Образ матери на полотнах русских художников

ВВЕДЕНИЕ

Наперекор изменчивой молве

Художники прославили в веках

Не девушку с венком на голове,

А женщину с младенцем на руках.

Девичья красота незавершённа:

В ней нет еще душевной глубины.

Родив дитя, рождается мадонна.

В её чертах миры отражены.

Л. Татьяничева

Во все времена пристальное внимание художников привлекал образ Матери. Образ Матери, единство матери и ребенка – вечная тема искусства. Великие образы материнства в разные времена и в разных странах воспевали художники, используя свойственные времени средства художественного выражения. Поэтому тема неиссякаема и будет волновать художников всегда, так как чувство любви к матери невозможно выразить какой–либо одной картиной. Это делает актуальным данную тему в любую эпоху.

Цель исследовательского проекта: определить особенность взгляда художника Юрия Ракши на вечную тему материнства.

Гипотеза: Особенности национальной культуры влияют на представление образа Матери на полотнах русских художников.

Объект исследования: развитие образа Матери в русском изобразительном искусстве.

Предмет: репрезентация образа матери в творчестве художника Юрия Ракши.

Задачи исследования:

1. Изучить литературные и интернет-источники по теме исследования.
2. Рассмотреть развитие образа Матери в русской живописи.
3. Определить особенности творческого взгляда художника Юрия Ракши на образ Матери.
4. Подготовить виртуальную выставку «Что может быть чудесней слова: мать?»

ГЛАВА 1. ОБРАЗ МАТЕРИ В РУССКОМ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ

История изображения матери, держащей на руках ребенка, берет свое начало в древности. Культура всех народов мира сохранила отпечаток древних представлений о Матери-Земле, дающей жизнь всему сущему. В славянской мифологии это Мать-Сыра Земля, олицетворением которой стала богиня Мокошь – богиня плодородия.

С приходом христианства на Русь образ изменился. Строгий лик с печальными глазами, тонкие руки, прижимающие самое дорогое для матери – дитя, в неверном свете лампад и свечей… Древние представления о кровавой мести, «око за око, зуб за зуб», отступили под строгим взглядом Богоматери, сознающей, для какого удела предназначено ее дитя.

Идея, заложенная в этом религиозном сюжете, много старше христианства. Идея самопожертвования объединяет все народы, ведь именно она во многом определяет современные во все времена нормы и ценности. Ценность человеческой жизни ставится во главу угла. Без нее человечество представляло бы собой разрозненные стаи, обреченные погибать под натиском превосходящего в силе врага, соперника.  Тогда неминуема гибель всех разумных на Земле.

В каком ещё образе можно было выразить высшую человечность, как не в образе Матери, не только способной на бескорыстную любовь, но и готовой к великой жертвенности. В образе Богородицы иконописцы стремились изобразить не обычное проявление материнской любви, а возвышенное, идеальное представление о ней, создавая обобщённый образ изумительной красоты и жизненной правды. Божья Матерь с младенцем на руках стала воплощением идеально прекрасного человека.

Наивысшим проявлением великой человеческой сущности стала икона Владимирской Божьей Матери, привезенной в 12 веке на Русь из Византии. Этот образ пронизан сильной и тонкой одухотворённостью и передаёт полное нежности общение Матери и ребёнка. Мать и дитя будто слиты в неразрывное целое очертанием силуэта. Мария предвидит страдания Сына на его земном пути, глубокой и мудрой печалью овеян её лик.

Богоматерь с давних времён считалась покровительницей Русского государства. По преданию, преподобный Сергий Радонежский благословил московского великого князя Дмитрия Иоанновича с воинством иконой Богоматери, той самой, что потом была прозвана Донской. Икону водрузили высоко на древке, как хоругвь, и весь поход она оставалась при русском войске: перед ней молился великий князь, перед тем как отправиться в бой, а в день сражения ее носили по рядам войск. По другой, более известной и принятой версии, ее поднесли великому князю донские казаки, которые вышли на битву со своей иконой и после сражения подарили ее государю.

В 1395 году на Русь напал Тамерлан (хан Тимур). С огромным войском подошел он к границам Московского княжества. Для укрепления духа русских людей икона «Владимирской Богоматери» была перенесена в Москву. Весь православный народ Москвы вместе со свт. Киприаном и князьями встречал икону далеко за окраинами города. 26\8 августа произошла торжественная встреча иконы. «Яко заря солнечная» заблистала святыня русской земли в Москве. На этом месте в 1397 году, в память об этом событии, был основан Сретенский монастырь. В память об этом событии икону каждый год 26 августа торжественным крестным ходом приносили из Успенского собора Кремля в Сретенский монастырь.

Ночью спящему Тамерлану во сне явилась лучезарная Дева в чудном сиянии, в сопровождении небесных воинств и святителей – и повелела уходить захватчикам прочь. Пораженный этим чудом, в страхе, не переходя реки Оки у Коломны, Тамерлан вместе с войском быстро удалился за пределы земли Русской.

Древних икон, подобных «Владимирской Богоматери», не сохранилось, но сохранились иконы, приближающиеся к ней по иконографии и силе образа. Существует и огромное количество списков с этой иконы, прославленных как чудотворные. Например, иконографический образ, который известен на Руси как «Умиление».

История светской живописи в России берет свое начало в 18 веке – веке преобразований, ознаменованном гением Петра I.

        Живописцы учатся в Европе, отходят от иконографической стилистики. Картины, создаваемые в этот период, это парадные и камерные портреты, портреты-стилизации в аллегорическом стиле, обыгрывающие и открывающие современникам греческую и римскую мифологии. Сюжеты мифологий других народов были трудны для русского искусства в освоении материала. Но они преломлялись под воздействием русского мировоззрения.

        Возвращение к истокам случилось в 19 веке и было связано с именем А.Г. Венецианова, создавшего поэтический идеал красоты русской матери и открывшего красоту лиц сельских женщин.

Картина «На жатве. Лето» вместила в себя и бездонное небо, и ширь земли русской, и глубокие человеческие чувства. Это полотно написано на извечную тему, которая прошла через всю историю искусства. К ней столетиями обращались сотни художников разных веков, стран, художественных направлений. Эта сцена – мать кормит грудью ребенка – всегда выражала животворную силу материнства.  На минуту оставила свой серп молодая мать, чтобы покормить принесенного старшими детьми грудного ребенка. Хотя Венецианов придерживается своего принципа «изображать все как есть», отказаться от религиозных аналогий невозможно.

На другой работе художника «На пашне. Весна» крестьянка в длинном сарафане и кокошнике ведет лошадей, запряженных в борону. Но она думает вовсе не о работе – ее взгляд направлен на играющего в стороне ребенка. На заднем фоне просматривается неохватная русская даль. Движения крестьянки легки и создается впечатление, что она не ступает по земле, а словно парит над ней. Ее сарафан напоминает греческую тунику, а сама героиня уподоблена древнегреческой богине плодородия. Младенец на первом плане является символом материнства и плодородия.

Женские портреты художника О. Кипренского занимают достойное место в творчестве, отражая его понимание идеала материнской красоты. На картине «Мать с ребенком» показано привлекательно доброе, отзывчивое лицо матери и взгляд ее теплых глаз.

Но все же первая половина 19 века была ознаменована гением Карла Брюллова, так и оставшегося для многих автором одной картины – «Последнего дня Помпеи». Вглядимся в полотно. Рушится старый мир, рушатся старые боги. В левом углу картины мать, трепетно прижимающая к себе дочерей. Она готова принять на себя удар стихии, защитить своим телом детей.

Современники Виктора Васнецова называли его «создателем русской Мадонны». Образ Царицы Небесной звучит лейтмотивом всего его религиозного творчества. Одной из главных картин, написанных в 1885 году для апсиды Владимирского собора в Киеве, является «Богоматерь с младенцем».

Иконография Пресвятой Богородицы, несущей на руках Младенца Христа и отдающей Его в мир, была результатом творческого поиска Васнецовым идеального образа Богоматери. Художник изобразил Царицу Небесную на золотом фоне, идущей по облакам навстречу каждому вступившему в храм. Обеими руками Она обнимает, словно желая защитить от грядущего зла, Сына. Лик Младенца Христа не по-детски серьезен и сосредоточен. В образе Богоматери Васнецов показал национальный идеал материнства и заступничества, сущность нравственного долга и идею подвига... самоотречение, которое составляет народную черту русского характера с его идеальной простотой в осуществлении необходимого и должного.

В конце 19 века образ матери и ребенка входит в искусство без религиозной подоплеки, когда художники перестают оглядываться на моральные или религиозные нормы и начинают изображать мир таким, каким они его видят сами.

Тему материнства воспел художник Б.М. Кустодиев в своих лирических картинах «Утро», «Сирень», «На террасе». Картины пронизаны светом и воздухом и воспринимаются как гимн материнству и простым человеческим радостям. Материал для своих произведений он черпал из воспоминаний детства и воссоздавал с любовью характерные материнские образы.

В искусстве XX века совершенно по-новому зазвучала тема материнства, прославляющая самые глубокие и искренние человеческие чувства. Вечная и емкая, она помогает советским живописцам показать новое отношение свободного народа к своему будущему.

Наиболее яркое художественное воплощение тема материнства нашла в творчестве художника К. С. Петрова-Водкина. На картине «Петроградская Мадонна» молодая женщина с грудным ребёнком изображена на фоне революционного Петрограда, где началась новая эра человеческой истории. Не случайно она повернулась спиной к городу. Мать и ребенок, как символ вечной жизни и добра, царят надо всеми. Несмотря на то, что художник придает облику молодой женщины иконописные черты, она все же простая петроградская работница. Её главная забота – это забота о ребёнке, о его настоящем и будущем.

Тема женственности и материнства прослеживается и в картинах под одинаковым названием - «Мать», написанными К. Петровым-Водкиным в 1913 и в 1915 годах. Сюжет их одинаков и прост. Молодая женщина кормит грудью малыша. Мы не можем оторваться от этого образа вечной женственности, от лица, полного загадочной глубины и жизненной достоверности, чистоты и духовности. Образ простой русской крестьянки возвышается до образа Богоматери.

Величие и целомудрие, достоинство и женская гордость ощущаются в облике матери с картины А. А. Дейнеки «Мать». Композиция удивительно проста: На гладком фоне крупным планом изображена женщина с заснувшим ребёнком на руках. В облике матери передана величественная осанка венецианских крестьянок, нежные трепетные чувства к прильнувшему к её плечу малышу.

Противопоставляя хрупкое, разморённое сном тельце мальчика сильной и крепкой фигуре матери, художник стремится подчеркнуть существующую между ними неразрывную духовную связь, готовность матери защитить ребёнка. Женщина, олицетворяющая жизнь, нежна, внимательна, сосредоточенна. Ей ещё растить, кормить, воспитывать ребёнка, ей обеспечивать будущее маленькому человечку, доверчиво заснувшему на её плече. В образе, созданном А. Дейнекой, нерасторжимо слились доброта и твердость характера, лиризм и мужество. Художник сумел воплотить не только непреходящее обаяние материнства, но и духовную красоту советской женщины, сознающей свое человеческое достоинство.

По новому прозвучит эта тема в картинах, посвящённых материнству в годы Великой Отечественной войны.

В исторических битвах особенно явственно виден великий смысл материнской любви и материнского подвига. Без эффектных действий и фраз, он прост и неизбежен, как сами военные будни. В «Партизанской Мадонне» М. Савицкого слышится песенное звучание величавого народного эпоса о преданности и мужестве, о могучей жизненной силе, о великой любви матери, которую нельзя ни покорить, ни уничтожить. В 1978 году художник создал вторую «Партизанскую мадонну».

М. А. Савицкий говорил о картине «Партизанская мадонна»: «Уходили в партизаны семьями, всем родом, всей деревней. Мой дядя ушёл в лес с женой, восемью дочерьми, внучкой. Ведь партизанский отряд –  боевая единица, да? А кто будет хлеб убирать? А за ранеными ухаживать? А стирать? Всем работа нашлась. Об этом моя картина. Женщины убирают хлеб. Их труд охраняют партизаны. Отряд уходит на задание. А ОНА кормит маленького. Она должна быть –  Мать. Если её нет – ничего нет. И жизни нет. Она такая: мощная, уверенная, устойчивая, ясная. Она всех будущих детей вскормит и сбережёт. Для мира, для счастья. Если это не мадонна, то кто же мадонна?»

Из века в век вечно единство матери и ребёнка. И в наши дни художники разных народов создают об этом свои произведения. На картине «Тишина» Б. Неменского  рука матери охраняет малыша. Это великое счастье быть вместе! Какая это нежная и хрупкая тишина, как она нуждается в защите! 

Картина «Мать» (1945 г.) в творчестве Б.М. Неменского займет особое место в истории отечественной живописи. Эта картина сразу никого не оставила равнодушным, ни критиков, ни зрителей, выплеснув тоску по дому, тихую нежность к матери и сыновьям, разлученным войной. Обычный для того времени мотив: спящие на полу в крестьянской избе бойцы. Но он прозвучал по-новому под кистью молодого художника. Желание написать картину о простых русских женщинах, по-матерински встречавших солдат в каждом селе, в каждом городе, желание написать о своей матери, также окружавшей заботой художников-грековцев в своей московской квартире до или после поездок на фронт, вылилось в выражение благодарности к женщине-матери, «великой благодарности к простым русским женщинам, согревшим нас материнской лаской, женщинам, чье горе и чьи заслуги перед Родиной не могут быть ни измерены, ни вознаграждены». Не случайно в образе юного солдата, заботливо укрытого теплым платком, угадываются черты автора. Экспонированная на Всесоюзной выставке картина сразу стала знаменитой и была приобретена Третьяковской галереей.

В своих произведениях создает полнокровный образ женщины-матери, труженицы, созидательницы и берегини Юрий Петрович Кугай – представитель династической семьи талантливых художников. В работе Ю. Кугача «В семье» композиция составлена как бы в форме треугольника, вершинами которого являются три женщины разного возраста: юная, молодая и самой высокой точкой композиции является мудрая, полная достоинства пожилая женщина. В центре картины маленькая девочка, делает первые шаги, боясь потерять равновесие, протягивает руки к матери (второе название картины «Первые шаги»). Та в любой момент готова подхватить ребенка. В работе показаны четыре поколения, зримо воплощающие четыре важных этапа в жизни женщины: детство, юность, зрелость и старость. Связующим звеном является именно семья, которая позволяет радоваться каждому проявлению жизни, первым шагам маленького человечка, и которая поведет этого малыша по жизни, научит его добру, культуре поведения, пониманию и трудолюбию. Женские образы картин этого автора включают в себя извечные представления человечества о животворности материнского начала, источника всего сущего, символа жизни, тепла и любви.  

Прекрасна в своей будничности и простоте картина Аркадия Пластова «Весна. В бане». Изображение обнаженной женщины с девочкой под открытым небом и медленно падающими хлопьями снега в притворе старой деревенской бани было воспринято в 1960 году (и воспринимается сейчас) как образ обновления жизни, ее красоты и правды.

ГЛАВА 2. ЮРИЙ РАКША

Юрий Михайлович Ракша пришёл в этот мир 2 декабря 1937 года и покинул его 1 сентября 1980-го. Прекрасный живописец, известный кинопостановщик, график. Его часто можно было видеть то в дальневосточной тайге, то на площадках нефтяников, то у геологов, то на Байкало-Амурской магистрали. Он делал наброски, зарисовки и потом, возвращаясь в Москву и обдумав увиденное, писал свои произведения. Природа всегда оставалась для него храмом и мастерской, в которой он был прихожанином и мастеровым. Он много, плодотворно работал и остался для нас прежде всего в полотнах собственных картин, ныне хранящихся во многих известнейших музеях.

Он родился в семье служащих на окраине Уфы. Первые годы его жизни схожи с детством большинства его сверстников. Это сходство было в страшном постоянном чувстве голода, которое человеческая память хранит потом всю жизнь. Забыть про него мальчику помогала невесть как к нему попавшая и ставшая любимой книга «История Гражданской войны в СССР». Множество фотографий, рисунков и широкие поля, на которых можно было рисовать. Художник вспоминал: «Окна в нашей барачной комнате завешаны чёрным – светомаскировка, холодно, а я сижу и рисую свои собственные баталии». В первом классе школы у Юры украли карандаш. Карандаш был простым, копеечным, но другого не было, а взять ещё неоткуда. Горе мальчика оставалось безутешным – целую неделю он даже не ходил на школьные занятия.

Случайно узнав о существовании в Доме культуры имени Калинина изостудии, Юрий стал исправно посещать её занятия. В те годы издаваемый миллионными тиражами «Огонёк» публиковал в каждом номере репродукции картин выдающихся русских живописцев-классиков. Они аккуратно вырезались юным художником, постепенно собираясь в коллекцию, «домашнюю Третьяковку». В 1954 году после окончания восьми классов Ракша едет в Москву. Однако на экзамены в художественной школе он опоздал. Спас счастливый случай. В Москве жил брат отца, работавший полотёром. Как-то раз, натирая паркет в одной из квартир, он показал её владельцу работы своего племянника. Это был действительный член Академии художеств, дважды лауреат Сталинской премии Дмитрий Налбандян. Он сам отвёз рисунки Юрия директору средней художественной школы при Институте имени В.И. Сурикова. Талантливый юноша без колебаний был зачислен сразу в пятый класс.
С серебряной медалью выпускника художественной школы Ракша поступил на факультет художников кино ВГИКа, который с отличием окончил в 1963-м. 

На протяжении пятнадцати лет он являлся художником-постановщиком киностудии «Мосфильм». Участвовал в создании многих отечественных фильмов, до сих пор нам памятных: «Время, вперёд!», «Дерсу Узала», «Восхождение»…

Юрий Ракша писал: «Я понял – коль скоро нам дан реалистический метод, то именно в картине возможности его поистине беспредельны». Картина, будущая работа над ней воспринимались художником как сочинение. А сочинение должно иметь свою программу. Под словом «программа» художник Ракша понимал «направленность замысла». Именно широтой этой направленности, наверное, привлекало его искусство кино. 
В музее киностудии «Мосфильм» хранится многое, что рассказывает о Юрии Ракше. Так, на пресс-конференции после вручения фильму «Дерсу Узала» премии «Оскар» его режиссёр Акира Куросава сказал: «…Юрий Ракша, с которым мне посчастливилось работать, – самый опытный, талантливый профессионал и знаток своего дела…» Хотя большая часть фильма была отснята в подлинной дальневосточной тайге, так называемая естественность тайги создавалась, конечно, участниками съёмок, и в первую очередь художником-постановщиком Юрием Ракшей. Не было мелочей, всё должно было работать на драматургию будущего фильма. Бронзовой краской окрашивались края осенних листьев для эффекта светящегося ореола. Природа в этом кинопроизведении была в подлинном смысле слова действующим лицом. 

Работа в кинематографе творчески обогатила Юрия Ракшу. Однако он чувствовал, что ему всё сложнее «служить двум музам» – кино и живописи. Надо было выбирать. Казавшаяся прежде притягательной для Юрия Ракши работа художника-постановщика постепенно разочаровала его. Ему нужна была свобода, возможность глубже и полнее выразить себя творчески.
«Как в зеркало, мы смотримся в мир и отражаемся в нём, – писал Ю. Ракша, – картины художника – это отражение мира и его самого…»

В мае 1971 года тридцатичетырёхлетний художник оставляет в своём дневнике такую запись: «Талант – это сострадание… Талантливого человека от обычного и отличает степень сострадания». Сострадание Юрия Ракши, мне видится, уходит своими корнями в детство, в тыловой город Уфа. Одна из картин так и называется – просто и точно – «Тыл». На нас смотрит усталая молодая женщина, она о чём-то задумалась. Через минуту она вновь наляжет на лопату, продолжит выкапывать картошку. У её ног присела на корточки маленькая девочка. Она старательно обирает с белых картофельных плетей вырытые мёрзлые клубни. За спиной женщины стоит худенький мальчик, он придерживает раскрытый мешок. Бабушка высыпает туда очередное ведро с вырытым картофелем. На втором плане картины – тачка с оглоблями, которые, словно стволы зениток, нацелены в небо. Трудная жизнь!.. Но от исхудавшего лица женщины, от склонённой фигурки девочки идёт к зрителю свет надежды и заботливой доброты…

Свою маму Юрий Михайлович молодой не помнил. Она работала на фабрике разнорабочей. Война, послевоенный голод… И к 1950 году, когда отец вернулся домой, то мать, по воспоминаниям сына, была уже совсем старухой. Но той её столь рано окончившейся юности, которую он не застал, не запомнил, но которую сумел прочувствовать, художник посвятил свою картину, которую так и назвал – «Моя мама». Часть комнаты девичьего общежития в дощатом бараке-времянке. Одна из железных казённых кроватей покрыта лоскутным, явно деревенским одеялом. Мужчина, расположившийся в терпеливом ожидании, видится за окном. Он ждёт ту, светловолосую и босоногую, которая спиной к нам стоит в центре комнаты. Картина принесла Юрию Ракше огромную популярность. Бывая в творческих командировках, художник с удовольствием видел своё произведение то в шофёрской кабине машины, то в рабочих общежитиях, то в вагончиках строителей БАМа… Всё было знакомо в картине, всё узнаваемо, всё напоминало каждому зрителю о чём-то своём, памятном и дорогом…

За несколько дней до своей кончины он успел закончить главное, как сам считал, произведение – полотно, посвящённое 600-летию Куликовской битвы. Ныне этот триптих хранится в знаменитой Третьяковской галерее. В той самой Третьяковке, по репродукциям картин которой он учился рисовать в Уфе, в далёком и голодном военном детстве.

«Продолжение» – это не только название одной из картин Юрия Михайловича Ракши. Через все творчество этого художника красной нитью проходит тема продолжения.

Как и многие другие картины Ракши, «Продолжение» не отличается сложностью композиции. Молодая женщина и юная девушка стоят в профиль к зрителю и лицом друг к другу. В лицах явно прослеживается сходство, так что не вызывает сомнений, что это мать и дочь.

Кто эти женщины? Это жена художника, известный писатель Ирина Ракша, и их дочь Анюта.

 В глазах женщины читается печаль. О чем она задумалась? О том, что на жизненном пути дочери еще будет много огорчений или о чем-то своем? Это не важно. Важно, что жизнь не заканчивается и что есть продолжение, есть преемственность поколений.

Подчеркивает эту идею фон, на котором изображены фигуры героинь. Сам художник называл подобные фоны в своих работах «темой Родины». Осенний пейзаж подчеркивает грусть матери и дочери, но ведь осень – это только часть жизненного цикла… В тоже время яркие осенние краски дают повод для оптимизма и несколько смягчают минорный настрой картины.

Вообще фонам Юрий Ракша уделял особое внимание. По его мнению, все пространство картины должно было быть заполнено и каждый, даже самый маленький элемент, должен был нести свой определенный смысл.

В советские времена, а картина была написана в разгар эпохи социалистического застоя – в 1979 г., вера в Бога не приветствовалась, да и доподлинно неизвестно, как художник относился к религии. Сам он часто говорил, что продолжение его души – это его картины. Но, то ли намерено, то ли интуитивно он разместил в верхнем правом углу далекий силуэт православного храма. И этот символ России придает полотну особенную духовность и глубокий философский смысл. Ведь ничто не заканчивается, все имеет свое продолжение.

Мать на картине положила на плечо дочери руку. Успокаивает ли она этим жестом или это движение продиктовано желанием просто прикоснуться к родному человеку? Словно мать передает своей дочери тяжелое наследство – ответственность за то, что изображено на фоне картины: природу, веру, саму жизнь. Для меня эта картина очень символична. В образах матери и дочери я вижу свою маму и саму себя. Мамы всегда требовательны к дочерям, видя в них свое продолжение, наследниц женской судьбы. Так и моя мама требовательна ко мне, но уважает мои взгляды и вкусы. Сейчас я могу сказать, что лучшей подруги, чем моя мама, у меня нет.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В русской живописи изначально образ материнства неразрывно связан с образом Богородицы, который прослеживается в большинстве картин, посвященных этой теме. Отступление от канонического изображения Богородицы только подчеркивает эту связь.

Образ матери олицетворяет безграничную любовь, беспредельную нежность, распространяемую и на зрителя, так как ни одна мать не пожелает зла никому. Как не вспомнить библейский сюжет о суде Соломона. Две женщины спорили, кто же на самом деле является матерью новорожденного. Соломон предложил разрубить ребенка и отдать каждой из женщин половину. Ужаснувшись, одна из женщин отказалась от своих притязаний в пользу соперницы, так как не могла даже представить смерти своего ребенка. Так Соломон и узнал правду и вернул ребенка матери.

Кроткие и стойкие, спокойные, благородные не по рождению, а по призванию, смотрят на нас с полотен известных и безвестных художников матери. Это те женщины, которые не просят для себя льгот и пособий, званий и орденов. У них одно звание – Мать, и перед ним склоняют головы все. Так это сделал Тимур, о котором было написано выше. В своих «сказках об Италии» Максим Горький вкладывает в уста Тамерлана следующие слова: «Восславим женщину – Мать, чья любовь не знает преград, чьей грудью вскормлен весь мир! Всё прекрасное в человеке – от лучей солнца и от молока Матери, – вот что насыщает нас любовью к жизни!»

Каждая эпоха создавала свой образ материнства, художники всех времён и народов, каждый по-своему, давали представление о прекрасных человеческих качествах. Я считаю, что гипотеза моего исследовательского проекта оказалась доказанной. На таких примерах, как икона «Богоматерь Владимирская» или «Партизанская мадонна» М. А. Савицкого, мы убеждаемся в том, что представление о материнстве как о высоком и светлом, радостном и тревожном подвиге сохраняется из века в век. Однако каждая историческая эпоха внесла свой оттенок в содержание материнского чувства, усиливая в нём то ноту скорби, то ноту нежности, возвеличивая в образе матери черты человеческого идеала, сформированного данной эпохой.

Задача показать особенности репрезентации образа Матери в творчестве Юрия Ракши тоже выполнена. Художник показал нам особенность связи мать-дочь. Мать передает свою ношу подрастающей дочери, потому что она в будущем тоже мать.