Женщины - импрессионисты

Проект

 “Женщины - импрессионисты”

Выполнила:

Николаенко Эмилия,

ученица 9 класса Б

ВВЕДЕНИЕ                                                                                                                    3-4

ГЛАВА I  ЗАРОЖДЕНИЕ  ИМПРЕССИОНИЗМА                                                   5-8

1.1 ИМПРЕССИОНИЗМ КАК ХУДОЖЕСТВЕННОЕ ТЕЧЕНИЕ

1.2 НОВЫЕ МАТЕРИАЛЫ ЖИВОПИСИ                                                                  6-7

1.3 ПЕРВАЯ ВЫСТАВКА ИМПРЕССОНИСТОВ                                                    7-8

ГЛАВА II ЖЕНЩИНЫ-ИМПРЕССИОНИСТЫ. БИОГРАФИЯ, ТЕМАТИКА, КАРТИНЫ                                                                                                                                 8-9

2.1 ОТЛИЧИЯ ОТ МУЖСКОЙ ЖИВОПИСИ ПО ТЕМАТИКЕ, СУДЬБЕ И ТВОРЧЕСТВУ                                                                                                                            9

2.2 ХУДОЖНИЦА БЕРТА МОРИЗО                                                                       10-12

2.3 ХУДОЖНИЦА ЭВА ГОНСАЛЕС                                                                      12-13

2.4 ХУДОЖНИЦА МЭРИ КАССАТ                                                                        13-15

2.5 ХУДОЖНИЦА МАРИ БРАКМОН                                                                    15-17

ГЛАВА III РАЗНЫЕ ВИДЫ ЖИВОПИСИ В ДЕЯТЕЛЬНОСТИ ИМПРЕССИОНИСТОВ                                                                                                       16-19

ЗАКЛЮЧЕНИЕ                                                                                                         19-20

ВВЕДЕНИЕ

Несколько лет назад я увидела набор почтовых открыток с картинами  импрессионистов, больше всего меня заинтересовала картина Ван Гога «Звёздная ночь». Я решила поискать в интернете информацию о данном художнике, и посмотреть больше картин. Так я узнала, что все картины на почтовых открытках написаны самыми разными художниками в стиле импрессионизма. Позже я стала изучать больше и больше. Заказывала книги, журналы, ходила на тематические выставки. В Москве я посетила различные музеи, но больше всего мне понравилось в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Там я ещё ближе познакомилась с импрессионистами, несмотря на то, что их работ было очень мало. Это очень хорошо, что в музеях нашей страны можно увидеть картины великих художников и мастеров.

Особенность живописи импрессионистов очень точно выразил в стихах известный поэт, автор официального гимна Государственного Эрмитажа, Александр Городницкий.

Творцы невероятной краски.

Бесцветной жизни вопреки,

Цветные создавали сказки

Их негасимые мазки.

Была им, вероятно, лестна

Им предоставленная честь:

Изобразить наш мир окрестный

Прекрасней, нежели он есть.

Но в своей работе я обращаю внимание на деятельность женщин –художниц . Данная тема малоизученна. В учебниках обычно показывают деятельность стереотипного набора художников. Но при этом импрессионизм был представлен и деятельностью женщин-художниц.

Цель проекта: изучить деятельность женщин-художниц, работающих в стиле импрессионизма .

Задачи:

1. Рассмотреть понятие «импрессионизм»,
2. Собрать информацию о биографиях женщин-импрессионистов
3. Изучить работы этих художниц
4. Проанализировать творческую судьбу

Предмет изучения: живопись

Объект: импрессионизм как направление живописи

Гипотеза: художественная деятельность женщин-художниц, работающих в направлении «импрессионизм», отличалась от деятельности мужчин-художников.

Продукт проекта:

А) рабочий лист для деятельности на занятиях МХК или истории

Б) информационная презентация для урока

ГЛАВА I

Зарождение импрессионизма.

Импрессионизм родился во Франции, он получил наиболее полное воплощение в творчестве таких выдающихся мастеров, как Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсаро и Альфред Сислей. Неоднозначна ситуация с осмыслением наследия женщин-художниц в истории импрессионизма, а их оценки современниками, коллекционерами и зрителями представляют отдельную и не менее значимую часть этого явления.

Термин «Импрессионизм» происходит от французского слова «impression»  − «впечатление». То есть картины художников-импрессионистов − нечто иное, как попытка передать непосредственное, сиюминутное впечатление от увиденного в реальности, впечатление, которое существует «здесь и сейчас», на полотне перед глазами зрителя, как остановленное мгновение.

Открытия, которые совершили художники-импрессионисты, несомненно, явились своего рода революцией в культуре и искусстве того времени, но рождение их нового художественного видения было подготовлено целым рядом важных явлений в истории не только французского, но и западноевропейского искусства первой половины и середины 19-го века.

В начале творческого пути художники-импрессионисты оказались лицом к лицу с академической художественной системой, которая сформировалась во Франции ещё во времена Людовика XIV и с тех пор претерпела мало изменений. Художественная карьера воспринималась такой же рутиной как карьера чиновника или военного: сначала − годы обучения в Школе изящных искусств и в мастерской мэтра, затем − первый успех в Салоне, где профессора Школы откровенно протежировали своим ученикам, а далее − лакомые государственные заказы, премии и медали Салона.

1.1 «Салонами» во Франции называли официальные выставки, устраивавшиеся Королевской академией живописи и скульптуры. От демонстрации картин в Салоне напрямую зависел коммерческий успех мастера, возможность найти покупателей для своих произведений.

Импрессионисты стремятся работать непосредственно на плэнере, они начинают писать с натуры не только этюды, но и большие холсты, чему в значительной степени способствовало появление новых, удобных в транспортировке материалов − красок в тюбиках, и складных мольбертов.

В картинах Клода Моне и Огюста Ренуара конца 1860-х годов, написанных во время совместной работы на плэнере на берегах Сены, окончательно складываются принципы импрессионистической живописи: внимание к конкретному состоянию природы, стремление передать изменчивость освещения и цвета, свободный открытый мазок, новые способы композиционного построения картины, резко отличные от классической пейзажной традиции.

Несмотря на протесты Эдуарда Мане, который советовал стремиться к официальному признанию в Салоне и отказался выступать вместе с остальными, первая выставка импрессионистов открылась в самом центре Парижа, на бульваре Капуцинок, 15 апреля 1874 года.

1.2 Новые материалы живописи. «Импрессионистическая революция», как называют этот процесс некоторые историки искусства, привела к радикальному изменению методов работы живописцев, их приемов и художественной манеры. Большинство Старых мастеров, ещё с эпохи Средних веков, изготавливали свои краски на основе льняного масла, минеральных и растительных компонентов самостоятельно, в собственной мастерской. Этот процесс, с одной стороны, таил в себе множество тончайших секретов мастерства, а с другой ‒ приковывал художника к мастерской, поскольку не существовало приемлемых способов транспортирования уже замешанных масляных красок. В 1841 году американец Джон Рэнд, сотрудник британской компании «Виндзор и Ньютон», изобретает металлический тюбик для краски с завинчивающейся крышкой. Из тюбика нужно было лишь выдавить немного состава на палитру, чтобы начать работу в любом месте.

Совершенствуются и кисти: первоначально почти все они были круглыми в сечении, волос и щетину привязывали к ручке нитками или бечевкой. В середине 19-го века появляется металлическая обойма, позволяющая делать плоские кисти. Мазки, наносимые плоской кистью, открыли художникам новые средства выразительности, позволяя передать зыбкую водяную рябь, шелест листвы под дуновением ветра. Кроме того, значительно ускоряется работа живописца, позволяя закончить картину до того, как изменится освещение или состояние природы. Меняется и материал для изготовления кистей, традиционно они делались из ворса куницы или соболя. Особенно мягкими, позволявшими добиваться сплавленной манеры письма, при которой не видно отдельных мазков, а поверхность картины напоминает гладкую эмаль, считались кисти из колонка. Кисти с новыми плоскими обоймами стали изготавливать из свиной щетины: она более жесткая, с толстыми ворсинками, поэтому такие кисти не скользят по холсту, а оставляют на нем плотные, густые мазки.  

Главное завоевание импрессионистов ‒ принцип работы на плэнере, непосредственно наблюдая изображаемый мотив, ‒ было бы невозможно, используй они традиционные громоздкие студийные мольберты. Но ещё в первой части 19-го века появились складные портативные мольберты, в которых было место и для красок, и для палитры, и для инструментов, что позволило художникам отправляться на поездах из Парижа в окрестности столицы или на побережье Нормандии и Бретани.

1.3 Первая выставка импрессионистов.

К 1874 году, когда состоялась первая выставка «Анонимного общества живописцев, скульпторов, граверов», именно такое название выбрали сами члены группы. Обыкновенно для Салона художники писали полотна огромного размера, часто более двух метров высотой, чтобы они не потерялись на гигантских залах Дворца промышленности. Огюст Ренуар, занимавшийся развеской, разместил более двухсот работ тридцати художников в два ряда, те что поменьше ‒ внизу, более крупные ‒ наверху. Стремясь сделать выставку как можно более заметным событием, импрессионисты приглашали показать свои картины самых разных художников.

Моне, Ренуар, Писсарро и Сислей. Вместе с ними выставилась и отважная Берта Моризо. Выставка открылась 15 апреля 1874 года и работала ровно месяц, в течение которого ее посетило около 3,5 тысяч человек. Главное было сделано ‒ импрессионисты заявили о себе и в дальнейшем сумели проявить достаточно твердости, отстаивая свои художественные позиции.

Всего между 1874 и 1886 годами состоялось восемь выставок, но наибольшее значение в истории движения импрессионистов имели первые три.

Историческая роль совместных выставок импрессионистов заключалась в окончательном уничтожении авторитета академической художественной системы. Этот чрезвычайно важный момент смены культурной модели не мог совершиться легко и безболезненно. Импрессионисты оказались под огнем враждебной критики и столкнулись лицом к лицу со стеной непонимания и неприятия со стороны публики.

Главную причину необычайной популярности художников-импрессионистов следует, вероятно, искать в самом их образе мыслей. Это было поколение единомышленников: они дружили, работали вместе и вместе же проводили часы досуга, черпая вдохновение в красоте и изменчивости окружающего мира.

ГЛАВА II

Женщины-импрессионисты. Биография, тематика, картины.

Рассвет импрессионизма совпадает по времени с мощными социальными сдвигами, в том числе с изменением роли женщины в обществе. Характерно, что уже в первой выставке импрессионистов (была упомянута ранее) принимала участие женщина, Берта Моризо, которая продолжала выставляться с импрессионистами до самого конца. С импрессионистическим движением во Франции принято связывать творчество таких художниц как Берта Моризо, Мэри Кассат, Эва Гонсалес и Мари Бракмон. Значительное число женщин, стремящихся к профессиональной карьере в живописи, появляется и в других странах. Их судьбы и сам характер их творчества отражают, с одной стороны, открывающиеся для женщин новые возможности, а с другой ‒ те социальные ограничения, которые накладывало замужество и семейная жизнь.

В 1870‒1880-е годы появляется новое поколение женщин, как правило, представительниц верхней прослойки среднего класса, чье образование и финансовая независимость давали им более широкие возможности проведения досуга, в том числе занятий, которые соответствовали бы их интересам. Но даже получение профессионального художественного образования для женщин в середине 19-го века представляло проблему. Однако, те уроки рисования для юных учениц из респектабельных семей резко отличались от того, чему профессора учили молодых студентов-мужчин.

Карьера художниц началась с попытки получить официальное признание в Салоне, где Берта Моризо к 1874 году уже имела солидную репутацию среди коллег и критики, но без сожаления пожертвовала ею, чтобы поддержать своих соратников на Первой выставке импрессионистов. Мэри Кассат, никогда не имевшая собственной семьи, обладала большей свободой. Она сумела уговорить родителей разрешить ей профессионально заниматься живописью. Сестры Моризо делали большие успехи и вместе начали посылать картины в Салон. Эва Гонсалес стала ученицей Эдуарда Мане, имевшего скандальную  репутацию в художественных кругах, стремилась только к официальному признанию и посылала свои картины в Салон. Ее поздние работы обнаруживают оригинальность замысла и тонкое живописное мастерство, но многообещающую карьеру прервала ранняя смерть.

Работы Берты Моризо и Мэри Кэссат всегда отличала высочайшая профессиональная культура и великолепное мастерство, которыми искренне восхищались Дега, Ренуар и другие живописцы. Обе они выставлялись наравне с мужчинами и были глубоко уважаемы коллегами-художниками при жизни.

2.1 Отличия от мужской живописи по тематике, судьбе и творчеству.

Наряду со смелой личной поэзией, важнейшим завоеванием женщин-художниц стало открытие той сферы личной повседневной жизни, уютного мира детских комнат и женской половины дома, с его особым распорядком, только ему присущими занятиями и развлечениями. В этот мир не могли заглянуть мужчины, и оттого он оказался ещё более привлекателен в глазах зрителей и утвердился как особая область творчества.  В рамках традиционных мотивов ‒ матери, играющие с детьми, сестры за чтением или отдыхающие в саду, пожилые тетушки за чаем ‒ эти талантливые художницы находили только им присущие интонации и выразительность.

2.2 Художница Берта Моризо (1841-1895)

Берта Моризо обладала не только редкой красотой, но также талантом, смелостью и настойчивостью, которые позволили ей получить широкое признание среди критики и коллег-художников. Берта родилась в семье богатого и высокопоставленного чиновника. Ее отец, интересовавшийся искусством, способствовал тому, чтобы дочери начали брать уроки живописи в Париже. Родители, поддерживая увлечение Берты и ее сестры Эдмы живописью, с удовольствием принимали в своем доме людей искусства.

Картины Берты Моризо отражают культурные ограничения 19-го века для её класса и пола. В основном она изображала то, что видела в повседневной жизни. Так, художница избегала городских и уличных сцен и редко писала обнаженную натуру. Как и другая импрессионистка ‒  Мэри Кассат, ‒ Берта сосредоточилась на домашней жизни и портретах, что позволяло использовать в качестве моделей друзей и родных, в том числе дочь Жюли.

Работы Моризо почти всегда невелики по размерам. Она работала масляными красками, акварелью и пастелью, выполняла наброски с использованием различных рисовальных средств. Около 1880 года она начала рисовать на незагрунтованном холсте ‒ техника, с которой в то время также экспериментировали Эдуард Мане и Ева Гонсалес; её манера письма стала свободнее.

В 1888—1889 годах Маризо перешла от коротких и быстрых мазков к длинным, извилистым, формообразующим. Внешние края её картин часто оставались незавершенными, на этих участках сквозь краски просматривался холст, что усиливало ощущение спонтанности. После 1885 года она в основном работала с предварительными рисунками, прежде чем начать писать картину маслом.

Моризо создаёт ощущение пространства и глубины благодаря использованию цвета. Хотя цветовая палитра художницы несколько ограничена, собратья-импрессионисты называли её «виртуозом цвета». Как правило, Берта Моризо использовала белый цвет, чистый или смешанный из других красок. В её большой картине «Вишня» (1891) цвета более живые, но все ещё используются с целью подчеркнуть форму.

В 1892 году состоялась её первая персональная выставка.

Около 1867 года произошла судьбоносная встреча Берты Моризо с Эдуардом Мане. Известно, что Мане не любил профессиональных натурщиков и, привлеченный редкой красотой Берты, попросил ее позировать для картины «Балкон». Когда произведение было показано в Салоне, все говорили о Моризо как о «роковой женщине». Одновременно неуверенная и вместе с тем свободная поза помогла передать меланхоличное настроение модели; загадочностью наполнен «Портрет Берты Моризо с букетом фиалок».

Несмотря на то, что ее картины ни разу не были отклонены жюри Салона с 1864 года, Моризо чувствовала неуверенность в своих силах и была рада получать советы Эдуарда Мане, оказавшего на нее немалое влияние. Берта собиралась представить в Салон большой портрет своей матери и сестры за чтением. Работа над картиной шла трудно, и Берта обратилась за советом к Мане. Дальнейшее развитие событий подробно описано в письме к сестре Эдме: «На следующий день, около часа дня, он является, находит в моей картине все очень хорошим, немного менее удачным ‒ низ платья, берет кисти и делает несколько великолепных мазков! Вот тут то и начались мои несчастья: раз уж он увлекся ‒ ничто не сможет его остановить; он переходит от юбки к корсажу, от корсажа к голове, от головы к фону. Наконец, к пяти часам вечера мы создаем самую красивую карикатуру, какую только можно вообразить. Мы ждали, когда ее унесут. Так или иначе, он заставил меня поставить ее на тележку, и я была совершенно уничтожена..»

Обустраивая свою студию-гостиную в доме где она жила в замужестве на протяжении десяти лет, Берта Моризо выбрала помещение, расположенное к югу, с отделкой в стиле Людовика XVI, где свет смягчался кремовыми шторами. Этим объясняется светоносность ее натюрмортов и сцен интерьера, написанных после 1883 года.

Группа работ, где молодые женщины изображены в интерьере, захваченные вихрем светской жизни, как в картине «На балу» (1875, Музей Мармоттан-Моне, Париж), или за каждодневными личными занятиями ‒ «Молодая женщина за туалетом» (1875-1880, Художественный институт, Чикаго), «Молодая женщина накладывающая пудру» (1877, Музей Орсэ, Париж). В чикагской картине поражает особенная зыбкая гармония серебристых, лиловатых и перламутровых, разработанная с тончайшими нюансами. Талант Берты Моризо не меркнет в окружении таких блистательных мастеров, как Ренуар, Дега, Моне, Писсаро и Сислей.

Рождение единственной долгожданной дочери Жюли в 1878 году стало ещё одним источником вдохновновения: зрители наблюдают вместе с матерью за прогулками, играми, чтением, рисованием и другими занятиями ребенка. Но в 1892 году Берта овдовела, и в последние годы весь ее мир словно сжался до пределов небольшой квартиры, где они поселились с дочерью после смерти мужа. Дочь становится центром этого хрупкого мирка: она играет на скрипке в интерьере гостиной, («Жюли играющая на скрипке», 1893, частная коллекция); она в задумчивости сидит на кушетке в компании своей борзой собаки.

2.3 Художница Эва Гонсалес (1849-1883)

Несмотря на то, что она отказывалась от участия в совместных выставках импрессионистов, имя Эвы Гонсалес неразрывно связано с этим художественным явлением и стоит в одном ряду с такими признанными художницами второй половины 19-го века, как Берта Моризо и Мэри Кассат.

Эва родилась в семье столь же обеспеченной, столь интернациональной и артистической. Ее отец испанец по происхождению, был известным парижским писателем, а мать ‒ талантливой музыкантшей бельгийского происхождения. Уже в возрасте 16 лет девушка начала заниматься у академического живописца Шарля Шаплена. В феврале 1869 года она была представлена Эдуарду Мане, который тут же попросил ее позировать для портрета, согласившись также давать уроки живописи. Вскоре Эва отказалась от услуг Шаплена и начала часто появляться в мастерской Мане, став единственной, кого он открыто признавал своей ученицей, хотя обучение едва ли носило формальный характер. Тем не менее в работах 1869 и начала 1870-х годов, таких как «Юный трубач» и «Девушка с вишнями», заметно сильное влияние Мане и в выборе сюжета, и в манере наложения краски на холст.

Появление новой ученицы изрядно задело Берту Моризо, царившую в мастерской Мане. Ненадолго Эва затмила Моризо и в качестве модели, и Мане с редкой целеустремленностью работал над ее портретом, где изобразил ее в белом платье за мольбертом с кистями и палитрой в руках.

В середине 1870-х годов Эва Гонсалес начинает активно экспериментировать в различных техниках, уделяя внимание акварели и особенно пастели, свидетельством  чему может являться необычная по технологии работа «Модистка» (около 1877 года, пастель и акварель на холсте). Такой сюжет был достаточно популярен у импрессионистов.

«Пробуждение» принадлежит тому кругу изображений личного мира женщины, которые часто встречаются в полотнах художниц, близких к импрессионизму. Сам мотив ‒ краткий миг пробуждения ‒ вполне созвучен стремлению импрессионистов запечатлеть изменчивость мира. Мягко льющийся на кровать солнечный свет подвижен, он скользит по руке девушки, ее рубашке и простыням, рассыпаясь тонко разработанными нюансами лимонных и фиолетовых оттенков.

В 1870-х годах семья Гонсалес часто выезжала на лето в Дьепп, где Эва писала прибрежные виды. Дьепп вдохновил ее на одну из самых совершенных картин в ее творческом наследии, составляющем чуть более сотен произведений, «Няня и ребенок», созданную в 1877 году. Интересно, что в Салоне 1878 года работа была представлена под названием «Мисс и ребенок», что современное общество однозначно воспринимало как маркер социального статуса ‒ иметь английскую няню было очень дорого и престижно. Полотно Гонсалес обнаруживает редкую взвешенность выразительных средств: изысканнейшая цветовая гамма, построенная на сочетаниях холодных оттенков зелени, серого и цвета слоновой кости демонстрирует зрелое мастерство. Кажется, что фигуры не позируют на фоне, а становятся органической частью изображенного ландшафта. Просторный тенистый сад с льющимся из глубины мягким светом написан легкими текучими мазками. Искусство Эвы Гонсалес женственно в лучшем смысле этого слова, оно исполнено особой грации и мягкой задумчивости.

На протяжении XX века ее фигура привлекала внимание исследователей лишь в связи с тем местом, которое она занимала в биографии Эдуарда Мане. Однако с появлением в 1990 году полного каталога произведений Эвы Гонсалес и организацией большой выставки в парижском музее Мармоттан-Моне началось возрождение интереса к ее творчеству.

2.4 Художница Мэри Кассат (1844-1926)

Творчество известной франко-американской художницы Мэри Кассат неразрывно связано с импрессионистическим движением. Мэри Кассат родилась в семье банкиров и получила прекрасное образование. Сумев убедить отца, первоначально крайне негативно настроенного, разрешить ей заниматься живописью.

В 1877 году произошла встреча Мэри Кассат и Эдгара Дега, с гравюрами которого она была хорошо знакома задолго до этого. Между ними установились дружеские отношения, сохранявшиеся до самой смерти Дега. Славившийся своими язвительными замечаниями, Дега высоко оценил талант Кассат и однажды, стоя перед ее картиной, воскликнул: «Я не поверю, что женщина может так рисовать». Мэри нередко появлялась на картинах Дега, когда она разрешала сопровождать себя в Лувр или на примерку в шляпный магазин: «Мэри Кассат в картинной галерее Лувра», «В шляпной мастерской».

В 1872 году жюри Парижского салона допустило к показу её первое полотно. Критики утверждали, что цвета её полотен слишком ярки, и что её портреты слишком точны для того, чтобы соответствовать оригиналу.

Увидев пастели Эдгара Дега в окне магазина по продаже картин, она поняла, что была не одинока в своём мятеже против Салона. «Мне пришлось подойти и прижать нос к окну, чтобы впитать всё, что я смогла бы, из его живописи», — писала она к другу. «Это изменило мою жизнь. Я увидела искусство таким, каким я хотела его увидеть».

Будучи активным членом движения импрессионистов до 1886 года, она оставалась подругой  Дега и Берты Моризо. Как и Дега, Мэри Кассат стала чрезвычайно искусной в использовании пастели, в конечном счёте выполняя многие свои полотна в этой технике.

По предложению Дега, Мэри Кассат впервые показала свои картины совместно с импрессионистами на Четвертой выставке в 1879 году. Она показала одиннадцать работ, включая такие известные как «Маленькая девочка в голубом кресле» и «Дама в жемчужном ожерелье в ложе». Для Кассат эта выставка оказалась блистательным дебютом, состоявшимся не без поддержки Дега.

В дальнейшем художница сосредотачивается на изображениях частного женского мира. В «Чашке чая» ее сестра Лидия пьет традиционную послеполуденную чашку чая. Это же типичное для буржуазных дам занятие превращается в почти медитативный ритуал на картине «Дама за чайным столом», где хозяйка принимает гостью.

Даже в традиционных для французского искусства сценах дамского туалета она порывает с традицией изображать чувственную наготу. Ее героини одеты в объемные дезабилье и ночные рубашки, они пристально разглядывают себя в зеркало, выискивая малейший изъян, их движения часто непривлекательны в своей естественности: «Девушка, поправляющая волосы», «Дениз за туалетным столиком».

В 1890 году в Париже прошла большая выставка японской гравюры, где было показано более 700 произведений и которую мисс Кассат посетила в сопровождении Дега, помогавшего ей осваивать техники гравюры. Под впечатлением от этой выставки художница создала серию из десяти печатных листов в смешанной технике, используя сухую иглу. Она изобразила будничные  малозначительные женские занятия ‒ примерка одежды, принятие ванны, причесывание, болтовня с подругами, поездка на трамвае. В наследии Мэри Кассат, насчитывающем около двухсот печатных листов, эта серия является самой совершенной и оригинальной.

Многолетняя дружба связывала ее со знаменитым Полем Дюран-Рюэлем. За деятельность, связанную с популяризацией французского искусства, мисс Кассат была удостоена ордена Почетного Легиона в 1904 году.

2.5 Художница Мари Бракмон (1840-1916)

Творчество Мари Бракмон лишь недавно начало привлекать серьезный интерес исследователей, что связано прежде всего с крайне малым (менее десятка) числом ее работ, находящихся в публичных музейных коллекциях, по большей части провинциальных, тогда как большая часть ее наследия, насчитывающего около 150 произведений, по-прежнему находится в частных собраниях. ещё одной причиной многолетнего забвения стало откровенное давление со стороны мужа художницы, известного гравера Феликса Бракмона, которое вынудило ее оставить художественную карьеру после 1890 года.

Происхождение и воспитание Мари резко отличалось от респектабельных и культурных буржуазных кругов, к которым принадлежали Берта Моризо, Мэри Кассат и Эва Гонсалес. Мари начала заниматься живописью под руководством местного пожилого художника-реставратора Вассора. Она была столь уверена в своих успехах, что уже в 1857 году, в возрасте семнадцати лет, послала в Салон тройной портрет своего учителя, матери и сестры, который был принят жюри, что со всей очевидностью свидетельствует о ее профессиональном мастерстве.

На автопортрете, написанном около 1870 года, Мари предстает во всем блеске своей красоты: густые черные брови оттеняют бледность фарфоровой кожи, а классический овал лица подчеркнут массивными украшениями в виде виноградных гроздьев.

Между 1877 и 1880 годами под влиянием импрессионистов, главным образом Клода Моне и Ренуара, стиль ее работ начинает меняться: картины становятся больше по размеру, палитра более звучной, она начинает работать на плэнере. Феликс, не обладая столь самобытным талантом, с ревностью наблюдал за успехами жены.

Ее работа после 1886 года начала меняться, и ее палитра становилась все более яркой. Эта трансформация произошла в значительной степени из-за того, что Мари Бракмон встретилась с Гогеном в 1886 году.  По поощрению Гогена, Бракмон усилила свою относительно приглушенную импрессионистскую палитру, сделав ее намного ярче, и все это было иронично, учитывая, что ее муж больше всего возражал против ее использования цвета, предпочитая гравюры черным по белому, вместо выбранной его женой масляной живописи.

Во второй половине 1870-х годов Феликс становится художественным руководителем керамической мастерской Эвиланд. Мари активно помогает ему в работе мастерской. Почти все ее работы обыкновенно были распроданы ещё до обжига.

Одна из самых известных живописных работ Мари, «На террасе в Севре», изображает Анри Фантен-Латура с супругой и ее саму слева, напоминая о традиционных воскресных обедах у Бракмонов. Мари увлекает одна из ключевых проблем импрессионистического видения ‒ передача цветовых рефлексов на белом. Написанная в том же году «Чашка чая» так же передает тонкую игру рефлексов на белом платье женщины. Обе картины отличает умение отразить тончайшие внутренние переживания моделей: встревоженность мадам Фантен-Латур, глубокая затаенная печаль Мари.

Работам Мари Бракмон свойственна особая душевная деликатность, которой, очевидно, в высшей степени обладала и сама художница. Она участвовала в выставках импрессионистов 1879 и 1880 годов и заслужила похвалы коллег, но муж уничижительно критиковал ее работы. Количество картин, написанных между 1881 и 1886 годами, постоянно снижается.

Одной из последних больших работ Мари является замечательный портрет четы Сислеев, написанный в 1887 году, ‒ «Под лампой». В тонко выстроенной гармонии синих и розовых оттенков платья дамы, во внимательно расставленном натюрморте на столе. Но теплый искусственный свет зеленой лампы, вытесняющий сизоватые сумерки и постепенно заполняющий все полотно, отражает интерес художницы к световым и колористическим эффектам, далеким от передачи световоздушной среды в картинах старых мастеров.

Стремясь смягчить напряжение в семье, после 1890 года Мари Бракмон окончательно оставляет живопись.

ГЛАВА III

Разные виды живописи в деятельности импрессионистов

Художники-импрессионисты показали себя  в основных направлениях, таких как: портрет и пейзаж. Эти два направления активно развивались и женщинами и мужчинами-художниками, поэтому нельзя сказать о каких-то особенных предпочтениях, хотя в этих направлениях каждый выбирал для себя какое-то отдельное подразделение.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Импрессионизм был значительным явлением в развитии культуры, оказавшим влияние не только на живопись, но и на остальные сферы творчества. Традиционно считается что импрессионизм был «мужским» явлением. Если задавать публике вопрос «что такое импрессионизм?» то будут названы имена:  Ван Гог, Моне, Ренуар и т.д. в принципе, это верно, но определенную роль в развитии импрессионизма сыграли женщины-художницы.

Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении. Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Женщины писали портреты, пейзажи, а так же изображали сцены повседневной жизни, «женский мир» который наполняют изображения родственников, близких, друзей, сад их дома, детские игры. Талантливые художницы в рамках этих традиционных мотивов изображали матерей, играющих с детьми, сестер за чтением или отдыхающих в саду, пожилых тетушек за чаем.

Их было мало, поэтому они не являются знаковыми символами. Однако, нельзя их вычеркнуть из истории живописи. Долгое время художественное творчество считалось делом мужчин, на женщин-художниц смотрели как на диковинку. В 19-ом веке женщины стараются проникнуть во все сферы деятельности и начинают бороться за свои права, поэтому деятельность художниц-импрессионистов мы можем считать выходящей за рамки творчества. Они стали примером сложной женской судьбы. Пытаясь занять свое место в обществе, они проиграли, но стали примером для последующих поколений. К сожалению, имена художниц-импрессионистов более известны специалистам в области живописи, чем широкой публике.