готические реминисценции, и прослеживаются сложное сочетание античных влияний (в трактовке форм, складок одежды) и высокоторжественного, глубоко религиозного настроения.  В сложном поиске Донателло приходит к своим собственным решениям, к образам глубокой человечности и подлинного реализма, что объясняет его огромное влияние на всю последующую европейскую скульптуру.  

В это же время живописцы превращали свои композиции в подробный пересказ сюжета с перечислением множества натуралистических деталей. Они создают «новое чувство реальности». Произведения итальянского кватроченто – грёзы, сны наяву, фантастические картины, в которых смешивались сюжеты Библии, рыцарских легенд и античных мифов. Об этом замечательно писал П. Муратов: «Для них история Эсфири, и история Гризельды, и история Эвридики происходили в одной и той же стране. Там живут прекрасные принцы, драконы, восточные мудрецы, нимфы, античные герои и волшебные звери, и эта страна – просто страна сказки». Славу флорентийского искусства XV в. составили живописцы Паоло Уччелло, Андреа дель Кастаньо, Беноццо Гоццоли, фра Филиппо Липпи, Доменико Гирландайо. В Умбрии прославился Пьеро делла Франческа — всегда величественный и монументальный в своем искусстве. В Падуе — суровый и строгий Андреа Мантенья. Особое место в живописи Раннего Возрождения принадлежит Сандро Ботичелли. Изысканное искусство Боттичелли с элементами стилизации (т.е. обобщения изображений с помощью условных приемов — упрощения цвета, формы и объема) пользовалось большим успехом в кругу образованных флорентийцев. В основе искусства Боттичелли в отличие от большинства мастеров Раннего Возрождения лежало личное переживание. Среди множества картин, созданных Боттичелли, есть несколько прекраснейших творений мировой живописи.

Третий период - время самого пышного развития стиля - принято называть «Высоким Возрождением». В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II — человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При  Папе и  его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи.  Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства. Так называемое высокое, по терминологии X. Вёльфлина, «классическое возрождение» (итал. cinquecento – «пятисотые годы») – начало XVI столетия, время формирования Классицизма в искусстве.  Для этого периода характерно усиление индивидуализма. Леонардо да Винчи, экспериментируя, создает свой индивидуальный стиль «научного натурализма», которому безуспешно пытаются подражать его ученики. Другой «титан» Возрождения – Рафаэль, которому присущи и «грандиозность и грациозность» (А.Иванов) канонизирует найденный им «идеальный стиль» в самых знаменитых произведения искусства Возрождения: «Сикстинской мадонне» и росписях Ватиканских Станц.  Гениальный Микеланжело в своем «индивидуальном романтизме», в одиночку, уходит вперед настолько, что в скульптуре возвращается к средневековому мистицизму, а в архитектуре создает стиль Барокко. Крупнейшим представителем архитектуры Высокого Возрождения стал Донато Браманте (1444—1514). Постройки Браманте отличаются монументальностью и величием, гармоничным совершенством пропорций, цельностью и ясностью композиционных и пространственных решений, свободным, творческим использованием классических форм. В его творениях на смену графической сдержанности архитекторов кватроченто приходят тектоническая логика, пластичность деталей, цельность и ясность замысла (Темпьетто). Наивысшим творческим достижением Браманте является реконструкция Ватикана (зодчий фактически создал новое сооружение, органически включив в него разрозненные старые строения). Браманте принадлежит также авторство проекта собора Св. Петра в Риме. Своим творчеством Браманте определил пути развития архитектуры XVI в.

Уже в середине XVI в. в итальянском искусстве отчетливо наблюдаются два основных художественных стиля: Маньеризм и Барокко. Если творчество Микеланджело во второй своей половине уже несет на себе черты новой эпохи, то для Венеции весь XVI век проходит еще под знаком чинквеченто. Венеция, сумевшая сохранить свою независимость, дольше хранит и верность традициям Ренессанса. Главной темой творчества Джорджоне оказывается изображение человека в окружении природы. Ему принадлежит важнейшее новшество венецианской живописи: переход к формам станковой картины, которая вытесняет собой форму алтарной картины и многофигурные композиции.  Тициан.

«Высокое возрождение» ускользает от исследователей хронологически и по существу. Оно обрывается, как и следовало ожидать, внезапно. В 1510 г. умерли Джорджоне и С. Боттичелли, в 1519 г. – Леонардо, в 1520 г. – Рафаэль. Продолжал работать Микеланджело, но его творчество уже было далеко от идеалов Возрождения. Главным трудом великого мастера было возведение собора Св. Петра и строительство ансамбля площади Капитолия в Риме — духовного и светского центров «вечного города» (обе работы завершены по планам Микеланджело после его смерти. В 1527 году разрушен и разграблен Рим. Во второй половине XVI в. в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиренессансные антиклассические тенденции, воплотившиеся в маньеризме. Однако маньеризм почти не затронул Венецию, которая во второй половине XVI столетия стала главным очагом позднеренессансного искусства. Хотя торговое и политическое значение Венецианской республики неуклонно падало, как и ее могущество, Город Лагун по-прежнему был свободен и от власти папы римского, и от иноземного владычества, а накопленные им богатства были огромны. В этот период уклад жизни Венеции и характер ее культуры отличались таким размахом и великолепием, что, казалось, ничто не предвещало заката слабеющего Венецианского государства. В русле высокой гуманистической ренессансной традиции в новых исторических условиях в Венеции развивалось обогащенное новыми формами творчество великих мастеров Позднего Возрождения — Палладио, Веронезе, Тинторетто.  Творчество северо-итальянского архитектора Андреа Палладио (1508—80), основанное на глубоком изучении античной и ренессансной архитектуры, представляет собой одну из вершин в искусстве Позднего Возрождения. Палладио выработал принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма XVII—XVIII вв. и получили название палладианства. Свои идеи зодчий изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570). Постройки Палладио (преимущественно городские дворцы и виллы) исполнены изящной красоты и естественности, гармоничной завершенности и строгой упорядоченности, отличаются ясностью и целесообразностью планировки и органической связью с окружающей средой (палаццо Кьерикати). Умение гармонически связать архитектуру с окружающим ландшафтом с особой силой проявилось в виллах Палладио, проникнутых элегически-просветленным чувством природы и отмеченных классической ясностью и простотой форм и композиции (вилла Капра (Ротонда)). Палладио создал первое монументальное театральное здание в Италии — театр Олимпико. Влияние Палладио на развитие архитектуры последующих веков было огромным.

Эпоха Возрождения в Италии является закономерным, но и исключительным явлением в истории культуры Запада, совершенно особой ситуацией, когда человеку посчастливилось полно и мощно выразить себя в камне, дереве и красках. По заключению М. Дворжака, эпоха Итальянского Возрождения осталась в исторической памяти человечества вершиной «идеалистического стиля», который отразил «борьбу духа и материи» как главное «содержание всего развития искусства европейских народов в послеантичный период». В результате деятельности выдающихся мастеров Итальянского Возрождения созданы предпосылки формирования Классицизма и Романтизма и заложены основы интенсивного развития художественных стилей, течений и школ западноевропейского классического искусства.

СЛОВАРЬ ТЕРМИНОВ И ПОНЯТИЙ ПО ТЕМЕ

«ИСКУССТВО ИТАЛЬЯНСКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ»

АНТИЧНОЕ ИСКУССТВО – (от лат antiquus – древний и см. искусство) – исторический тип искусства. Термин «античный» был впервые применен в среде писателей-гуманистов эпохи Итальянского Возрождения для обозначения самой древней из известных в то время культур, главным образом древнеримской.

БАПТИСТЕ́РИЙ (греч. baptisterion от baptizo — "погружаю", baptist — "креститель") — крещальня.

ВИ́ЛЛА (ла. villa — загородный или деревенский дом) — роскошный загородный дом в итальянском стиле, как правило, на берегу тёплого моря.

ВОЗРОЖДЕ́НИЕ, или РЕНЕССА́НС (фр. Renaissance, итал. Rinascimento; от «ri» — «снова» или «заново рожденный») — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени.

ВОЛЮ́ТА (итал. voluta от лат. volutare — "катать, скатываться", volvere — "крутить, закручивать") — архитектурная деталь в форме спирального завитка.

ГОТИЧЕСКИЙ СТИЛЬ – (франц. gothique, нем. gotisch, итал. gotico от лат. gothi, ср.-лат. gotthus, греч. gothos из др.-верхн.-нем. gaut – исток, часть слова, входящая в название реки Gautelfr, отсюда этноним) – исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в XIII-XV вв.

ГУМАНИ́ЗМ (от лат. humanitas — человечность, humanus — человечный, homo — человек) — мировоззрение, в центре которого находится идея человека как высшей ценности; возникло как философское течение в эпоху Возрождения

МА́СЛО, МА́СЛЯНЫЕ КРА́СКИ (см. маслина; краски) — краски и основанная на них техника живописи, в которой связующим веществом пигментов являются жирные высыхающие масла растительного происхождения — льняное, ореховое, маковое, подсолнечное.

ПАЛАЦЦО (лат. palatium - дворец) - в архитектуре итальянского Возрождения XV - XVI вв. богатый городской особняк.

ПЕРСПЕКТИ́ВА (через нем., франц. perspective, итал. prospettiva, из лат. per-spicere — "ясно видеть, проникать взором, постигать, пристально рассматривать") — ясное ви́дение, панорама, взгляд вдаль, картина широкого пространства.

ФРЕ́СКА (итал. fresco — "свежий, сырой") — техника стенной росписи водяными красками по сырому слою штукатурки, впитывающему краски на некоторую глубину, что обеспечивает особенную прочность и сохранность красочного слоя (итал. al fresco; a fresco — "по сырому"; сравн. a secco — роспись "по сухому"; см. секко).