Творческо-исследовательская работа "Театр-ты жизнь!"

Выход фольклорной

группы (фрагмент обряда «Масленица»)

Народное творчество: трудовые песни, древнейшие игры и обряды с элементами драматического действия, послужили основой различных видов народного театра, который дал начало всей последующей истории профессионального театрального искусства.

Истоками русского народного театра, вероятно, можно считать некоторые обрядово-зрелищные формы и, прежде всего,  святки и масленицу.

В литературе приводится одно любопытное свидетельство очевидца -- иностранца, побывавшего в Москве: «Масленица напоминает мне итальянский карнавал, который  в   то же время и таким же образом справляется...». Это указание очевидца  показывает на вероятное родство хаpактеpов праздников разных народов, на их одинаковую каpнавальнyю сущность и зрелищность, а само зрелище, как известно, с греческого переводится как «театр».

Слайд № 9

Театр является одним из феноменов идеальной реальности, который получил путевку в жизнь именно в Древней Греции.

В основе греческого театра лежит устное народное творчество в виде пословиц, поговорок, трудовых и обрядовых песен, гимнов богам и, наконец, мифов, которые нам рассказывают о девяти прекрасных девах – дочерях Зевса, названных музами, покровительницами искусств и наук. Две из них – Мельпомена и Талия являются символами сценического искусства.

Мельпомена считалась музой драматического театра. Театр называют храмом Мельпомены. Она изображается украшенной виноградными листьями, с венком из плюща на голове, на котурнах, с трагической театральной маской в одной руке и мечом или палицей – в другой. Этим оружием она как бы разит человеческие пороки.

Талия стала покровительницей комедии и легкой веселой поэзии. Обычно она изображается с комической маской в руке, с венком из плюща на голове, иногда с пастушеским посохом или бубном.

Поэтому не случайно существует три старинных основных символа театра: труба, маска и меч. Труба созывала народ на представление бродячих артистов. Мечом (или палицей) Мельпомена разила человеческие пороки. А что означает маска?

Под маской все чины равны,
У маски ни души, ни званья нет, – есть тело,
И если маскою черты утаены,
То маску с чувств срывают смело…
(М.Ю. Лермонтов. “Маскарад”)

Рождение греческой драмы и театра связано с обрядовыми играми, посвященными богам – покровителям земледелия, а именно Деметре, ее дочери Коре, богу виноделия Дионису. На праздниках, посвященных Дионису, распевали веселые песни.

Из обрядовых песен, которые пели, облачаясь в козлиные шкуры. Так родилась трагедия (трагус – козел, одэ – песня); а из озорных и веселых песен родилась комедия. Во время комоса стали разыгрываться небольшие сценки бытового и пародийно-сатирического содержания, котороые представляли собой элементарную форму народного балаганного театра и назывались мимами (от греческого мимос – подражание, воспроизведение). Исполнители этих сценок выступали в традиционных масках народного театра.

Театральные представления шли несколько раз в год по большим праздникам В период расцвета греческой культуры в Афинах жили и творили самые выдающиеся греческие поэты: Эсхил – отец трагедии, Софокл, Еврипид. Классиком греческой комедии является Аристофан. Сюжетами трагедий служили мифы о богах и героях, а комедия чаще всего была политическая. Наряду с нею большой любовью зрителей пользовались и веселые народные театральные представления – флиаки (от греч. phlyax – шутка), которые были тесно связаны с мимом, однако актеры здесь играли в масках.

В эпоху эллинизма также получила распространение пантомима. Чаще всего это был театр одного актера, исполнявшего как мужские, так и женские роли в сопровождении флейты.

Эсхил ввел двух актеров вместо одного, тем самым сосредоточив свое внимание на диалоге. Появление третьего актера – нововведение Софокла.

Театр античного мира стал неотделимой частью духовного опыта всего человечества и современной культуры.

Далее через сцену греческому влиянию были открыты пути в римское общество.

Итальянский театр

Но римский народный театр имел и свои характерные особенности.

Есть свидетельства о зачатках драматической поэзии у римлян. Во время деревенских праздников устраивались веселые игры, где перебрасывали остротами и импровизированными стишками, в которых содержались элементы диалога драматического действия.

Наряду с этим в Италии существовала всенародное и полное жизни искусство, - комедия масок (ателлана – образовано от названия города Ателлы).

Комедия масок - самое древнее искусство на итальянской земле. Труппы итальянских комедиантов вскоре появляются в Германии, Англии, Испании, Франции.

Представления театра начиналось весело. Громко кричал зазывала, приглашал публику. Зрители рассаживались, разносчики предлагали им сладости и лимонад.

В представлениях комедии дель арте артисты импровизировали прямо на глазах у зрителей. В представлении заранее ничего неизвестно: может быть, сегодня особенно изящно и забавно будет плясать Коломбина, особенно смешно произнесет свою реплику Арлекино или особенно удачно сымпровизирует какую-нибудь шутку Панталоне. То, что теперь презрительно называют отсебятиной, составляло гордость и радость, живую плоть итальянской комедии, которую играли не по пьесам, а по сценариям.

Актеры часто вступали в разговор со зрителями, возникала, как сказали бы мы сегодня, «обратная связь».  

Комедия масок, ее яркость, жизнерадостность, острота, высокая культура игры, национальный колорит продолжают жить в новой реалистической комедии XVII–XVIII вв.,  оказав большое влияние на драматургию Ж.Б.Мольера, а также К.Гоцци, К.Гольдони, на французский театр бульваров и западную школу пантомимы.

И у нас в России, в Москве на Старом Арбате в театре имени Е. Вахтангова радуют зрителей своими современными остротами старые маски итальянской народной комедии – Тарталья, Панталоне, Бригелла – ставшие героями замечательной комедии Карло Гоцци «Принцесса Турандот».

Праздничный, карнавальный мир итальянского театра масок нашел свое яркое воплощение в творчестве многих художников: французов Антуана Ватто и Поля Сезанна, испанца Пабло Пикассо, русских мастеров XX  века К. Сомова, З. Серебряковой, А. Яковлева и В. Шухаева.

У историков существует мнение, что многие маски итальянской комедии дель арте пришли из народного итальянского кукольного театра, где кукольники разыгрывали тот же тип театрального представления, что и актеры комедии дель арте.

Это увлечение охватило всю Италию, распространилось по всей Европе, включая Россию, где кукольный театр также формировался под влиянием языческих культов, обрядов, игр…

Русский народный театр.

Выходит человек-занавес, с ним балаганщики. Музыка с колоколами.

Выход раешника

Выход скоморохов

… и вырос из того огромного обилия разновидностей народной куклы, которая скручивалась, сплеталась, сшивалась, выстругивалась практически в каждой русской семье, и у которой  была своя важная роль.

Особенно популярны два вида кукольного театра: театр марионеток, в котором куклы управляются при помощи ниток, и театр, в котором куклы надеваются на пальцы кукольников, — наш «Петрушка». Во время народных гуляний всегда можно было встретить кукольника с его Петрушкой и другими деревянными актерами. Кукольника сопровождал музыкант, обычно шарманщик, который вел разговор с куклой Петрушкой. Кукольник старается подражать произношению изображаемых ими персонажей, но Петрушка говорит особенно деформированным голосом с помощью «гнусавого пищика».

Персонажи кукольной комедии «Петрушка» всегда были одни и те же: Петрушка, его супруга по имени то Маланья Пелагеевна, то Пигасья Николаевна, цыган, доктор, квартальный, немец и собака; иногда к ним присоединяются две арапки и татарин.

Подобные сюжетные игры героев народных кукольных комедий, в основе которых лежит пародия, мы находим в культурах всех западноевропейских народов.

Комедия о Петрушке часто рассматривается как заимствованная кукольная игра, привнесенная из культур стран Западной Европы или Востока. Археологические раскопки, текстологические исследования, мифы, свидетельства этнографов позволяют считать истоком данной комедии о Петрушке и культуру Древнего Рима и Востока. Аналогичные куклы найдены археологами даже на острове Пасхи. Вероятно, это явление принадлежит общечеловеческой культуре. Но народная кукольная комедия одновременно остается и сугубо национальным достоянием.

В настоящее время традиции народного кукольного бережно хранят лучшие кукольники профессионального театра им. Образцова. Несколько лет назад Москва была удивлена тем, что в самом центре поселился Петрушка, причем не кукла-одиночка, а в окружении персонажей русской кукольной комедии. Это случилось благодаря удивительным людям Валентине Смирновой и Андрею Шавелю. Петрушка продолжает жить в народном театре Татьяны Белоконевой.

Отсюда совершенно ясно, что опыт и кукольного, и в целом всего народного театра не свалился на русских театролюбов как снег на голову в виде итальянского или греческого подарка. Театр существовал в самой толще народной жизни в виде многочисленных обрядов, без которых не мыслилась жизнь русского человека.

И каждое из обрядовых действий само по себе – уже готовый, живой, ни с чем не сравнимый спектакль.

Непременным элементом многих обрядовых действ является ряженье. Признаком всякого ряжения является импровизация в словесном тексте, в костюме и т. п. Эта смесь традиции с импровизацией в ряжении является характерным не только для русских, но и для других народов.

Среди ряженых обычными персонажами были старик, старуха, мужчина, переодетый в женщину, и женщина, переодетая в мужчину. В своей книге «Русские народные картинки», изданной в 1900 году искусствовед Равинский Д. пишет: «В числе древнейших потех, о которых мы имеем обстоятельные известия и которые оставались в своем первобытном виде еще очень недавно, впереди стоят: медведь с козой и кукольный театр с Петрушкой».

Ряженье в козу и медведя во многих случаях является отражением народного театра, в котором участвовали животные. Известно, что еще в древней Руси ходили вожаки с дрессированными медведями. Дрессированный медведь, и коза изображены на лубочной картинке XVIII в. Картинка сопровождается словами:

«Медведь с козою проклажаются,

на музыке своей забавляются.

И медведь шляпу вздел

да в дудку играл.

А коза сива в сарафане синем

с рожками и с колокольчиками

и с ложками скачет и в присядку пляшет».

Такой текст увлеченно произносил и прославленный Юрий Никулин выступающий с животными, при этом замечательно импровизировал.

- А теперь внимание, внимание!

- К балагану подходите,

Да карманы берегите

И глаза свои протрите!..

- Вас ждет незабываемое представление с фокусниками, жонглерами, акробатами и конечно Петрушкой!

- А ведь еще будет номер без слов – пантомима…

- и, конечно, веселые скоморохи!

 - А вот и я веселый потешник,

Известный столичный раешник,

Картинки верчу – поворачиваю,

Публику обморачиваю,

Себе пятачки заколачиваю!

- А вот и мы

Балаганные деды …

Рыжий, помнишь великий пост, как теленка тащил за хвост.

Теленок кричит ме, а он говорит: пойдем на праздник ко мне…

- А откуда взялось понятие «скоморох»?

И. И Сpезневский остановился  на  итальянском слове "скаpамyчча" и фpанцyзском "скаpамyш" -- шyт, насмешник. В то   же вpемя он отметил, что и в немецком и в дpyгих языках есть  слова   с коpнем "скаp" в  значении  --  шyтка. 

А первые летописные сведения о скоморохах совпадают по времени с появлением на стенах Киево-Софийского собора фресок, изображавших скоморошьи представления.

Скоморохи являлись "хитрецами", "мастерами" пения, музыки, пляски, поэзии, драмы. И они были настоящими забавниками и потешниками. Таковы, например, герои повести «О Фоме и Ереме».

СЦЕНКА № 1 (Фома и Ерема)

Отличительной особенностью наших скоморохов и западных глумотворцев был бродячий образ жизни. Все они были люди перехожие, скитающиеся с места на место. Во время своих скитаний по белу свету как наши, так и западные «веселые люди» заходили в разные города. О скоморохах как одаренных певцах, сказочниках сохранилось немало свидетельств в древней письменности. В частности, о них упоминается в Повести временных лет (1068). На Руси, как и на Западе, скоморохи составляли артели, или дружины, и бродили «ватагами» для своего промысла. «Независимо от того, пришло ли искусство скоморохов России из Византии или с Запада, – подчеркивал Фаминцын, – оно уже в 11 в. укоренилось в обиходе русской народной жизни. С этой поры оно может рассматриваться как явление, акклиматизировавшееся и принявшее здесь самостоятельное развитие с учетом местных условий и характера русского народа».

СЦЕНКА № 2 (Можайские скоморохи)

Интересен рассказ Ф. И. Шаляпина о балаганном представлении: «Очарованный артистом улицы, я стоял перед балаганом. — Вот это — счастье, быть таким человеком!».

Народное творчество не ограничивалось только балаганными представлениями. Широкое распространение по всей России получили и непрофессиональные народные театры, в которых разыгрывались первые устные драмы, простые по сюжету, отражающие народные настроения: пьеса «Царь Максимилиан», «Мнимый барин», «Лодка» и другие.

Интерес придворной знати к западной культуре проявил себя в появлении придворного театра в Москве при царе Алексее Михайловиче. Первое представление пьесы "Артаксерксово действо" (история библейской Эсфири) состоялось 17 октября 1672 года. Вначале придворный театр не имел своего помещения, актерами тоже были иноземцы. Позже стали в принудительном порядке привлекать и обучать русских "отроков". Спектакли отличались большой пышностью, иногда сопровождались игрой на музыкальных инструментах и танцами.

Кроме придворного, в России в XVII веке сложился и школьный театр, интермедии которого заложили основу комедийного жанра в национальной драматургии. У истоков школьного театра стоял известный политический деятель, драматург Симеон Полоцкий.

По велению Петра I в 1702 году был создан публичный театр, рассчитанный на массовую публику. Специально для него не Красной площади в Москве было выстроено здание - "Комедиальная храмина". Это было достаточно большое здание, одновременно вмещавшее около 500 человек.

Новую страницу в истории сценического искусства народов нашей Родины открывали крепостной и любительские театры.

Театр в России приобрел огромную популярность, стал достоянием широких масс, еще одной общедоступной сферой духовной деятельности людей и играл более заметную роль в общественно-культурной жизни. В Петербурге в 1823 году открылся знаменитый Александринский театр. В 1824 году в результате раздела Петровского театра, в Москве появились две самостоятельные труппы оперно-балетный – Большой и драматический – Малый театр ,на сцене которого играл основоположник реалистической школы Щепкин М.С., в ролях русского реалистического репертуара – «Горе от ума» А.С. Грибоедова, «Ревизор» Н.В. Гоголя, «Свадьба Кречинского» Сухово-Кобылина. «Он создал правду на русской сцене, он первый стал нетеатрален на театре», - писал о великом актере А.И. Герцен

В духе сценических и этических принципов Щепкина основанных  на многообразии форм и ответвлений русского народного театра воспитаны многие поколения  актеров, эти принципы легли в основу системы К.С. Станиславского, перед которой до сих пор преклоняются многие блестящие режиссеры и актеры театра и кино всего мира.. Выдающийся киноактер современности Джек Николсон не раз заявлял, что тем, кем он стал, он целиком и полностью обязан системе Станиславского.

,

Затих звонок и порван мой билет,

И куплена программа мной у Веры.

На сцене ж поднят занавес и гаснет свет.

Я в зале! В ожидании премьеры!