«Основные формы и методы в работе над фортепианным ансамблем»

Работа детских музыкальных школ ставит себе целью общее и эстетическое развитие учащихся, воспитание любви к музыке, подготовку к активной музыкальной деятельности в самых ее различных формах.

Обучаясь игре на фортепиано, учащиеся наряду с целым комплексом сольных пианистических навыков овладевают приемами и способами работы над разными видами совместного исполнительства: фортепианные дуэты, аккомпанементы, концерты. Трудно переоценить роль ансамблевой игры в развитии творческих способностей детей. Приобретенные за годы учебы навыки и умения игры в  ансамблях совершенствуют слуховые, ритмические и образные представления учащихся, а также формируют их музыкально-эстетический вкус, воспитывают чувство партнера, обогащают кругозор, учат воспринимать музыку осознанно.

Фортепианно-ансамблевая деятельность наиболее привлекательна для детей всех возрастов, обучающихся в музыкальной школе. В этой форме обучения заключен огромный потенциал для профессионального, творческого и личностного развития ребенка.  Этим они занимаются с большим удовольствием и воодушевлением. А учебный процесс, который строится на интересе, стимулирует желание работать, преодолевать трудности, формирует волевые качества. Устойчивый интерес к занятиям позволяет эффективно решать технические проблемы совершенствования игровых навыков, развить весь комплекс музыкальных способностей.

Психологи, говоря о преимуществе группового обучения, отмечают такие позитивные моменты:

У учащихся

∙       растет объем усваиваемого материала и глубина понимания;

∙       растет познавательная активность и творческая самостоятельность детей;

∙       ученики получают большое удовольствие от занятий, комфортнее чувствую себя в школе.

«Вхождение в музыку» и выражение в ней себя для маленьких детей всегда эффективнее в коллективе. А желание не отстать, опередить товарища открывает зачастую дополнительные скрытые для педагога резервы». (говорила А. Артоболевская)

Уже с первых шагов обучения на фортепиано ученик знакомится с ансамблевым музицированием: педагог–ученик. Длительный период, связанный с постановкой рук и исполнением одноголосных мелодий не позволяет ребёнку сразу исполнять пьесы с гармоническим сопровождением. Поэтому ансамблевая форма игры оказывается целесообразной, что позволяет ученику с первых уроков участвовать в исполнении многоголосной музыки. Игра учитель–ученик плодотворно воздействует на развитие эмоциональной отзывчивости ребёнка, способствует организации игровых движений, помогает установить доверительные отношения с педагогом.

Такой тип ансамбля незаменим, когда нужно «разбудить», «расшевелить» ученика, вдохновить, ритмически организовать, став для него поддержкой и опорой, помочь выйти на сцену и обрести положительный опыт публичных выступлений.

При игре в ансамбле «ученик – ученик», дети учатся  большей внимательности, ответственности, умению слушать не только себя. Партнёрами ансамбля выбираются, по возможности, дети одного возраста и одинакового уровня подготовки. Важно также учитывать темперамент, характер детей. Однако, на практике осуществить это не всегда удаётся. Иногда складывается ситуация, когда в классе не находится партнера для продвинутого ученика, тогда решить эту проблему можно поиском подходящего партнера в  классе коллеги. Очень полезно исполнение некоторых пьес старшего ученика с младшим. Играть в ансамбле должны не только продвинутые дети, практика показывает, что ребенок, слабый по данным, нерешительный, безынициативный, поиграв в ансамбле – совершенно преображается, появляется заинтересованность и желание работать.

Творческое общение способствует сплочению партнеров, усиливает эмоциональные связи между ними. Совместные выступления положительно влияют на психику, избавляя исполнителей от ощущения одиночества на сцене, психологически раскрепощают их, повышают уверенность в себе, в своих силах. 

Нельзя забывать и о правильном распределении партий между участниками, недопустимо занижение или завышение трудностей музыкального материала. 

Иногда, присутствует проблема при распределении партий между учениками, так как каждому из них хочется играть первую партию, она кажется им интереснее и главнее. Но необходимо пояснить, что вторая партия не менее важная, чем первая, так как она создает полноценное звучание всего произведения, требует большего опыта и ответственности.

Занятия фортепианным ансамблем способствуют развитию всего комплекса профессиональных музыкально-исполнительских способностей. Развивается музыкальный слух: мелодический, гармонический, полифонический, динамический, тембровый; музыкальное мышление, музыкальная память, чувство ритма, творческое воображение.

В основе изучение музыкального произведения для ансамбля лежит принцип поэтапно-последовательного разучивания.

1. Начальный этап работы  - это процесс ознакомления с произведением  и нотным текстом.

Информация об авторе. Прослушивание записей близких по характеру произведений, формирование музыкального образа.

На этом этапе учащиеся внимательно знакомятся с произведением, уясняют его форму, стиль, тональность, размер, темповые обозначения, динамические оттенки, характер мелодии, штрихи.

Далее пьеса проигрывается каждым участником ансамбля с педагогом в доступном, не быстром темпе с целью выявления встречающихся пауз, ритмических группировок, знаков альтерации и темповых отклонений.

2. Следующий этап - это тщательная подготовка партий отдельно с каждым участником ансамбля.  Необходимо пройти с каждым учеником особенности его партии, характер мелодии, штрихи, движение гармонии, тембровое звучание, осуществляется индивидуальный подбор аппликатуры, определяются трудные технические места, которые предстоит преодолеть, дифференциация сопровождения, мелодической линии  и отдельных голосов.  Уделяется внимание выразительности интонирования мелодии, нахождение  смысловых акцентов, кульминаций, агогических нюансов, элементов выразительности и звукового колорита.

           После выполнения всего перечисленного, можно начинать учить произведение наизусть, если это необходимо.

           Только при стабильной готовности и текстовой уверенности каждого учащегося можно переходить к их соединению.

3. Третий  этап – это игра в ансамбле «Ученик – ученик»,

который является основным, где предстоит интересная и важная работа для учащихся.

При посадке в четырёхручной игре за одним фортепиано каждый пианист имеет в своём распоряжении только половину клавиатуры и партнёры должны уметь «поделить» клавиатуру и так держать локти, чтобы не мешать друг другу.

Первая важнейшая задача при игре в ансамбле -  это умение слушать не только то, что сам играешь, а одновременно и то, что играет партнёр. Общее звучание обеих партий, сливающихся в единое целое – основа совместного исполнительства.

Исполнителю второй партии необходимо заострить внимание на гармоническом анализе и, опираясь на гармонию, нужно учиться мысленно слышать всю музыкальную ткань произведения. Кроме того, исполнитель второй партии должен педализировать, потому что вторая партия служит фундаментом произведения. При этом второй партии необходимо очень внимательно следить за тем, что происходит в соседней  партии, слушать своего товарища.

Полезно учащемуся, исполняющему вторую партию, предложить, ничего не играя, только педализировать во время исполнения другим пианистом 1-ой партии. При этом сразу обнаружится, насколько это непривычно и требует особого внимания и навыка.

Также полезно учащимся поменяться  партиями и поиграть.  

Вторая важная задача – это синхронность  исполнения. 

Под синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью мельчайших длительностей (звуков, пауз) у обоих исполнителей. Синхронность – это результат важнейшего качества ансамбля – единого понимания и чувства партнёрами темпа и ритмического пульса.

При  рассмотрении проблемы синхронного исполнения можно выделить три момента: как начать пьесу, как играть вместе и как её закончить. Что для этого рекомендуют? Нужно выбрать одного из учащихся для роли дирижёра – он должен показывать вступление, замедление.

Сигнал к вступлению – небольшой кивок головы, состоящий из 2х моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт), затем – чёткого, довольно резкого движения вниз, что служит сигналом к вступлению. Одновременно с этим жестом обоим партнёрам нужно взять дыхание (в самом прямом смысле - сделать вдох). Это делает начало исполнения естественным и органичным.

 Я в своей работе с ансамблем «роль дирижёра» поручаю  учащемуся второй партии, который просчитывает два пустых такта. Это помогает не только одновременно начать игру, но этим он задаёт и темп исполнения.

Очень важно  обратить внимание и на синхронное окончание. Синхронность вступления и снятия звука достигается значительно легче, если партнёры правильно чувствуют темп ещё до начала игры.

Также нельзя недооценить огромное выразительное  значение паузы. Это весьма распространенный недостаток среди учащихся. Пауза – это дыхание в музыке, которое бывает коротким или более длинным, но обязательно длится определённое время. Самый простой и эффективный способ преодолеть возникающее в паузах напряжение и боязнь пропустить момент вступления – это проиграть или пропеть звучащую у партнёра музыку.

Для отработки синхронного исполнения некоторых моментов и для того, чтобы добиться равномерного звучания в аккордах и параллельных голосах, можно проигрывать партии отдельно каждой рукой в разных сочетаниях, исходя из нотного текста. Например: 2 партия играет  басы в левой руке, а 1 партия играет мелодию в правой руке и т.д. 

Третья важная задача – это метроритм. Ритм как фактор ансамблевого единства.

Он, по существу, выполняет функции дирижёра в ансамбле. Ощущение каждым участником сильных долей, и есть тот «скрытый дирижёр», который способствует объединению их действий в одно целое. Ощущение сильных и слабых долей такта,  ритмическая определённость «внутри такта» - это тот фундамент, на котором основывается ансамблевая игра. 

В ансамбле ритм должен обладать особым качеством: быть коллективным. Малозаметные ритмические недочёты в сольной игре, иной раз в ансамбле могут резко нарушать целостность впечатления, дезориентировать партнёров.

Каждому музыканту присуще своё ощущение ритма. Взаимопонимание и согласие между исполнителями достигаются далеко не сразу.

При всей строгости и незыблемости общего коллективного ритма, он должен быть вполне естественным и органичным для каждого участника ансамбля.

         Наиболее распространёнными недостатками учащихся являются: отсутствие чёткости ритма, его устойчивости. Искажения ритмического рисунка (нечёткое его исполнение) чаще всего встречаются:  в пунктирном ритме, при смене длительностей. (Например: восьмых -  шестнадцатыми). Хорошо, если один партнёр ритмически устойчив. В противном же случае задача ещё более осложняется.

Воспитание в учениках чувства коллективного ритма – одна из важнейших задач ансамблевого  класса.  

Темп.

Понимание чувства общности темпа является одним из важных условий работы в ансамбле. Чтобы произведение началось в едином темпе, можно привести пример «пустого такта» (когда, еще не начиная играть, музыка уже должна звучать внутри) и первое время, пока это не станет органичным, считать вместе дополнительные доли вступления. Отсутствие устойчивости ритма влияет на ускорение и замедление темпа. Это происходит всегда при динамическом нарастании, либо в сложных для исполнения местах, когда хочется быстрее проскочить неудобный пассаж. Этот недостаток легко можно выявить для учеников, сравнив изначальную скорость исполнения с репризой.

Технические затруднения возникают не только в материале каждой партии, но и при элементарной координации исполнения участниками дуэта.

Возникает специфическая трудность: то, что может быть сыграно без всяких затруднений двумя руками одним пианистом, становится более технически сложным, если играется в четыре руки двумя исполнителями. Каждый из них ощущает при  этом непривычную неловкость, которая в процессе работы должна пройти.

Ещё одна элементарная техника ансамбля – это передача партнёрами друг другу «из рук в руки» пассажей, мелодии, аккомпанемента, контрапункта. Пианисты должны научиться «подхватывать»  незаконченную фразу и передавать её партнёру, не разрывая музыкальной ткани.

О динамике.

        Динамика имеет большое значение в совместном музицировании. Она должна совпадать в игре обеих партий : если форте - то общее, если пиано - то вместе тихо. Иногда в нотах встречается контрастная динамика, что тоже имеет свои требования к координации движений музыкантов. Частая проблема для юных музыкантов – однообразный динамический план – только f и p. Четырехручное изложение фортепианной фактуры предполагает более широкий спектр динамических оттенков. Преподавателю необходимо показать все возможные градации звука клавиатуры фортепиано. Сначала поработать на отдельных отрывках, потом выстроить общий динамический план, определить линию кульминации и играть всегда «с запасом», а не «на пределе».

        Когда в аккордах требуется полнозвучное форте, ученики всегда стараются перекричать друг друга грубым взятием нот. Для решения этой задачи нужно по отдельности добиться от каждого из них нефорсированного звучания форте, а в момент объединения партий, обратить их внимание на благородное, объемное соединение двух форте.

При ансамблевом исполнительстве вполне можно добиться и прозрачного pianissimo.

Взаимное  понимание  характера  исполнения.

Успешное освоение произведения возможно только при совпадении эмоционального содержания, которое вкладывают в него исполнители. Они должны договориться о том, какой характер будут пытаться передать с помощью своей игры. Только достигнув полноценного раскрытия музыкального содержания, ясности в понимании формы и яркости деталей, ученики будут чувствовать себя уверенно и свободно в ансамбле. В свою очередь, такая  проделанная работа сыграет важную роль в формировании позитивных эмоций от учебного процесса, что  важно, как для преподавателя так и для учащихся.

4.  Следующий этап - это подготовка к концертному выступлению. 

      С самого начала необходимо приучать учащихся, чтобы один из играющих не прекращал игру при остановке другого. Это научит их быстро ориентироваться  и вновь включаться в игру.

              Еще одна особенность, которая тоже влияет на результат обучения  -  это культура поведения на сцене. Необходимо объяснить ученикам, что полный образ слаженного ансамбля будет достигнут, если, выходя на сцену, они смогут красиво вместе поклониться, расположиться за инструментом и так же после выступления достойно уйти со сцены, что повлияет на общее впечатление от их выступления.

         Фортепианный ансамбль – это островок позитивных эмоций и общения в системе воспитания одиноких солистов - пианистов. Дети любят его за возможность совместного творчества, а преподаватели ценят предмет за полезные качества, которые он развивает.

        За годы практики в ансамблевой игре развиваются метроритмические, слуховые, образные навыки учащихся, на обширном и интересном репертуаре формируется музыкальный кругозор и эстетический вкус. Сотрудничество, на котором построены занятия ансамблем, раскрывает творческий потенциал каждого ребенка, дает ему возможность к самовыражению, помогает найти понимание и чувство поддержки в процессе становления его как личности. Все это говорит о важности занятий музыкальным ансамблем в учебном процессе ДМШ.