Романтики предвестники режиссуры

Романтики - предвестники режиссуры.

Кто вообще такие актеры романтики? Посмотреть на эту проблему чисто теоретически. Актеры 18 века играли роль, они выделывали другого, они интерпретировали другого. Актеры романтики начинают жить, почти «Я в предлагаемых обстоятельствах». И это «я в предлагаемых обстоятельствах» также предшествует режиссерскому театру. Хороший режиссер он выделывает роль из «шкуры» актера. Режиссер должен знать эту самую личность. Поэтому актер-романтик приобретает теоретический спектр.

        Но романтические пьесы живут лишь десятилетие …1830-е года.

        На смену приходит неоромантизм, конец 19 века.

        Вспомним, Коклена – старшего. Он дебютировал в «Комедии Франсэз». Любил сладости, был маленький, толстенький. И дебютировал в роли Сгонереля в пьесе Мольера «Скупой».

        Роль Тартюфа. Абсолютный эгоист, который воплощен в человеческую мощь, и абсолютный гедонист, любящий все чувственные удовольствия. Он играл Тартюфа, не голого обманщика, как его играли до этого, а исключительно сладострастного и в финале пред нами представал Тартюф, которые еще чувственный и любящий, который жену Аргона еще и любит, поэтому финал этой комедии становиться ДРАМАТИЧЕСКИМ и в финале Тартюф по сценарию уезжает.

        Это новые веяния, связанные впервые с влиянием «новой драмы», нет плохих, нет хороших, не односторонняя трактовка образа.

        Коклен впервые в «Комедии Франсэз» расстается со статичным характером, он перестает быть статичным. Из Тартюфа он делает драму познания. Ему тесно в рамках одного амплуа. Коклен был еще теоретиком, он практик пишет теоретическую работу. Он отстаивает практику Дидро.

        У Дидро главная идея, что актер не должен переживать те чувства, которые переживает его герой. Если актерское искусство и существует, то это ремесло, иначе это не искусство, а жизнь.

        В 1880 он пишет работу «Искусство и актер». В 1888 пишет вторую работу «Искусство актера». Задача актера по Коклену, выражать те чувства, которых в природе не существует. Это значит сцена не жизнь. Главное зритель должен переживать чувства персонажа, а актер не должен переживать, иначе он не профессионал, он становится зрителем. Это критерии художественности, если это талантливый актер, то смысл в том чтобы подражать природе, а не в том чтобы копировать жизнь. Природа театра, это не всегда как в жизни, дело не в жизни человеческого духа. Вы предлагаете правила игры, и зритель эти правила принимает. Коклен в этой книге полемизирует с Сальвинии.

        Томазо Сальвинии считал, что актер должен переживать те же чувства, что и персонаж, вспомним Отелло(все крушил и ломал, тоскал Дездемону по всей сцене «Я плохой актер, я плохой актер»).

        В 1886 году Коклен уходит из театра, ему становится скучно играть Мольера и Бомарше. Он приходит в театр, самый известный бульварный театр Франции.

        Итак, попробуем сделать еще один заход и рассмотрим творчество Эдмона Ростана

        В 1997 году 27 декабря случилось центральное событие всего европейского театра, на сцене появляется пьеса «Сирано де Бержерак». Ни одного другого спектакля не было такого успеха, как у этого. Этот спектакль был сыграл 400 раз в году. Не было еще никакой режиссуры, это было соединение Коклена и Ростана. Пьеса настолько гармонична, что не нужно никакого режиссера. При сочетании хорошего актера и гениальной драматургии, без режиссера вполне можно обойтись!! В обычном репертуарном театре Франции. Роль Сирано была специально написан для Коклена.

        Все, что в Коклене зрело, но не находила выхода, все воплотилось в пьесе Ростана.

        Сирано де Бержерак – это не Ибсен, не Стриндберг, - это неоромантизм, это поэтическая драматургия, это романтический пафос. Пьеса строиться по романтической драматургии. Романтизм, принцип историзма и уход в другие времена. Сирано – реальная фигура, который жил в середине 18 века, он скандалист. Ему по пьесе 37 лет. Не смотря на то, что это реальная фигура, есть там сцена с Мольером, указывая на его нос. Он пускает в тысячу фантазий своего носа, тысячу метафор, равный Мольеру, он конечно поэт, возникает самоирония. Романтизм- это признак гротеска. Он в своем недостатке сам себе смешон. Его недостаток, это катализатор его таланта. Если бы он был Квазимодо, то это был романтизм. Это все на 100% попадет на пухленького Коклена. И тут возникает коллизия, ЛЮБОВЬ. Он влюбляется в Роксану. Когда Сирано понимает, что Роксана парня любит, то начинает ему помогает. Кристиан не хорош, и он отдает весь свой поэтический талант ей. Он понимает, что без этих слов она Кристиана любить не может. Но.. Война! Сирано пишет по три письма в день. Он должен признать, дальше будет хуже. Роксана приезжает, но Кристиан погибает, но Сирано не может признаться, потому что не может разрушить его идеал. Этот человек должен уйти со светлой памятью. Проходит 20 лет. Сирано приходит к Роксане каждую субботу, с последней новостью, о том, что Сирано умирает, его силы на исходе. Она просит его почитать, он делает вид что читает, уже стемнело, она начинает понимать, что он знает этот текст. Для всех становиться понятно, и Сирано остается хороший. Драма Сирано, является классической драмой познания, от мнимого знания к подлинному знанию (как Гамлет). В чем заблуждение Сирано? Он думал, что не может быть любим с его недостатком. Он прозревает, что его изъян не имеет никакого значения. Оболочка Кристиана ничего не значит. Роксана могла бы его полюбить, но время ушло.

        Неоромантики решают освободить сцену от мясников и натуралистов

        Стилизация эпохи. Исторический герой.

        Француа Попе возглавлял консерваторию. Написал пьесу для Сары Бернар, она играла подростка. Ростан написал Орленка для нее. Начался период травести.

        Неоромантиз получил свое продолжение только в Польше и Украине, где существовало возрождение национальной культуры. Леся Украинка-неоромантизм.

        Француа Озон, с похожей проблематикой «Маленькая смерть», подкладывает фото.

        Оскар Уайльд написал Саломею специально для Сары Бернар, но она отказалась.

        Сара Бернар (1844-1923) великая французская актриса, ее называли «божественной Сарой» из-за ее удивительного, чарующего, «серебристого» голоса, имела музыкальное образование и готовилась стать певицей. После окончания Парижской консерватории работала в знаменитом театре «Комедии Франсэз». Скоро Сара стала ведущей актрисой театра, на сцене которого выступал и Франсуа Жозеф Тальма и другие актеры. Одна из лучших ролей в театре была главная героиня в «Даме с камелиями» А. Дюма. Увидев Сару в роли Маргариты Готье, Дж. Верди решил писать оперу по этой пьесе. Так появилась «Травиата». Любимым драматургом актрисы был Жан Расин, и она с большим вдохновением сыграла его Андромаху и Гофолию в одноименных трагедиях. Настоящим триумфом Бернар стало исполнение главной роли в «Федре» Расина. Удалось ей сыграть и Корделию в пьесе Шекспира «Король Лир». Особую популярность ей принесли так называемые травестийные роли, когда мужчин играли переодетые в мужское платье женщины. Сара Бернар блестяще сыграла Ромео в трагедии Шекспира, юного герцога Рейхштадтского, сына Наполеона, в пьесе Э. Ростана «Орленок».

        В 1898 году она организовала собственную театральную труппу, которая стала называться «Театр Сары Бернар». В одном из спектаклей она даже играла Гамлета. С этой труппой актриса объездила весь мир, и везде ее представления пользовались огромным успехом. Сара Бернар первой из великих актрис, которая снялась в кино. Однако во время съемок фильма «Тоска» в 1915 году она повредила колено. Спустя несколько лет, она согласилась на ампутацию ноги. Сара Бернар продолжала выступать на сцене, выбирая роли, которые можно было играть сидя. Она покинула сцену в 1922 году, когда ей исполнилось 78 лет!

        До Тальма и Сара Бернар играли пьесы Шиллера и Шекспира (прилично порезан, с хорошим финалом, Джульетта не умирала, по далеким мотивам от автора). Особенно пострадал Шекспир. В.Шекспир - прекрасный поэт, но плохой драматург. Романтики создали флер Шекспировского гения, за которым скрывались несколько лиц.

        И это был последний период, когда есть достижения и в актерском театре и режиссерском театре. Дальше начинается только режиссерский театр.

        Предпосылки возникновения режиссерского театра в середине ХIХ века. ФРАНЦИЯ рубежа XIX-XXв.в. В Скандинавии появляются зачатки  новой драма, далее в Германии небольшая вспышка (мейнингенский театр, но это еще не режиссура, а проявляются только частицы.

        Во Франции режиссура все соединяется и все здесь совпадает, поэтому режиссура приобретает завершенную форму, от обрывков до идеального состояния.

        Во Франции зарождение режиссуры идет в параллель с актерским театром, иногда вступая в ожесточенный спор. Но… существуют и сохраняются мощные КЛАССИЧЕСКИЕ и ОБРАЗЦОВЫЕ традиции «Комеди Франсез» Сара Бернр(защищаю принципы актерской режиссуры, выстраивает под себя спектакль, драму Ростан, и при идеальной драме и талантливой актерской игре, это уже довольно  ПЬЕСА-АКТЕР).

        Во Франции культ пьесы  на сцене, если пьеса написана должна быть поставлена. В Германии - Генрих фон Клейст (немецкий драматург и новеллист), пьеса написана, но не обязательно поставлена.

        Различия между французской и немецкой пьесой. Немецкая, все с идеями хорошо, но никак не воплотить на сцене, а французская, с идеями не очень хорошо, но вписывает в сценические реалии театра.

        Во Франции существует голосовая передача пьесы, устная речь, идет традиция из древней Греции, припомним рапсода-певца-сказателя, которые слагали эпические поэмы и исполняли их нараспев (как декламация стихов). Одним из них был Гомер, а одними из античных рапсодий были его «Илиада» и «Одиссея».  (Записаны в VI в. до н. э., до этого передаваясь устно). До 11 века не читали про себя.

        Разрушение картины мира, ДОБРО И ЗЛО, отношения ЧЕЛОВЕКА с БОГОМ, выстраивались, как «истец — ответчик». Ницше написал «По ту сторону добра и зла». Больше нет добра и нет зла, делай, что хочешь, человек вне этих категорий. Из театра и литературы уходит ОБРАЗ ИСТЦА! Отвечать ЧЕЛОВЕКУ больше не перед кем!

        Свято место пусто не бывает. На место бога приходит НАУЧНЫЕ ЗНАНИЯ!(Дарвин).

        «Человек — это канат, натянутый между животным и сверхчеловеком (состояние духа). Канат над бездной (под ним страх)». «В человеке ценно то, что он мост, а не цель». Человек остается одни на один.

        Разрушение и исчерпанность традиционных социальных институтов.         Разрушается институт СЕМЬИ. Понятия семья и любовь, разводятся. Мужчина и женщина обречены на не понимание. Полная зависимость друг от друга. Семья – обуза не является хранителем ценностей. (Стриндберг, Толстой).

        Разрушается институт государства. Появляются Германия (из 200 маленьких государств) и объединенная Италия. Эти объединенные государства, привели к культурному ВСПЛЕСКУ. Децентрализация власти ведет к мощному развитию.

        Кафка «Процесс», Беккет «В ожидании Годо» отчасти про это. Человек – винтик государства.

        Философия – достигла к концу 19 века и проникает в другие виды искусства!

        Кант и Гегель – идеальное воплощение философии. Любой предмет и все что происходит в мире можно объяснить через философию. «Абсолютная идея, — говорит Гегель, — имеет содержанием себя самое как бесконечную форму, ибо она вечно полагает себя как другое и опять снимает различие в тождестве полагающего и полагаемого». «Человек, по мысли Гегеля, оказывается в состоянии посмотреть на мир и на себя с точки зрения завершившейся мировой истории, «мирового духа», для которого больше нет противоположности субъекта и объекта, «сознания» и «предмета», а есть абсолютное тождество, тождество мышления и бытия».

        Интеграция в другие виды искусств.        

        Живопись была призвана объективно отображать объект и действительность. Изобретение фотоаппарата – пощечина живописи, в середине 19 века. Все рухнуло в один момент. Весь путь живописи до середины 19 века.

        Меняется отношение к изображению действительности, важным становится для художника не объект, а автор, который так или иначе видит или трактует по-своему сюжет или объект. Так появляется импрессионисты.        

        Камю и Сартр – Французский экзистенциалисты. Философия проникает в драму.

        Фридрих Вильгельм Ницше (1844 - 1900г.) на основе лекций по Эсхилу написал эстетический трактат «Рождение трагедии из духа музыки» 1872г., в котором изложил свой взгляд на дуалистические истоки искусства. Переиздан в 1886 году с предисловием «Опыт самокритики» и подзаголовком «Эллинство и пессимизм». Ницше пересматривал свои взгляды на театр и предлагал вернуться театру в Античность. На античность оборачиваются все театральные эпохи. Античность, как исток, как образец, не уходит из театр никогда.

        Источник здоровой культуры Ницше усматривал в разделении двух начал. Ницше считает, что Аполлоническое – рациональное и упорядоченное и критическое цельность, лучезарное, сияющее (скульптура). Дионисийские вакханалии прекрасной частью жизни и искусства, греховно и разнузданно это всё так (музыка, театр). Первое аполлонийское, окутывает жизнь «прекрасной кажимостью сновиденческих миров», позволяя мириться с нею, второе, дионисийское олицетворяет собой необузданную, роковую, пьянящую, идущую из самых недр природы страсть жизни, возвращающую человека к непосредственной мировой гармонии и единству всего со всем; Взаимно преодолевая друг друга, дионисийское и аполлонийское развиваются в строгом соотношении.

        Ницше исходит из двойственности (дуализма) культуры, где борются начала Аполлона и Диониса. Аполлон (греческий бог света) символизирует собой порядок и гармонию, а Дионис (греческий бог виноделия) — тьму, хаос и избыток силы. Эти начала не равнозначны. Тёмный бог древнее. Сила вызывает порядок, Дионис порождает Аполлона. Дионисийская воля, желание всегда оказывается волей к власти. Ницше подобно Марксу испытал влияние дарвинизма.

        Ницше считает трагедию лучшим жанром.

Герой, когда наступает на горло собственной песне, это когда он жертвует своими личным интересами ради неких общих интересов. Когда герой не может ничего поменять , соглашаясь с силой рока, принимая сторону хора. Он берет у этого рока меч и карает себя. Он как Эдип, производит над собой наказание. Наказание за что? В древней Греции два обычное простое знания Докса (от ортодокс - человек, придерживающийся старых, зачастую устаревших понятий) и – истинное знание. Жестко разделяли чувственное познание (мнение, “докса”,) и высшее духовное идеалистическое; Эдип платит за знания сверхмеры. Кульминация - это когда герой знает столько сколько зритель. Схема – девочка бегущая за бабочкой, зритель со стороны знает больше, чем сам герой о себе и зритель сострадает, ах, как герой не знает, но в момент кульминации, вспышка, катарсис, вдруг герой начинает понимать ровно столько, сколько понимал до него зритель. Их знания совпадают, сходят в одной точки. А вторая часть катарсиса, следует за кульминацией – это когда они оба не знают (ни зритель, не герой), что будет дальше и это страх! И все это обрисовывает Ницше, и в том, что сейчас театр в таком ужасном состоянии виноват Сократ. Во всем виноват Сократ. Сократ свел все к ДОКСА(ПРОСТЫМ ЗАНИНЯМ), свел цели театра к бытовым проблемам, морализаторских задач, ПОВСЕДНЕВНЫХ проблемы молодежи, политики, этики. А не проблемы КОСМОСА и  ГАРМОНИИ и СМЫСЛА БЫТИЯ!!! Сократ разделил проблемы на категории. В трагедии произошло разделение проблематик, то произошло дробление на жанры. А если разделение на жанры, то из этого следует разделения на виды искусства. Своей софистикой он убил ЦЕЛОСТНОСТЬ ДРЕВНЕГРЕЧЕСКОГО СПЕКТАКЛЯ. (софистика - рассуждение, основанное на преднамеренном нарушении законов логики)

        Большое влияние имело на Крэга и символистов!!! Не бытовой театр, на всем режиссерском модерне отразится.

        Ницше ставит ТЕАТР ВЫШЕ ВСЕХ ИСКУССТВО, соединение Аполлонического и Дионистического, соединение статического и динамического. Суть театра противоборство созидания и разрушения. В этой борьбе динамического и статического, хаоса и порядка создается театр!!! Но сейчас театр в упадке и нужно вернуть театр к До Великой Эпохе, когда театр был синтетическим, когда он сочетал в себе музыку, танец и драматизм. Все было связано, голос, пластика, и музыкальность и во всем виноват Сократ. Появился балет, опера и драматический театр. И поэтому надо вернуться к До Великому театру, чтобы снова стать цельным, т.е. взаимовыражаемым, выражать смысл, разными художественными средствами.

        Сократ, учение которого знаменует поворот в философии — от рассмотрения природы и мира к рассмотрению человеческой личности. Осуществляется разрушение идеи «Судьбы», пронизывающей всю досократовскую культуру, теперь Судьбе противостоит Свобода воли. Смысл философии Сократа - «всегда сомнение», сомнение и недоверие в «уже данном» и к «уже данному». «Это - не истина, и это - тоже не истина». Основной философский интерес Сократа  сосредоточивается на вопросе о том, что такое человек, что такое сознание. «Познай самого себя» - любимое изречение Сократа. Сократ обладал знаменитой иронией.

        До XIX века главными считались всего три вида изобразительного искусства: скульптура, живопись и архитектура. Но история изобразительного искусства развивалась, и вскоре к ним присоединилось театрально-декорационное. Изобразительное искусство является пространственным. То есть оно имеет предметную форму, которая не изменяется во времени. И именно по тому, как эта форма выглядит, выделяют виды изобразительного искусства.

        Культурный переворот конца XIX века. Завершённость развития отдельных видов и жанров искусства. Традиция к синтезу. Деструктивный анализ традиционной морали (Дарвин), опирается на знаменитый тезис Ницше «Смерть бога» и «смерть человека». Работа Ф. Ницше, «Рождение трагедии из духа музыки». Необходимость единого режиссёрского замысла для художественной постановки.

        Главная идея Вагнера – идея синтетизма и симфонизма. Симфония, как модель мира, где есть дирижер, как создатель мира и где все части оркестра, руководимый дирижером, создают гармонию мира, как гармонию в музыке! Симфония, как модель мира. Вагнер, автор теория тотального искусства,  искусство должно взаимодействовать на зрителя через все каналы восприятия, через все органы чувств: зрения, вкуса, драматическое чутье, обоняния, не только через ум и через слово.