Значение ансамблевой игры с начинающими аккордеонистами и баянистами

Муниципальное бюджетное учреждение

дополнительного образования

«Детская школа искусств»

г. Рыльска

Методическая работа

Значение ансамблевой игры с начинающими аккордеонистами и баянистами.

                                                                         Преподаватель

Глазыкина И.Е.

СОДЕРЖАНИЕ

1. Введение…………………………………………………………………3                                                                                                      
2. Значение ансамблевой игры …………………………………………. 5
3. Ансамбль педагог-ученик и его особенности: ……………………. 6

1. Образное мышление ……………………………………………8
2. Жанровые особенности…………………………………………9
3. Аккомпанемент …………………………………………………10
4. Ритм и темп ……………………………………………………...11

4. Формирование важнейших элементов ансамблевой культуры: …13

1. Атака звука ……………………………………………………14
2. Ауфтакт …………………………………………………………17
3. Динамика ………………………………………………………17
4. Снятие звука ……………………………………………………19

5. Методические рекомендации в работе над музыкальным

произведением     ……………………………………………………. 21  

6. Заключение   …………………………………………………………24
7. Литература   ……………………………………………………………25

1. ВВЕДЕНИЕ

            В последние десятилетия в центре внимания музыкальной педагогики стоят вопросы организации развивающего обучения учащихся. Что это означает? Сложившиеся традиционные методы, направленные в основном на исполнительское обучение занятий в классе баяна (аккордеона), не могут быть использованы для всех детей. Сегодня в музыкальную школу приходят дети самого различного уровня одаренности и музыкальной подготовки, многие не имеют необходимого уровня музыкальных способностей и умения учиться. Тем не менее, каждый ребенок при поступлении в музыкальную школу имеет достаточно ясную мотивацию для учебы, ему нравится музыка и он хочет научиться играть. Отсюда следует вывод, что педагогам необходимо изменить методы музыкального воспитания, ориентируясь на взаимосвязь обучения и развития. Занятия по специальности должны включать разучивание пьес и этюдов, чтение с листа, подбор по слуху, транспонирование, импровизацию, аккомпанемент и игру в ансамбле.

            Понятие «ансамбль» означает стройное сочетание различных элементов, встречается во всех областях искусств. В музыке ансамблем называют группу из двух и более музыкантов, исполняющих музыкальное произведение и само произведение, написанное для такой группы музыкантов.

            Ансамблям баянистов (аккордеонистов), несомненно, принадлежит значительное место в музыкальной культуре нашей страны, будь то профессиональное исполнительство или любительское музицирование. Дуэты, трио, квартеты различных инструментальных составов становятся равноправными участниками международных конкурсов и фестивалей. Это факт отрадный и закономерный, ведь игра в ансамбле не только дает возможность исполнителям всесторонне раскрыть свои творческие возможности, но и позволяет исполнителю ощутить подлинную радость личностного и музыкально-творческого общения. Единство художественных намерений, эмоционального сопереживания исполняемой музыке, полет вдохновения, рождаемый совместной игрой – вот что побуждает исполнителей объединяться в коллектив, вот чем характеризуется ансамблевое искусство.

          Главная цель всего нашего обучения в ДШИ – это подготовка в большинстве своем музыкантов-любителей, которые обладают навыками музыкального творчества, могут самостоятельно разобрать и выучить музыкальное произведение любого жанра, свободно владеть инструментом, разбираться в нотном тексте, в строении музыки, хорошо читать с листа, уметь отличить мелодию от аккомпанемента и т. д. Очевидно, что проблемы обучения и творческого развития должны быть тесно связаны. «Зажечь», «заразить» ребенка желанием овладеть языком музыки, вызвать устойчивый интерес к занятиям – главнейшая из первостепенных задач педагога. Решению этих задач способствует раннее приобщение учащихся к игре в ансамбле.

2. ЗНАЧЕНИЕ АНСАМБЛЕВОЙ ИГРЫ

        Ансамблевая игра имеет большое значение для разностороннего музыкального воспитания учащихся, развивает эстетический вкус, музыкальную память, внимание, чувство ответственности. В то же время игра в ансамбле воспитывает ряд профессиональных качеств: дисциплинирует ритм, дает ощущение нужного темпа, способствует развитию мелодического, гармонического, полифонического и тембрального слуха, совершенствует умение читать с листа, помогает ученику выработать технические навыки, а также доставляет ребенку огромное удовольствие и радость, чем сольное исполнение. Ансамблевое музицирование учит слушать исполнителей, учит музыкальному мышлению: это искусство вести диалог с исполнителями, т.е. понимать друг друга, вырабатывает исполнительскую уверенность: ученик чувствует исполнительскую поддержку со стороны товарищей, что особенно важно для тех, кто боится сцены, испытывает большое волнение. Все участники психологически воздействуют друг на друга, каждый ученик на фоне легкого товарищеского соперничества старается лучше проявить себя, раскрывает все свои лучшие качества.

                Игра в ансамбле дает возможность учащимся исполнять более сложную и разнообразную музыку, чаще выступать на концертах, что, безусловно, поддерживает их интерес к обучению музыке. Кроме этого, ученик при игре в ансамбле получает навыки аккомпанемента, столь необходимые для дальнейшего самостоятельного музицирования, а также навыки оркестрового исполнительства.

                 Как известно, специфика коллективного исполнительства, в отличие от сольного, имеет ряд закономерностей: это умение играть вместе (синхронность), умение слышать ансамбль в целом и свою партию в частности, ощущение общей метрической пульсации, взаимопонимание и согласованность в приемах звукоизвлечения (штрихи, артикуляция), единое динамическое развитие, выполнение разных ансамблевых функций (мелодической, гармонической, аккомпанирующей, ритмической, полифонической). Все эти особенности требуют развитие навыков ансамблевой игры, элементов ансамблевой культуры.

              Таким образом, значение ансамблевой игры при обучении игре на аккордеоне (баяне) очень велико. Кроме большого развивающего значения, она нравится детям, приносит им большое удовольствие.

3. АНСАМБЛЬ «ПЕДАГОГ – УЧЕНИК» И ЕГО ОСОБЕННОСТИ

           К формированию навыков ансамблевой игры у юного баяниста (аккордеониста) можно и нужно приступать на раннем этапе обучения. Как правило, работа в классе ансамбля в музыкальной школе чаще всего начинается во втором классе, когда учащиеся уже приобретают необходимые игровые навыки. Вместе с тем уже в первом классе на основе простейших дуэтов полезно приобщать к элементарному ансамблевому исполнительству.

           На первых порах обучение лучше всего протекает в форме дуэта педагог-ученик. За счет насыщенного, богатого мелодическими и гармоническими красками сопровождения исполнение становится более красочным и живым. Ощущая поддержку педагога, юный исполнитель охотно включается в процесс совместного музицирования, шаг за шагом приходит к осознанию своей равноправной роли в ансамбле и полноценному восприятию художественно-образной составляющей музыкального произведения. Учитель в данной ситуации выступает и чутким партнером, и внимательным наставником, стремящимся выработать у своего подопечного важнейшие навыки ансамблевой игры. Дуэтное музицирование, как правило, способствует успешному преодолению различных психологических напряжений – зажимов, возникающих у ребенка в ходе сольного исполнения. Кроме того, игра в ансамбле с педагогом помогает ученику закреплять умения и навыки, приобретенные на уроках специальности, хорошо развивает чувство ритма, гармонический слух, содействует комплексному освоению многоэлементной структуры музыкального произведения и богатейшего арсенала средств музыкальной выразительности. Охват разнообразного ансамблевого репертуара благоприятствует пополнению запаса художественных впечатлений юного музыканта, обогащает его творческое мышление и музыкальный вкус.

          Так как главная задача начального обучения – заинтересовать ребенка, то в качестве материала для игры в ансамбле лучше использовать уже накопленные сознанием и слухом детей отрывки к телепередачам, позывные сигналы, сказочные образы. Дети с удовольствием играют, даже если их участие заключается в игре всего лишь одной ноты. Но, даже играя одну ноту, ребенок знакомится с названием клавиши, с диапазоном, осваивает ритмические закономерности, элементарную динамику, первоначальные игровые движения. Развивается и звуковое воображение (эффект эха, призыв кукушки, шаги). Вот что писал по этому поводу Генрих Нейгауз: «С самого начала занятий ученик вовлекается в активное музицирование. Совместно с учителем он играет простые, но уже имеющие художественное значение пьесы. Дети сразу же ощущают радость непосредственного восприятия хотя и крупицы, но искусства».

          Еще до знакомства с нотной грамотой, в период игры по слуху, можно исполнять простейшие ансамбли. Уже в этих простейших примерах необходимо добиваться выразительного исполнения, поговорить о характере музыки: например - спокойный, певучий или веселый, танцевальный. В соответствии с характером музыки нужно добиваться необходимого звукоизвлечения, использовать разные приемы атаки звука и ведения меха.

3.1. Образное мышление

            Наиболее эффективным средством для воспитания образного мышления ученика, является введение в музыкальную ткань программно-изобразительных элементов (жужжание жука, трели соловья, призывы кукушки). Определенную роль играют внемузыкальные ассоциации – звучание далекое или близкое, тяжелое или легкое.

            Очень интересна в образном понимании австрийская народная песня «Насмешливая кукушка». В партии ученика интонация малой терции, изображающая призыв кукушки. Обращаем внимание на элемент переклички: играть надо тогда, когда прозвучит фраза, звучание легкое, на стаккато, с ударением на вторую ноту. Учащиеся с удовольствием изображают кукушку, как бы передразнивая легкую шутливую мелодию.

           В пьесе Г. Галынина «Медведь» ученик играет левой рукой басы «До» и «Соль», изображая шаги грузного, неторопливого медведя, а в партии педагога слышится недовольный рев зверя. Обращаем внимание ученика на динамику – там, где вступает мелодия, необходимо играть тише, а в конце изобразить как медведь удаляется (диминуэндо). Здесь используем штрих нон легато, все длительности дослушиваем, атака звука мягкая.

            В пьесе «Жук» используется изобразительный элемент «жужжание жука» в партии педагога, что способствует лучшему осознанию образа и развитию воображения. Пьеса построена на секундовой попевке, длительности четверти и восьмые, штрих – легато. Необходимо поговорить о характере пьесы, какой он – спокойный или тревожный. Как правило, детям (особенно маленьким) трудно осваивать игру двумя руками, когда мелодия звучит на легато. Игра в ансамбле помогает закрепить игру на легато, при этом вслушиваясь в гармоническое сопровождение. В начале все песенки разучиваются на слух (так закрепляется верное ощущение ритма), затем сольфеджируются по нотам, далее – на инструменте без сопровождения. Последний этап – совместная игра с педагогом.

           Еще один пример с использованием яркого образного элемента в партии педагога – русская народная песня «Не летай соловей». Характер пьесы спокойный, певучий, немного грустный, в партии сопровождения слышны трели соловья, интересное гармоническое варьирование. Обязательно разбираем мелодию по фразам и мотивам (два коротких мотива, один длинный), определяем наличие повтора, учимся дослушивать окончания фраз, мягче снимать и брать дыхание. Этот пример способствует развитию гармонического слуха и ладового мышления ученика.

3.2. Жанровые особенности музыки

           Играя в ансамбле с педагогом, ученик знакомится и усваивает жанровые особенности музыки -  песенность, маршевость и танцевальность, также благодаря высвечиванию их в партии педагога. Так пьеса «Футбол» написана в жанре марша. Можно предложить ученику прошагать под музыку, отсюда устанавливаем верный темп. Здесь знакомимся с понятием «вступление», необходимо начать мелодию в нужном характере – бодро, решительно, с юмором (поговорить о том, что марши бывают разные по назначению и характеру – от траурного, до торжественного). При разучивании полезно пропеть мелодию со словами, определить фразировку.

          Следующий пример А. Лепин «Полька» - танцевального жанра. Знакомимся с одним из самых популярных танцев, чешского происхождения. Характерным для нее являются оживленный темп, двухдольный размер, четкий ритм. Акценты на первую долю, пунктирные интонации, сочетание штрихов стаккато и легато, а также скачки в мелодии – все это точно передает характер этого жизнерадостного танца, построенного на мелких движениях, полушагах и легких прыжках с поворотом.

           Очень интересный пример – русская народная песня «Калинка», в которой сочетаются жанры песни и танца.  В куплете мелодия распевная, исполняется не спеша, широко, выразительное легато. В припеве характер меняется, мелодия становится подвижной, танцевальной, меняются штрихи, ритм более четкий, мотивы – короткие. В этой пьесе также знакомимся с понятием ферматы.

3. Аккомпанемент

          Для успешной игры в ансамбле учащийся должен овладеть навыками исполнения не только мелодии, но и аккомпанемента. В русской народной песне «Во сыром бору тропинка» задача ученика – ритмически ровное сопровождение мелодии. Необходимо обратить внимание ученика на артикуляцию, басы на первую долю немного подчеркнуть, а квинту в правой руке на вторую долю исполнить немного легче. Кроме этого, исполнять весь аккомпанемент тише основной мелодии.

         В русской народной песне «Пойду ль я, выйду ль я» ученик также исполняет партию аккомпанемента, но без аккордов. Эту пьесу можно исполнять уже в самом начале обучения, когда ученик освоил левой рукой исполнение трех басов – фа, до и соль (соответственно T, S, D). Знакомимся с формой вариаций (в партии педагога), вначале идет тема песни, а затем две разнохарактерные вариации. Задача ученика – ритмично исполнить партию баса, при этом в первой вариации – более громко, «мужественно», во второй – мягко, нежно «женский образ». Обращаем внимание и на фразировку – четыре двухтактовые фразы повторного строения, поэтому первую долю каждой фразы исполняем более ярко, а остальные легче.

4. Ритм и темп

        Игра в ансамбле с педагогом позволяет успешно вести работу по развитию ритмического чувства. Ритм – один из центральных элементов музыки. Формирование чувства ритма – важнейшая задача педагога. Ритм в музыке – категория не только времяизмерительная, но и эмоционально-выразительная, образно-поэтическая, художественно-смысловая.

         Играя вместе с педагогом, ученик находится в определенных метроритмических рамках. Необходимость «держать» свой ритм делает усвоение различных ритмических фигур более органичным. Не секрет, что иногда учащиеся исполняют пьесы со значительными темповыми отклонениями, что может деформировать верное ощущение первоначального движения. Ансамблевая игра не только дает педагогу диктовать правильный темп, но и формирует у ученика верное темпоощущение. Необходимо найти наиболее выразительный ритм, добиться точности и четкости ритмического рисунка. Определение темпа зависит от выбранной совместно ритмической единицы (формулы общего движения). Эта формула имеет при игре в ансамбле большое значение, т.к. подчиняет частное целому и способствует созданию у партнеров единого темпа.

         Так в танце «Краковяк» партия ученика представляет ритм синкопы, когда ритмическая опора смещена с сильной доли на слабую, то есть происходит несовпадение ритмического акцента с метрическим. Необходимо вначале прохлопать ритм, проговорить (можно использовать слово «син-ко-па»), с небольшим ударением на первый слог. Типичная ошибка учеников – ускорять темп при игре синкопированного ритма, и набрасываться на четвертную ноту. Можно попросить ученика проговаривать ритм синкопы и при этом отстукивать ровные доли (чтобы учащийся слышал вторую долю), а на первую восьмую играть коротко и с небольшим акцентом.

           В пьесе «Воробей» (пример 14) учащийся повторяет остинатную ритмическую фигуру, изображая чириканье воробья. И, наконец, более сложный этап – усвоение затакта в размере ¾, в пьесе Ф. Шуберта «Благородный вальс» (пример15). Четверть из-за такта необходимо исполнить легко, слегка поднимая кисть – «вдох», а половинную на первую долю сыграть глубже, кисть движется вниз – «выдох». Учащийся знакомится с выразительным значением ритма, связанным с движением вальса.

            Еще один пример, который дети с удовольствием играют – Р. Бажилин «Солнечный дождик». Учащийся играет всего лишь одну ноту – соль второй октавы, изображая звонкие капельки дождя. Но исполнить это не так просто, необходимо ритмично играть восьмыми длительностями непрерывно. Чтобы это удалось, необходимо слегка выделять первую восьмушку такта легким кистевым движением. Это так же способствует освобождению руки, так как, играя долго одним пальцем, может появиться зажатие. Немного позднее можно исполнить это пьесу приемом – репетицией (используя различные сочетания пальцев).

             Таким образом, уже на первоначальном этапе игры на аккордеоне (баяне), ученик вовлекается в активное ансамблевое музицирование. В ансамбле с педагогом зрительные и двигательные навыки ученика развиваются значительно интенсивнее и закрепляются прочнее, так как получают мощную поддержку со стороны слуха. Подобное музицирование крайне заинтересовывает детей, так как они сразу же чувствуют себя исполнителями, участниками настоящей игры.

4. ФОРМИРОВАНИЕ ВАЖНЕЙШИХ ЭЛЕМЕНТОВ АНСАМБЛЕВОЙ КУЛЬТУРЫ.

         С педагогом играть хорошо. Но большей внимательности, концентрации внимания, ответственности, умению слушать себя и другого, конечно, дети учатся при игре друг с другом (ученик - ученик). Исполнители выбираются по возможности дети одного возраста и одинакового уровня подготовки. В этой ситуации возникает нечто вроде негласного состязания, являющегося стимулом к более основательной и более внимательной игре. Безусловно, необходимо учитывать: уровень владения инструментом, общность характеров и интересов, а также мобилизующее воздействие более сильного ученика на более слабого. Причем начинать лучше с небольших дуэтных произведений, ясных по форме, простых по фактуре, написанных доступным музыкальным языком. С самого начала необходимо приучать детей, чтобы один из играющих не прекращал игру при остановке другого. Это научит другого исполнителя быстро ориентироваться и вновь включаться в игру.

           Прежде всего, при ансамблевой игре мы учим синхронности исполнения. Под синхронностью ансамблевого звучания понимается совпадение с предельной точностью мельчайших длительностей (звуков или пауз) у всех исполнителей. Синхронность является результатом важнейших качеств ансамбля – единого понимания и чувствования партнерами темпа и ритмического пульса. Синхронность является первым техническим требованием совместной игры.

          Если говорить о синхронности в ансамбле баянистов – аккордеонистов, здесь необходимо подчеркнуть особую роль артикуляционно-штриховой культуры звукоизвлечения, обусловленной единством трактовки различных штрихов, тембров и их комбинаций. Как известно, отличительной особенностью баяна (аккордеона) является возможность влиять на начало звука, окончание и на его звучащую часть благодаря ведению меха. Штрих, как известно, является результатом взаимодействия различных приемов атаки, ведения, снятия и соединения звуков, поэтому в процессе ансамблевого музицирования уже на раннем этапе необходимо уделить пристальное внимание идентичному выполнению этих приемов на той или иной стадии их осуществления.

4.1. Атака звука

          С самого начала работы с ансамблем необходимо уделить большое внимание формированию единой штриховой культуры у каждого участника, единства движений меха и пальцев. Для этого можно использовать различные упражнения. Первый шаг – это формирование единого подхода к основным видам атаки звука. Обучение рекомендуется начинать с постановочных навыков движения меха. Вначале осваиваются эластичная и интенсивная разновидности подачи меха. Отличительной чертой эластичной подачи является постепенное включение различных мышц левой руки баяниста, начиная с плеча и заканчивая кистью. Интенсивная подача осуществляется за счет одновременного включения всех мышц левой руки. При этом движение руки в обоих случаях начинается с небольшого отклонения в противоположную сторону – ауфтакта (замаха). Затем в процесс озвучивания добавляются определенные движения пальцев, нажимающих клавиши, после чего осваиваются различные виды атаки звука на баяне (аккордеоне). Данную работу лучше осуществлять порознь с каждым участником ансамбля, даже если он обладает необходимой постановкой. Важность подобной кропотливой работы трудно переоценить, так как ее результаты напрямую связаны с качеством ансамблевого звучания.

           Следующий этап работы – это формирование навыков совместного взятия одного звука. Как известно, градации начала (атаки) звука на баяне, четко определяемые слухом можно разделить на три основных: мягкое, твердое и жесткое. Каждая из упомянутых разновидностей связана с определенным движением меха и пальцев.

           Мягкая атака звука. Медленное нажатие клавиши, сопровождаемое одновременным началом движения меха (эластичная подача).

Выполняя упражнение, следует взять дыхание (ауфтакт) – небольшое отклонение руки в противоположную сторону, далее сосредоточиться на последовательном включении мышц левой руки, связанных с началом движения меха и медленном погружении пальца в клавишу.

         Стремясь к выработке навыка синхронного произношения звука в ансамбле, необходимо обратить внимание на единство постановочных движений правой и левой рук исполнителей. Для этого можно выполнить следующее упражнение:

            Нащупать клавишу «до» первой октавы первым пальцем. Затем, не покидая клавишу, приподнять руку над клавиатурой – «берем дыхание» и опустить под собственным весом на клавишу. Одновременно с нажимом клавиши «до#» рука начинает приподниматься (движение «на дыхании»), покидает клавишу и готова к новому действию.  Вначале движение осваивается каждым участником по очереди, а затем одновременно. При этом один из участников ансамбля на время становится «дирижером»: дает ауфтакт движением руки и корпуса, помогая другому участнику определить начало звучания.

           По аналогии с мягкой атакой с участниками ансамбля проводится работа над освоением твердой атакой звука:

           Выполняя это упражнение, необходимо уделить внимание опережающему движению меха (за счет интенсивной подачи), и последующему быстрому нажиму клавиши. По сравнению с мягкой атакой, все процессы характеризуются меньшей амплитудой движений. Твердая атака обозначается черточкой, выставляемой под нотой.

            Следующий вид – жесткая атака звука. Выполняя данное упражнение, необходимо сосредоточиться на опережающем движении меха (предварительная интенсивная подача) и последующем ударе клавиши. Необходимо обратить внимание, что удар по клавише осуществляется на фоне уже «натянутого» меха, интенсивность которого зависит от характера исполняемой музыки. Ошибкой многих исполнителей является создание излишнего давления на мех или удар по клавише одновременно с началом движения меха.

           Жесткая атака обозначается знаком акцента. По сравнению с предыдущими видами, жесткой атаке сопутствуют более определенно выраженные зрительно-двигательные ориентиры для исполнителей: предварительный ауфтакт (замах) и падение руки на клавишу наглядно фиксируют момент начала звучания. Поэтому лучше начинать работу по усвоению навыков звукоизвлечения в ансамбле именно с жесткой атаки звука.

4.2. Ауфтакт

         Уже на раннем этапе ансамблевого музицирования необходимо добиваться единого понимания всеми исполнителями роли ауфтакта, выполняющего роль своеобразного дирижерского жеста. В зависимости от характера исполняемой музыки, ауфтакт может быть различным. В распевной, кантиленой пьесе – глубина ауфтакта связана с воображаемым дыханием певца, здесь синхронное исполнение требует чуткого взаимопонимания между партнерами.  В ритмически активных, подвижных произведениях совместное начало характеризуется большей определенностью и наглядностью, ансамблевое единство здесь может быть достигнуто уже на раннем этапе музицирования. Поэтому в педагогической практике чаще всего коллективное усвоение жесткой атаки предшествует усвоению других ее видов.

         Казалось, самая простая вещь – начать играть вместе. Но точно, одновременно взять два звука – не так легко, это требует большой тренировки и взаимопонимания. Ауфтакт дается одним из участников ансамбля кивком головы или легким движением кисти. Можно порекомендовать одновременно с этим жестом обоим исполнителям взять дыхание, это сделает начало исполнения естественным, органичным снимет сковывающее напряжение. Можно попробовать несколько раз начать исполнение, следуя взмаху руки педагога, а потом самостоятельно.

3. Динамика

          Следующий этап в работе с ансамблем – формирование единых навыков исполнения динамических нюансов и координация совместных изменений динамики. Динамика является одним из важнейших средств выразительности, обогащающим звучание музыкального произведения. Изменения силы звука на аккордеоне (баяне) связаны с меховедением. Первоначально рекомендуется освоить ряд упражнений на буквальное копирование действий партнера.

  Упражнение 1. Зарождение звука и его изменение при crescendo и diminuendo.

  Упражнение 2. При мягкой атаке – постепенное усиление звука.

  Упражнение 3. При твердой атаке – изменения динамики на crescendo и diminuendo.

   Упражнение 4. При жесткой атаке – постепенное затухание звука.

   Упражнение 5. Изменение громкостного нюанса на одну градацию.

   Упражнение 6. Тянущийся звук с подчеркиванием меха:

    Упражнение 7. На одном звуке – diminuendo c восстановлением первоначального нюанса:

             В дальнейшем все перечисленные упражнения исполняются подряд с разнообразными штрихами, динамикой и тщательно контролируемые слухом. Главные задачи: выработка единых ансамблевых исполнительских навыков в процессе управления динамической фразой совместного звучания, варьирования громкости и формирование комплекса умений, соответствующих различным функциям исполнителя в ансамбле (соло, полифонический «диалог», аккомпанемент).

         Проблема многих учащихся музыкальной школы – неумение использовать выразительные возможности динамики в исполнении, часто играют на одном нюансе. А следствие этого – не владение культурой меховедения и артикуляции. Данные упражнения способствуют выработке необходимых навыков, активации музыкального слуха, а следовательно – более выразительному исполнению. Эти упражнения можно играть и на занятиях по специальности, но как правило детям больше нравится играть вместе.

4. Снятие звука

        Еще одним из важнейших направлений репетиционной работы в условиях ансамблевого исполнительства является навык синхронного снятия звука. На аккордеоне (баяне) существует несколько разновидностей окончания звука: пальцевые снятия (мягкое освобождение и резкое одергивание), меховые снятия (затухающее и «эхо»), синхронные мехо-пальцевые снятия (мягкое и резкое). Все они связаны с определенными движениями пальца и меха, что способствует варьированию звуковых характеристик. При этом в указанных снятиях постоянно участвуют два компонента – мех и палец. Даже пальцевые снятия сопровождаются корректирующими движениями меха, поскольку уровень давления в меховой камере подвержен тончайшим колебаниям.

         Необходимо приучать учащихся дослушивать окончания звука, и использовать различные способы снятия, иначе исполнение будет неряшливым, несмотря на старания. Целенаправленное освоение различных типов снятия в ансамбле увязывается со спецификой того или иного произведения. Вначале определяется способ окончания фразы (например, остановка меха и снятие пальца), затем участники ансамбля достигают необходимого единства звучания, чередуя индивидуальные и коллективные формы работы. Одним из более эффективных приемов является остановка меха с отдачей.

           Помимо единой штриховой культуры, предпосылкой успешной работы в ансамбле является формирование единого подхода ко временным параметрам исполняемого произведения: темпу, метру и ритмической пульсации. Общность понимания и чувствования темпа – одно из первых условий ансамбля.  Партнеры должны одинакового чувствовать темп, еще не начав играть Музыка начинается уже в ауфтакте. Можно рекомендовать при разучивании просчитать в соответствующем темпе «пустой такт». В дальнейшем это становится излишним, достаточно в ставшем уже привычном темпе дать только движение ауфтакта.

          В работе над ансамблем важное место занимают вопросы, связанные с ритмом. Малозаметные иной раз в сольной игре ритмические недочеты, в ансамбле могут резко нарушать целостность впечатлений и быть причиной «аварий» при публичном выступлении. Наиболее распространенными недостатками учащихся являются отсутствие четкости ритма и его устойчивости. Предпосылкой синхронности ансамблевого исполнения является единство ритмической пульсации, которая придает звучанию необходимую слаженность и позволяет точно фиксировать атаку и завершение каждого звука. Здесь для успешной работы необходим выбор наименьшей длительности в качестве единицы пульсации. В дальнейшем, с ускорением темпа, названная единица сменяется более крупной длительностью. При этом рекомендуется время от времени возвращаться к относительно медленным темпам с их единицей пульсации.

           Заканчивая разговор о формировании важнейших элементов ансамблевой культуры, хочется еще раз напомнить о том, что работа над различными средствами выразительности должна быть тесно связана с работой над художественным образом, содержанием произведения. Главная задача педагога – вызвать интерес учащихся, увлечь работой над музыкой, вместе добиваться достижения цели – яркого, убедительного, эмоционального исполнения.

5. МЕТОДИЧЕСКИЕ РЕКОМЕНДАЦИИ К РАБОТЕ НАД МУЗЫКАЛЬНЫМ ПРОИЗВЕДЕНИЕМ

             Завершив подготовительный этап работы, когда участники ансамбля в должной мере овладели основными навыками звукоизвлечения на аккордеоне (баяне), а их исполнительские действия приобрели синхронность, можно начинать разучивание музыкальных произведений. В качестве примеров рассмотрим работу над следующими пьесами: В. Моцарт «Тема из вариаций До-мажор».

            Вариации До-мажор В. А. Моцарта написана в трехчастной форме, мелодия легко запоминающаяся, сочетающая в себе элементы песенности и танцевальности, с простым гармоническим сопровождением. Первому аккордеону здесь поручен мелодический голос, второму – подголосок, оба исполнителя играют партию левой руки.

           Вначале каждый участник под руководством педагога должен ознакомиться с нотным текстом, выбрать аппликатуру, проанализировать строение фраз, характерные особенности штрихов (в 1 партии – активное нон легато, во второй – легато), динамическое развитие. При разборе желательно вести счет мелкими длительностями – восьмыми, что бы ученик точно чувствовал ритмическую пульсацию, так как движение идет четвертными нотами и возможно ускорение. Чтобы лучше прослушивались голоса можно разнообразить регистровку, в 1 партии – использовать регистр       тутти, а во второй – кларнет.

         При совместных репетициях очень полезно проигрывать отдельно аккомпанемент, оба мелодических голоса, чередовать: один играет мелодию, другой аккомпанемент и так далее. При этом добиваясь синхронности, единого динамического развития и фразировки. Для того, чтобы вместе начать, можно вначале отсчитывать два пустых такта и на последнюю долю один из исполнителей делает ауфтакт – легкий взмах кисти и обязательно дыхание. Во второй партии мелодический голос начинается со второй доли, необходимо точно вступить, не выталкивая ноту, штрихом активное легато, при этом слушать скрытое двухголосие. Очень часто учащиеся выталкивают все сильные доли, в медленном темпе это допустимо, но в более быстром необходимо сократить количество ударений, например, по два такта. Тогда фразировка будет более логичной, в первом предложение – крещендо к третьему такту, затем постепенный спад (постепенная остановка меха). Во втором предложении – эффект эха (f и p), следить, чтобы учащиеся тонко использовали все возможности меховедения. Большое внимание необходимо уделить синхронному снятию как в конце произведения, так и в конце каждой фразы. Полезно проучить каждую фразу с остановкой, чтобы зафиксировать внимание на легких цезурах, не набрасываться на следующую фразу.

        Помимо синхронного исполнения мелодии, в процессе занятий необходимо уделить внимание дифференцированному звучанию басо-аккордового аккомпанемента. Бас рекомендуется играть активно, глубоко (за счет опережающего давления в меховой камере и быстрого нажима клавиши), аккорды – легко, полетно (чему способствуют небольшое предварительное давление в меховой камере, пальцевой удар и быстрое снятие).

        Подводя итог сказанному, важно отметить важнейшие этапы совместной работы педагога и учащихся над музыкальным произведением:

   а) аналитический разбор нотного текста, охватывающий мелодику, гармонию, фактуру, особенности интонирования, важнейшие образные сферы, характер пьесы в целом.

  б) «эскизное» разучивание музыкального материала – выбор аппликатуры, освоение точного ритма и артикуляции.

  в) совместное исполнение, интонационно-образное решение.

      Достижению синхронности действий в ансамблевом исполнительстве способствует визуальный контакт между всеми участниками – регулярное воздействие посредством жестов, мимики, взглядов, позволяющее определять начало и окончание построений, в зависимости от характера исполняемого произведения.

5. ЗАКЛЮЧЕНИЕ

            Искусство совместного музицирования на народных инструментах, как и сольное, сравнительно молодое и недостаточно изучено.  И, конечно, в рамках данной работы невозможно затронуть все проблемы, касающиеся методики обучения в классе ансамбля. Хотелось еще раз подчеркнуть большое развивающее значение ансамблевой игры и необходимость как можно раньше приучать учащихся к ней. Это, безусловно, повысит интерес к игре на инструменте и принесет детям большую радость.

            К сожалению, ощущается недостаток нотных сборников, учебных пособий для дуэтов самых маленьких баянистов. Поэтому педагогам зачастую самим приходится придумывать, оформлять, подбирать репертуар, делать доступные переложения музыкальных произведений. Важное значение, в данном случае, приобретает умение педагога быстро переложить на ансамбль любое музыкальное произведение. Такая работа делает обучение интересным, понятным и эффективным.

          Коллективный характер работы при разучивании, работе и исполнении произведений, общие цели и задачи, формирование сознательного отношения к делу и чувства ответственности перед своими товарищами, делают класс ансамбля увлекательной и эффективной формой учебно-воспитательного процесса.

           Автор надеется, что данная работа принесет пользу педагогам ДМШ и ДШИ как некий импульс для дальнейшего анализа и размышления.

7.  ЛИТЕРАТУРА

1. Акимов Ю. Класс баянного ансамбля в музыкальной школе // «Баян и баянисты», вып. 1.  М., 1970.
2.  Готлиб А.  Основы ансамблевой техники. М., 1971.
3. Демидов А. Вопросы формирования ансамбля русских народных инструментов. Вып.1- СПб. 2004.
4. Ихманицкий М. У истоков русской народной оркестровой культуры. –М., 1984.
5. Играем вместе: Методические рекомендации для преподавателей ДМШ ДШИ. М., 1985.
6. Крылова Г. И. Азбука маленького баяниста, ч. 1 -  М.: владос - пресс, 2010
7. Народник: информационный бюллетень. 2002.
8. Обликин И. Ансамбли русских народных. Вып.1 Музыка, М., 2003.
9. Педагогика: Учебное пособие. / Под ред. В. А. Сластенина. - М., 2004.
10.  Ризоль Н. Очерки о работе в ансамбле баянистов. М., 1970.
11.  Соколов М. Ребенок за роялем: Ансамбль для начинающих.  М., 1981.
12.  Ушенин В. В. Школа ансамблевого музицирования баянистов (аккордеонистов), ч. 1 -  Ростов-на –Дону: Феникс, 2011.