Группа деревянно-духовых инструментов

Содержание

Введение.............................................................................................................3

Флейта – самый древний духовой инструмент..............................................4

Кларнет, фагот.................................................................................................15

Заключение.......................................................................................................18

Использованная литература...........................................................................19

Введение

Музыкальные инструменты возникли в глубокой древности. При археологических раскопках найдены инструменты, относящиеся к III—II вв. до н. э., которые являются прообразами ныне существующих.

Первые музыкальные инструменты изготавливались из костей животных — в них выдалбливались отверстия для вдувания воздуха. Также были широко распространены различные ударные инструменты (колотушка, трещотка, погремушка из высушенных плодов с косточками или камешками внутри, барабан).

Появление барабана свидетельствовало о том, что люди открыли свойство резонирования пустых предметов. Они начали использовать высушенную кожу, натягивая ее на пустой сосуд.

Духовые музыкальные инструменты использовали звукоизвлечение путем вдувания воздуха. Материалом для них были стебли тростника, камыша, даже раковины, а позже — дерево и металл.

В настоящее время существует два типа музыкальных инструментов — народные и возникшие на их основе инструменты симфонического оркестра. В обоих типах инструментов есть несколько основных групп: духовые, ударные, струнные.

Инструментов знаем много музыкальных,

Голос каждого – особый, уникальный.

Музыканты долго думали: “Как быть?”

И решили всех по группам разделить,

Чтоб не путались в оркестре никогда

И садились сразу на свои места.

Флейта – самый древний духовой инструмент

Самым древним деревянным духовым инструментом была, конечно, флейта. Всевозможные дудки, свистульки были, конечно, у всех древних народов, и каждый народ создал свою легенду том, как возникла флейта. Лесные духи очень любили играть на флейте.

Название инструмента в переводе означает дуновение. Нашим предкам понравился нежный голос тростинки, тем более, что, играя на ней, можно было подражать пению птиц.

Современная история флейты начинается с XVII века.

Флейта делалась из цельного куска дерева, в котором прорезалось несколько отверстий: в одно вдувается воздух, другие меняли высоту звучания. Творческих, любознательных музыкантов не все устраивало в инструменте, они пробовали, искали, меняли.

На рубеже 17-18вв. немецкий музыкант и мастер Теобальд Бём стал делать флейту из металла.

К примеру произведение  С.С.Прокофьева «Петя и волк»? Так вот Птичку изображает флейта. Там, где нужно пропеть легкую, светлую мелодию, украсить ее трелями - там просто необходима флейта.

Но флейта умеет петь не только весело и беззаботно. Она может петь нежно и сильно, мягко и серебристо.

Если сделать свистульку из акации, или другого стручка, то станет понятно, как поступает воздух в гобой. Две тоненьких тростниковых пластиночки, которые называют язычками, с трудом пропускают воздух, от этого звук у гобоя имеет носовой оттенок, как будто у него постоянный насморк. Но голос гобоя необычайно нежен и певуч. Ему поручают самые нежные образы, он поет народные песни.

Например, в  сказке «Петя и волк» композитор использовал низкий регистр, где звук гобоя похож на кряканье утки.

Родина гобоя - Франция середины XVII века, а его предшественником была бомбарда. Бомбарды были разных размеров, от самой большой - басовой бомбарды - произошел фагот. Бомбарды были большими и неудобными. Представь себе музыкальный инструмент длиной 2-3 метра! В 1525 году музыкант из Феррары Альбонелли догадался несколько раз перегнуть ствол инструмента, и он стал похож на вязанку дров. Это и был фагот, что в переводе означает «вязанка дров».

Мы узнали, что у гобоя и фагота одни и те же родственники, способ игры у них одинаковый: воздух попадает через двойной язычок. Гобой делается из дорогого черного дерева, а фагот - из клена.

К примеру, вспомним  дедушку из сказки «Петя и волк» и сразу представите  низкий, ворчливый голос фагота.

С помощью фагота композиторы часто создают юмористические образы. В мультфильме «Золушка» Мачеху постоянно сопровождают отрывистые фразы фагота.

Самым молодым деревянным духовым инструментом стал кларнет. Он не имеет древних родственников, его изобрел музыкальный мастер, который жил в XVIII веке в немецком городе Нюрнберге. У него только одна камышовая пластинка, которая вставляется в специальный мундштук.

Звук кларнета может быть глубоким, сильным, а может - очень нежным. Кларнету поручаются широкие напевные партии

Таким образом, мы познакомились с семейством деревянных духовых инструментов. Давайте,  выстроим их по регистрам — от высокого к низкому: флейта, гобой, кларнет и фагот.

В Европе в средние века получили распространение две разновидности флейты: прямая и поперечная. Прямую флейту, или "флейту с наконечником", держали прямо перед собой, как гобой или кларнет; косую, или поперечную - под углом. Поперечная флейта оказалась более жизнеспособной, так как легко поддавалась усовершенствованиям. В середине XVIII века она окончательно вытеснила прямую флейту из симфонического оркестра. В это же время флейта, наряду с арфой и клавесином, стала одним из самых любимых инструментов домашнего музицирования. На флейте, к примеру, играли русский художник Федотов и прусский король Фридрих Второй.

Флейта - самый подвижный инструмент из группы деревянных духовых: в плане виртуозности она превосходит все остальные духовые инструменты. Примером тому может служить балетная сюита "Дафнис и Хлоя" Равеля, где флейта фактически выступает как солирующий инструмент.

Флейта представляет собой цилиндрическую трубку, деревянную или металлическую, закрытую с одной стороны - у головки. Тут же имеется боковое отверствие для вдувания воздуха. Игра на флейте требует большого расхода воздуха: при вдувании часть его разбивается об острый край отверствия и уходит. От этого и получается характерный сипящий призвук, особенно в низком регистре. По той же причине на флейте трудноисполнимы выдержанные ноты и широкие мелодии.

Римский-Корсаков охарактеризовал звучность флейты так: "Тембр холодный, наиболее подходящий к мелодиям грациозного и легкомысленного характера в мажоре, и с оттенком поверхостной грусти в миноре".

Нередко композиторы пользуются ансамблем трех флейт. В качестве примера можно привести танец пастушков из "Щелкунчика" Чайковского.
ГОБОЙ соперничает с флейтой древностью своего происхождения: он ведет свою родословную от первобытной свирели. Из предков гобоя наибольшее распространение получил греческий авлос, без которого древние эллины не мыслили себе ни пира, ни театрального представления. В Европу предки гобоя пришли с Ближнего Востока.

В XVII веке из бомбарды - инструмента свирельного типа - был создан гобой, который сразу стал популярным в оркестре. Вскоре он стал и концертным инструментом. В течение почти целого столетия гобой был кумиром музыкантов и меломанов. Лучшие композиторы XVII-XVIII веков - Люлли, Рамо, Бах, Гендель - отдали дань этому увлечению: Гендель, например, писал для гобоя концерты, трудность которых может смутить даже современных гобоистов. Однако в начале XIX века "культ" гобоя в оркестре несколько угас, а ведущая роль в группе деревянных духовых перешла к кларнету. По своему строению гобой представляет собой коническую трубку; на одном конце ее находится небольшой воронкообразный раструб, на другом - трость, которую исполнитель держит во рту.

Благодаря некоторым особенностям конструкции гобой никогда не теряет настройку. Поэтому стало традицией настраивать по нему весь оркестр. Перед симфоническим оркестром, когда музыканты собираются на эстраде, нередко можно услышать, как гобоист играет ля первой октавы, а другие исполнители подстраивают свои инструменты.

Гобой обладает подвижной техникой, хотя и уступает в этом отношении флейте. Это скорее поющий, чем виртуозный инструмент: его область, как правило, - грусть и элегичность. Так звучит он в теме лебедей из антракта ко второму действию "Лебединого озера" и в простом меланхолическом напеве второй части IV-ой симфонии Чайковского. Изредка гобою поручают "комические роли": в "Спящей красавице" Чайковского, например, в вариации "Кот и кошечка" гобой забавно имитирует мяуканье кота.

Богатством отличалась музыкально-инструментальная культура Древнего Китая. В основе духового инструментария лежали флейтовые типы: сяо (продольная глиняная флейта), пайсяо (разновидность флейты Пана, с двенадцатью бамбуковыми стволами), чи (поперечная флейта, с 3-6 игровыми отверстиями), юэ (короткая поперечная флейта) и др. Звучат все эти флейты мягко и нежно.В Индии самый распространённый духовой инструмент древности - ванша (разновидность поперечной флейты), по преданию на ней играл бог Кришна.

В Греции флейта называлась сиринкс (многоствольная флейта, "флейта Пана") и была самым популярным инструментом. Сиринкс главенствовал среди других инструментов в обрядах, торжествах, музыкальных соревнованиях, вечерах поэзии. Само слово флейта применялось древними для определения всех духовых инструментов, без различия их особенностей и свойств. Флейта "фригийская", "простая", "двойная" только именовались флейтами, но не имели к флейтам прямого отношения, как и флажолет - простенькая дудочка с "пищиком" и несколькими дырочками и клапанами.

Период средневековья характеризуется возникновением инструментальных ансамблей при дворах. В моде была продольная и поперечная флейта. В эпоху Ренессанса в Венеции и Болонье делались лучшие духовые инструменты. До конца 16 века исполнители пользовались продольными флейтами разных размеров - дискантовыми, альтовыми, теноровыми, басовыми. Диапазон их колебался в пределах от 2-х до 2,5 октав. Звук их был приятным, мягким, но очень слабым, маловыразительным, неровным по силе и не всегда точным по высоте. Причина была в том, что игровые отверстия были расположены там, где удобно закрывать их пальцами, а не исходя из требований акустики.

Из флейт составлялись ансамбли до 20 человек.

В 17 веке возникли первые оркестры. Монтеверди в опере "Орфей" в группу духовых инструментов оркестра ввёл лишь одну маленькую флейту, которая исполняла безмятежные пастушьи наигрыши, создавая пасторальный колорит ряду сцен. По мере развития оркестра роль флейт возрастала, и в операх немецкого композитора Г. Шюца они уже не только сопровождали пение, но обогащали его, дополняли и соревновались с ним.

Есть предположение, что поперечная флейта возникла в Германии. Изготавливалась она из одного куска дерева, имела 6 отверстий, прикрываемых пальцами и одного для вдувания воздуха. Старонемецкая флейта охватывала 2,5 октавы - от ре первой до ля третьей. Канал ствола был коническим, суживающимся к концу, благодаря чему звук получался мягким, нежным, но не сильным (хотя более громким, чем у продольной), а главное более выразительным. Все звуки соответствовали основным дырочкам, а промежуточные "хроматические" ступени получались при помощи "раздвоенной аппликатуры" или "вилочной хватки". Сверление трубки старонемецкой флейты имело обратноконическое сверление, при котором наибольший размах поперечника приходился на "головку" флейты, а наименьший - на её "лапку", т.е. сверление суживалось к нижней части инструмента, что позволяло удобно разместить пальцы на поверхности флейты. В Англии в эпоху Возрождения в театральном оркестре флейта использовалась в сценах свадеб. Тогда же впервые знаменитым английским композитором Пёрселлом была написана Соната для флейты.

Семнадцатый век - свидетель появления и закрепления в оркестровой практике поперечной флейты. Первым, кто ввёл ее в оперный оркестр, как постоянный инструмент, был Люлли (в оп."Изида"). Но в его оркестре флейты ещё были продольными. Прямую флейту  держали перед собой; она обладала поэтичным звуком, за что её называли "нежная флейта". Однако поперечная флейта оказалась более жизнеспособной, т.к. обладала более сильным звуком и легко поддавалась различным усовершенствованиям. Поэтому к середине XVIII века она окончательно вытеснила из симфонического оркестра продольную флейту.

До сих пор шедеврами флейтового репертуара являются произведения Генделя, Глюка, Гайдна, Моцарта. Примером выразительного использования флейты служит знаменитое соло в опере К.В. Глюка "Орфей". Эта бессмертная "Мелодия" до сих пор не потеряла своего очарования и свежести.

Но самую значительную роль в поднятии исполнительского мастерства игры на флейте сыграло творчество Гайдна и Моцарта, которые проявляли огромный интерес к музыкантам-флейтистам, почитали их мастерство, наблюдали, экспериментировали. Одним из ярких музыкантов своего времени был флейтист И.Б. Вендлинг (1720-1797). Первый исполнитель флейтовых сочинений Моцарта. И. Гайдн сумел прочувствовать необыкновенную теплоту и красочность тона флейты, создав в своих произведениях затейливые флейтовые фигурации.

В.А. Моцарт утверждал, что терпеть не может флейты. Он всегда боялся, что интонация не будет точной, что музыканту не хватит сердца, слуха и техники для того, чтобы справиться с художественными задачами. Но это не помешало ему написать блестящие произведения для этого инструмента. Моцарт под влиянием дружбы с Вендлингом написал Концерт № 1 для флейты с оркестром.

Флейта как солирующий инструмент занимает в творчестве Моцарта видное место. В оркестре Моцарт поручал флейте напевные мелодии, чарующие задушевностью и соперничающие с человеческим голосом. В 1778 году по заказу парижского любителя-флейтиста де Гина и его дочери арфистки Моцарт написал Концерт для флейты и арфы, который до сегодняшнего дня считается одним из лучших в репертуаре флейтистов и арфистов.

Величайший симфонист Бетховен обучался игре на флейте, когда ему было 10 лет.у профессионального флейтиста. Музыку для флейты он писал под влиянием творчества Моцарта, предъявляя к инструменту очень высокие виртуозные требования. В области использования выразительных возможностей флейты Бетховен пошёл значительно дальше своих современников, совершенно по новому, необычайно смело введя её в симфонический оркестр. В увертюре "Леонора № 3" композитор раскрыл подлинное понимание тембровых и виртуозных качеств флейты, употребив её для выражения острых и напряжённых душевных переживаний.

К сожалению, почти забыты замечательные произведения для флейты многих композиторов XVIII века, например, итальянца Д.С. Мерканданте, друга Моцарта Ф.А. Хофмайстера и др.

На Руси существовали различные виды флейт, причем их возникновение имеет глубокие народные корни. Истоки духового искусства как, в частности, и самого духового инструментария, связаны с народной музыкальной жизнью. Исследуя древние русские традиции в области игры на духовых инструментах, можно обнаружить их общность с традициями славянских народов.

Восемнадцатый век охарактеризован коренным переломом в культурной жизни России. Приобретает регулярный характер театральная деятельность, где возрастает значимость музыкального сопровождение, что в свою очередь повлекло за собой увеличение числа инструменталистов.

Петр I придавал музыке, как и другим видам искусства, важное государственное значение. Он явился создателем и преобразователем военно-оркестровой службы в России.

В музыкальном исполнительстве XVIII в. всё чаще стала появляться поперечная флейта. Этому во многом способствовали реформы Петра I, коснувшиеся буквально всех сторон культурной жизни России восемнадцатого века. Так, например, согласно приказу от 1711 года, в каждую воинскую часть вводился небольшой духовой оркестр. Петром I осуществляются широкие мероприятия, связанные с подготовкой и обучением отечественных военных музыкантов. Для этого в армию приглашались иностранные музыканты, которые должны были обучать русских молодых людей игре на д/и, в частности, на флейтах. Также, Петр I выписывает из-за границы и различные духовые инструменты.

Постепенная популяризация духовых инструментов в XVIII веке привела к расширению их роли в придворной жизни. Очень модной становится в это время светская музыка, причем ведущая роль в ней стала принадлежать духовым инструментам. Ассамблеи, маскарады и другие празднества в то время сопровождались духовой музыкой.

Однако придворная музыкальная жизнь с её засильем иностранных певцов, инструменталистов, композиторов не была той основной линией, по которой развивалось отечественное исполнительское искусство и вместе с ним флейтовое исполнительство. Истоки русского оркестрового и сольного исполнительства своими корнями уходят в сферу усадебного крепостного музицирования. Именно там зарождалась основа русского музыкального профессионализма. В этой среде возникают первые крепостные оркестры восемнадцатого века, ставшие впоследствии широко известными. Сюда можно отнести оркестра Шереметьевых и Долгоруких. Для обучения молодых крепостных музыкантов организуются специальные классы, в которых преподавались так же духовые инструменты.

Большую роль в подготовке музыкальных кадров в России сыграл и так называемый Шляхтинский корпус, открытый в 1756 году.

Весьма разнообразной была музыкальная подготовка, которую получала дворянская молодежь. Они могли обучаться, на выбор, либо в Академической гимназии Московского университета, либо в одном из многочисленных частных пансионов, среди которых следует отметить музыкальную школу при крепостном оркестре графа Шереметьева.

Одной из форм приобщения к музыке было и камерное ансамблевое исполнительство, пользовавшееся большой популярностью у русской дворянской интеллигенции восемнадцатого века. В этих домашних музыкальных "упражнениях" вместе с любителями принимали участие и профессиональные музыканты.

Так, современники вспоминают, что любитель-флейтист князь П.И. Репин часто выступал в доме графа Шереметьева в составе профессионального оркестра. Репин считался одним из "сильных" музыкантов, среди которых были так же скрипачи Г.Н. Теплов и С.П. Ягужинский.

В связи с растущей популярностью флейты начинают появляться на концертной эстраде и выделяться в придворных оркестрах первые русские придворные музыканты-духовики. Так, в Петербургском придворном театре выделяются имена "флейттраверсистов" Василия Михайлова, Данилы Калашникова, Егора Каратыгина.

В оркестре флейте выпала почётная задача: пленять слух изумительными образами. Большая флейта виртуозностью, блеском и легкостью пассажей превосходит все остальные духовые инструменты.

Большой флейте не дано говорить о чувствах, зато ей подвластна другая область: мир природы с его реальными и фантастическими обитателями, она великолепно имитирует птичьи голоса; что же касается сказочных существ, которыми народное воображение населило леса и реки, то в их характеристике флейта не знает себе подобных (напр., поэтичный мотив Снегурочки из оперы-сказки Римского-Корсакова или очень красивый ансамбль из 3-х флейт в балете Чайковского "Щелкунчик" в изящном, хрупком танце пастушков). В V действии оперы Рамо "Ипполит и Арицея" звучит лучшее вдохновение композитора Ария Соловья". Замечательных красот в звучании флейты достиг Глюк в операх "Орфей" и "Армида". У Моцарта флейта "символизирует сверхчеловеческое могущество звуков", хотя и неспособна к выражению потрясающей страсти. "Волшебная флейта" Тамино сумела обуздать грубые стихии природы - огонь и воду.

Многие ноты низкого регистра, создающие ощущение бархатистых звуков, вылетающих поспешно и как бы запыхавшись, встречаются в конце очаровательного "Скерцо" из "Сна в летнюю ночь" Мендельсона. Эти чарующие звучания рисуют захватывающую картину ночного бега таинственных существ - сильфов и гениев. Эти настроения внушили Римскому-Корсакову мысль воспользоваться флейтой для передачи звуков "полёта шмеля" в опере "Сказка о царе Салтане". Виртуозные возможности флейты использовали Россини в опере "Вильгельм Тель", Майербер в "Гугенотах".

Глинка в опере "Руслан и Людмила" в сцене похищения героини поручил флейте ответственную роль: таинственная, немного холодная флейта способствует ощущению оцепенения, в которое погружаются участники действия. В танцах же флейта выполняет обязанности чрезвычайно подвижной свирели и своим затейливым узором восхищает завороженный слух зрителей. Глазунов в балете"Времена года" заставляет флейту воспроизводить сложные технические узоры.

Особой любовью пользуется флейта у Шостаковича.

Очень мило использована она у Прокофьева в детской шутке-сказке "Петя и волк". Здесь флейта воспроизводит щебетанье птички. Птичка, маленькая и легкая, охарактеризована высокими «чирикающими» звуками флейты. Кошку, хитрую и осмотрительную, крадущуюся на мягких лапках, изображают отрывистые звуки кларнета. Неторопливую поступь («вперевалочку») Утки и ее кряканье — гнусавый гобой. Сердитого и ворчливого Дедушку — низкие звуки фагота. Осторожные шаги (не вспугнуть бы Волка!) воинственных охотников передает «смешанная» краска четырех деревянных духовых инструментов: флейты, кларнета, гобоя, фагота; а их выстрелы — ударные инструменты: тарелки и большой барабан. Страшного Волка изображают резкие гармонии в звучании трех валторн.

Когда Маргарита в опере Гуно "Фауст" открывает окно и поверяет ночному эхо тайну своей  любви, ясные звуки флейты как бы отражают мерцание звёзд, безмолвно освещающих своими бледными лучами таинственное созвучие голосов природы. Прозрачные, холодные звуки флейты идеальны для изображения голосов природы - щебетанья птиц, вздохов ветерка, всего, что наивно и идиллично, что даёт возможность использовать флейту в сочинениях для лёгких женских голосов, где голос и флейта соревнуются в преодолении виртуозных трудностей, всегда оказываясь на должной высоте и не умоляя достоинств друг друга.

Начиная с XVIII века флейта пользовалась такой любовью современников, что стала неотъемлемой частью их жизни. Играть на флейте считалось признаком "хорошего тона", а флейта на сцене театра была достойным участником драматического спектакля. Много произведений живописи, литературы, театра рассказывают, как люди во всех слоях общества играли на флейте. На ней играл русский художник Федотов и прусский король Фридрих II. На русской сцене в пьесе А. Грибоедова "Горе от ума" флейта появлялась дважды: рано утром, когда Фамусов застаёт Лизу за переводом часовой стрелки, а другой раз - вечером на балу у Фамусовых в беседе старых друзей - Чацкого с Платоном Михайловичем. В пьесе английского драматурга Шэридана "Школа злословия" дуэтом флейты и арфы начинается I действие. На флейте играл персонаж Ч. Диккенса Урия Хип в "Дэвиде Копперфильде". Изображение играющих на флейте мы видим на картинах фламандского художника Ван-Дейка, голландских художников Ф. Хальса и Я. Стэна, француза Ланкре.

Кларнет, фагот

Кларнет - это цилиндрическая деревянная трубка с венчикообразным раструбом на одном конце и тростью-наконечником на другом.

Из всех деревянных духовых только кларнету доступно гибкое изменение силы звука. Это и многие другие качества кларнета сделали его звук одним из самых богатых по выразительности голосов оркестра. Любопытно, что два русских композитора, имея дело с одним и тем же сюжетом, поступили совершенно одинаково: в обеих "Снегурочках" - Римского-Корсакова и Чайковского - пастушеские наигрыши Леля поручены кларнету.

Нередко тембр кларнета связывают с мрачными драматическими ситуациями. Эту область выразительности "открыл" Вебер. В сцене "Волчьей долины" из "Волшебного стрелка" он впервые угадал, какие трагические эффекты скрыты в низком регистре инструмента. Позже Чайковский использовал жуткое звучание низких кларнетов в "Пиковой даме" в момент, когда появляется призрак графини.

Малый кларнет. Малый кларнет пришел в симфонический оркестр из военно-духового. Впервые его использовал Берлиоз, поручив ему искаженную "тему возлюбленной" в последней части "Фантастической симфонии". К малому кларнету нередко обращались Вагнер, Римский-Корсаков, Р. Штраус. Шостакович.

В конце XVIII века семейство кларнетов обогатилось еще одним членом: в оркестре появился бассетгорн - старинная разновидность альтового кларнета. По величине он превосходил основной инструмент, а тембр его - спокойный, торжественный и матовый - занимал промежуточное положение между обычным и басовым кларнетом. Он пробыл в оркестре всего несколько десятилетий и был обязан своим расцветом Моцарту. Именно для двух бассетгорнов с фаготами было написано начало "Реквиема" (теперь бассетгорны заменяются кларнетами).

Попытка возрождения этого инструмента под именем альтового кларнета была предпринята Р.Штраусом, но с тех пор она, кажется, не имела повторений. В наше время бассетгорны входят в военные оркестры.

Басовый кларнет. Басовый кларнет - самый "внушительный" представитель семейства. Построенный в конце XVIII века, он завоевал прочное положение в симфоническом оркестре. Форма этого инструмента довольно необычна: раструб его загнут вверх, наподобие курительной трубки, а мундштук насажен на изогнутый стержень - все это с целью уменьшить непомерную длину инструмента и облегчить пользование им. Первым "открыл" огромную драматическую мощность этого инструмента Мейербер. Нередко использовали басовый кларнет в своем творчестве русские композиторы. Так, мрачные звуки басового кларнета раздаются в V-ой картине "Пиковой дамы" в то время, когда Герман читает письмо Лизы. Сейчас басовый кларнет - постоянный член большого состава симфонического оркестра, и его функции очень разнообразны.

Предком фагота считается старинная басовая свирель - бомбарда. Пришедший ей на смену фагот был построен каноником Афраньо дельи Альбонези в первой половине XVI века. Большая деревянная, перегнутая вдвое трубка напоминала вязанку дров, что и отразилось в названии инструмента (итальянское слово fagotto означает "вязанка"). Фагот покорил благозвучием тембра современников, которые по контрасту с хриплым голосом бомбарды стали называть его "дольчино" - сладостный.

В дальнейшем, сохраняя свои внешние очертания, фагот подвергся серьезным усовершенствованиям. С XVII века он вошел в симфонический оркестр, а с XVIII века - в военный. Конический деревянный ствол фагота очень велик, поэтому его "складывают" вдвое. К верхней части инструмента прикрепляют изогнутую металлическую трубку, на которую надета трость. Во время игры фагот на шнурке подвешивается на шею исполнителя.

Разновидности фагота ограничиваются в наше время всего лишь одним представителем - контрфаготом. Это - самый низкий по диапазону инструмент оркестра. Ниже, чем предельные звуки контрфагота, звучат лишь педальные басы органа.

Мысль продолжить звукоряд фагота вниз появилась очень давно - первый контрфагот был построен в 1620 году. Но он был так несовершенен, что до конца XIX века, когда инструмент был усовершенствован, к нему обращались крайне мало: изредка Гайдн, Бетховен, Глинка.

Современный контрфагот - это инструмент, изогнутый в три раза: его длина в развернутом виде - 5 м 93 см(!); по технике он напоминает фагот, но менее проворен и обладает густым, почти органным тембром. Композиторы XIX столетия - Римский-Корсаков, Брамс - обращались к контрфаготу обычно для усиления баса. Но порой для него пишут интересные соло. Равель, например, в "Беседе красавицы и чудовища" (балет "Моя мать гусыня") поручил ему голос чудовища.

Заключение

Духовые оркестры в основном предназначены не для концертов в закрытых помещениях. Они сопровождают шествия, марши, а во время праздничных гуляний звучат на эстрадах, расположенных на открытом воздухе - на площадях, в садах и парках. Звучность их особенно мощная и яркая.

Основные инструменты духового оркестра -- медные: корнеты, трубы, валторны, тромбоны. Есть и деревянные духовые -- флейты и кларнеты, а в больших оркестрах еще гобои и фаготы, а также ударные -- барабаны, литавры, тарелки.

Деревянные трубочки и трубы всех размеров, форм и расцветок. Тут и блестящие, и черные, и коричневые, и красные. Тоненькие и толстые. Чтобы они зазвучали, в них нужно вдувать воздух, который вибрирует, и таким образом рождает звук, поэтому они называются духовыми.

Если струнные инструменты придумал охотник с луком, то деревянные духовые, вероятно, придумал пастушок, случайно дунув в камышинку.

От этой камышинки и произошли деревянные духовые инструменты. Так же, как у каждого народа есть свои струнные музыкальные инструменты, так и семья деревянных духовых очень разнообразна.

Различные предметы - рога животных, раковины, куски тростниковых стволов, с помощью которых наши предки подавали звуковые сигналы во время охоты - были предшественниками современных духовых.

Не сразу духовые инструменты объединились в семьи-группы. Они прошли долгий путь: менялась форма, материал, размер игровых отверстий (зажимая пальцами отверстия, музыкант меняет величину столба воздуха, таким образом, меняется высота звука). Менялся и размер самих инструментов.

                                    Использованная литература

1. . Островская Я., Фролова Л.Музыкальная литература в определениях и нотных примерах. СПб., 2004.
2. . Шоникова М. Музыкальная литература. Ростов-на-Дону, 2003.
3.  М.Ф. Музыкальное королевство. Минск, 2002.
4. Осовицкая, Казаринова А.В мире музыки. Первый год обучения.