Культура России

Петр Ильич Чайковский – великий русский композитор. Творчество Чайковского является одним из величайших достижений русской культуры. Самого композитора относят к числу русских классиков и ставят в один ряд с М.И. Глинкой (чьи традиции продолжал Чайковский), А. Даргомыжским, композиторами «Могучей кучки».

Петр Ильич родился 25 апреля 1840 года в небольшом уральском городке Воткинске. Отец будущего композитора был директором завода в Воткинске. Несмотря на свою занятость, отец Петра часто устраивал домашние концерты, где звучала фортепианная музыка, народные песни и мелодии. С самого раннего возраста Петр Ильич был окружен русской народной музыкой. Будучи весьма впечатлительным ребенком, Чайковский на всю жизнь запомнил неповторимые по своей красоте и характеру песни, которые пели простые крестьяне. Многие мелодии и мотивы нашли отражение в творчестве уже взрослого Чайковского-композитора.

Первоначальное образование Петр Чайковский получил дома. С ним занимались родители и приглашенные педагоги. Кроме математики, русского языка и прочих предметов, с мальчика обучали и музыке. Он любил слушать сочинения зарубежных композиторов. Много времени проводил за фортепиано. С юных лет Чайковский пробовал писать музыку (по мнению его братьев, весьма неплохую) и делал огромные успехи в игре на инструменте. Несмотря на явную музыкальную одаренность, отец Петра настоял на том, чтобы его десятилетний сын поступил в училище правоведения в Петербурге.

Учеба не приносила юному Чайковскому ни удовольствия, ни пользы. Все чаще Петр Ильич вспоминал занятия на фортепиано, музыку известных композиторов. Это привело к тому, что Чайковский стал все меньше уделять внимания учебе. Сначала он посещал хор при училище, а позже, уходя с занятий, Чайковский со своими друзьями посещал театр оперы и балета, где за время обучения успел посмотреть все премьеры (а некоторые оперы по нескольку раз). Через некоторое время Чайковский ощутил непреодолимое желание писать музыку. В его голове постоянно созревали новые мелодии, но дать им жизнь молодой композитор не мог в силу отсутствия музыкального образования. Петр Ильич решил брать частные уроки игры на фортепиано у знаменитого пианиста Рудольфа Кюндингера. Чуть позже, брат Рудольфа, Август Кюндингер, стал преподавать Чайковскому теорию музыки.

В 1859 году Петр Ильич окончил училище правоведения. Денег у него было не так много, поэтому ему пришлось устроиться на чиновничью службу в Министерство юстиции. Работы было много, времени на любимое занятие практически не оставалось. Два года работал Чайковский в министерстве, после чего твердо решил связать свою жизнь с музыкой. К этому моменту он уже был автором одного опубликованного романса. Он покинул службу и поступил в только что открывшуюся петербургскую консерваторию. Преподавателям одаренного композитора стал сам директор консерватории Антон Рубенштейн, который преподавал Чайковскому композицию и теорию оркестровки.

Обучаясь в консерватории, Петр Ильич написал два крупных произведения: увертюру «Гроза» (за основу взята пьеса Островского) и кантату «К радости».    

В 1866 году Чайковский окончил Петербургскую консерваторию. В этот же год Николай Рубенштейн (Брат Антона Рубенштейна, основатель и директор консерватории в Москве), пригласил Петра Ильича в свою консерваторию на должность преподавателя гармонии. Переезд в Москву пошел на пользу композитору. В первые несколько лет жизни в Москве он написал свою «Первую симфонию» и оперу «Воевода». Премьера «Воеводы» состоялась в 1869 году. Автор критически относился к своим произведениям. Сразу после премьеры «Воеводы», партитура была уничтожена Чайковским (спустя много лет после смерти композитора, партитуру удалось восстановить по оркестровым партиям, которые сохранились), та же судьба ожидала и вторую оперу Чайковского «Ундина», но часть оперы все же была использована в написании увертюры «Руслан и Людмила».

В следующие несколько лет Чайковский создал огромное количество произведений, впоследствии ставших истинным достоянием России. Были написаны Вторая и Третья симфонии, фортепианный концерт, фантазия «Франческа да Римини», балет «Лебединое озеро», оперы «Кузнец Вакула» и «Опричник» и многие другие произведения, ставшие классикой русской музыки. Премьеры произведений Чайковского проходили с огромным успехом. В этот период четко видно тяготение композитора к симфонической музыке. Петра Чайковского с нетерпением ждали и зарубежные слушатели. Он совершил несколько путешествий (в Швейцарию, в Италию, во Францию), где выступал как дирижер собственных сочинений.

В 1877 году жизнь Чайковского изменилась в лучшую сторону. Его страстная поклонница и подруга (по переписке, они никогда не встречались) Надежда фон Мекк, предложила Чайковскому оставить работу в консерватории и все свое время посвятить написанию музыки. Графиня фон Мекк предложила ежегодно выплачивать Чайковскому пенсию в размере 6000 рублей. Даже сам Петр Ильич не мог объяснить столь необычную просьбу от женщины, которую он ни разу не видел в глаза. До конца своей жизни композитор так и не встретился со своей благодетельницей. Тем не менее, он принял предложение щедрой графини, оставил работу и с головой погрузился в мир нот.

Получив возможность путешествовать по миру (Надежда фон Мекк оплачивала все поездки Чайковского), Чайковский отправился в длительное путешествие, где тщательно изучал традиции и музыку каждой посещаемой им страны. Народные мотивы различных стран нашли отражение в сочинениях Чайковского. Особенно понравилась ему музыки Италии.

В 1885 году композитору предложили должность директора в московском отделении Русского музыкального общества. На этот период приходится пик популярности гениального композитора. В 1892 году он становится членом-корреспондентом Академии изящных искусств в Париже. В 1893 году ему присваивают докторскую степень в университете Кембридж.  

Петр Ильич родился 25 апреля 1840 года в небольшом уральском городке Воткинске. Отец будущего композитора был директором завода в Воткинске. Несмотря на свою занятость, отец Петра часто устраивал домашние концерты, где звучала фортепианная музыка, народные песни и мелодии. С самого раннего возраста Петр Ильич был окружен русской народной музыкой. Будучи весьма впечатлительным ребенком, Чайковский на всю жизнь запомнил неповторимые по своей красоте и характеру песни, которые пели простые крестьяне. Многие мелодии и мотивы нашли отражение в творчестве уже взрослого Чайковского-композитора.

Первоначальное образование Петр Чайковский получил дома. С ним занимались родители и приглашенные педагоги. Кроме математики, русского языка и прочих предметов, с мальчика обучали и музыке. Он любил слушать сочинения зарубежных композиторов. Много времени проводил за фортепиано.

С юных лет Чайковский пробовал писать музыку (по мнению его братьев, весьма неплохую) и делал огромные успехи в игре на инструменте. Несмотря на явную музыкальную одаренность, отец Петра настоял на том, чтобы его десятилетний сын поступил в училище правоведения в Петербурге.

Учеба не приносила юному Чайковскому ни удовольствия, ни пользы. Все чаще Петр Ильич вспоминал занятия на фортепиано, музыку известных композиторов. Это привело к тому, что Чайковский стал все меньше уделять внимания учебе. Сначала он посещал хор при училище, а позже, уходя с занятий, Чайковский со своими друзьями посещал театр оперы и балета, где за время обучения успел посмотреть все премьеры (а некоторые оперы по нескольку раз). Через некоторое время Чайковский ощутил непреодолимое желание писать музыку. В его голове постоянно созревали новые мелодии, но дать им жизнь молодой композитор не мог в силу отсутствия музыкального образования. Петр Ильич решил брать частные уроки игры на фортепиано у знаменитого пианиста Рудольфа Кюндингера. Чуть позже, брат Рудольфа, Август Кюндингер, стал преподавать Чайковскому теорию музыки.

В 1859 году Петр Ильич окончил училище правоведения. Денег у него было не так много, поэтому ему пришлось устроиться на чиновничью службу в Министерство юстиции. Работы было много, времени на любимое занятие практически не оставалось. Два года работал Чайковский в министерстве, после чего твердо решил связать свою жизнь с музыкой. К этому моменту он уже был автором одного опубликованного романса. Он покинул службу и поступил в только что открывшуюся петербургскую консерваторию. Преподавателям одаренного композитора стал сам директор консерватории Антон Рубенштейн, который преподавал Чайковскому композицию и теорию оркестровки.

Обучаясь в консерватории, Петр Ильич написал два крупных произведения: увертюру «Гроза» (за основу взята пьеса Островского) и кантату «К радости».

В 1866 году Чайковский окончил Петербургскую консерваторию. В этот же год Николай Рубенштейн (Брат Антона Рубенштейна, основатель и директор консерватории в Москве), пригласил Петра Ильича в свою консерваторию на должность преподавателя гармонии. Переезд в Москву пошел на пользу композитору. В первые несколько лет жизни в Москве он написал свою «Первую симфонию» и оперу «Воевода». Премьера «Воеводы» состоялась в 1869 году. Автор критически относился к своим произведениям. Сразу после премьеры «Воеводы», партитура была уничтожена Чайковским (спустя много лет после смерти композитора, партитуру удалось восстановить по оркестровым партиям, которые сохранились), та же судьба ожидала и вторую оперу Чайковского «Ундина», но часть оперы все же была использована в написании увертюры «Руслан и Людмила».

В следующие несколько лет Чайковский создал огромное количество произведений, впоследствии ставших истинным достоянием России. Были написаны Вторая и Третья симфонии, фортепианный концерт, фантазия «Франческа да Римини», балет «Лебединое озеро», оперы «Кузнец Вакула» и «Опричник» и многие другие произведения, ставшие классикой русской музыки. Премьеры произведений Чайковского проходили с огромным успехом. В этот период четко видно тяготение композитора к симфонической музыке. Петра Чайковского с нетерпением ждали и зарубежные слушатели. Он совершил несколько путешествий (в Швейцарию, в Италию, во Францию), где выступал как дирижер собственных сочинений.

В 1877 году жизнь Чайковского изменилась в лучшую сторону. Его страстная поклонница и подруга (по переписке, они никогда не встречались) Надежда фон Мекк, предложила Чайковскому оставить работу в консерватории и все свое время посвятить написанию музыки. Графиня фон Мекк предложила ежегодно выплачивать Чайковскому пенсию в размере 6000 рублей. Даже сам Петр Ильич не мог объяснить столь необычную просьбу от женщины, которую он ни разу не видел в глаза. До конца своей жизни композитор так и не встретился со своей благодетельницей. Тем не менее, он принял предложение щедрой графини, оставил работу и с головой погрузился в мир нот.

Получив возможность путешествовать по миру (Надежда фон Мекк оплачивала все поездки Чайковского), Чайковский отправился в длительное путешествие, где тщательно изучал традиции и музыку каждой посещаемой им страны. Народные мотивы различных стран нашли отражение в сочинениях Чайковского. Особенно понравилась ему музыки Италии.

В 1885 году композитору предложили должность директора в московском отделении Русского музыкального общества. На этот период приходится пик популярности гениального композитора. В 1892 году он становится членом-корреспондентом Академии изящных искусств в Париже. В 1893 году ему присваивают докторскую степень в университете Кембридж.  

Чайковским написано огромное количество произведений различных жанров. Ему удавалось использовать выразительные средства европейской музыки вместе и исконно русскими мелодиями и напевами. Благодаря Петру Ильичу вся Европа услышала и оценила русскую музыку. Помимо музыкальных произведений им написаны и учебники по теории, которые использовались не только в нашей стране.

В конце 1893 года Чайковский тяжело заболел. В двадцатых числах октября он последний раз вышел на сцену. В Петербурге проходила премьера его Шестой симфонии, композитор сам дирижировал оркестром. Премьера прошла прекрасно, сам автор был счастлив, публика ликовала. Ночью 25 октября Петр Ильич Чайковский скончался. Его тело было похоронено на кладбище Александро-Невской лавры в Петербурге.

Оперы

• Воевода
• Ундина
• Опричник
• Евгений Онегин
• Орлеанская дева
• Мазепа
• Черевички
• Чародейка
• Пиковая дама
• Иоланта

Балеты

• Лебединое озеро
• Спящая красавица
• Щелкунчик

Симфоническое творчество

• "Гроза", увертюра к драме
• Симфония №1 "Зимние грезы"
• Четвертая симфония
• Пятая симфония
• Шестая симфония, Op. 74
• Манфред, симфония
• "Фатум", фантазия
• "Ромео и Джульетта", увертюра-фантазия
• Франческа да Римини
• "1812 год", торжественная увертюра
• Славянский марш

Концерты и концертные пьесы

• Первый концерт для фортепиано с оркестром
• Вариации на тему рококо
• Концерт для скрипки с оркестром

Хоровое творчество

• Духовная музыка
• Литургия Святого Иоанна Златоустого
• Девять духовно-музыкальных сочинений

Камерно-инструментальная музыка

• Первый квартет
• Трио "Памяти великого художника"
• Секстет "Воспоминание о Флоренции"

Фортепианная музыка

• Времена года
• Детский альбом
• 12 пьес средней трудности
• 18 фортепианных пьес

Романсы и песни

• Романсы
• Мой гений, мой ангел, мой друг...
• 16 песен для детей
• 6 романсов

Михаил Иванович Глинка – русский композитор, основоположник русской классической музыки. Гений Глинки можно сравнить только с гением А. С. Пушкина. Если Пушкин стал создателем русского литературного языка, его основателем и отцом, то Глинка заложил основы русской классической музыки. Михаил Иванович – первый музыкальных классик нашей страны. Основой многих произведений Глинки стали бессмертные строки Александра Пушкина.

Родился Михаил Иванович июня 1804 года в Смоленской губернии (село Новоспасское). Родители Михаила были довольно богатые помещики, поэтому мальчик все детство практически ни в чем не нуждался, за исключением внимания родителей. Воспитанием маленького Глинки занималась бабушка Фекла Александровна (тут прослеживается еще одно сходство с Александром Пушкиным). Благодаря бабушке, Михаил Иванович стал ревностным ценителем и поклонником русской народной музыки. Бабушка пела на ночь колыбельные, пела, когда занималась домашними делами, пела когда радовалась или печалилась. В это время и началась зарождаться сильнейшая привязанность глинки к русскому народному творчеству.

Когда Михаил немного подрос, для его обучения отец привез гувернантку из Петербурга. Варвара Кламер (так звали гувернантку) учила Михаила писать, читать, считать, но самым любимым уроком мальчика бала музыка. Кламер обучала Глинку игре на фортепиано, много рассказывала о зарубежной музыке, знакомила его с шедеврами западных композиторов. Родной дядя Михаила Ивановича (тоже богатый помещик) имел собственный оркестр. Мальчик мог часами наблюдать за ходом репетиции оркестра, рассматривая партитуры, инструменты, следя за движениями дирижера.               

В 1818 году Михаил Иванович отправился на обучение в Петербург. Его приняли в Благородный пансион при педагогическом училище. За четыре года обучения в пансионе Глинка приобрел славу лучшего ученика. Он возобновил занятия музыкой, он стал брать уроки вокала, дирижирования, игры на скрипке и фортепиано. С ним занимали одни из лучших педагогов, возможно поэтому  Михаил Иванович делал огромные успехи, быстро усваивая все уроки. Когда во время каникул мальчик возвращался в родное имение, он закреплял на практике уроки дирижирования, инструментом ему служил оркестр дяди.

В 1822 году Глинка написал свое первое серьезное произведение Вариации для фортепиано или арфы на тему оперы «Швейцарское семейство». В это время начала расти популярность глинки в Петербурге. Достигнув значительных успехов в вокале и игре на фортепиано, Глинка часто выступал с вокальными или инструментальными концертами. О композиторской деятельности Михаила знали только близкие друзья.

После окончания пансиона (1822 год) глинка совершает несколько путешествий. В одну из поездок Глинка посетил Кавказ, где поправлял свое здоровье. Услышав народную музыку горных стран, он на всю жизнь запомнил эти необычные интонации и неповторимый характер. Во многих будущих произведениях композитора можно будет встретить интонации, заимствованные из кавказской народной музыки.

Заявив своему отцу о намерении серьезно заниматься композиторской деятельностью, Михаил Иванович столкнулся с непониманием и жесточайшим запретом. Отец не мог допустить, чтобы его сын «позорил» фамилию, занимаясь таким несерьезным делом. По настоянию отца Михаил устраивается в канцелярию Совета путей и сообщения. Тем не менее, работая в канцелярии, Глинка находил время для занятий любимым делом. За четыре года, которые он провел на службе у секретаря канцелярии, Михаил Иванович создал романсы, принесшие ему популярность и известность.

В 1828 году Михаил Иванович твердо решает расстаться с должностью помощника секретаря и все время посвятить написанию музыки. Буквально через год в свет выходит «Лирический альбом» - собрание лучших на то время произведений Глинки. В этом же году, произошли самые дорогие для него встречи. Михаил Иванович познакомился и подружился с величайшими писателями того времени А. С. Пушкиным, А. С. Грибоедовым, В. А. Жуковским. На стихи этих поэтов Глинка напишет лучшие свои произведения.

В 1830 году у Глинки начинаются серьезные проблемы со здоровьем. Ему настоятельно рекомендуют покинуть страну и сменить климат. На четыре года Михаил Иванович покидает Россию. Живя в Германии и Франции, композитор занимается изучением теории музыки и практикуется в игре на фортепиано. Это были тяжелые годы для композитора. Он тосковал по родине, что и отразилось в его произведениях. В эти годы Глинка написал огромное количество романсов, в которых четко слышалась тоска, грусть по родным местам, любовь к России.

В связи со смертью отца, Михаил Иванович возвращается в Россию. Он продолжил общение с друзьями-поэтами, которые вдохновили его на создание оперы. Мечтой всей жизни Глинки бала опера, но не просто музыкальное произведение, а истинно русская опера. Композитор не признавал подражания западным коллегам, он боролся за создания новой музыки. Будучи хорошо знакомым с русским народным творчеством, Глинка старался в своих произведениях показать всю красоту и самобытность народного музыкального языка.

В 1836 году работа над первой русской оперой была закончена. Опера «Иван Сусанин» (позже сам император Николай Первый изменил название на «Жизнь за царя») была впервые поставлена 27 ноября 1836 года. Вторую оперу («Руслан и Людмила») композитор написал в 1842 году. Таким образом, Глинка не только создал первые образцы русской оперы, но и разделил оперный жанр на две категории: опера-драма («Иван Сусанин») и опера-сказка («Руслан и Людмила»).

Зимой 1857 года Михаил Иванович Глинка был на большом концерте в Германии. Там исполнялись его произведения. В зале было много слушателей, было душно и жарко. Выйдя на улицу после концерта, Михаил Иванович простудился. Несколько дней он пролежал не вставая с постели. Он не смог побороть болезнь и скончался. Тело композитора перевезли в Петербург, где захоронили на кладбище Александро-Невской лавры.

Оперы:

• «Иван Сусанин»
• «Руслан и Людмила»
• «Симфония на две русские темы»

Увертюры:

• «Арагонская хота»
• «Ночь в Мадриде»
• «Вальс-фантазия»
• «Камаринская»  

Камерно-инструментальные ансамбли

Романсы, песни, арии

• «Прощание с Петербургом»

Фортепианные сочинения:

• ноктюрн «Разлука»  

Музыка к драматическим спектаклям

Модест Петрович Мусоргский – русский композитор, член сообщества композиторов «Могучая кучка». Модест Мусоргский – величайший новатор в русской музыкальной культуре. Он является продолжателем традиций, заложенных Даргомыжским. Мусоргский по праву считается музыкальным психологом и мастером музыкального портрета. Ему удалось найти музыкальные средства, способные точно и ярко показывать характеры героев.

Модест Петрович Мусоргский родился 21 марта 1839 года в небольшом городке Псковской губернии в зажиточной помещичьей семье. Первоначальное образование получил дома от матери. Она же обучала Модеста игре на фортепиано. Мальчик удивительно быстро овладел инструментом, поражая домочадцев своей выразительной игрой. Хотя родители искренне радовались музыкальным успехам Модеста, все же решили отдать его на обучение в школу гвардейских прапорщиков.

Юный Модест не противился решению родителей, но желание заниматься музыкой у него не иссякло. Он брал частные уроки игры на фортепиано (у лучшего педагога того времени А. А. Герке), самостоятельно изучал основы гармонии и композиции. Приезжая домой он давал концерты для своих родных. Отец будущего композитора (тоже страстный поклонник музыкального творчества) был доволен успехами сына, тем не менее, он не мог позволить ему стать профессиональным музыкантом. Традиции того времени не позволяли дворянским детям заниматься столь несерьезными вещами. 

В 1852 году Модест Петрович с успехом окончил обучение. Примерно в это же время вышло в свет его первое произведение «Подпрапорщик» - это полька написанная для фортепиано. Спустя несколько месяцев после окончания учебы Мусоргский приходит на службу в Преображенский полк. В 1856 году произошло знакомство Модеста Петровича с А.П. Бородиным, вскоре они становятся хорошими друзьями. В конце года  Мусоргский познакомился М. А.  Балакиревым  и  Ц. А.  Кюи. Балакирев стал другом, учителем и наставником для молодого композитора, он помогал ему в изучении теории музыки, они вместе посещали театры, играли на фортепиано…

Летом 1858 года Модест Петрович решает уйти с военной службы и посвятить себя композиторской деятельности. Во многом на решение Мусоргского повлияли его друзья  (Балакирев, Кюи и Бородин), которые давно убеждали Модеста серьезно заняться музыкой. Вскоре друзья создают сообщество под названием «Могучая кучка». Теперь композитор не мыслил себя без друзей и коллег. Они часто собирались, делились своими мыслями, показывали новые сочинения, критиковали друг друга.

В этот же промежуток времени Мусоргский создает свои лучшие оперы  «Борис Годунов», «Хованщина», «Сорочинская ярмарка». Опера «Борис Годунов» стала самым значительным сочинением Мусоргского. В основу легла одноименная трагедия А. С. Пушкина, но идея создания оперы принадлежала хорошему другу Мусоргского В.  В.

Никольскому. Работа над произведением началась в октябре 1868 года и длилась ровно год. В 1870 году автор принес рукопись в дирекцию  императорских театров. К сожалению комиссия не приняла оперу.

Автору пришлось потратить еще год на доработку произведения, вторая версия оперы была закончена в 1872 году. Но и теперь комиссия не разрешила поставить «Бориса Годунова» на российской сцене. Объяснялось это тем, что в опере были реализованы новаторские идеи композитора, которые не были понятны ни народу, ни членам комиссии. Действительно, «Борис Годунов» сильно отличался от оперных произведений того времени. Мусоргский делал акцент на трагизм произведения, на характер героев и народа, а музыка не сопровождала литературный текст, а была с ним неразделима. Используя все средства музыкальной выразительности, композитор создал принципиально новую оперу. Премьера «Бориса Годунова» состоялась в Петербурге лишь в 1874 году.

Сразу же после удачной премьеры Мусоргский взялся за написание оперы «Хованщина». Точнее будет назвать ее народной драмой, а не оперой. Мусоргский, как и все члены «Могучей кучки» работали в направлении «Реализм», то есть в своем творчестве они старались отражать жизнь простого народа, его быт, страдания, развлечения, работу… добавляя в свою музыку интонации  и мелодии народных песен и танцев, «кучкисты» создавали картины истинной крестьянской жизни. Именно такой и получилась опера «Хованщина». Еще не окончив «Хованщины» Мусоргский берется за другое произведение. На этот раз он решил обратиться к творчеству Николая Васильевича Гоголя и написать комическую оперу «Сорочинская Ярмарка».

В 1879 году Модеста Петровича приглашают посетить побережье черного моря и дать там несколько концертов. С большим удовольствием  он принимает приглашение. Находясь в Крыму, композитор пишет большое количество фортепианной и вокальной музыки. В это время была создана всемирно известная «Песня о блохе». Вернувшись из поездки, композитор столкнулся с массой трудностей. У него практически не осталось денег, он не имел работы. Его охватила сильнейшая депрессия. В это время он начинает часто пить, что вскоре переросло в алкоголизм.

Не смотря на то, что у М.П. Мусоргского не было высшего музыкального образования, он смог создать огромное количество непревзойденных сочинений. Сам композитор не мог даже делать оркестровки своих сочинений, эту работу выполнял его друг Н.А. Римский-Корсаков.  Скончался Мусоргский 16  марта 1881 года в военном госпитале в Петербурге. Он оставил две незаконченные оперы «Хованщина» и «Сорочинская ярмарка». Оперы были закончены друзьями Мусоргского. Обе премьеры прошли с огромным успехом.  

Оперы:

• «Саламбо»
• «Женитьба»
• «Борис Годунов»
• «Хованщина» (завершена Римским-Корсаковым)
• «Сорочинская ярмарка» (завершена Кюи)

Для оркестра:

• скерцо
• интермеццо
• «Ночь на Лысой Горе»
• марш «Взятие Карса»

Фортепианный цикл «Картинки с выставки»

Хоровые произведения

Для голоса и фортепиано:

• сборник «Юные годы»
• цикл «Детская»
• цикл «Без солнца»
• цикл «Песни и пляски смерти»

Песни и романсы

Обработки русских народных песен

Сергей Сергеевич Прокофьев – русский композитор, выдающийся пианист, дирижер, Народный артист РСФСР. В музыкальную историю России он вошел как композитор-новатор, создатель своей собственной системы средств музыкальной выразительности. Он стал настоящим мастером музыкального портрета (продолжая традиции М.П. Мусоргского), тонким психологом, знатоком человеческих характеров.

Сергей Сергеевич родился 11 апреля 1891 года в Донецкой области (село Сонцовка). Отец Сергея был агрономом, мать домохозяйкой. С пяти лет маленький Сергей начал обучаться игре на фортепиано. Первым педагогом стала мама. Мальчик удивительно быстро освоил инструмент, еще не умея толком читать и писать, он в 5 лет делал попытки сочинения музыки. Потом он говорил, что обязан своей матери своими выдающимися способностями, именно она привила сыну любовь к музыке, научила чувствовать музыку, передавать в игре чувства, настроение, характер. Ежедневные занятия сделали из маленького мальчика настоящего музыканта. Мать записывала все импровизации и сочинения своего маленького гения.

Примерно в возрасте 10 лет Сергей Прокофьев твердо решил стать композитором. Это решение пришло к нему после посещения театра оперы и балета Москвы. Побывав там однажды с родителями, мальчик получил самые яркие и незабываемые ощущения. Первое, что он услышал и увидел, были  опера «Князь Игорь» А. Бородина и балет «Спящая красавица» П. И. Чайковского. Вернувшись домой, мальчик долго не мог отойти от инструмента. Он стремился написать нечто похожее на музыку Бородина и Чайковского. Как ни странно, ему это удалось. Десятилетний Сергей Прокофьев создал два произведения «Великан» и «На пустынных островах».    

Вторым педагогом Сергея Прокофьева стал Р. Глиер, который только что окончил московскую консерваторию и приехал в село на лето. Он обучал Сергея Сергеевича игре на фортепиано, занимался с ним теорией музыки. С помощью Глиера Прокофьев написал оперу «Пир во время чумы», симфонию и еще несколько пьес. Мать решила, что должна отдать сына на обучение в консерваторию. Осенью они прибыли в Петербург, в этот же день состоялась встреча Прокофьева с Танеевым. На вступительных экзаменах тринадцатилетний юноша шокировал всю комиссию. Он вошел в зал с огромной папкой собственных произведений, когда его коллеги-абитуриенты принесли всего два – четыре произведения. Среди сочинений Прокофьева были и оперы и небольшие пьесы для фортепиано, симфония и 2 сонаты. К тому же, приемная комиссия пришла в восторг, услышав неповторимую игру Прокофьева на фортепиано. Естественно, что Сергей Сергеевич очень легко поступил на первый курс Петербургской консерватории.

Преподаватели Прокофьева (по классу инструментовки у Н. А. Римского-Корсакова, у А. К. Лядова  по классу композиции) весьма лестно отзывались о своем одаренном ученике. Еще будучи студентом первого курса он уже выступал с концертами в Петербурге, исполняя собственные произведения. Тогда же состоялись и первые гастрольные поездки Прокофьева. В 1909 году Сергей Сергеевич окончил консерваторию по классу композиции, но решил продолжить обучение еще по двум классам: фортепиано и дирижирование.  В 1914 году он стал профессиональным исполнителем и дирижером.

Начиная с 1914 года Прокофьев много ездит по миру, посещает Францию, Испанию, Англию, Америку, Японию, Кубу и юг России. Он дает массу концертов, исполняя собственную музыку. Слушатели всех стран приходили в восторг слыша необычную. Для того времени музыку русского композитора. Бывало, что Прокофьев оставался непонятым, настолько новым было его музыкальное мышление. Помимо фортепианной музыки Прокофьев исполнял и оперы, дирижируя оркестрами разных театров.

События октября 1917 года заставили Сергея Прокофьева покинуть страну на долгие годы. Он вынужден эмигрировать в Америку, затем на несколько лет он переезжает во Францию. Жизнь за границей принесла композитору массу новых знакомств, например, в Париже он встречается с композиторами М. Равелем, С. Стравинским, С. Рахманиновым. Прокофьев много работает, пишет музыку, выступает с концертами. В 1921 году в Чикагском театре состоялась премьера оперы «Любовь к трем апельсинам». Премьера прошла с потрясающим успехом. Затем композитор дает несколько фортепианных концертов, в одном из них он исполняет цикл «Сказки старой бабушки», который он посвятил своему детству, родному дому. Даже люди, не знающие судьбы Прокофьева могли четко услышать грусть и боль от расставания с родиной. Все написанное в США и Франции, Прокофьев посвящал России.

Практически каждое произведение Прокофьева пропитано слезами и болью. Сам композитор не ожидал, что ему будет так сложно жить вдали от России. Произведения, написанные в период эмиграции, признаны лучшими в его творчестве. Два раза Сергей Прокофьев приезжал в Россию с концертами. Первый приезд состоялся в 1927 году, второй – в 1929 году. Со слезами на глазах композитор покидал родину и возвращался за границу. В 1932 году Сергею Сергеевичу удалось окончательно вернуться в Россию. Это было самое счастливое время для композитора.                  

Вернувшись домой, Прокофьев столкнулся с серьезной проблемой. Его не понимали, не принимали его музыки. Слишком сильно изменились люди за время его отсутствия, изменились и культурные ценности. Если до отъезда его музыку называли новаторской, передовой, то теперь на произведения великого композитора просто не обращали внимания. Прошло много лет, прежде чем Сергей Сергеевич понял потребности русской публики, прежде чем создал те произведения, которые вернули ему былую славу и популярность. Такими произведениями стали: опера «Война и мир» (самое дорогое произведение композитора, даже после премьеры он дорабатывал ее, вносил новые интонации, работал над характерами героев), балет «Золушка» и «Сказка и каменном цветке», опера «Повесть о настоящем человеке» и многие другие произведения, не утратившие своей популярности и значимости для России до сих пор. Скончался Сергей Сергеевич Прокофьев в Москве 5 марта 1953 года.

Оперы

• Маддалена
• Игрок
• Любовь к трём апельсинам
• Огненный ангел
• Семён Котко
• Обручение в монастыре
• Война и мир
• Повесть о настоящем человеке

Балеты

• Сказка про шута, семерых шутов перешутившего
• Стальной скок
• Блудный сын
• На Днепре
• Ромео и Джульетта
• Золушка
• Сказ о каменном цветке

Для солистов, хора и оркестра

• На страже мира, оратория
• К 20-летию Октября, кантата
• Александр Невский, кантата

Для оркестра

• 7 симфоний
• Ала и Лоллий
• симфоническая сказка Петя и волк
• Два пушкинских вальса

Концерты с оркестром

• 5 для фортепиано
• 2 для скрипки
• для виолончели
• симфония-концерт для виолончели

Камерно-инструментальные ансамбли

• сонаты для скрипки и фортепиано,
• соната для виолончели и фортепиано,
• соната для флейты и фортепиано,
• 2 квартета; для фортепиано

Николай Андреевич Римский-Корсаков – русский композитор, педагог, дирижёр, общественный деятель, музыкальный теоретик. Будучи гениальным педагогом, Римский-Корсаков воспитал целое поколение музыкантов, продолжавших традиции, заложенные своим учителем. Благодаря Николаю Андреевичу некоторые произведения, звучали на сценах всего мира после смерти их создателей, так Римский-Корсаков закончил две оперы Мусоргского («Борис Годунов» и «Хованщина»), оперу «Князь Игорь» Бородина. Кроме того, благодаря совместной работе Николая Андреевича и М.А. Балакирева были восстановлены многие партитуры М.И. Глинки.

Николай Андреевич родился 18 марта 1844 года в городе Тихвин (сегодня Ленинградская область). Родители Николая происходили из знатного, дворянского рода, поэтому мальчик получил хорошее домашнее воспитание. Отец Николая был страстным поклонником инструментальной музыки, по его настоянию сын начал обучаться игре на фортепиано. Семилетний Николай делал огромные успехи, удивляя всех мастерством исполнителя. В возрасте восьми лет мальчик уже был автором нескольких небольших произведений для фортепиано.

Старший брат Николая Андреевича пошел служить на флот. Такова была семейная традиция Римских-Корсаковых, все мужчины их рода должны были пройти службу на море. Брат часто писал письма домой, где подробно и красочно описывал морские путешествия, бури и штормы, берега других стран. Маленький Николай с жадностью слушал все, что читали ему родители из писем брата. Мечтой будущего композитора стало море. Когда он немного подрос, вся библиотека отца (а там большинство книг были посвящены морю) была перечитана. Таким образом, у юного Римского-Корсакова было два увлечения: море и музыка.

Когда Николаю исполнилось двенадцать лет, родители определили его в Морской корпус на обучение. Служба нравилась Николаю, больше всего он ждал выхода в море. Студентов иногда отправляли на службу в балтийское море. Здесь Римский-Корсаков еще сильнее влюбился в море. Тем не менее, занятия музыкой он не забросил. Старший брат к тому времени стал уже адмиралом. Благодаря ему Николай стал брать частные уроки игры на фортепиано. Будучи студентом последнего года обучения, Николай Андреевич знакомится с Милием Балакиревым. Он стал наставником и учителем для молодого Римского-Корсакова.

Милий Алексеевич настаивал на том, чтобы Николай серьезно занялся сочинением музыки. Пока Николай не мог этого сделать. После окончания Морского корпуса ему предстояло еще три года провести на флоте для получения офицерского звания. Таким образом, Николай Андреевич отправился в трехгодичное плавание. Естественно, на корабле не было инструмента, поэтому свои занятия композитор прервал. Незадолго до  отплытия Римский-Корсаков успел закончить свою первую симфонию, тогда ему было 19 лет. Долгое плавание пошло на пользу Николаю Андреевичу. Он любовался красотами океана, чужеземных стран, красками морского неба. Римский-Корсаков на всю жизнь сохранит в памяти морские пейзажи. Все эти картины встретятся в будущем творчестве композитора, только краски для них будут использованы исключительно музыкальные.   

Вернувшись из плавания, Николай Андреевич решает продолжить занятия музыкой. Его душа поэта требовала смены деятельности. Композитор продолжил общение с Милием Балакиревым. Николай много трудился, изучал теорию музыки, практиковался в игре на фортепиано, брал уроки дирижирования. Композиторская деятельность поглотила его с головой. За несколько лет он написал огромное количество произведений, приобретя популярность композитора-сказочника. Действительно, если взглянуть на оперное творчество Римского-Корсакова, можно увидеть явное тяготение к сказочным сюжетам. «Снегурочка», «Ночь перед Рождеством», «Садко», «Золотой петушок», «Сказка о царе Салтане», «Кащей Бессмертный», «Сказание о невидимом граде Китеже», все эти оперы написаны по мотивам русских сказок.

В некоторых из них композитор воплотил в жизнь все свои мысли и мечты о море. Например, опера «Садко» полностью связана с морем. Купец из великого Новгорода попадает в шторм и в результате кораблекрушения остается пленником в подводном мире. Композитор чудесным образом с помощью музыки нарисовал картины тихого моря, поднимающегося урагана, зритель практически наяву видит огромные волны, захлестывающие корабль несчастного купца. Все, что видел композитор за несколько лет, проведенных в море, видят зрители его опер. Симфоническая поэма «Шахерезада» тоже полна морских пейзажей. До сих пор неясно как Римскому-Корсакову удалось с помощью средств музыкальной выразительности показать все оттенки морских вод и характер океанов.

Благодаря Милию Балакиреву, Римский-Корсаков стал одним из участников объединения композиторов «Могучая кучка». Композиторы боролись за идею реализма, в своем творчестве отражали все тяготы и невзгоды простых крестьян, не опасаясь гнева императора. Все пять участников «Могучей кучки» работали в одном направлении – «реализм». Римский-Корсаков, обладая природным талантом аранжировщика и способностью правильно и красиво делать оркестровки, часто помогал своим друзьям, дорабатывая их сочинения.

Римский-Корсаков много лет проработал преподавателем Петербургской консерватории. Сначала он вел класс инструментовки, затем композиции. Среди его учеников были  Глазунов, Лядов, Прокофьев, Стравинский и многие другие музыканты, впоследствии ставшие гениальными композиторами. Работа в области теории музыки Николая Андреевича заслуживает особого внимания. Он написал несколько учебников по оркестровке («Основы оркестровки») и гармонии. Некоторые его учебники до сих пор используются в музыкальных учебных заведениях.

Последнее произведение, созданное Римским-Корсаковым отчасти стало и причиной его смерти. Опера «Золотой петушок», над которой трудился композитор долгое время не могла пройти отдел цензуры. В опере Николай Андреевич откровенно высмеивал царя и его приближенных. Цензоры долгое время не пропускали оперу на сцену, заставляли несколько раз переделывать либретто. Не смотря на то, что все указания исполнялись, опера так и не выходила. Сердце композитора не выдержало таких нагрузок. 21 июня 1908 года Николай Андреевич Римский-Корсаков скончался, так и не увидев собственной оперы.                                                   

Оперы:

• «Псковитянка»
• «Майская ночь»
• «Снегурочка»
• «Млада»
• «Ночь перед Рождеством»
• «Садко»
• «Царская невеста»
• «Золотой петушок»
• «Сказка о царе Салтане»
• «Кащей Бессмертный»
• «Сказание о невидимом граде Китеже»

Для оркестра:

• Симфония № 1
• Симфония № 2 «Антар»
• «Светлый праздник»
• «Испанское каприччио»
• «Шахерезада»

Концерт для фортепиано с оркестром

Серенада для виолончели

Камерно-инструментальные ансамбли:

• фортепианное трио
• струнный квартет

3 кантаты

Хоры и ансамбли.

Фортепианные пьесы

79 романсов

Обработки народных песен

Александр Порфирьевич Бородин – русский композитор, ученый-химик. Музыка Бородина отличается присутствием героических, мужественных образов, композитор воспевает силу русского народа, его умение бороться и сопротивляться. Достаточно взглянуть на названия некоторых произведений: опера «Богатыри», симфония №2 «Богатырская», опера «Князь Игорь». Участник «Могучей кучки», Бородин-творец всю жизнь боролся за возрождение русского искусства и фольклора в частности. Многие его произведения включают интонации русских народных песен и плясовых.

Родился Александр Порфирьевич 31 октября 1833 года в Петербурге. Он является внебрачным сыном старого грузинского князя Луки Гедианова. Нравы того времени не позволяли оставить ребенку фамилию отца, поэтому Александру дали отчество и фамилию одного из слуг (крепостного крестьянина самого князя Гедианова) Порфирия Бородина. Настоящий отец выделял средства на обучение Александра, поэтому мальчик получил очень хорошее домашнее образование. Он с легкостью изучил иностранные языки (немецкий, французский, английский), легко справлялся с химией, физикой, математикой.

В восемь лет к Александру стали приходить педагоги-музыканты. Он обучался игре на флейте, немного позже мальчик захотел овладеть игрой фортепиано и виолончели. Первым педагогом по фортепиано стал известный пианист А.А. Герке. Писать музыку Бородин начал довольно рано, в девять лет он стал автором польки для фортепиано в четыре руки. Через пять лет он уже писал инструментальную музыку для камерных составов. В этом возрасте его интересовали только две вещи: музыка и химия. Заканчивая репетиции на фортепиано, мальчик тут же брался за химические реактивы и проводил опыты в своей комнате.

Когда настало время выбирать будущую профессию, Александр Порфирьевич отдал предпочтение науке. В 1850 году Бородин поступает в  Медико-хирургическую академию. С отличием окончив обучение Александ Бородин получил приглашение стать преподавателем той же академии. Спустя два года он уже защищает диссертацию на тему «Об аналогии фосфорной и мышьяковой кислоты в химических и токсикологических отношениях». В 1958 году ему присваивают звание профессора.

Вскоре состоялась поездка Бородина по странам западной Европы (Франция, Германия, Италия). В германии Александр знакомится со светом русской химии Дмитрием Менделеевым и другими молодыми учеными-химиками. Так сложилось, что все друзья оказались поклонниками классической музыки. Они часто собирались по вечерам, слушали музыку западных композиторов (отсюда пошла привязанность Бородина к западноевропейской музыке), выезжали на премьеры опер. В Германии Бородин снова занялся сочинением музыки.

Он написал несколько инструментальных пьес, романсы, трио для фортепиано и струнный квинтет. Собираясь с друзьями, композитор исполнял им свои произведения. Все же еще несколько лет Бородин не воспринимал всерьез композиторскую деятельность.

В 1862 году Александр Бородин возвращается в Россию. Ему предлагают должность адъютанта в Академии. Через два года он становится профессором, много работает, пишет научные труды. Бородин написал свыше сорока научных трудов по химии. Удивительно, но, активно занимаясь наукой, Александр Порфирьевич продолжал писать музыку. Один из лучших друзей Бородина – Милий Балакирев постоянно твердил ему о том, что он зарывает в землю свой талант. Благодаря Балакиреву Бородин начинает больше времени уделять сочинению музыки. В 1867 году была закончена работа над первой симфонией. Показав произведение своим друзьям, композитор услышал лишь похвальные отзывы. Окрыленный успехом своего сочинения, Бородин решает присоединиться к сообществу композиторов «Могучая кучка». Несмотря на успех всех его сочинений, до конца жизни Александр Порфирьевич не считал себя профессиональным композитором, его призванием оставалась наука.

Тяжелое материальное положение заставляло композитора браться за любую работу. Он читал лекции в Лесной Академии, на женских врачебных курсах, переводит иностранную литературу (Бородин прекрасно владел французским, немецким, английским и итальянскими языками), работает в собственной лаборатории, пишет музыку. Большая нагрузка в области науки не позволяла Александру Порфирьевичу уделять достаточное количество времени на написание музыки. Начатая им опера «Князь Игорь» была в работе около восемнадцати лет. К сожалению композитор не смог закончить ее. незаконченными остались и Третья симфония, и оперная картина «В Средней Азии».

Александр Бородин скончался 15 февраля 1887 года. В этот день он решил устроить праздник у себя дома. Все гости пришли в карнавальных костюмах, сам хозяин веселился и смеялся. В разгар танца он упал без дыхания, умер он моментально. На похороны Бородина пришли все его друзья и поклонники. Тело композитора было похоронено на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры. После похорон Н.А. Римский-Корсаков собрал все рукописи и партитуры Бородина. Он решил закончить оперу «Князь Игорь», считая ее поистине гениальным творением. Помогал ему в этом А.К. Глазунов.  Третьего октября 1890 года на сцене Мариинского театра в Петербурге состоялась премьера оперы «Князь Игорь». Успех представления был огромен. До сих пор опера считается величайшим достоянием русской классической музыки.                  

Оперы:

• «Богатыри»
• опера-балет «Млада», где Бородин написал 4-е действие
• «Князь Игорь»

3 симфонии:

• № 1
• № 2 «Богатырская»
• № 3 (неокончена)

Музыкальная картина

• «В Средней Азии»

Камерно-инструментальные ансамбли

Фортепианные пьесы

Романсы, среди них:

• «Спящая княжна»
• «Морская царевна»
• «Песня темного леса»
• «Для берегов отчизны дальной»

Русское искусство в полной мере отражает бурную историю, самобытную культуру и многовековые традиции России. Какой бы вид искусства мы ни взяли для рассмотрения, будь то изобразительное искусство, литература, архитектура, музыка, всюду мы найдем черты, которые не могли возникнуть нигде больше, кроме как в России. За всю свою историю русское искусство не раз переживало взлеты и падения, но упадок – никогда, потому что одна из главных черт русского характера – творческое, поэтическое видение мира.

Рассказ о русском искусстве следует начать с искусства Древней Руси. Одно из главных событий древнерусской истории - принятие христианства - несомненно, сыграло важнейшую роль в становлении многих русских культурных традиций. Можно сказать, что вместе с религией на Русь пришла архитектура, живопись и литература. Во всех городах началось строительство храмов и соборов, сначала по подобию византийских, а потом на их основе были выработаны собственные архитектурные традиции. Среди архитектурных памятников древнерусского периода можно назвать собор Святой Софии в Киеве, Софийский собор в Новгороде, церковь Покрова на Нерли, Успенский собор во Владимире и многие другие.

Христианские соборы и храмы украшаются росписями и иконами, с которых началась вся русская живопись. На протяжении десяти столетий стиль русской живописи менялся, но эти изменения почти не затронули традиций русской иконописи. Как сегодня, так и тысячу лет назад икона для русского человека является связующим звеном этого мира с миром божественным. Эталоном иконописи в Древней Руси была икона Владимирской Богоматери (12 века), с которой были сделаны многочисленные списки.

Вместе с приходом христианства на Русь пришла и литература. Изначально она существовала в виде священных текстов, поэтому воспринималась русскими людьми как божественное откровение. Церковная литература формировала мировоззрение людей, на ее основе в последующие века возникли характерные жанры древнерусской литературы: поучения, жития святых, хождения, исповеди. К наиболее значимым литературным памятникам 11-12 веков относятся: поучения митрополита Илариона, «Повесть временных лет», «Поучение князя Владимира Мономаха», сочинения епископа Кирилла Туровского, «Слово о Полку Игореве», «Хождение Даниила Заточника».

Принятие христианства сильно повлияло и на развитие русских музыкальных традиций. О музыкальности славян, их умении играть на различных инструментах (дудках, рогах, свирелях, бубнах) было известно еще с 6 века. Под аккомпанемент гуслей или другого инструмента исполнялись былины, песни и танцы являлись неотъемлемыми элементами народных обрядов. С принятием христианства на Руси появилось церковное пение, а вместе с ним – нотная грамота для обозначения мелодии, ритма и длительности звучания.

В 13-14 веках под гнетом татаро-монгольского ига культурные связи Древней Руси с Византией заметно ослабевают, да и сама русская культура переживает сложный период. Однако это же и послужило толчком для развития национальных школ живописи и архитектуры, среди которых выделяются московская, новгородская и псковская. Объединение древнерусских княжеств вокруг Москвы и свержение ига самым благоприятным образом отразилось на всей русской культуре. В 15-16 веках возводятся такие замечательные памятники архитектуры, как церковь Вознесения в Коломенском, Покровский собор на рву (храм Василия Блаженного), величественные соборы Московского Кремля: Успенский собор, собор Архангела Михаила, Благовещенский собор, которые расписывают выдающиеся живописцы своего времени: Феофан Грек, Андрей Рублев, Дионисий. «Троица» А. Рублева на долгие годы стала эталоном древнерусской иконописи.

Семнадцатый век - время расцвета каменного зодчества. И не удивительно: древнерусские деревянные города часто горели, каменные же дома, даже несмотря на то, что жить в них холоднее, были надежнее и долговечнее. Из кирпича и камня в 17 веке возводятся церкви и гостиные дворы, дворцы и особняки царей и знатных бояр, которые строятся в традиционном русском стиле и украшаются узорной кладкой и цветными изразцами. Но и деревянное зодчество не спешит сдать свои позиции. В небольших городах и деревнях церкви продолжают строить преимущественно из дерева, а среди уникальных памятников деревянного зодчества этого периода можно назвать царский дворец в селе Коломенском и заповедник Кижи на Онежском озере.

В изобразительном искусстве 17 века тоже происходят значительные изменения. Иконописные традиции развиваются под влиянием «строгановской школы» и «фряжского письма», для которых характерны яркие цвета, точно проработанные детали, художники используют масляные краски и стараются добиться правдоподобия в изображении людей и природы. В этот период появляется светская живопись, представленная портретами («парсунами»). Главный представитель этого периода – Симон Ушаков.

Русская литература 16-17 веков приобретает характер религиозно-политической публицистики. Это послания Ивана Грозного, «Житие протопопа Аввакума». В церковнославянский литературный язык проникает живая народная речь. В конце 16 века в русской литературе появляются бытовые повести на «бродячие» сюжеты. В этот период большого расцвета достигло устное народное творчество.

В петровскую эпоху в традиционную русскую культуру вновь проникают западные веяния, на этот раз не из Византии, которой в этот период уже не существовало, а из Германии, Голландии, Франции, Италии. Светская культура все больше отдаляется от церковной. Петр I заложил основы города Санкт-Петербурга, целиком спланированного и построенного по образцу европейских городов. В течение 18 века русские традиции в архитектуре сменяются пришедшими с Запада архитектурными направлениями. Классицизм, барокко и рококо последовательно сменяют друг друга, оставляя в память о себе здание Двенадцати коллегий, Мраморный дворец и решетку Летнего сада, здание Академии наук, Таврический дворец в Петербурге, дворцово-парковые ансамбли в пригородах.

В середине 18 века была основана Императорская академия художеств. Основным художественным направлением 18 – первой половины 19 веков был академизм с его строгой композицией и рисунком, библейскими, античными и мифологическими сюжетами. В этот же период наивысшего расцвета достигает портретная живопись. Среди выдающихся живописцев этого периода можно назвать Д. Левицкого, В. Боровиковского, О. Кипренского. Живопись К. Брюллова отличает новизна сюжетов и сложность композиции, он первым из знаменитых художников выходит за рамки собственно академизма и совмещает его с романтизмом.

Проникновение в Россию европейских веяний сильно отразилось на развитии русской литературы. Писатели начала 18 века копировали французские произведения литературы, но уже с седины 18 века начали упорно искать собственный путь развития: художественный язык, стиль, темы и сюжеты. В. К. Тредиаковский и М. В. Ломоносов провели реформу русского стихосложения, Д. И. Фонвизин писал комедии на русские бытовые сюжеты простым разговорным языком,  А. В. Сумароков – песни в народном стиле.

В музыке 18 века происходят значительные изменения по сравнению с предшествующими веками. Появляются домашние оркестры и театры, позже – придворные музыкальные театры. В этот же период складывается русская композиторская школа (М. Березовский, Д. Бортнянский, Е. Фомин). В музыке этого периода отразились элементы народной песни и вольнолюбивые идеи, характерные для эпохи Просвещения.

В 19 веке в русской живописи складывается система жанров, среди которых, наряду с портретом и сюжетами в стиле академизма, выделяется так же сентиментальный портрет (В. Тропинин), сцены бытовой жизни (А. Веницианов, П. Федотов). Самыми знаменитыми полотнами первой половины 19 века, несомненно, являются «Последний день Помпеи» К. Брюллова и «Явление Христа народу» А. Иванова. С середины 19 века художникам становится тесно в жестких рамках академической школы, и они ищут вдохновения в народной жизни (И. Крамской, Г. Мясоедов, В. Маковский, В. Перов), природе (И. Шишкин, А. Куинджи, В. Поленов, И. Левитан, В. Серов), русской истории (В. Суриков, В. Верещагин, И. Репин). Все они вошли в Товарищество передвижных выставок (поэтому художников называли «передвижниками»), организованное в начале 70-х годах 19 века для того, чтобы художники могли выставлять свои картины и знакомить широкие массы с искусством.

В первой четверти 19 века основным архитектурным направлением становится русский ампир, или поздний классицизм. Большинство зданий в этом стиле украсили столицу Санкт-Петербург. Это здание Биржи, Казанский собор, Генеральный штаб, Михайловский дворец, Сенат, Синод, Горный институт и многие другие. Во второй четверти 19 века большую популярность получил стиль, названный эклектикой и сочетающий в себе черты древнерусского зодчества, готики и барокко. В этом стиле построены Большой Кремлевский дворец, храм Христа Спасителя в Москве. В 19 веке появляется много зданий общественного характера, построенных с использованием совершенно новых материалов, планировок, конструкций, – это вокзалы, фабрики, торговые пассажи.

В начале 19 века русский литературный язык окончательно отделяется от церковнославянского, что проявляется в творчестве Н.М.Карамзина, В.А.Жуковского и А.С.Пушкина. В литературе первой половины 19 века господствует романтизм, появляется тема «лишнего человека». В 60-70-х годах 19 века писатели поднимают в своих произведениях социальные вопросы, происходит раскол литературы. Одни писатели воспринимают литературу как «чистое искусство», другие возлагают на нее воспитательные и пропагандистские функции. В литературе второй половины 19 века появляются религиозные и философские мотивы, связанные с осмыслением сущности человека и его места в мире.

В первой половине 19 века складывается русская классическая музыка. Ее основоположниками стали А. Алябьев, М. Глинка и А. Даргомыжский. В середине 19 века появилось Русской музыкальное общество, являвшееся организатором симфонических и камерных концертов. Большое влияние на развитие музыки оказала группа молодых композиторов (М. Балакирев, Ц. Ким, Н. Римский-Корсаков, М. Мусоргский, А. Бородин), называвшая себя «могучая кучка». Они открыли психологичное и драматичное направления в музыке, широко использовали в своем творчестве мотивы русской народной музыки, сказочные и былинные сюжеты.

На рубеже 19-20 веков в Россию приходят новые художественные стили модерн и авангард, которые проникают во все виды искусства. На базе этих двух стилей появляется множество школ и направлений: супрематизм (К Малевич), лучизм (М. Ларионов), абстракционизм (В. Кандинский), конструктивизм (В. Татлин). Модерн ярко проявился в живописи М. Врубеля. А. Бенуа, Л. Бакст, Е. Лансере создают объединение «Мир искусства», С. Судейкин, Н. Крымов, В. Борисов-Мусатов – «Голубую розу». Благодаря известному ценителю прекрасного С. Дягилеву в 1906 году в Париже проходит первая выставка русского искусства, а в 1909 и в последующие годы Европа знакомится с русской музыкой, оперой и балетом.

В архитектуре начала 20 века господствует «живописный» и «графический» модерн с элементами древнерусского зодчества или классицизма. Ярким примером смешения стилей являются церковь в Абрамцеве под Москвой, особняк С. П. Рябушинского. С 20-х годов большое распространение получил конструктивизм – архитектурный стиль на базе бетона, стали и стекла без всяких украшений. Но вскоре его сменил новый стиль в духе классицизма (Б. Иофан, Д. Чечулин, А. Мордвинов), после Великой Отечественной войны – «сталинский ампир» со стройными колоннами, портиками и статуями. В 60-х гг. в архитектуру снова вернулся конструктивизм, и все города застраиваются жилыми домами и зданиями по типовым проектам.

Литература начала 20 века переживает небывалый подъем поэзии. Появляется множество течений: символизм, акмеизм, авангардизм – которые находят отражение и в других видах искусства. В то же время писатели продолжают традиции русской классической литературы. После революции 1917 года многие выдающиеся русские писатели и поэты эмигрируют в страны Европы и Америки.

Музыка начала 20 века такая же бурная и экспрессивная, как и сама эпоха. Ярким примером этому служат музыкальные произведения И. Стравинского и С. Прокофьева. После революции 1917 года в музыке развиваются два направления: традиционное (Глазунов, Р. Глиэр, М. Ипполитов-Иванов) и новаторское (Н. Мясковский, Д. Шостакович). С 30-х годов 20 века русская музыка все больше ориентируется на «массовую культуру».

Культурологи оперируют понятием менталитета культуры этноса. Под менталитетом национальной культуры обычно понимают глубинные структуры, которые детерминируют уникальность мировосприятия этноса. Понятие народного (этнического) менталитета возникло не так давно: в 20 столетии. Основу культуры этноса составляют культурные смыслы. Это ментальные сущности, сформировавшиеся в результате длительного исторического развития этнической общности.

В настоящее время вопрос о механизмах формирования указанных ментальных сущностей остается открытым. Вместе с тем в науке утвердилось положение о том, что специфика культурного этнического менталитета определяется условиями жизни народа: географическими, природными, общественно-политическими, историческими, экономическими. При этом сложившиеся основы этнической культуры - так сказать, ее костяк – с изменением прочих условий жизни этноса относительно постоянны. Поэтому принято говорить о константах национальной культуры. Иными словами, этническая культура всегда имеет два поля смыслов: постоянные и переменные. В свете сказанного культурологи, философы, историки пытаются осмыслить и объяснить уникальность феномена российской культуры.  

Первое, на чем стоит остановиться при анализе российской культуры, это ее бинарность (двойственность). Исследователи уже давно обратили внимание на существование в российской культуре смысловых пар «свое»-«чужое», «христианское»-«языческое», «сакральное»-«профанное», «светское»-«духовное», «официальное»-«оппозиционное», «коллективное»-«индивидуальное». Указанные оппозиции составляют смысловую основу всех воплощений российской культуры. Именно с позиций бинарности необходимо подходить к исследованию и пониманию всех явлений культуры российского этноса.

Бинарность российской культуры проявляется буквально во всем. Всегда существовало два центра государственности: Киев и Новгород в Древней Руси, Москва и Петербург в России. Существовали и продолжают существовать «западники», утверждающие, что Россия должна развиваться по типу европейских стран, и «славянофилы», считающие, что Россия имеет свой уникальный путь развития. Бинарность выражается даже в противоречивых названиях произведений русской литературы, где соседствуют противоположные, противопоставленные понятия: «Живой труп», «Война и мир», «Отцы и дети», «Былое и думы», «Поэт и толпа», «Мертвые души» и т.д. Противоречия лежат в основе развития российской культуры. Они составляют движущую силу этого развития.

Исследователи сходятся во мнении, что бинарность российской культуры во многом определяется географическим положением России и, как следствие, культурно-историческим взаимодействием различных этносов, населяющих Россию. Россия – это огромный континент, неслучайно названый Евразия. Это поле взаимодействия западной культуры, характерной для европейских этносов, и культуры Востока, которая имеет коренные отличия от европейской. В противоречивом взаимодействии указанных культур рождается феномен уникальной российской культуры, типологической чертой которой является бинарность. Философ Н.А. Бердяев в своем труде «Русская идея» писал: "В России сталкиваются и приходят во взаимодействие два потока мировой истории — Восток и Запад. Русский народ есть не чисто европейский и не чисто азиатский народ. Россия есть целая часть света, огромный Востоко-Запад, она соединяет два мира. И всегда в русской душе боролись два начала, восточное и западное".  Н.А. Бердяев выделил в истории российской культуры пять культурно-исторических, типов (стилей): Киевская Русь, монголо-татарская Русь, Московское царство, послепетровская Россия и советская Россия. Исследователи продолжают это членение, выделяя культуру русского зарубежья (эмиграции), культуру «серебряного века», посттаталитарную российскую культуру, которая ведет свое начало с 1991 года и ряд других культурно-исторических парадигм.

Географические, природные условия жизни народа определяют характер отношения народа к определенным географическим объектам. Так лес в сознании русского человека всегда осмыслялся как территория, враждебная ему. Лес всегда таил в себе опасность: человек мог заблудиться, на него могли напасть лесные животные, человек мог погибнуть в лесу. Лесу всегда противопоставлялось жилище, как освоенная, «своя» территория. Именно поэтому в русском фольклоре герой сказок непременно идет через лес, преодолевая трудности. Лес – это место обитания лесных духов, главным из которых у древних славян был леший.

Исследователи давно обратили внимание на то, что географические и природные условия жизни российского суперэтноса формируют его культурные константы. Россия занимает огромную территорию. Удаль русского человека, помноженная на бескрайние просторы России, порождает специфическую российскую культурную константу – «воля». Понятие «воля» является одним из ключевых ментальных образований в российской культуре. Этого понятия нет больше ни у какого другого народа. Понятие «воля» сыграла в истории России исключительную роль: в России всегда была вольница, люди непокорные, независимые, удалые. Это и казачество, и разбойники, и самозванничество, которое не раз случалось в российской истории. Понятие «воли» лежит в основе понятия «широта русской души». Но указанное понятие формировали именно географические условия жизни народа. Совсем не случайно слово «воля» в русском фольклоре устойчиво рифмуется со словом «поле».

Но помимо географических и исторических условий жизни этноса нельзя забывать о том, что Россия является и всегда была многонациональным государством. Бинарность российской культуры формировалась в культурно-историческом взаимодействии различных этносов. В ядре этого цивилизационного взаимодействия и рождалась российская культура. Россия стала культурным полем, объединившим бесчисленное количество культур взаимодействующих этносов, которое постепенно перешло в новое качество. Разумеется, противоречивая российская культура рождалась во взаимодействии этносов, которые враждовали и жили в мире, воевали и торговали друг с другом. Это порождало, с одной стороны, толерантность, а с другой, крайний национализм.

Постепенно рождалась идея о том, что Россия имеет особое предназначение: она объединяет разные народы, выполняя примиряющую миссию. И в этом отношении вступает в силу шкала ценностей российской культуры. В бинарной культурной оппозиции «добро»-«зло» категории, являющиеся членами указанной оппозиции, неравноценны. Добро, мир, толерантность всегда обладали в российской культуре несравненно большей ценностью.

Система ценностей российской культуры играет определяющую роль в отношении ее двойственности, противоречивости. Это необходимо учитывать при осмыслении культурных явлений, будь то произведения литературы, музыки, изобразительного искусства. Двойственность российской культуры и система ее ценностей детерминирует характер произведений русского искусства и, соответственно, пути их осмысления и анализа. Идея же объединяющей миссии России порождает частные смыслы «примирение», «терпимость», «компромисс», «соборность», «единство», которые составляют основу системы ценностей российской культуры.