Композиторы

Вокально-инструментальные жанры в творчестве И.С. Баха. Светские и духовные кантаты, оратории, пассионы, мессы. «Страсти по Матфею» И.С. Баха. Месса h-moll, особенности трактовки, образный строй, полифоническое мастерство.

Инструментальная музыка И.С. Баха, ее основные жанры. Музыка для клавира. «Хорошо темперированный клавир» – круг образов, особенности композиционной структуры, соотношение прелюдий и фуг, особенности музыкального языка. Клавирные сюиты, партиты – черты нового в трактовке цикла сюиты. «Итальянский концерт», его новаторский характер.

Органная музыка – токкаты, фантазии и фуги, пассакалии; монументальность, импровизационность. Обработки хоралов, их типы, выразительные средства.

Оркестровые концерты и сюиты И.С. Баха. Бранденбургские концерты – их образы, строение цикла, принципы тематического развития. Роль оркестровых произведений И.С. Баха в подготовке классического симфонизма.

Родился 21 марта 1685 г. в Эйзенахе, где отец занимал должность придворного музыканта. Рано потеряв родителей (Баху не было и десяти лет), мальчик переехал в Ордруф к старшему брату Иоганну Кристофу, у которого и учился музыке.

К 17 годам он играл на скрипке, альте, клавире и органе, пел в хоре. Баха пригласили в Веймар служить музыкантом при дворе. Это приглашение стало началом его карьеры, закончившейся в должности кантора (дирижёр хора, органист и сочинитель духовной музыки) в церкви Святого Фомы в Лейпциге (с 1723 г.).

Творческое наследие Баха огромно. Он создавал произведения во всех известных в то время жанрах, кроме оперы: оратории, кантаты, мессы, мотеты, музыку для органа, скрипки и фортепиано.

В Веймаре, где был прекрасный орган, Бах написал серию органных токкат (из них наиболее знаменита ре-минорная).

В Лейпциге ему приходилось на каждой воскресной церковной службе исполнять новую кантату.

Таким образом он стал автором 265 кантат (пять годовых циклов). Кроме духовных писал светские кантаты («Кофейная», «Крестьянская» и др.). Полифонический жанр фуги Бах довёл до совершенства: в его «Хорошо темперированном клавире» (1722 – 1744 гг.) каждой тональности соответствуют отдельные прелюдия и фуга. В цикле «Искусство фуги», над которым Бах работал последние десять лет жизни, представлены произведения, развивающие – каждый раз неповторимо – одну и ту же тему. Вершинами вокально-инструментальной музыки явились композиции «Страсти по Иоанну» (1724 г.), «Страсти по Матфею» (1727 или 1729 г.), а также «Высокая месса си-минор» (1747 – 1749 гг.).

Скончался 28 июля 1750 г. в Лейпциге, где жил постоянно с момента переезда туда. Современники ценили творчество Баха, однако масштаб его дарования был осознан лишь спустя полвека после смерти композитора.

Гайдн Франц Йозеф (1732 – 1809), австрийский композитор, представитель эпохи классицизма наряду с Моцартом, Глюком и ранним Бетховеном.

Народные истоки его творчества. Конкретность музыкальных образов, жанровая характерность. Роль симфонии и квартета в творчестве Й. Гайдна. Формирование классического состава симфонического оркестра. «Лондонские» симфонии – высший этап симфонизма Й. Гайдна. Богатство образного содержания сонат для фортепиано. Оратории Й. Гайдна. «Времена года»: народно-бытовой сюжет, общее строение и музыкальный язык оратории. Развитая партия оркестра.

Родился, вероятно, 31 марта 1732 г. (крещён 1 апреля 1732 г.) в деревне Рорау (Нижняя Австрия).

В шестилетнем возрасте Гайдн был отдан в школу в Хайнбурге, где обучался игре на различных музыкальных инструментах и пению.

Уже в 1740 г. Гайдн, благодаря прекрасному голосу, стал певчим в соборе Святого Стефана в Вене. В хоре собора он пел до 1749 г.

Живя в крайней бедности и нужде, Гайдн находил отраду только в занятиях музыкой. В австрийской столице он познакомился с итальянским поэтом, драматургом и либреттистом П. Метастазио, который в свою очередь познакомил Гайдна с композитором и педагогом Н. Порпорой.

С 1753 по 1756 г. Гайдн работал у Порпоры аккомпаниатором и одновременно изучал основы композиции. В 1759 г. он получил место дирижёра капеллы у чешского графа Морцина. Тогда же им была написана первая симфония, имевшая большой успех и завоевавшая ему симпатию князя Эстергази, который предложил Гайдну место капельмейстера в своём оркестре. Музыкант принял это предложение в 1761 г. и прослужил у князя 30 лет.

После смерти Эстергази в 1790 г. Гайдн остался без определённой должности, но имя его как композитора уже было широко известно. Особенно прославили Гайдна его симфонии.

Всего им написано 119 симфоний, в том числе 45-я «Прощальная» (1772 г.), шесть Парижских симфоний (1785 – 1786 гг.), 92-я «Оксфордская» (1789 г.), двенадцать Лондонских симфоний (1791 – 1795 гг.), явившихся откликом на поездки в Лондон в 1791 – 1792 и 1794 – 1795 гг. Кроме симфоний композитором написаны 22 оперы, 19 месс, 83 струнных квартета, 44 фортепианные сонаты и множество других произведений.

В области инструментальной музыки Гайдн считается одним из крупнейших композиторов рубежа XVIII – XIX вв. В 1792 г. его учеником был Л. ван Бетховен.

Последние годы жизни Гайдн провёл в Вене. Здесь он написал оратории «Сотворение мира» (1798 г.) и «Времена года» (1801 г.). Талант Гайдна был высоко оценён его современниками. В 1791 г. он стал почётным доктором Оксфордского университета, в 1798 г. – членом Шведской королевской академии музыки. В 1804 г. композитор был избран почётным гражданином города Вены, а в 1808 г. – почётным членом Филармонического общества в Петербурге.

Умер 31 мая 1809 г. в Вене.

Моцарт Вольфганг Амадей (1756 – 1791), австрийский композитор, представитель эпохи классицизма наряду с Гайдном, Глюком и ранним Бетховеном.

Жанровое многообразие творчества. Музыкальный язык, красота и богатство мелодики. Принципы мотивно-тематического развития. Контрастно-конфликтная драматургия музыкальной формы.

Оперное творчество. Создание музыкальной драматургии на основе исторически сложившихся оперных жанров, элементы жанрового синтеза. Виды арий как средство конкретизации образов, раскрытие характера в процессе музыкально-драматургического развития, роль ансамблей, финалов актов. Оркестр, принципы симфонического развития. Типы опер: реалистическая комедия («Свадьба Фигаро»), синтез музыкальной драмы и оперы-буффа – драма-комедия («Дон Жуан»), философская сказка-зингшпиль («Волшебная флейта»).

Инструментальная музыка В.А. Моцарта, ее образно-композиционное единство с оперным творчеством композитора. Последние симфонии В.А. Моцарта как новый этап в развитии симфонизма, особенности их драматургических концепций. Камерно-инструментальные сочинения В.А. Моцарта. Фортепианные произведения и их значение. Жанр концерта и сонаты в творчестве Моцарта.

Философское и художественное значение Реквиема, его драматическое содержание, особенности развития музыкальных образов.

Родился 27 января 1756 г. в Зальцбурге.

Первым учителем музыки стал для мальчика его отец Леопольд Моцарт. С самого раннего детства Вольфганг Амадей был «чудо-ребёнком»: уже в четырёхлетнем возрасте пробовал написать концерт для клавесина, а с шести лет блестяще выступал с концертами по странам Европы.

Моцарт обладал необыкновенной музыкальной памятью: ему достаточно было только раз услышать любое музыкальное произведение, для того чтобы совершенно точно записать его. Слава пришла к Моцарту очень рано.

В 1765 г. были опубликованы и исполнены в концертах его первые симфонии. Всего композитором написано 49 симфоний.

В 1769 г. он получил место концертмейстера при дворе архиепископа в Зальцбурге. Уже в 1770 г. Моцарт стал членом Филармонической академии в Болонье (Италия), а Папа Римский Климент XIV возвёл его в рыцари Золотой шпоры.

В том же году в Милане была поставлена первая опера Моцарта «Митридат, царь понтийский». В 1772 г. там же поставлена вторая опера – «Луций Сулла», а в 1775 г. в Мюнхене – опера «Мнимая садовница».

В 1777 г. архиепископ разрешил композитору отправиться в большое путешествие по Франции и Германии, где Моцарт концертировал с неизменным успехом.

В 1779 г. он получил должность органиста при архиепископе Зальцбургском, но в 1781 г. отказался от неё и переехал в Вену. Здесь Моцарт закончил оперы «Идоменей» (1781 г.) и «Похищение из сераля» (1782 г.). В 1786 – 1787 гг. написаны две, пожалуй, самые известные оперы композитора – «Свадьба Фигаро», поставленная в Вене, и «Дон Жуан», который был впервые поставлен в Праге. В 1790 г. снова в Вене поставлена опера «Так поступают все». А в 1791 г. написаны сразу две оперы – «Милосердие Тита» и «Волшебная флейта».

Последним произведением Моцарта стал знаменитый «Реквием», который композитор не успел завершить. Закончил сочинение Ф. К. Зюсмайер, ученик Моцарта и А. Сальери.

Творческое наследие Моцарта, несмотря на его короткую жизнь, огромно: по тематическому каталогу Л. фон Кёхеля (почитателя творчества Моцарта и составителя наиболее полного и общепринятого указателя его сочинений), композитор создал 626 произведений, среди которых 55 концертов, 22 клавирные сонаты, 32 струнных квартета.

Умер 5 декабря 1791 г. в Вене.

Бетховен Людвиг ван (1770 – 1827), немецкий композитор, представитель 2 эпох – классицизма и романтизма.

Творческий путь Л. Бетховена как представителя нового этапа развития венского классицизма. Философское осмысление действительности. Многообразие тем и музыкальных образов. Диалектические принципы симфонического метода Л. Бетховена. Тематизм, принципы его развития.

Симфоническое творчество. Различные принципы симфонической драматургии. Центральное место симфоний №№ 3, 5, 9. Идея «через борьбу к победе». Историческое значение симфонии № 9, новаторская трактовка симфонического жанра (синтез инструментальных и вокальных жанров). Увертюры «Кориолан», «Эгмонт» как образцы программного симфонизма.

Инструментальные концерты Л. Бетховена – новая ступень в развитии этого жанра. Симфонизация жанра концерта. Расширение круга образов и их драматического развития. Фортепианные концерты № 4 и № 5. Фортепианные сонаты №№ 8, 14, 23. Эволюция сонатного жанра. Оперное и хоровое творчество Л. Бетховена.

Песни Л. Бетховена. Вокальный цикл «К далекой возлюбленной». Особенности музыкального языка, драматургия цикла.

Родился в Бонне в семье музыкантов. Первым учителем музыки стал для Бетховена отец, чей вспыльчивый и грубый характер почти полностью отвратил мальчика от занятий. Гораздо больше ему дали уроки придворного капельмейстера (руководитель капеллы) К. Г. Нефе.

В 1785 г. Бетховен был назначен на должность органиста курфюрстской капеллы.

В 1792 Г. по распоряжению курфюрста (правителя) Макса Франца II он уехал в Вену для совершенствования своего мастерства. Музыкант занимался у И. Шенка и Й. Гайдна, а после отъезда Гайдна в Англию в 1794 г. – у А. Сальери и И. Г. Альбрехтсбергера.

Наиболее значительные сочинения, созданные Бетховеном к середине 80-х гг. XVIII в.: фортепианные сонаты № 8 («Патетическая») и № 14 («Лунная»; название дано уже после смерти автора), оратория «Христос на Елеонской горе» (1802 – 1803 гг.), «Крейцерова соната» для скрипки и фортепиано (1803 г.), Третья («Героическая») симфония (1804 г.; сначала автор хотел посвятить это произведение Наполеону I, но, когда тот провозгласил себя императором, снял посвящение), опера «Фиделио» (1805 г., поставлена в Вене).

В 1809 г. эрцгерцог Рудольф, князь Лобковиц и граф Кинский предложили Бетховену остаться работать и концертировать в Вене. С тех пор он постоянно жил в этом городе. Его выступления проходили с неизменным успехом; в 1814 г. композитор достиг пика своей славы. Но жизнь его омрачалась прогрессирующей глухотой, впервые давшей о себе знать ещё в 1797 г. Болезнь заставила полностью отказаться от концертной деятельности. Однако, даже полностью потеряв слух, Бетховен продолжал писать музыку.

В последние годы жизни он создал пять фортепианных сонат (всего их 32), пять струнных квартетов и др. Своеобразным синтезом и вершиной всего творчества Бетховена явилась Девятая симфония (1823 г.) с хором в финале на слова оды Ф. Шиллера «К радости». Это произведение он писал, уже будучи тяжело больным, мучимый одиночеством и разочарованием в людях.

Пожалуй, основной темой творчества Бетховена можно назвать идею героической борьбы за свободу, созвучную революционной эпохе. Вместе с тем его музыка передаёт и тончайшие лирические переживания. Скончался в Вене 26 марта 1827 г.

Шуберт Франц (1797 – 1828), австрийский композитор, представитель эпохи романтизма наряду с Шопеном, Бизе, Веди, Григом, Листом.

Связи музыки Шуберта с народным и классическим искусством. Связи и отличия творческого стиля Шуберта и Бетховена. Господство романтических тем (темы скитаний, одиночества, природы, столкновение мира мечты и действительности и др.). Песенность – основа стиля Ф. Шуберта.

Вокальное творчество Ф. Шуберта. Песня – ведущий жанр. Широкий круг поэтических текстов. Роль мелодии в раскрытии поэтических образов. Ее национальные истоки, индивидуальное своеобразие, претворение бытовых интонаций. Соотношение вокальной и фортепианной партий. Жанровое и композиционное многообразие вокальной музыки. Эволюция песенного творчества. Значение вокальных циклов «Прекрасная мельничиха», «Зимний путь». Психологическая углубленность и драматизация стиля в последних песнях: сборник «Лебединая песнь».

Новаторская трактовка инструментальных жанров. Песенные принципы в драматургической концепции, тематизме и развитии формы инструментальных произведений; их связь с бытовой музыкой. Романтическая миниатюра.

Симфонизм Ф. Шуберта. Симфония h-moll – образец песенного симфонизма. Лирико-драматическая концепция симфонии. Особенности трактовки двухчастного цикла. Героико-эпические и лирические образы симфонии C-dur.

Родился 31 января 1797 г. в Лихтентале близ Вены в семье школьного учителя.

Отец и старшие братья обучили Франца игре на скрипке и фортепиано. Благодаря красивому голосу с 1808 по 1812 г. он был певчим Венской придворной капеллы, одновременно обучаясь в конвикте (хоровое училище-интернат). Здесь наставником Шуберта по композиции был до 1816 г. А. Сальери.

С 1814 г. Шуберт учительствовал в школе отца, правда, не чувствуя особой склонности к этому. В 1818 г. он оставил преподавание и всецело занялся творчеством. Уже за время своей недолгой работы в школе Шуберт создал около 250 песен, среди которых шедевр мировой вокальной лирики баллады «Лесной царь» (1814 г.; на стихи И. В. Гёте). Вокруг композитора объединились единомышленники, поклонники и пропагандисты его творчества. Именно благодаря их усилиям к Шуберту пришли слава и признание. Сам же он отличался жизненной непрактичностью. Основой творчества Шуберта стала песня.

Всего им написано более 600 произведений этого жанра. Среди них вокальный цикл «Прекрасная мельничиха» (1823 г.; на стихи В. Мюллера) - простая и трогательная история любви скромного подмастерья и дочери хозяина мельницы. Это один из первых вокальных циклов в истории музыки.

В 1823 г. Шуберт стал почётным членом Штирийского и Линцкого музыкальных союзов.

В 1827 г. им был написан ещё один вокальный цикл на стихи Мюллера – «Зимний путь», позже «Третья песня Эллен», более известном широкому слушателю, как «Аве Мария».

Уже посмертно, в 1829 г., вышел последний вокальный сборник композитора – «Лебединая песня». Кроме вокальных сочинений Шуберт много писал для фортепиано: 23 сонаты (из них 6 незавершённых), фантазия «Скиталец» (1822 г.), более 400 фортепианных миниатюр: свыше 250 вальсов, «Экспромты», «Музыкальные моменты» и др., автор 9 симфоний. Первые шесть – в традициях венской музыкальной классики. Незавершенная Седьмая симфония носит переходный характер. А в си-минорной Восьмой (1822) и до-мажорной Девятой (1828) уже ярко выражены черты нового, романтического стиля.

В период с 1814 по 1828 г. написаны 7 месс и «Немецкий реквием» (1818 г.) – основные сочинения Шуберта для солистов, хора и оркестра. Для камерного ансамбля композитор создал 16 струнных квартетов, 2 струнных и 2 фортепианных трио и др. Он писал также оперы («Альфонсо и Эстрелла», 1822 г.; «Фьера-брас», 1823 г.).

Умер 19 ноября 1828 г. в Вене.

Шопен Фридерик (Фредерик) Францишек (Франсуа) (1810 – 1849), польский композитор и пианист, представитель эпохи романтизма наряду с Шубертом, Бизе, Веди, Григом, Листом.

Новаторство в трактовке разнообразных жанров фортепианной музыки и их форм. Характер претворения фольклорных элементов. Проблема своеобразия ладовой и мелодико-ритмической структуры в мазурках. Героико-патриотическая концепция полонезов, драматизм содержания, масштабность формы. 24 прелюдии. Широкий круг тем и музыкальных образов. Многообразие жанров и их параллели с другими сочинениями. Поэтическая трактовка жанра ноктюрна. Преломление бытовых жанров, их поэтизация (вальсы). Особенности одночастных поэмных форм (баллад, скерцо, фантазий).

Романтическое претворение симфонической драматургии. Концерты. Соната h-moll – концепция сонатной драматургии.

Родился 22 февраля (по другим данным, 1 марта) 1810 г. в Желязова-Воле недалеко от Варшавы в семье учителя.

Музыкальное дарование Шопена проявилось очень рано. В 1817 г. были изданы первые полонезы юного композитора (всего в период 1817 – 1846 гг. Шопеном создано 16 полонезов), и с этого же времени начались выступления в концертах в качестве пианиста-виртуоза. Первым учителем музыки для Шопена стал чешский музыкант В. Живный. А затем, поступив в Высшую музыкальную школу в Варшаве, он занимался у известного композитора, позднее – директора Варшавской консерватории Ю. Эльснера.

В 1827 г. Шопен закончил обучение и стал систематически выступать в концертах, исполняя и свои собственные сочинения. В 1828 г. композитор совершил первую гастрольную поездку в Берлин, а затем в Вену, принёсшую ему огромный успех.

С 1829 г. начала расти слава Шопена не только как гениального пианиста, но и как композитора. Настоящий поэт фортепиано, он посвятил этому инструменту почти всё своё творчество. Им написаны два фортепианных концерта (1829 и 1830 гг.), три сонаты, в том числе Соната си-бемоль-минор со знаменитым Траурным маршем (1828 – 1844 гг.), четыре баллады (1835 – 1842 гг.), 21 ноктюрн (1827 – 1846 гг.), 27 этюдов (1829 – 1839 гг.), 25 прелюдий (1831 – 1839 гг.). Кроме того, Шопену принадлежат 19 песен (1829 – 1847 гг.), соната для виолончели и фортепиано (1846 г.) и многие другие произведения.

В 1830 г. композитор навсегда покинул Варшаву, недолго прожил в Вене, после чего переехал в Париж. Во французской столице вокруг Шопена собрался кружок друзей и единомышленников, среди которых были его ближайший друг Ф. Лист, художник Э. Делакруа, писатель О. Бальзак, поэт А. де Мюссе, композитор Г. Берлиоз. Особенно близкие отношения сложились у Шопена с писательницей Авророй Дюдеван, известной под псевдонимом Жорж Санд. В течение восьми лет она была подругой композитора.

В 1837 г. Шопен совершил путешествие в Англию и Шотландию, длившееся почти год, а 1838 – 1839 гг. провёл на испанском острове Мальорка. Конец жизни музыканта был омрачён болезнью лёгких, которая и стала причиной его смерти.

Умер 17 октября 1849 г. в Париже, похоронен на кладбище Пер-Лашез. В завещании Шопен просил отвезти его сердце на родину, в Польшу, что и было исполнено. Сердце композитора покоится в варшавском костёле Святого Креста.

Глинка Михаил Иванович (1804 – 1857), композитор, создателей русской классической музыкальной школы наряду с Даргомыжским.

Воспроизведение действительности в эстетически приподнятом виде как существенная особенность творческого метода.

Влияние личности и творчества А.С. Пушкина на музыку М.И. Глинки. Историческое значение творчества А.С. Пушкина и М.И. Глинки для русской культуры. Сочетание в творчестве композитора черт классического (объективное отражение действительности, утверждение этических идеалов, ясность и уравновешенность стиля, стройность и соразмерность музыкальных форм) и романтического (проявление характерных тенденций музыкального искусства XIX века: особый интерес к фольклору и национальной самобытности, значение красочных приемов в области гармонии и оркестрового колорита) направлений.

«Жизнь за царя» («Иван Сусанин») – первая классическая историко-патриотическая трагедийная русская опера. «Руслан и Людмила» – образец сказочно-эпической оперы; влияние былинного эпоса. Сюжет, идея оперы, сравнение с поэмой А.С. Пушкина.

Симфоническое творчество: «Камаринская», «Арагонская хота», «Вальс-фантазия».

Камерное вокальное творчество – связи с фольклорными и профессиональными музыкальными и поэтическими традициями. Романсы с испанским колоритом и в стиле итальянской баркаролы. Песня-сценка («Попутная песня»), фантазия («Ночной смотр»), драматический монолог («Песнь Маргариты»). Объединение в цикле «Прощание с Петербургом» различных жанров вокальной лирики. Разнообразие форм и средств музыкальной выразительности.

Родился 1 июня 1804 г. в селе Новоспасском Смоленской губернии в семье помещика.

В 1818 г. поступил в Благородный пансион при Петербургском педагогическом институте, который закончил в 1822 г. В пансионе Глинка начал сочинять музыку и стал популярен как автор замечательных романсов.

Всего им написано 80 произведений для голоса и фортепиано, среди которых шедевры вокальной лирики: элегии «Не искушай», «Сомнение», цикл «Прощание с Петербургом» и другие. После окончания пансиона Глинка поступил в Главное управление путей сообщения, но вскоре оставил службу, чтобы всецело посвятить себя музыке.

В 1830 – 1834 гг. он предпринял большое путешествие по Италии, Австрии и Германии, знакомясь с европейскими музыкальными традициями и совершенствуя своё композиторское мастерство. По возвращении приступил к осуществлению своей заветной мечты – написать русскую оперу. Сюжет был подсказан В. А. Жуковским – подвиг Ивана Сусанина.

Уже в 1836 г. в Петербурге состоялась премьера оперы «Жизнь за царя». После успеха Глинка принялся за вторую оперу, на этот раз на пушкинский сюжет. Работа шла, правда с перерывами, около шести лет.

В 1842 г. состоялась премьера «Руслана и Людмилы», ставшей первой сказочно-эпической оперой в истории русской музыки. Творчество Глинки высоко ценилось музыкантами – его современниками. Так, Ф. Лист переложил для фортепиано «Марш Черномора» из «Руслана и Людмилы» и очень часто исполнял его в своих концертах.

В 1844 – 1847 гг. Глинка путешествовал по Франции и Испании. Образы Испании нашли своё отражение в увертюрах «Арагонская хота» (1845 г.) и «Ночь в Мадриде» (1851 г.).

Не менее красочно воплотил композитор в симфонической музыке и образ родной страны. Находясь в Варшаве, он написал оркестровую фантазию «Камаринская» (1848 г.) на тему двух русских народных песен. Об этом сочинении П. И. Чайковский сказал, что в нём, «как дуб в жёлуде, заключена вся русская симфоническая музыка».

В 1856 г. Михаил Иванович поехал в Берлин изучать полифонию старых мастеров, чтобы воскресить в своём творчестве древнерусские знаменные церковные напевы. Реализовать замысел не удалось: 15 февраля 1857 г. Глинка скончался.

Даргомыжский Александр Сергеевич (1813 – 1869), композитор, создателей русской классической музыкальной школы наряду с Глинкой.

Эволюция стиля А.С. Даргомыжского от романтизма к критическому реализму. Создание новых жанров в области оперы и камерной вокальной музыки. Отражение новых тенденций общественной жизни, тяготение к социальной тематике и психологизму, интерес к драматическим сюжетам и образам. Психологическая наблюдательность, конкретность бытовых подробностей. Воссоздание в музыке интонаций речи и через них социально-психологического профиля героя как существенная черта творческого метода А.С. Даргомыжского. Преимущественный интерес композитора к музыке со словесным текстом. Соотношение слова и музыки, вокальной и инструментальной партий.

Первостепенное значение декламационности, новаторство в области речитатива, изобразительные приемы. Традиционный в целом характер гармонии, постоянное использование типовых европейских форм (свободных, смешанных, контрастно-составных) при тяготении к сквозному строению.

Городская песня и бытовой романс как основа музыкального языка А.С. Даргомыжского.

Родился 14 февраля 1813 г. в селе Троицком (ныне в Тульской области) в дворянской семье. Получил разностороннее домашнее образование. Решение молодого Даргомыжского посвятить себя музыке в значительной мере вызвано знакомством с М. И. Глинкой в 1835 г.

Под влиянием Глинки он стал работать над первой оперой «Эсмеральда» (1847 г.) по роману В. Гюго «Собор Парижской Богоматери».

В 40-х гг. были также написаны романсы «Юноша и дева», «Ночной зефир», «Я вас любил» (на стихи А. С. Пушкина), «Мне грустно» (на стихи М. Ю. Лермонтова) и др.

Настоящий успех принесла Даргомыжскому созданная в 1855 г. опера «Русалка» на сюжет пушкинской поэмы, музыка которой отличается глубоким психологизмом. В 1859 г. композитор был избран членом комитета Русского музыкального общества, а в 1867 г. стал председателем его петербургского отделения.

В своём позднем творчестве он обратился к поэзии П. Ж. Беранже («Старый капрал», «Червяк» и др.). Последние годы жизни Даргомыжский работал над оперой «Каменный гость» по одной из «маленьких трагедий» Пушкина. Он трудился с упоением, но так и не успел закончить сочинение. Завершил оперу Ц. А. Кюи, а инструментовал Н. А. Римский-Корсаков. «Каменный гость» был поставлен в Петербурге в 1872 г. Использование в музыке этой оперы интонаций обычной бытовой речи (метод так называемого интонационного реализма) явилось смелым новаторством и дало толчок для дальнейшего развития оперного жанра.

Мусоргский Модест Петрович (1839 – 1881), композитор, либреттист, мастер музыкальной трагедии, представитель «Могучей кучки» наряду с Балакиревым, Кюи, Р-К, Бородиным, Стасовым.

М.П. Мусоргский как оперный реформатор; идея реалистической музыкальной драмы как основа его реформы.

Сохранение существенной роли романтизма в русской музыке при новых достижениях критического реализма. Возрождение на классическом уровне комической оперы (П.И. Чайковский, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков).

Воплотил принципиальные установки «Новой русской школы». Близость его искусства критическому реализму. Жизненная правда в творчестве М.П. Мусоргского, демократизм и прогрессивность идей. Народ и личность как основные объекты творческого внимания. Интерес к эпохам социальных конфликтов, нравственная проблематика, глубина психологического анализа. Существенное значение образа народной массы, эпического начала.

Стремление к индивидуализации выразительных средств в соответствии с индивидуальной неповторимостью образа. Подчинение музыкальных принципов и приемов задаче конкретного воссоздания действительности.

Синтез песенности и декламационности как основа мелодики. Раскрытие человеческих характеров через интонации речевого происхождения. Ведущая роль вариационности и сквозного строения.

Развитие традиций М.И. Глинки и А.С. Даргомыжского.

Родился 21 марта 1839 г. в селе Кареве Торопецкого уезда Псковской губернии (ныне в Тверской области) в дворянской семье. В детстве занимался музыкой под руководством матери. Образование получил в Петропавловской школе в Петербурге (1851 г.), подготовительном пансионе Комарова (1852 г.) и Школе гвардейских подпрапорщиков и кавалерийских юнкеров (1856 г.).

В 1856 г. начал службу в лейб-гвардии Преображенском полку. Одновременно брал уроки фортепианной игры у пианиста А. А. Герке. Тогда же познакомился с А С. Даргомыжским и М. А. Балакиревым, с помощью которого изучил теорию музыки и композиции.

Вскоре Мусоргский стал постоянным участником собраний музыкальной группы «Могучая кучка». В 1858 г. он вышел в отставку в чине прапорщика, чтобы уже всецело посвятить себя музыке.

В 1867 г. написана симфоническая картина «Ночь на Лысой горе». К 1868 г. Мусоргский создал романсы на стихи Н. А. Некрасова и А. Н. Островского, а также на собственные тексты.

По совету литературоведа В. В. Никольского композитор приступил к работе над оперой на сюжет поэмы А. С. Пушкина «Борис Годунов» по собственному либретто. В 1874 г. премьера «Бориса Годунова» состоялась на сцене Мариинского театра в Петербурге; опера имела большой успех. Это было торжеством всей «Могучей кучки», именно в этой опере Мусоргский особенно ярко воплотил основные идеи членов кружка. Центральная партия Бориса была любимой в репертуаре Ф. И. Шаляпина.

В 1872 г. Мусоргский написал свой первый вокальный цикл «Детская», для которого сам сочинил текст. В 1873 г. он начал работу над «народной музыкальной драмой» «Хованщина» на сюжет, предложенный критиком В. В. Стасовым. Вчерне опера была закончена летом 1880 г., но лишь после смерти Мусоргского окончательно дописана и инструментована Н. А. Римским-Корсаковым.

В 1874 г. Мусоргский написал десять музыкальных иллюстраций к акварельным рисункам художника В. Е. Гартмана «Картинки с выставки» – виртуозные пьесы для фортепиано. Через год он начал работу над вокальным циклом «Песни и пляски смерти» (на стихи А. А. Голенищева-Кутузова), который завершил в 1877 г. В 1876 г.

Мусоргский задумал новую лирико-комедийную оперу «Сорочинская ярмарка» на сюжет повести Н. В. Гоголя. Над ней он работал до конца жизни, но закончить её так и не успел (опера закончена Ц. А. Кюи).

В 1879 г. тяжёлое материальное положение заставило Мусоргского вновь поступить на службу в ревизионную комиссию Государственного контроля, где он прослужил до самой смерти.

Умер 28 марта 1881 г. в Петербурге, находясь в полной нищете.

Бородин Александр Порфирьевич (1833 – 1887), композитор, учёный-химик, представитель «Могучей кучки» наряду с Балакиревым, Кюи, Р-К, Мусоргским, Стасовым.

Основоположник классической русской эпической симфонии и квартета. Значение научной и общественной деятельности А.П. Бородина. Трактовка композитором исторической темы с позиций прогрессивной эстетики 60-х годов XIX века. Глинкинские традиции и национальная основа музыкального творчества; ориентация на классические жанры и формы. Претворение достижений современного европейского музыкального искусства.

Преобладание тематизма народно-песенного типа. Ведущая роль героико-эпического начала; лирика и юмор А.П. Бородина; ориентальная тема в его творчестве. Новизна языка, богатство гармонических идей (применение аккордов нетерцового строения, диссонирующие параллелизмы, своеобразная трактовка мажоро-минора и др.); высокое полифоническое мастерство. Классическая ясность, оптимизм, уравновешенность строя музыки.

Оперное творчество. «Князь Игорь» – выдающийся образец русской эпической, историко-героической оперы. Характерность историко-патриотической тематики для литературы и искусства эпохи создания «Князя Игоря». Преемственные связи «Князя Игоря» с оперным творчеством Глинки. Значение «Половецких плясок» для истории русского балета. Значение «Князя Игоря» для русской эпической оперной и кантатно-ораториальной музыки.

Симфоническое творчество. А.П. Бородин – создатель (наряду с П.И. Чайковским) русской классической симфонии. Приоритетность жанра симфонии и его традиционная в целом трактовка. Героико-эпическое и жанровое начала как основа симфонизма А.П. Бородина. Традиционность формы симфонии. Разнообразие приемов развития тематизма (варьирование, мотивная разработка, синтезирование различных тематических элементов).

Родился 12 ноября 1833 г. в Петербурге. Внебрачный сын князя Л. С. Гедианова, отчество и фамилию получил от камердинера князя – Порфирия Бородина. Родители дали Александру неплохое домашнее образование.

В 1850 г. он поступил в Петербургскую медико-хирургическую академию, которую блестяще окончил в 1856 г. Научная карьера складывалась успешно. В 1858 г. Бородин получил степень доктора медицины, в 1864 г. стал профессором, в 1874 г. заведующим кафедрой химии Медико-хирургической академии, в 1877 г. – академиком. Его работы в области химии до сих пор не утратили своего научного значения.

В то же время учёный с детства увлекался музыкой и на этом поприще достиг не меньших успехов. Технику композиции Бородин усвоил самостоятельно.

В 60-х гг. XIX в. он стал членом кружка «Могучая кучка», возглавлявшегося М. А. Балакиревым. В 1867 г. Бородин написал Первую симфонию, которая принесла ему известность как композитору. Он один из создателей русской классической симфонии.

После успеха Александр Порфирьевич начал работать сразу над двумя крупными сочинениями – Второй симфонией («Богатырская», 1876 г.) и оперой «Князь Игорь» на сюжет «Слова о полку Игореве». Работа над оперой затянулась на целые 18 лет, и произведение так и не было закончено. Уже после смерти автора её дописали по оставшимся материалам Н. А. Римский-Корсаков и А. К. Глазунов.

«Князь Игорь» был поставлен в Петербурге в 1890 г. Музыку оперы отличает яркий героико-эпический характер.

Но и тонкий лиризм не был чужд творчеству Бородина. Образцом могут служить его романсы на стихи А. С. Пушкина, Н. А. Некрасова, Г. Гейне и собственные. Романс «Для берегов отчизны дальной» – одно из лучших вокальных воплощений пушкинской лирики. Хотя композиторское наследие Бородина не очень велико, каждое его произведение – истинный шедевр. «Громадный и оригинальный талант» – так отозвался о композиторе Ф. Лист.

Римский-Корсаков Николай Андреевич (1844 – 1908), композитор, дирижёр, педагог. Профессор петербургской консерватории, представитель «Могучей кучки» наряду с Балакиревым, Кюи, Бородиным, Мусоргским, Стасовым.

А.Г. Рубинштейн (1829-1894) – исполнитель, композитор, общественный деятель, педагог. Широкая концертная, просветительская, организаторская деятельность. «Исторические концерты», роль А.Г. Рубинштейна в организации Русского музыкального общества (РМО), дирижирование концертами РМО. А.Г. Рубинштейн как директор и педагог Петербургской консерватории.

Преимущественно внеличностная направленность творчества; особое значение эпической образности, развитие колористической и характеристической сторон музыки.

Избирательное отношение к фольклору (подлинно русской признается лишь крестьянская песня). Активный интерес к фольклору других стран, ориентализм. Радикальное новаторство при избирательной ориентации на традиции (приоритетное значение традиций М.И. Глинки, влияние творчества А.С. Даргомыжского, Р. Шумана, Г. Берлиоза, Ф. Листа).

Возрождение на классическом уровне комической оперы (П.И. Чайковский, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков).

Родился 18 марта 1844 г. в Тихвине Новгородской губернии. К музыке имел склонность с детства, но вначале избрал карьеру морского офицера.

В 1856 г. поступил в Морской корпус в Петербурге. Правда, занятий музыкой не оставил.

Знакомство в 1861 г. с М. А. Балакиревым и его кружком имело огромное значение для дальнейшего развития таланта композитора.

Однако в 1862 г. по окончании Морского корпуса Римский-Корсаков отправился в трёхлетнее кругосветное морское путешествие на клипере «Алмаз». По возвращении в 1865 г. Николай Андреевич поселился в Петербурге и, не оставляя службы во флоте, всецело занялся музыкальным образованием под руководством Балакирева.

Его первым крупным сочинением стала Первая симфония (1865 г.). Затем появились «Увертюра на русские темы» (1866 г.), «Сербская фантазия» (1867 г.), симфоническая картина «Садко» (1867 г.), Вторая симфония («Антар», 1868 г.), ряд ярких поэтичных романсов (всего композитором написано 79 романсов).

Успех этих сочинений был столь велик, что в 1871 г. Римского-Корсакова пригласили в Петербургскую консерваторию на должность профессора инструментовки и свободного сочинения. В 1873 г. Николай Андреевич окончательно оставил службу во флоте и получил должность инспектора военных оркестров флота (которую занимал вплоть до её ликвидации в 1884 г.), совмещая её с профессорскими обязанностями в консерватории.

Главным жанром в творчестве композитора стала опера. Свою первую оперу «Псковитянка» он написал в 1872 г. В 1879 г. появилась «Майская ночь» на сюжет Н. В. Гоголя. В 1881 г. Римский- Корсаков создал, пожалуй, самое вдохновенное своё произведение – оперу «Снегурочка» на сюжет весенней сказки А. Н. Островского. После опер «Млада» (1892 г.) и «Ночь перед Рождеством» (1895 г.) композитор вновь обратился к былинным образам. Так была написана опера «Садко» (1896 г.), которая сразу получила широкую известность и популярность. Римский-Корсаков стал основоположником жанра оперы-сказки.

Заслуги его как педагога также велики. Николай Андреевич воспитал около 200 композиторов, среди которых А. К. Глазунов, А. С. Аренский, И. Ф. Стравинский, С. С. Прокофьев. Римский-Корсаков – автор учебника «Основы оркестровки», двух учебников по гармонии, многочисленных музыкальных статей.

Умер 21 июня 1908 г. в усадьбе Любенск близ Луги (ныне в Ленинградской области).

Чайковский Пётр Ильич (1840- 1893), композитор, дирижёр, педагог. Профессор московской консерватории. Критическая деятельность наряду с В.В. Стасовым, Ц.А. Кюи.

Экспрессия музыкальной речи. П.И. Чайковский – лирик-психолог, воплощение в его произведениях разных состояний человеческого духа; острота противоречий и трагических конфликтов. П.И. Чайковский – основоположник конфликтной драматической русской симфонии и квартета, создатель нового типа оперы. Национальная основа музыки композитора; отношение к народной песне; песенно-романсовая основа музыкального языка. Характерные группы тем, связанные с основной идеей творчества («темы любви», «темы рока»). П.И. Чайковский – глава композиторской школы, педагог (автор первого русского учебника гармонии), общественный деятель.

Московская школа – Чайковский как единственный ее представитель на данном этапе русской классики. Преобладание личностной проблематики, ведущая роль лирики. Опора, как на крестьянский, так и на городской фольклор при преимущественном значении второго; претворение многих городских бытовых жанров, романсовость как основа музыкального языка. Новаторство при внешней традиционности творчества.

Возрождение на классическом уровне комической оперы (П.И. Чайковский, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков).

Родился 7 мая 1840 г. в селении при Камско-Воткинском заводе (ныне город Воткинск, Удмуртия) в семье горного инженера.

В 1850 г. семья переехала в Петербург, и Чайковский поступил в Училище правоведения, которое окончил в 1859 г. Он получил чин титулярного советника и место в Министерстве юстиции.

Но любовь к музыке оказалась сильнее – в 1862 г. юноша сдал экзамены в только открывшуюся тогда Петербургскую консерваторию. В 1863 г. он оставил службу, а после окончания с серебряной медалью консерватории (1866 г.) был приглашён занять должность профессора в Московской консерватории.

В 1866 г. Чайковский написал Первую симфонию («Зимние грёзы»), в 1869 г. – оперу «Воевода» и увертюру-фантазию «Ромео и Джульетта», в 1875 г. – знаменитый Первый фортепианный концерт, в 1876 г. – балет «Лебединое озеро».

В конце 70-х гг. композитор пережил тяжёлый душевный кризис, связанный с неудачной женитьбой, в 1878 г. оставил преподавание. Тем не менее именно в этот год было создано одно из лучших его произведений – опера «Евгений Онегин» на сюжет А. С. Пушкина.

Настоящей вершиной стала опера «Пиковая дама» (1890 г.), также на сюжет Пушкина. В 1891 г. Чайковский написал свою последнюю оперу «Иоланта».

Сочинял он и музыку к балетам: «Спящая красавица», 1889 г.; «Щелкунчик», 1892 г.

Взлёт Чайковского – симфониста явлен в его Шестой симфонии («Патетическая»), 1893 г.

Постоянно обращался композитор и к малым формам. Он автор 100 романсов, которые являются жемчужинами вокальной лирики, а также более чем 100 фортепианных пьес (в их числе циклы «Времена года», 1876 г., и «Детский альбом», 1878 г.).

Творчество Чайковского было высоко оценено ещё при жизни – в 1885 г. он был избран директором Российского музыкального общества, в 1892 г. стал членом-корреспондентом французской Академии изящных искусств, в 1893 г. – почётным доктором Кембриджского университета.

Последние годы жизни Пётр Ильич провёл в Клину под Москвой, где в 1892 г. приобрёл дом (с 1894 г. музей композитора). Скончался 6 ноября 1893 г. в Петербурге.

Скрябин Александр Николаевич (1871/1872 – 1915), композитор, пианист, педагог.

Интенсивное обновление русской музыки. Известная внутренняя общность музыки А.Н. Скрябина со стихами А. Блока, живописью М. Врубеля. Противоречие между эстетико-философской системой А.Н. Скрябина и его художественным творчеством. Противоречивость внутреннего мира, сложность художественных образов и языка музыки. Тяготение к выражению особых, крайних состояний человеческого духа, к лирико-философскому содержанию; идущие от традиций музыки XIX века тема искусства и тема природы как всеобщего начала.

Фортепианная и симфоническая музыка – две основные области творчества композитора. Развитие искусства А.Н. Скрябина в русле традиций московской композиторской школы (П.И. Чайковский, С.И. Танеев); связи творчества А.Н. Скрябина с романтическим искусством Ф. Шопена, Ф. Листа, Р. Вагнера.

Особенности его гармонической системы; применение сложных полифонических приемов в характере творчески воспринятых традиций С.И. Танеева; особенности трактовки классических форм; отсутствие ясно ощутимых народно-жанровых связей. Эволюция стиля – вязь творчества А.Н. Скрябина с традицией романтизма и его новаторский характер.

Родился 6 января 1872 г. (по новому стилю) в Москве в семье дипломата.

В 1882 г. поступил во 2-й Московский кадетский корпус. Параллельно занимался музыкой (пианисткой была мать Скрябина) и после окончания корпуса (1889 г.) поступил в Московскую консерваторию сразу по двум специальностям – композиция и фортепиано.

Завершив учёбу в 1892 г., Скрябин уехал за границу. Пять лет давал концерты, гастролируя по странам Европы. Талант его как пианиста быстро был оценён – по возвращении в Россию Александр Николаевич получил должность профессора Московской консерватории по классу фортепиано, которую занимал с 1898 по 1903 г.

В своём композиторском творчестве Скрябин вначале также отдавал предпочтение именно фортепианной музыке. Для фортепиано им создано 10 сонат (1892–1913 гг.), 29 поэм, 26 этюдов, 90 прелюдий и др.

В 1900 г. он обратился к симфонической музыке, при этом ставил себе не только композиторские, но и глобальные философские задачи. Глубокая вера в преобразовательную силу искусства воплотилась в Первую симфонию (1900 г.). Вторая симфония была написана в 1901 г., а в 1904 г. появилась Третья симфония, названная автором «Божественной поэмой». Вершина симфонического творчества Скрябина – «Поэма экстаза» (1907 г.) и «Прометей» («Поэма огня», 1910 г.).

«Прометей» стал одним из самых необычных произведений в истории музыки – в нём есть партии для симфонического оркестра, солирующего фортепиано, хора и света. Скрябин впервые представил синтез музыки и света, доказывая существование так называемого цветного слуха (каждая тональность имеет свой колорит). Вообще, композитор стремился к слиянию всех искусств. Венцом реализации этой грандиозной идеи должна была явиться задуманная им «Мистерия»: в ней предполагалось соединить музыку, поэзию, танец, свет, архитектуру и театральное действо. Воплотить в жизнь смелый замысел Скрябину не удалось – он начал работать над «Мистерией», но 27 апреля 1915 г. трагически погиб в Москве от заражения крови, причиной которого послужила случайная царапина.

Новаторские идеи Скрябина оказали значительное влияние на дальнейшее развитие музыкального искусства.

Рахманинов Сергей Васильевич (1873 – 1943), композитор, пианист и дирижёр.

Превалирование лирико-драматической и лирико-жанровой разновидностей инструментального концерта. Философские мотивы, тема Родины в его творчестве; сочетание лиризма и мужественности. Связи С.В. Рахманинова с современной русской культурой; С.В. Рахманинов и Ф.И. Шаляпин, К.С. Станиславский, А.П. Чехов, И.И. Левитан, поэты-символисты.

Сложность музыкальных образов С.В. Рахманинова; усиление драматического начала в сочинениях 1910-х гг.; трагедийная направленность творчества зарубежного периода, связи с древнерусской хоровой культурой; связи творчества композитора с традициями «Могучей кучки», западноевропейского романтизма; влияние творчества П.И. Чайковского, С.И. Танеева, использование эпической традиции русской музыкальной классики.

Монументальность стиля, развитость форм; важнейшие мелодические, гармонические, полифонические особенности языка. Взаимное влияние исполнительской и композиторской работы.

Ведущее значение фортепианной музыкаи в творчестве композитора. Конкретная – программная, жанровая – основа музыкальных образов: «Музыкальные моменты», Прелюдии, «Этюды-картины».

Родился 1 апреля 1873 г. в усадьбе Семёнове Новгородской губернии в дворянской семье.

В 1882 г. Рахманиновы перебрались в Петербург. В том же году Сергей поступил в консерваторию. С осени 1886 г. он стал одним из лучших учеников и получил стипендию имени А. Г. Рубинштейна. На заключительном экзамене по гармонии П. И. Чайковскому так понравились сочинённые Рахманиновым прелюдии, что он поставил пятёрку, окружённую четырьмя плюсами.

Наиболее значительное из ранних произведений – одноактная опера «Алеко» на сюжет А. С. Пушкина. Она была закончена в небывало короткий срок – чуть больше двух недель. Экзамен состоялся 7 мая 1892 г.; комиссия поставила Рахманинову высшую оценку, ему была присуждена Большая золотая медаль. Премьера «Алеко» в Большом театре состоялась 27 апреля 1893 г. и имела огромный успех.

Весной 1899 г. Рахманинов закончил знаменитый Второй концерт для фортепиано с оркестром; в 1904 г. композитору была присуждена за него Глинкинская премия.

В 1902 г. создана кантата «Весна» на стихотворение Н. А. Некрасова «Зелёный шум». За неё композитор также получил Глинкинскую премию в 1906 г.

Знаменательным событием в истории русской музыки стал приход Рахманинова осенью 1904 г. в Большой театр на пост дирижёра и руководителя русского репертуара. В тот же год композитор завершил свои оперы «Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини». После двух сезонов Рахманинов ушёл из театра и поселился сначала в Италии, а затем в Дрездене. Здесь была написана симфоническая поэма «Остров мёртвых».

В марте 1908 г. Сергей Васильевич вошёл в состав Московской дирекции Русского музыкального общества, а осенью 1909 г., вместе с А. Н. Скрябиным и Н. К. Метнером, – в Совет Российского музыкального издательства. В это же время он создал хоровые циклы «Литургия святого Иоанна Златоуста» и «Всенощная», «Колокола», 1913 г.

Осенью 1915 г. появился «Вокализ», посвящённый певице А. В. Неждановой. Всего Рахманинов написал около 80 романсов. В 1917 г. положение в стране обострилось, и композитор, воспользовавшись приглашением на гастроли в Стокгольм, выехал 15 декабря за границу. Он не предполагал, что покидает Россию навсегда. После гастролей по Скандинавии Рахманинов прибыл в Нью-Йорк.

Летом 1940 г. он закончил своё последнее крупное сочинение – «Симфонические танцы». 5 февраля 1943 г. состоялся последний концерт великого музыканта.

Скончался 28 марта 1943 г. в Калифорнии.

Стравинский Игорь Фёдорович (1882 – 1971), один из крупнейших композиторов первой половины XX века.

Эмоциональная сдержанность И.Ф. Стравинского, его тяготение к рационализму. Театральность, характеристичность как существенные черты.

Новаторство И.Ф. Стравинского: радикальное преобразование в его творчестве средств музыкальной выразительности, изменение их традиционного соотношения (выдвижение на первый план ритмического начала при оттеснении мелодического). Творческий универсализм композитора, преломление в его стиле многочисленных и существенно различных художественных влияний.

Русские национальные черты искусства И.Ф. Стравинского, его связи с отечественной музыкальной классикой. Интерес композитора к классицизму, барокко и более ранним стилям, творческая переработка выразительных средств музыки прошлого на основе современного музыкального языка. Новый фольклорный колорит профессиональной музыки.

Эволюция стиля И.Ф. Стравинского – Ориентация на «кучкистскую» традицию, сочетающаяся с воздействием новых художественных направлений (импрессионизм) в русский период творчества. Переход от красочно-живописной к линеарно-графической манере письма в швейцарский период. Неоклассицизм как основное направление творчества И.Ф. Стравинского в парижский и американский периоды. Обращение композитора в поздних произведениях к серийной технике.

Родился 17 июня 1882 г. в Ораниенбауме (ныне город Ломоносов) в семье известного оперного певца Ф. И. Стравинского. Тем не менее музыкантом становиться не собирался и в 1900 г. поступил в Петербургский университет на юридический факультет. В студенческие годы Стравинский познакомился с Н. А. Римским-Корсаковым и с 1903 г. стал брать у него уроки. Эти занятия продолжались до смерти учителя в 1908 г.

Уже в 1910 г. Стравинский написал свой первый балет «Жар-птица», поставленный в Париже по инициативе С. П. Дягилева в рамках Русских сезонов за границей (проходившие в период с 1907 по 1913 г. в Париже гастроли русских актёров и музыкантов). Следующий балет Стравинского – «Петрушка» (1911 г.) также стал событием Русских сезонов и принёс композитору мировую известность. Третий, написанный в 1913 г., балет – «Весну священную» – публика сначала не приняла из-за слишком новаторской постановки хореографа М. М. Фокина, отказавшегося от классического балетного танца.

В 1914 г. Стравинский обратился к жанру оперы и создал «Соловья» по сказке Г. X. Андерсена. том же году он покинул Россию; жил сначала в Швейцарии, а с 1920 г. – во Франции. Там родились его оперы «Мавра» (1922 г.) на сюжет «Домика в Коломне» А. С. Пушкина и «Царь Эдип» (1927 г.) на сюжет трагедии Софокла. Эти произведения стали вершиной в творчестве Стравинского.

В 1939 г. Игорь Фёдорович покинул Европу и переехал в США, где обратился к традициям джазовой музыки. В 1945 г. был создан «Чёрный концерт для кларнета и джаз-банда».

Творческое наследие Стравинского очень велико: 4 оперы, 12 балетов, кантаты, симфонии, концерты, хоры и др. Он считается одним из самых значительных новаторов в музыке XX в.

Умер 6 апреля 1971 г. в Нью-Йорке.

Прокофьев Сергей Сергеевич (1891 – 1953), композитор, пианист, дирижёр.

Активное жизнеутверждение как определяющая черта искусства С.С. Прокофьева.

Гармоничность создаваемой им картины мира и многогранность.

Жанровая универсальность творчества композитора; первостепенное значение как музыкально-театральных, так и инструментальных произведений. Национальные корни творчества композитора. Многообразие связей с традициями и радикальное новаторство. Преломление в искусстве С.С. Прокофьева стилевых направлений XX века (неоклассицизм). Показательность для стиля С.С. Прокофьева тематизма традиционного типа. Примат экспозиционности как следствие, его обновление традиционных форм.

Родился 23 апреля 1891 г. в имении Солнцевка (ныне село Красное) Донецкой области, где отец служил управляющим.

В 1904 г. Прокофьев поступил в Петербургскую консерваторию; занимался композицией у А. К. Лядова, а инструментовкой – у Н. А. Римского-Корсакова. Окончил консерваторию в 1909 г. как композитор, после чего вновь поступил в неё уже по классу фортепиано. Если диплом композитора, по собственным словам Прокофьева, был «плохого качества» (отношения с педагогами у него не сложились), то окончание консерватории в 1914 г. как пианиста оказалось блестящим – ему была присуждена премия Антона Рубинштейна и выдан диплом с отличием.

Ещё учась в консерватории, Прокофьев написал свой Первый фортепианный концерт, который с триумфом исполнил на выпускном экзамене. Всего у него пять концертов для фортепиано, два для скрипки и один для виолончели.

В 1917 г. Прокофьев написал Первую симфонию, назвав её «Классической». Вплоть до 1952 г., когда была создана последняя, Седьмая симфония, композитор постоянно обращался к этому жанру.

Тем не менее основные жанры в его творчестве – опера и балет. Оперу «Маддалена» Прокофьев сочинил в 1911 г., а балет «Сказка про шута, семерых шутов перешутившего» – в 1915 г. Настоящей удачей явилась опера «Игрок» (1916 г.) по повести Ф. М. Достоевского.

С 1918 по 1933 г. Прокофьев жил в Америке. За границей он успешно концертировал и писал музыку.

В 1919 г. появилась его знаменитая опера «Любовь к трём апельсинам» по К. Гоцци, в 1925 г. – балет «Стальной скок», в 1928 г. – балет «Блудный сын».

Вершины его балетного творчества – «Ромео и Джульетта» (1936 г.) и «Золушка» (1944 г.).

В оперном жанре величайшими достижениями Прокофьева по праву считаются «Война и мир» (1943 г.) по Л. Н. Толстому и «Обручение в монастыре» (1940 г.) на сюжет «Дуэньи» Р. Шеридана.

Выдающийся талант Прокофьева был высоко оценён как на родине, так и за рубежом. В 1934 г. композитора избрали членом Национальной академии «Санта-Чечилия» в Риме, в 1946 г. – почётным членом пражской «Умелецкой беседы», в 1947 г. – членом Шведской королевской музыкальной академии. Он неоднократно был лауреатом Государственной премии СССР, а посмертно (1957 г.) Прокофьеву была присуждена Ленинская премия.

Прокофьев скончался в Москве в коммунальной квартире в Камергерском переулке от гипертонического криза 5 марта 1953 года. Так как он умер в день смерти Сталина, его смерть осталась почти незамеченной, а близкие и коллеги композитора столкнулись в организации похорон с большими трудностями. С. С. Прокофьев похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище. В память о композиторе на доме в Камергерском переулке установлена мемориальная доска.

Шостакович Дмитрий Дмитриевич (1906 – 1975), русский композитор, пианист, педагог, музыкально-общественный деятель.

Широкое развитие в музыке Д.Д. Шостаковича различных образных сфер при ведущей роли драматических концепций.

Жанровое разнообразие творчества композитора при тяготении к инструментальным жанрам; симфоническая и камерная инструментальная музыка как главные области творческой деятельности. Широкая музыкально-бытовая основа творчества Д.Д. Шостаковича, воздействие на него русского фольклора. Связь с различными традициями русской и зарубежной музыки.

Предпочтение тематизма инструментального типа. Разнообразие приемов тематического развития; формирование музыкальной ткани посредством длительного «развертывания» исходных интонаций как показательный для стиля Д.Д. Шостаковича принцип. Существенная роль полифонии.

Родился 25 сентября 1906 г. в Петербурге.

В 1919 г. поступил в Петроградскую консерваторию, которую окончил по двум специальностям – в 1923 г. как пианист (класс Л. В. Николаева) и в 1925 г. как композитор (класс М. О. Штейнберга). Дипломная работа – Первая симфония сразу принесла композитору известность.

Жанр симфонии стал ведущим в творчестве Шостаковича. Им создано 15 симфоний, среди которых знаменитая Седьмая, посвященная Ленинграду и написанная в тяжёлом блокадном 1941 году. Композитор лично пережил все ужасы блокады. Образ надвигающегося врага возникает в первой части симфонии, когда звучит тема нашествия. Кроме того, в сочинении отражён контраст картин мирной жизни и разрушительной войны. Произведение олицетворяет борьбу народа против иноземных захватчиков.

Кроме симфоний одним из излюбленных жанров Шостаковича стал струнный квартет. Композитор написал 15 струнных квартетов, получивших всемирное признание.

Он внёс вклад и в развитие оперного жанра. В 1930 г. Шостакович написал свою первую оперу – «Нос» на сюжет Н. В. Гоголя. В 1934 г. появилась опера «Леди Макбет Мценского уезда» («Катерина Измайлова», новая редакция 1956 г.) по повести Я. С. Лескова. Последняя опера – «Игроки» по Гоголю – не была закончена и прозвучала лишь после смерти композитора, в 1978 г., в концертном исполнении.

Если заслуги Шостаковича-симфониста были оценены сразу, то его оперное творчество долгое время не принималось как публикой, так и критикой. Общую тенденцию выразила статья «Сумбур вместо музыки» в газете «Правда» за 28 января 1936 г. То же неприятие постигло и балеты Шостаковича: «Золотой век» (1930 г.), «Болт» (1931 г.) и «Светлый ручей» (1935 г.).

С 1937 г. композитор начал педагогическую деятельность в Ленинградской консерватории, в 1939 г. получил должность профессора композиции. В период 1943–1948 гг. преподавал также в Московской консерватории. Среди учеников Шостаковича – такой мастер, как Г. В. Свиридов.

24 Прелюдии и фуги соч. 87 – цикл прелюдий и фуг, написанный Дмитрием Шостаковичем в короткий срок – с октября 1950 по март 1951 года. Шостакович задумал цикл по образу Хорошо темперированного клавира И. Баха.

Композитор являлся почётным членом многих зарубежных академий и почётным доктором ряда университетов. Творчество Шостаковича оказало огромное влияние на развитие мирового музыкального искусства. Умер 9 августа 1975 г. в Москве.

Мне нравится

Навигация