Творческая работа "Традиции народов России"

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ –

 СРЕДНЯЯ    ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА №19

Пятый всероссийский конкурс творческих работ

«Моя малая Родина».

Номинация «Традиции народов России».

                                                                          Выполнила: ученица 9а класса МБОУСОШ №19

                                                                                             Каптилович Софья Владиславовна.

                                                                       Руководитель: Макарова Антонина Федоровна,

                                                                                            учитель географии МБОУСОШ №19

г.Тула 2014 год

Оглавление.

        Введение – стр. 3

Национальная культура – стр. 3

1.Рождество Христово – стр. 4-5

2.Масленица - стр. 4-5

3.Филимоновская игрушка – стр. 5-7

4.Гжель – стр. 7-9

5.Оренбургский пуховый платок – стр. 9-12

6.Хохлома - стр. 12-14

7.Палехская миниатюра – стр. 14-16

8.Скань – стр. 15-16

9.Каслинское литье – стр. 16-17

Заключение – стр. 17

Список используемой литературы - стр.18

    Введение.

Россия... Как много мы представляем, услышав это родное слово... Россия... Что же она для нас? Необъятные степи, леса и поля? Нет. Большие, поистине огромные, запасы полезных ископаемых? Нет. А может люди? Да, люди! Народы, населяющие нашу страну! Народы, богатые опытом пережитых времен! Народы, хранящие неоценимое сокровище-наследие наших предков! Праздники, обычаи, промысловое мастерство и традиции-все это хранит в себе воспоминания о тех временах, когда наша Великая Родина, Россия, Русь-матушка только-только начинала расти и обретать своё могущество.
 Количество традиций, праздников, обычаев народов России поистине огромно, но  я бы хотела рассказать о некоторых промысловых традициях (Гжель, Хохлома, Палех и т.д.) и праздниках, неразрывно связанных с истории самой России и соединяющий два духовных этапа развития нашей родины-это Масленица (древне-языческий праздник) и Рождество Христово ( христианский праздник).

Национальная культура.

Национальная культура – это национальная память народа, то, что выделяет данный народ в ряду других, хранит человека от обезличивания, позволяет ему ощутить связь времен и поколений, получить духовную поддержку и жизненную опору.

И с календарем, и с жизнью человека связаны народные обычаи, а также церковные таинства, обряды и праздники. На Руси календарь назывался месяцесловом. Месяцеслов охватывал весь год крестьянской жизни, «описывая» по дням месяц за месяцем, где каждому дню соответствовали свои праздники или будни, обычаи и суеверия, природные приметы и явления, обряды и традиции.
   
Для русского человека очень важно его историческое наследие. Русские народные традиции и обычаи веками соблюдаются как среди сельских жителей, так и среди горожан. К ним относятся и христианские, и языческие обряды, пришедшие в современную жизнь с древних веков. Христианство дало народу Пасху и Рождество, язычество сказывается в праздновании россиянами Ивана Купалы и Масленицы. Рождественские колядки и свадебные обычаи также крепко вошли в современную жизнь.

Рождество Христово.

Рождество Христово — это не только светлый праздник православия. Рождество - праздник возвращенный, возрождающийся. Традиции этого праздника, исполненного подлинной человечности и доброты, высоких нравственных идеалов, в наши дни открываются и осмысливаются вновь.

Канун Рождества получил название "сочельник", или "сочевник", и слово это происходит от ритуальной пищи, вкушаемой в этот день, - сочива (или полива). Сочиво - каша из красной пшеницы или ячменя, ржи, гречихи, гороха, чечевицы, смешанная с медом и с миндальным и маковым соком; то есть это кутья - ритуальное поминальное блюдо. Ритуальным было и число блюд - 12 (по числу апостолов). Стол готовился обильный: блины, рыбные блюда, заливное, студень из свиных и говяжьих ножек, молочный поросенок с начинкой из каши, свиная голова с хреном, свиная колбаса домашняя, жаркое, медовые пряники и, конечно, жареный гусь. Пищу в сочельник нельзя было принимать до первой звезды, в память о Вифлеемской звезде, возвестившей волхвам и Рождестве Спасителя. А с наступлением сумерек, когда загоралась первая звезда, садились за стол и делились облатками (от латин. oblata - приношения), желая, друг другу всего доброго и светлого. Рождество - праздник, когда вся семья вместе собирается за общим столом.

  Масленица.

Что делали на масленицу? Значительная часть обычаев на масленицу, так или иначе, была связана с темой семейно-брачных отношений: на масленицу чествовали молодоженов, поженившихся в течение прошедшего года. Молодым устраивали своеобразные смотрины в селе: ставили их к столбам ворот и заставляли целоваться у всех на глазах, “зарывали” в снег или осыпали снегом масленицу. Подвергали их и другим испытаниям: когда молодые ехали в санях по селу, их останавливали и забрасывали старыми лаптями или соломой, а иногда устраивали им “целовник” или “целовальник” — когда односельчане могли прийти в дом к молодым и поцеловать молодую. Молодоженов катали по селу, но если за это получали

плохое угощение, могли прокатить молодоженов не в санях, а на бороне.

Масленичная неделя проходила также во взаимных визитах двух недавно породнившихся семейств.

Основным эпизодом последнего дня были “проводы масленицы”, нередко сопровождаемые возжиганим костров. В России к этому дню делали чучело Зимы из соломы или тряпок, наряжали его обычно в женскую одежду, несли через всю деревню, иногда посадив чучело на колесо, воткнутое сверху на шест; выйдя за село, чучело либо топили в проруби, либо сжигали или просто разрывали на части, а оставшуюся солому раскидывали по полю. Иногда вместо куклы по селу возили живую “Масленицу”: нарядно одетую девушку или женщину, старуху или даже старика - пьяницу в рванье. Затем под крик и улюлюканье их вывозили за село и там высаживали или вываливали в снег (“проводили Масленицу”). Здесь необходимо отметить, что понятие "Чучело Масленицы" имеет несколько ошибочный характер, поскольку в действительности изготавливалось чучело Зимы, его катали, его провожали и сжигали, но, поскольку это действо происходило на Масленицу (то есть праздник), то очень часто чучело ошибочно называют Масленицей, хотя это неверно.

Земля русская испокон веков славится своими мастерами, людьми, способными своими руками создавать и творить настоящую красоту. Через искусство народных промыслов отслеживается связь прошлого с настоящим. 
Народные промыслы России представлены производством фарфора, декоративной росписью, изготовлением глиняной игрушки, вязанием пуховых платков, лаковой миниатюрой. В российских произведениях художественных промыслов живет душа народа. 

Филимоновская игрушка.

Филимо́новская игру́шка — древнерусский прикладной художественный промысел, сформировавшийся в деревне Филимоново Одоевского района Тульской области. По данным археологов филимоновскому промыслу более 700 лет. По другим данным около 1 тыс. лет.

Благодаря особой глине, которая залегает в районе Одоева испокон веков лепили посуду, продавая её на местных базарах. Как и в большинстве гончарных промыслов, мастера работали семейно, сдавая продукцию перекупщикам или самостоятельно на базаре. При этом мужчины и женщины делали только посуду, а дети девочки вместе с бабушками лепили и расписывали игрушки. Такие девочки вырастали уже с определенным приданным, их называли «свистульки». На внешнем облике игрушки отразились природные свойства местной глины — «синики». При просушке пластичная, чрезмерно жирная глина быстро деформируется, покрывается мелкими трещинами, которые приходится заглаживать влажной рукой. Благодаря этому фигурка утончается и вытягивается, приобретая непропорциональную, но удивительно изящную форму. После обжига изделия из такой глины приобретают ровный белый цвет, не требующий последующей грунтовки.

Основную массу изделий филимоновских мастериц составляют традиционные свистульки: барыни, всадники, коровы, медведи, петухи и т. п. Изображения людей — монолитные, скупые на детали — близки древним примитивным фигуркам. Неширокая юбка-колокол у филимоновских барынь плавно переходит в короткое узкое тело и завершается конусообразной головой, составляющей одно целое с шеей. В округлых руках барыня обычно держит младенца или птичку-свистульку. Кавалеры похожи на дам, но вместо юбки у них толстые цилиндрические ноги, обутые в неуклюжие сапоги. Головы фигурок венчают затейливые шляпки с неширокими полями. Интересны композиции, слепленные из нескольких фигурок, например «Любота» — сценка свидания влюбленных.

 Все персонажи животного мира имеют тонкую талию и длинную, с изящным изгибом шею, плавно переходящую в маленькую голову. Только форма головы да наличие или отсутствие рогов и ушей позволяют отличить одно животное от другого. У барана рога — круглые завитки-баранки, у коровы — полумесяцем торчат вверх, у оленя — как причудливые ветвистые деревья, а конскую головку венчают небольшие конические ушки. Загадочна фигура медведя с зеркалом. Сказочный зверь сидит, широко расставив задние лапы, и держит в передних овальный предмет.

Производство филимоновских игрушек сильно сократилось в начале XX века, но оставалось несколько мастериц (Е. И. Карпова, А. О. Дербенева, А. Ф. Масленникова и др.), не бросавших своего ремесла. В 1960-х годах усилиями искусствоведов и коллекционеров этот самобытный промысел был восстановлен. В последнее время филимоновский промысел также получил некоторую поддержку от местных государственных органов. В 2009 году при поддержке Администрации Тульской области, Администрации муниципального образования Одоевский район, Тульской Торгово-промышленной палаты был открыт музей филимоновской игрушки.

На сегодня в Одоеве работают несколько семей мастеров филимоновской игрушки. Практически все они члены союза художников России. Современные филимоновские мастера расписывают свои игрушки яркими акриловыми красками. Несмотря на относительную ограниченность применяемых характерных для промысла цветов — малиновый, зелёный, жёлтый цвета — игрушки получаются яркими и весёлыми.

 Животные традиционно расписываются разноцветными полосками вдоль туловища и шеи. Одноцветной, обычно зелёной или малиновой, краской раскрашиваются голова и грудь, на которые часто наносят несложный аляповатый орнамент, который выражает искренние языческие мотивы, людей, живущих в гармонии с природой. Помимо вытянутых форм фигурок, стиль их росписи: солнышки, растительный орнамент, "детский" стиль, старинные деревенские сюжеты - это элементы, которые характеризуют древнюю филимоновскую игрушку и по сей день.

 Филимоновские барыни и кавалеры одеты всегда нарядно и ярко, их шляпки украшены разноцветными полосками, а на вороте кофты, на юбке и штанах нанесён всё тот же бесхитростный орнамент. Одежда филимоновских фигурок сложилась под влиянием с одной стороны городского костюма, с другой — крестьянских домотканых сарафанов, вышитых рубах и поясов. Орнамент (разноцветные штрихи, пятна, веточки, розетки), нанесённый без определённой схемы, создает броский пёстрый декор.

Яркую эмоциональную искреннюю филимоновскую игрушку очень любят во Франции, не отпускают передвижные выставки, приглашают мастеров проводить мастер-классы. Игрушки заказывают музеи Японии, Германии и др.

В экспозиции Русского музея в городе Санкт-Петербурге находится несколько филимоновских игрушек датированных 60-ми годами.

Действует творческая мастерская «Любота» в Филимоново. 

Гжель.

Необыкновенная фарфоровая посуда сине-белого цвета завораживает взор, окутывает дымчатым туманом – это знаменитая Гжель – народный керамический промысел. Живописный подмосковный регион Гжель расположен в 60 км от Москвы. Гжель известна и популярна не только в России, но и далеко за пределами страны. Голубая сказка, воплощенная мастерами Гжели в изящных чайниках, чашках, кувшинах, вазах и тарелках радует глаз и греет душу. Традиционный орнамент, украшающий фарфоровые изделия – синие и голубые цветы, листья, злаки, и гжельская синяя роза. Большие блюда украшают синей росписью диковинных птиц, изображением бытовых сцен.

Издавна Гжель славилась своими глинами. История гжельского фарфора начинается в 14 веке с изготовления предметов домашнего обихода, изразцов и черепицы. Затем был сложный путь к майоликовой посуде, фаянсу. Широкая добыча разных сортов глины велась здесь с середины 17 века. В 1663 году царь Алексей Михайлович издал указ «во гжельской волости для аптекарских и алхимических сосудов прислать глины, которая годится к аптекарским сосудам». Тогда же для аптекарского приказа было доставлено в Москву 15 возов глины из Гжельской волости и «повелено держать ту глину на аптекарские дела: и впредь тое глину изо Гжельской волости указал государь изымать и возить тое же волости крестьянам, какая же глина в Аптекарьский приказ надобна будет». В 1770 году Гжельская волость была целиком приписана к Аптекарскому приказу «для алхимической посуды». Великий русский учёный М. В. Ломоносов, по достоинству оценивший гжельские глины, написал о них столь возвышенные слова: «…Едва ли есть земля самая чистая и без примешания где на свете, кою химики девственницею называют, разве между глинами для фарфору употребляемыми, такова у нас гжельская… , которой нигде не видал я белизною превосходнее…».

До середины XVIII века Гжель делала обычную для того времени гончарную посуду, изготавливала кирпич, гончарные трубы, изразцы, а также примитивные детские игрушки, снабжая ими Москву. Полагают, что количество выпускаемых тогда игрушек должно было исчисляться сотнями тысяч штук в год. В 19 веке гжельские мастера стали изготавливать посуду из фарфора. К 1812 году в Гжели насчитывается 25 заводов, выпускающих посуду. Среди них самыми популярными были заводы Ермила Иванова и Лаптевых в деревне Кузяево. По подписям на оставшихся изделиях известны мастера Никифор Семёнович Гусятников, Иван Никифорович Срослей, Иван Иванович Кокун. Кроме посуды, делали игрушки в виде птиц и зверей и декоративные статуэтки на темы из русского быта. Блестящие белые лошадки, всадники, птички, куклы, миниатюрная посуда расписывались лиловой, жёлтой, синей и коричневой красками в своеобразном народном стиле. Краски наносились кистью. Мотивами этой росписи являлись декоративные цветы, листья, травы.

После 1802 года, когда была найдена светлая серая глина близ деревни Минино, в Гжели возникло производство полуфаянса, из которого во множестве делали квасники, кувшины и кумганы. Со второй половины 20-х годов XIX века многие изделия расписывали только синей краской. Полуфаянс отличался грубым строением и малой прочностью.

Около 1800 года в деревне Володино Бронницкого уезда крестьяне, братья Куликовы, нашли состав белой фаянсовой массы. Там же около 1800—1804 годов был основан и первый фарфоровый завод. Павел Куликов, его основатель, научился технике изготовления фарфора, работая на заводе Отто в селе Перово. Желая сохранить секрет выработки фарфора, Куликов всё делал сам, имея только одного рабочего, но, по преданиям, двух гончаров. Г. Н. Храпунов и Е. Г. Гусятников тайно проникли в мастерскую Куликова, срисовали горн (печь для обжига изделий) и завладели образцами глины, после чего открыли собственные заводы. Завод Куликова замечателен тем, что от него пошло фарфоровое производство Гжели.

Вторая четверть XIX века — период наивысших художественных достижений гжельского керамического искусства во всех его отраслях. Стремясь получить тонкий фаянс и фарфор, владельцы производств постоянно совершенствовали состав белой массы.

C середины XIX века многие гжельские заводы приходят в упадок, и керамическое производство сосредотачивается в руках Кузнецовых, некогда выходцев из Гжели. После революции кузнецовские заводы были национализированы.Только с середины XX века в Гжели начинается восстановление промысла, отметившего недавно своё 670-летие. В 1930-х и 1940-х здесь была сосредоточена почти половина всех фарфорофаянсовых предприятий России.

в 1929 году в деревне Турыгино была создана первая артель под названием «Вперед, керамика». Через некоторое время образовалось еще несколько артелей, которые впоследствии создали объединение «Художественная керамика».

Возрождение промысла в послевоенные годы связано с именами художницы Натальи Ивановны Бессарабовой и ученого Александра Борисовича Салтыкова. В изделиях мастеров ученый видел характеристики национального быта, художественного, эстетического стиля эпохи. А.Б.Салтыков вместе с Н.И.Бессарабовой подготовил методику освоения гжельской росписи, создал алфавит мазков и приемов кистевой росписи. В то время была выбрана техника подглазурной росписи кобальтом. Н.И.Бессарабова научила своих учениц делать на изделиях «широкий мазок с тональными переходами цвета от темного синего до светлого голубого, почти белого». На кружках можно было увидеть изображение сельского труда, людей с граблями, собирающих скошенную траву в стога, цветы, бабочки, стрекозы, деревья. Уже в то время на изделиях можно было увидеть надпись, символизирующие то или иное событие в жизни страны. Например, «30 лет ВЛКСМ» или «1948 СССР».

Художница Т.С. Дунашова – одна из учениц Н.И. Бессарабовой наносила узор уверенной рукой без предварительного рисунка. Ее называли мастером «цветочной росписи». Розы, лилии, колокольчики, васильки запечатлены на ее изделиях. Художница Н.Б. Квитницкая в творчестве использует элементы декоративного искусства и работает над созданием скульптур малых форм «Бабушка и внучек», «Матрена», «Птичница». Н.Б. Квитницкая.

Художница Л.П.Азарова создает посуду крупных форм, украшая ее лепными изделиями. Например, на плечиках квасника фигурки петухов, готовых броситься друг на друга. Крышки у чайников украшены цветами. Все ее изделия несмотря на свою красоту сохраняют свое бытовое назначение.

Сегодня в Гжели производят не только посуду, но и игрушки, камины, люстры. Мастера расписывают свои изделия только вручную, вкладывая в каждый штрих свое умение и душу.

Оренбургский пуховый платок. 
Вязаные платки из козьего пуха – древний промысел, зародившийся в Оренбургском крае еще 250 лет назад. Платки ручной работы, связанные руками мастериц, легкие, как пушинка, и теплые, как ладони матери. Пуховые платки живут долго и передаются из поколения в поколение, согревая своим теплом и накопленной энергией предков. Пуховые платки выполняют не только свое прямое назначение – утеплять и согревать, но и являются эксклюзивным украшением. Ажурные легкие шали, и белые паутинки станут украшением для любой женщины, подчеркнут ее изящество и тонкий вкус.

 Пуховязальный промысел зародился в Оренбургском крае примерно 250 лет назад, ещё в XVIII веке. По другим данным, вязание пуховых шалей из козьего пуха коренным населением этих мест уже было до образования Оренбургской губернии. У его истоков стояли не только рукодельницы-пуховницы, но и ученые, исследователи, энтузиасты искусства. Первым, кто обратил свое внимание на оренбургские пуховые платки, был П. И. Рычков. В 1766 г. П. И. Рычков опубликовал исследование «Опыт о козьей шерсти», предлагая организовать пуховязальный промысел в крае. Впоследствии академик П. П. Пекарский составил описание жизни Рычкова и назвал его «создателем того кустарного промысла в Оренбургском казачьем войске, который кормит не одну тысячу народа уже второе столетие».

За пределами Оренбурга пуховые платки стали широко известны после заседания Вольного Экономического общества 20 января 1770 г. На этом заседании А. Д. Рычкова была награждена золотой медалью «в знак благодарности за оказанное усердие к обществу собиранием изделий из козьего пуха».

Оренбургские пуховые платки за рубежом были впервые представлены на Парижской международной выставке 1857 года. Тем самым Оренбургский платок вышел на международный уровень и получил там признание. В 1862 году на Лондонской выставке оренбургская казачка Ускова М. Н. получила медаль «За шали из козьего пуха».

Пух оренбургских коз — самый тонкий в мире: толщина пуха оренбургских коз — 16-18 мкм, ангорских коз (мохер) — 22-24 мкм. Поэтому изделия из оренбургского пуха — шали и паутинки — особенно нежные и мягкие. Суровые морозные зимы со снегом и оренбургскими метелями — буранами, а также особенности питания оренбургских коз — растительность горных степей Урала — вот основные причины, почему порода оренбургских коз имеет такой тонкий пух. Вместе с тем, этот пух очень прочный — прочнее шерсти. Самое удивительное, что оренбургские козы разводятся только в Оренбургской области. Попытки французов в XIX веке вывезти из Поволжья оренбургскую козу не удались: тонкий пух козам нужен для сохранения тепла, а мягкий климат Франции этому не способствовал. Оренбургские козы во Франции выродились, превратившись в обычных коз с грубым толстым пухом. В XVIII—XIX веках Франция импортировала десятки тысяч пудов оренбургского пуха, который ценился выше кашмирского. Западная Европа и сейчас много покупает оренбургского пуха.

Пика популярности оренбургские паутинки достигли на закате развития Российской империи. В это время в Англии начали изготавливаться изделия с пометкой «Имитация под Оренбург». Но и в наше время, за рубежом выходит не только множество заметок и статей в иностранных СМИ, но и публикуются целые книги об истории промысла и вязании Оренбургских пуховых изделий.

Оренбургские платки бывают нескольких видов:

простой пуховый платок (шаль) — серые (редко белые) толстые теплые пуховые платки. Именно с изготовления шалей и начался оренбургский пуховязальный промысел. Наиболее теплый вид платка. Такие платки используются для повседневной носки.

паутинка — ажурное изделие из козьего пуха тонкого прядения и шёлка. Не используются для повседневной носки. Используется в торжественных, праздничных случаях, так как схемы и приемы вязания намного сложнее, чем простого пухового платка. Обычно используется более чистая и мягкая шерсть, что удорожает изделие.

палантин — тонкий шарф/накидка, по способу вязанию и применению аналогичен паутинке.

Паутинка и палантин — это очень тонкие, как паутина, платки. Тонкие паутинки имеют, как правило, сложный узор и используются как украшение. Лучшие тонкие паутинки вяжут в сёлах Жёлтое и Шишма Саракташского района[4]. Такая паутинка украсит любое платье вне зависимости от фасона. Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце. Впрочем, не каждое хорошее изделие обязательно соответствуют данным условиям, так как каждая мастерица прядет нить разной толщины, иной раз предпочитая более толстую нить тонкой. В качестве основы для паутинок используют шёлковую (реже — вискозную или хлопчатобумажную) нить, для шалей используют хлопчатобумажную (реже — лавсанную) нить. В паутинках обычно две трети пуха и одна треть шёлка.

Хороший платок ручной работы вяжут из сучёной пряжи: мастерица сначала прядёт плотную нить из козьего пуха, а затем напрядает её на шёлковую (хлопчатобумажную) нить-основу. Такой платок — паутинка или шаль — изначально не выглядит пушистым. Изделия начинают пушиться в процессе носки. Носится такой платок очень долго.

Хорошая мастерица за месяц может связать две паутинки среднего размера или три палантина. На изготовление платка большого размера или платка с рисунком или надписью уходит месяц и более. Каждый платок — это оригинальное художественное произведение, в которое вложено немало творческого труда и терпения мастериц - пуховязальщиц.

В Оренбургской области вяжут не только вручную, но и на машинах. Машинные изделия красивые и менее дорогие, но не могут сравниться с платками ручной работы. Машина при вязке «рубит» пух, и изделие становится более грубым. Такой платок больше похож на платок из очень мягкой шерсти. Впрочем, серединка платка некоторыми мастерицами вяжется именно на машинке, так как в этом случае середина изделия получается более ровной, однако ручная работа и в этом случае ценится выше.

Самая большая коллекция платков представлена в музее истории оренбургского пухового платка, являющегося филиалом Оренбургского областного музея изобразительных искусств.

Одной из известных пуховниц Оренбургской области является Магинур Абдуловна Хусаинова из с. Сакмара. Ее работы хранятся в музеях России, Японии и Малайзии, в частности, в Музее исламского искусства в Куала-Лумпуре и Музее искусства Азии при Университете Малайя.

Хохлома.
С древних времен люди стремятся украсить свое жилище и предметы быта. В городе Семенов, который расположен в Нижегородском крае, издревле украшали росписью деревянную посуду. Так появилась «Золотая Хохлома» – искусство росписи красками по дереву. Предполагают, что хохломская роспись возникла в XVII веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. Деревня Хохлома была крупным центром сбыта, куда свозили готовые изделия, оттуда и пошло название росписи. В настоящее время родиной хохломы считается поселок Ковернино в Нижегородской области.

 Золотой орнамент украшает деревянную мебель. Расписные ложки и куклы-матрешки известны во всем мире. Сегодня мастера предлагают не только расписную деревянную посуду, но и детскую мебель, подсвечники, декоративные блюда. Нарядность и особую красочность изделиям из дерева придает специальная технология лакирования. Благодаря сушке лакированного изделия в печах при высокой температуре, изделие приобретает особый золотисто-медовый оттенок. 
Символом художественных промыслов России стала Матрешка – деревянная игрушка в виде набора из нескольких полых внутри расписных кукол. Появилась Матрешка около 100 лет тому назад в г. Сергиев Посад. Традиционная роспись Матрешек – наряды крестьянских девушек древней Руси. Современные Матрешки «носят» наряды самые разнообразные, цвета красок и варианты росписи делают ее образ неповторимым. 

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и чёрным тонами по золотистому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристый оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкой деревянной посуде эффект массивности.

Роспись выглядит ярко, несмотря на темный фон. Используются такие краски как… красный, жёлтый, оранжевый, немного зелёного и голубого, и конечно чёрный фон. Очень часто используется золотой цвет. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

На сегодняшний момент существует множество версий происхождения хохломской росписи, вот 2 наиболее распространенные.

По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды «под золото» в лесном Заволжье и само рождение хохломского промысла приписывалось старообрядцам.

Еще в давние времена среди жителей местных деревень, надежно укрытых в глухомани лесов, было немало «утеклецов», то есть людей, спасавшихся от гонения за «старую веру».

Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было немало иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги с красочными заставками, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.

В свою очередь, местные мастера отменно владели токарным мастерством, передавали из поколения в поколение навыки изготовления посудных форм, искусство объемной резьбы. На рубеже XVII—XVIII столетий лесное Заволжье стало настоящей художественной сокровищницей. Искусство Хохломы унаследовало от заволжских мастеров «классические формы» токарной посуды, пластику резных форм ковшей, ложек, а от иконописцев — живописную культуру, мастерство «тонкой кисти». И, что не менее важно, секрет изготовления «золотой» посуды без применения золота.

Но есть документы, свидетельствующие о другом. Способ имитации позолоты на дереве, родственный хохломскому, использовался нижегородскими ремесленниками в окраске деревянной посуды еще в 1640—1650 годах, до появления старообрядчества. В крупных нижегородских ремесленных селах Лысково и Мурашкино, в заволжском «селишке Семеновское» (будущий город Семенов — один из центров хохломской росписи) изготовлялась деревянная посуда — братины, ковши, блюда для праздничного стола — окрашенная «на оловянное дело», то есть с применением оловянного порошка. Способ окраски деревянной посуды «на оловянное дело», вероятно, предшествовавший хохломскому, сложился из опыта иконописцев и местных поволжских традиций посудного ремесла.

Производство хохломской посуды долгое время сдерживалось дороговизной привозимого олова. Обеспечить оловом мастеров мог только очень состоятельный заказчик. В Заволжье такими заказчиками оказались монастыри. Так, села Хохлома, Скоробогатово и около 80 селений по рекам Узоле и Керженцу работали на Троице-Сергиев монастырь. Из документов монастыря видно, что крестьяне этих сел вызывались для работы в мастерских Лавры, где могли познакомиться с производством праздничных чаш и ковшей. Не случайно, что именно хохломские и скоробогатовские села и деревни стали родиной оригинальной росписи посуды, так похожей на драгоценную.

Обилие леса, близость Волги — главной торговой артерии Заволжья — также способствовало развитию промысла: груженные «щепным» товаром. Суда направлялись в Городец, Нижний Новгород, Макарьев, славившиеся своими ярмарками, а оттуда — в Саратовскую и Астраханскую губернии. Через прикаспийские степи хохломская посуда доставлялась в Среднюю Азию, Персию, Индию. Англичане, немцы, французы охотно скупали заволжскую продукцию в Архангельске, куда она доставлялась через Сибирь. Крестьяне вытачивали, расписывали деревянную посуду и везли её для продажи в крупное торговое село Хохлома (Нижегородской губернии), где был торг. Отсюда и пошло название «хохломская роспись», или просто «хохлома».

Существует и легендарное объяснение появления хохломской росписи. Был замечательный иконописец Андрей Лоскут. Бежал он из столицы, недовольный церковными нововведениями патриарха Никона, и стал в глуши приволжских лесов расписывать деревянные поделки, да писать иконы по старому образцу. Прознал про это патриарх Никон и отправил за непокорным иконописцем солдат. Отказался подчиниться Андрей, сжёг себя в избе, а перед смертью завещал людям сохранить его мастерство. Искрами изошёл, рассыпался Андрей. С той поры и горят алым пламенем, искрятся золотыми самородками яркие краски хохломы.

Используют разнообразные виды орнаментов:

«пряник» — обычно внутри чашки или блюда геометрическая фигура — квадрат или ромб — украшенная травкой, ягодами, цветами;

«травка» — узор из крупных и мелких травинок;

«кудрина» — листья и цветы в виде золотых завитков на красном или чёрном фоне;

Применяют мастера и упрощённые орнаменты. Например, «крап», который наносят штампиком, вырезанным из пластинок гриба-дождевика, или особым образом свёрнутым кусочком ткани. Все изделия расписываются вручную, причём роспись нигде не повторяется. Какой бы выразительной ни была роспись, пока узор или фон остаются серебристыми, это ещё не настоящая «хохлома».

Палехская миниатюра. 
Палех – центр иконописной живописи, расположенный в посёлке Палех Ивановской области. В настоящее время в г. Палехе развит народный промысел «Палехская миниатюра» взамен существовавшей школы иконописной живописи. В росписи лаковой миниатюры сохранились традиции древнерусского искусства и мастерство иконописцев. Миниатюрная лаковая живопись выполняется темперой на папье-маше. Шкатулки, брошки, пепельницы и игольницы обычно расписываются золотом на черном фоне. Русская лаковая миниатюра отличается изяществом форм, мастерством тонкой кисти художника, поэтичностью образов. 

Палех ещё с допетровских времён славился своими иконописцами. Наибольшего расцвета палехское иконописание достигло в XVIII — начале XIX века. Местный стиль сложился под влиянием московской, новгородской, строгановской и ярославской школ. Кроме иконописи, палешане занимались монументальной живописью, участвуя в росписи и реставрации церквей и соборов, в том числе Грановитой палаты Московского Кремля, храмов Троице-Сергиевой лавры, Новодевичьего монастыря.

После революции 1917 года художники Палеха были вынуждены искать новые формы реализации своего творческого потенциала. В 1918 году художники создали Палехскую художественную декоративную артель, которая занималась росписью по дереву. Родоначальниками палехского стиля являются И. И. Голиков и Александр Александрович Глазунов, в московской мастерской которого Иваном Голиковым была написана первая работа в так называемом палехском стиле. Палешане познакомились с новым материалом папье-маше, являвшимся на протяжении века основой для лаковой миниатюры Федоскина. Мастера освоили новый материал, перенеся на него традиционную для древнерусской иконы технологию темперной живописи и условную стилистику изображения. Впервые палехские миниатюры на папье-маше, выполненные по заказу Кустарного музея, были представлены на Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставке в 1923 году, где были удостоены диплома 2-й степени.

5 декабря 1924 года семеро палехских художников И. И. Голиков, И. В. Маркичев, И. М. Баканов, И. И. Зубков, А. И. Зубков, А. В. Котухин, В. В. Котухин объединились в «Артель древней живописи». Позднее к ним присоединились художники И. П. Вакуров, Д. Н. Буторин, Н. М. Зиновьев. В 1925 году палехские миниатюры экспонировались на Всемирной выставке в Париже.

Союз художников Палеха возник в 1932 году. В 1935 году артель была преобразована в Товарищество художников Палеха, в 1954-м образовались Палехские художественно-производственные мастерские Художественного фонда СССР.

В 1928 году в Палехе открылась профтехшкола древней живописи, обучение в которой длилось четыре года. В 1935 году школа была преобразована в художественный техникум. В 1936 году техникум перешёл в систему Всесоюзного комитета по делам искусств и стал называться училищем (Палехское художественное училище имени А. М. Горького), где обучение длилось 5 лет. В 2000-х годах срок обучения сокращён до 4 лет.

Скань. 
Ювелирная техника скань – это ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной или медной проволоки, гладкой или свитой в верёвочки. Украшаются изделия из скани маленькими серебряными или золотыми шариками (зернью) и эмалью. Художественная обработка металла – филигранная скань – известна издавна. В Древней Руси техника скани стала использоваться с IX—X веков. Тогда витую проволоку для производства ещё не использовали, а применялись зерни. Изделия XII—XIII веков отличаются высоким качеством, в то время чаще стали использовать технологию напайной, а с XII века — ажурной и рельефной скани, в производстве стали использоваться камни.

На XV—XVI века приходится расцвет московской скани. Использовались разнообразные материалы: драгоценные камни, эмаль, дерево, резная кость. Самыми известными сканщиками в то время были Амвросий и Иван Фомин.

В XVIII—XIX веках изделия со сканью производились во многих художественных центрах России. Создавались как большие произведения искусства, так и небольшие изделия (вазочки, солонки, шкатулки). В производстве стали применять хрусталь и перламутр. С XIX века налажено промышленное производство в значительных масштабах с применением различных технологий. На фабриках производили посуду, церковную утварь, туалетные принадлежности.

В годы советской власти скань широко применялась в художественной промышленности (изделия Красносельского ювелирного завода в Костромской области, Мстёрской художественной фабрики «Ювелир» (с 1937 года) во Владимирской области, Ереванского ювелирного завода и многих других). Наряду с ювелирными украшениями изготавливались предметы быта: ажурные филигранные вазочки, подстаканники, миниатюрная скульптура и пр.

Известный современный художник-ювелир Маланчук Юлия, продолжая традиции древних мастеров, включает древние техники — ювелирную скань и зернь в модные высокохудожественные ювелирные изделия и украшения. Созданная ею с высоким мастерством копия Шапки Мономаха для фильма Сергея Бондарчука «Борис Годунов» как драгоценность хранится в музее Мосфильма.
Большое разнообразие видов скани позволяет создавать поистине образцы художественного промысла. Напайная филигрань предполагает напайку проволоки и зерни на листовой металл, объемная филигрань используется для объемных предметов – кубков, ваз, подносов, ажурная филигрань – кружево из проволоки с напаянной зернью. Филигранная ажурная скань горит и переливается всеми цветами радуги, разбрасывая вокруг золотые, серебряные и медные искры. 

Каслинское литье.
Садовая мебель, решетки, надгробия, бытовые предметы, скульптуры из чугуна и бронзы, выполненные на Каслинском чугунолитейном заводе (Южный Урал), становятся произведением искусства. Традиции Каслинского литья – это сложные технологии формовки и отливки изделий, ручная чеканка, графическая четкость силуэта. Завод был построен в 18 веке, и с тех пор чугунолитейное производство является центром отливок высокохудожественных изделий. Ажурные решетки, плиты с орнаментом, барельефы и скульптуры, тарелки и подсвечники не уступают по качеству и художественной ценности лучшим мировым образцам. На заводе трудились известные скульпторы и художники, выпускники Петербургской Академии художеств. При их участии были разработаны и воплощены многие проекты, в т.ч. изготовление мемориальных досок с портретами, памятников, архитектурное литье для Московского метрополитена.

Заключение.

Традиции - это дар наших предков, наше наследие. Как много прекрасных праздников, обычаев и традиций имеется в "сокровищнице" нашей России, как много промыслов, ремесел передано нам из прошлых столетий. Теперь на наших плечах лежит ответственность за сохранность этого богатства, которое вскоре мы передадим будущему поколению.

Список используемой литературы.

1. Богуславская И. Я. Русская глиняная игрушка. — М.: Искусство, 1975.

2. Гжель // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона: В 86 томах (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.

3. Елфимов Ю. Н. Каслинские мастера. — Челябинск: Южно-Уральское кн. изд-во, 1977.

4. Т. Емельянова, Рождение Хохломы, ж. «Народное творчество», № 1, 1992

5. Рогов А. П. Чёрная роза. Книга о русском народном искусстве. — М.: Современник, 1978.

6. Кузнецов С.В. Жемчужина народного искусства.// Лавка коллекционера № 1 от 2013 г. (№ 131-142).

7. Солонин, П. Н. Здравствуй, Палех! Лирические этюды о мастерах русских лаков из маленького посёлка срединной России. — Ярославль: Верхне-Волжское кн. изд-во, 1974.

8. Николай Струздюмов. Оренбургский платок — пуховязальные места и их обитатели: Очерки. Рассказы. — 207 с. 21 см, М. Современник 1985.

Ссылки на интернет – ресурсы:

http://www.goldmuseum.ru/tradicii-rus/
http://fb.ru/article/7854/traditsii-russkogo-naroda

http://www.art-olonya.ru/olony68.html