Методическое сообщение "Коллективное исполнительство как одна из форм развития музыкального творчества обучающихся"

МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ДОПОЛНИТЕЛЬНОГ ОБРАЗОВАНИЯ

Вяземская ДШИ им. А.С. Даргомыжского (филиал ул. Юбилейная)

                                                       Методическое сообщение

Коллективное исполнительство

 как одна из форм  развития способностей обучающихся

                           Подготовила преподаватель по классу скрипки Коломеец Е.Ю.

Одной из главных задач музыкального воспитания детей является развитие музыкальных способностей. К понятию способности мы обращаемся, когда пытаемся понять и объяснить, почему разные люди, обстоятельствами жизни, поставленные в одинаковые или примерно одинаковые условия, достигают разных успехов.  Это же понятие используется нами тогда, когда нужно осознать, в силу чего одни люди быстрее и лучше, чем другие, усваивают знания, умения и навыки.

На разных исторических этапах становления музыкальной психологии и педагогики, также и в настоящее время, в разработке теоретических и практических аспектов проблемы развития музыкальных способностей существуют различные подходы. Известны две крайние точки зрения по вопросу о природе и происхождении способностей. Одна из них (ведёт традицию от Р. Декарта и Г. В. Лейбница) характеризует способности как врожденные образования. Другая, следуя традиции Дж. Локка, исходит из тезиса о полной зависимости человека от внешних условий его жизни.      Современная педагогика исходит из положения, что развитие музыкальных способностей у детей, это процесс подчиненный общим психическим закономерностям развития творческих способностей, при условии применения соответствующих методик.

Понятие о способностях.

Термин «способности», несмотря на его давнее и широкое применение в психологии, наличие в литературе многих его определений, неоднозначен.В педагогическом энциклопедическом словаре способности определяются как индивидуально-психологические особенности личности, являющиеся условием успешного выполнения той или иной продуктивной деятельности. Включают в себя как отдельные знания, умения и навыки, так и готовность к обучению новым способам и приёмам деятельности.

Способности, считал Б.М. Теплов, не могут существовать иначе, как в постоянном процессе развития. Способность,которая не развивается, которой на практике человек перестает пользоваться, со временем теряется. Только благодаря постоянным упражнениям, связанным с систематическими занятиями такими сложными видами человеческой деятельности, как музыка, техническое и художественное творчество, мы поддерживаем и развиваем у себя дальше соответствующие способности.

Необходимым, но не определяющим условием развития способностей являются задатки- врожденные анатомо-физиологические особенности мозга, нервной системы, органов чувств и движения, функциональные особенности организма человека, составляющие природную основу развития его способностей.

Определение музыкальных способностей.

Для успешного осуществления музыкальной деятельности необходимы музыкальные способности, которые объединяются в понятие "музыкальность".

Музыкальность—это комплекс свойств личности человека, возникшего и развивающегося в процессе возникновения, создания, освоения музыкального искусства; это явление, детерминированное общественно-исторической практикой, всеми видами музыкальной деятельности. Так как музыкальная деятельность многосоставна и разнообразна, то, следовательно, и музыкальность включает в себя разнообразие свойств, начиная от простейших, слуховых дифференцировок до высших творческих проявлений.

Модернизация и инновационное развитие, заявленные как главный путь нашей страны, невозможны без творческих, способных к открытиям людей. Развитие способностей детей к творчеству средствами музыкального искусства становится первостепенной  задачей.  Многочисленные исследования ученых уже давно доказали, что нет лучшего средства для развития интеллекта, чем занятия музыкой. Далеко не секрет, что в настоящее время престиж музыкального образования упал. Количество детей, занимающихся музыкальной деятельностью, к сожалению, сокращается и одной из важнейших задач педагога становится: как заинтересовать детей в процессе обучения, как сохранить контингент своего класса? Ответ на этот вопрос один –  образовательный процесс должен быть увлекательным, интересным и направлен на возбуждение фантазии и воображения ребенка, т.е. на развитие творческой активности. Современная педагогика, наряду с индивидуальным подходом к учащимся,   который является основным в работе, уделяет всё более пристальное  внимание    различным формам  коллективного исполнительства,  где ансамбль   скрипачей – это наиболее распространенный,  популярный   и доступный способ  совместного   музицирования.

Ансамбль скрипачей является эффективной формой музыкального обучения в классе скрипки в рамках ДШИ. Приоритетность такой формы объясняется многими причинами.

Во-первых, потому, что именно в ансамбле профессиональные навыки скрипача формируются быстрее и устойчивее (имеются ввиду развитие музыкально слуха, памяти, двигательно-моторные навыки, навыки звукоизвлечения и т.д.).

Во-вторых, потому, что ансамбль, помогает сохранить детский интерес к музыкальному обучению, что первостепенно важно в наше время. Ведь положительная мотивация является мощным стимулом к обучению.

В-третьих, потому, что коллективные формы исполнительства, одной из которых является ансамбль, представляют собой незаменимую форму творческого развития детей. Это достигается благодаря последовательной и планомерной совместной творческой работе обучающихся и педагогов, в центре которой находится поиск, вариативность, импровизация. Работа в коллективе особенно сложна, здесь нужно не только что-то знать и уметь самому, но и быть открытым и внимательным к другим, способным услышать и понять мнение того, кто рядом. Коллективное исполнительство обладает удивительной силой и заразительностью, оно способно привить ребенку навык музыкального общения и творчества.

В-четвертых, потому, что именно ансамблевое исполнительство помогает в решении многих социально-коммуникативных проблем детей, формирует кроме музыкальных навыков еще и навыки общения, коллективизма.

Важность коммуникативной функции ансамблевого исполнительства хотелось бы особо подчеркнуть. Возможность общения личностного взаимодействия для детей здесь очень привлекательны. Развивая профессиональные музыкальные умения и навыки, игра в ансамбле вместе с тем учит понимать партнера, прислушиваться к нему. Занятия в ансамбле сближают учащихся, развивают в них чувство взаимопонимания и взаимной поддержки. Приобретая музыкальный опыт, дети в то же время имеют и опыт социальный – опыт общения. Ребенок учится быть «ведущим», брать на себя ответственность за то или иное действие, в то же время ребенок учится в ансамбле быть «ведомым», отдавать ведение «лидерства» другому, быть внимательным к другим. Ребенок учится работать в команде, слышать своих товарищей, быть чутким, отзывчивым, верно находить решение общей проблемы.

Таким образом, занимаясь в ансамбле, ребенок, кроме получения специальных музыкальных навыков, обретает бесценный социально-коммуникативный опыт, учится на практике тем качествам, которые делают его личностью.

Поводя итог сказанному, можно с полной уверенностью сказать, что коллективное исполнительство является в настоящее время незаменимой формой развития музыкальных способностей и творческих задатков детей. Это та самая форма, которая позволяет участвовать в музыкальном процессе детям с разными возможностями – и одаренным, и тем, у кого данные весьма средние. Это та самая форма, которая позволяет получать детям удовольствие от деятельности, что сразу возводит ее в ранг привлекательной. Это та самая форма, которая, обучает в деятельности, формирует в целом культурного человека. Именно поэтому игра в ансамбле, являясь формой коллективного исполнительства, становится наиболее действенным способом развития музыкальных способностей ребенка, его исполнительского мастерства при сохранении интереса.

Ансамбль- это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена, при каждом удобном случае и на любом уровне владения инструментом.Раннее музыкально-эстетическое воспитание, при методически правильном педагогическом воздействии, дает более эффективные и устойчивые результаты в развитии способностей маленьких детей, чем в старшем возрасте. Ученые из Университета Конкордия в Монреале (Канада) выяснили, что если ребенок начинает брать уроки игры на скрипке в возрасте с 6-7 лет и чем дольше продолжаются занятия музыкой, даже если второго Давида Ойстраха в дальнейшем из него не вырастет, тем более умными такие дети бывают в последующие годы. Известно, что за развитие моторных навыков человека отвечает та область мозга, которая контролирует процессы движения и планирования. Однако очень важно отдать ребенка на уроки игры на скрипке вовремя. Ведь только в период между шестым и восьмым годом жизни у ребенка появляется то самое «окно», в котором занятия музыкой воздействуют на развитие моторных навыков, что впоследствии и вызывает долговременные изменения в головном мозге.

Сочетание группового и индивидуального метода работы в классе скрипки применяются уже несколько десятилетий в знаменитой японской школе скрипачей Ш. Сузуки, в которой  дети начинают обучаться играть на скрипке с двухлетнего возраста. Ансамбли, состоящие из пятилетних скрипачей, исполняющих произведения Вивальди и Моцарта, потрясли мир. Пока больше никому не удалось повторить результат великого педагога. Однако основные положения его методики известны и доступны:

• Все без исключения дети музыкальны. Важно разглядеть и вывести на свет эти способности.
• Любовь к детям – это путь к успеху.  Нельзя добиться успеха без любви.  Иногда нужно быть строгим или требовательным учителем, но всегда нужно любить своего ученика. Нужно любить искренне, притворяться в этом деле бесполезно. Дети очень тонко чувствуют обман и фальшь.

ШиничиСузуки (Синъити Судзуки)родился в Нагойе 17 октября 1898 года. Его отец был скрипичным мастером, основавшим  скрипичную фабрику.  В  18 лет Сузуки заканчивает Коммерческую школу, а  в возрасте 22  лет  отправляется в Токио и учится скрипкеу Кох Андо (KohAndo). Спустя год он покидает Японию и отправляется в путешествие по миру, в Германии 8 лет учиться у Карла Клингера. Вернувшись в Японию, вместе со своими братьями  создает струнный квартет Сузуки, с концертами они выступают по стране. С этого момента Сузуки также работает инструктором в музыкальной школе Кунитачи. В 33 года Сузуки признается ведущим профессором в Императорской музыкальной школе в Токио.  А в 1946 году открывает ассоциацию – “Дошикай” – прообраз Института исследования талантов (TalentEducationResearchInstitute). Через 3 года в его институте уже 35 отделений и 1500 учеников. В  первой Летней Школе института  принимают участие 109 учеников и 11 инструкторов со всей Японии. В 1955 году в Токио проходит грандиозный концерт, собравший 1200 маленьких скрипачей, играющих в унисон. С 1964 года, после командировки   в США,  начинается шествие методики по всему миру.  В возрасте 80 лет Сузуки берет 100 японских детей и везет их в США, где они играют на скрипках со своими американскими “коллегами».  В 1997 году открывается Международная Академия Методики ШиничиСузуки.  В возрасте 99 лет скрипач и гениальный учитель умирает.

 Метод Сузуки – это больше философия и практический метод, чем исполнительская школа. В основе метода – подход к музыкальному обучению как к обучению человеческому слову. Задумайтесь на секунду: как ребенок учится говорить? Он слышит вокруг звучащую речь и по имитации начинает произносить сначала слоги, потом слова, а затем и фразы. При этом родители проявляют терпение и доброжелательность к малышу, хвалят его за малейшие успехи. Что же случится, если мы не будем разговаривать с ребенком или сначала попытаемся проверить, а есть ли у него способности для обучения
говорению (то, что мы делаем при обучении музыке)? Ребенок, выросший в условиях отсутствия речи, останется немым. Тот же принцип, который  мы используем при обучении устной речи, по мысли Сузуки, должен лежать и в обучении музыке. Ребенок с рождения должен быть окружен музыкой и должен учиться исполнять музыку по имитации. Поэтому совершенно необходимо с самого рождения окружить ребенка звучащей музыкой.Произведения, которые он разучивает, должны прослушиваться несколько раз в день. Из принципа “игратькак говорить” вытекает и второй подход к обучению: начальный этап без нот. Ребенок сначала учится говорить и только потом читать. Так и в методе Сузуки: первые произведения выучиваются по слуху при помощи педагога, и только за тем объясняются ноты. Причем с самых первых уроков обращается особое внимание на правильное положение  инструмента и на качество звука. Неважно, играет ли ученик первые пьесы, сложные произведения или просто ноту “до” – качество производимого звука и выразительность исполнения должно стоять на первом месте. Далее, как любой здоровый ребенок может научиться говорить, так и любой здоровый ребенок при соответствующем обучении может научиться хорошо играть.

Метод Сузуки разработан изначальнодля скрипки. Сейчас есть разработанные методики для фортепьяно,  альта, виолончели, флейты, гитары. Ограничения по инструментам связано с  отсутствием качественных инструментов детских размеров.

Как организована школа Сузуки?

Обычно первый год дети посещают группу общей музыкальной подготовки. Там они учатся петь мелодии музыкальных произведений,
которые будут выучены позже, на уроках по специальности. Будут освоены различные традиционные “детские” инструменты
(бубен, барабан, ксилофон). Дети ознакомятся с различными музыкальными инструментами, чтобы в конце года сделать
сознательный выбор специальности. Все эти уроки проводятся при активном участии родителей. Многие школы первые 2-3 месяца
проводят курсы инструмента для родителей так, чтобы те смогли в будущем помогать ребенку в занятиях дома.Как построен урок по специальности?
Урок по специальности особенно на начальных этапах коллективный.  Дети учатся наблюдать за игрой других, черпать полезное из комментариев учителя. По очереди дети исполняют свои отрывки. Чем старше возраст детей, тем больше времени уделяется индивидуальным
занятиям параллельно с работой в оркестре.

По какому принципу выбран репертуар Сузуки?

Для школ Сузуки существуют специальные сборники по инструментам, которые можно приобрести по интернету из Америки
(стоимость одного сборника около 8 долларов). В данные сборники включены известные произведения композиторов разных стран.
Однако обязательность репертуара вызвана не столько убеждением, что предлагаемые произведения являются единственными достойными
для изучения, сколько  принципом коллективности исполнения. Школы Сузуки проводят слеты, концерты, летние лагеря, где 10, 50, 100, 1000 маленьких детей из разных стран исполняют вместе однопроизведение. Это возможно только благодаря единому репертуару школ Сузуки во всем мире.Следует отметить, что в старших классах кроме обязательных произведений дети (вместе с педагогом)
могут выбрать несколько произведений по своему вкусу.

Сколько лет длится обучение?

В среднем, школа Сузуки состоит из 7-8 классов и обучение заканчивается к 12-14 годам (зависит от инструмента). В конце дети сдают экзамен перед международной комиссией, после чего вручается Диплом Сузуки. Затем дети, как правило, поступают в традиционные
учебные заведения (музыкальные училища, школы, консерватории).

Где готовят преподавателей для школ Сузуки?

Во многих странах есть специальные школы при Ассоциациях Сузуки, готовящие преподавателей по методу Сузуки. Набор в эти школы
проходит по конкурсу. Есть специальные курсы, проводимые по субботам-воскресеньям. Требования к будущему педагогу Сузуки:
любовь к детям, работа не ради денег, а  ради музыки и детей, диплом на уровне музыкального училища или консерватории, желателен опыт работы с детьми и знание иностранных языков. Все претенденты проходят прослушивание, где проверяется их исполнительский уровень. Полный курс обучения для педагогов длится 5 лет. В конце каждого года проводится экзамен с присвоением уровня. Т.е. педагог, сдавший экзамен за первый год имеет первый уровень, за второй – второй и т.д. Только начиная с третьего уровня педагог имеет право открыть свою школу Сузуки. Ассоциации публикуют список педагогов, сдавших экзамены с указанием уровня,домашнего адреса и телефона.  Можно написать любому педагогу и задать любой интересующий вас вопрос, и вам  любезно ответят!

В чем преимущество метода Сузуки по мнению тех, кто егопрактикует?

Метод не отбирает, а развивает детей. Раннее начало дает определенные преимущества, аналогичные раннему чтению, ранним занятиям математикой и т.д. При хорошей организации учебного процесса у детей не возникает кризиса после первых лет занятий инструментом (вспомните, сколько учащихся бросают музыкальную школу после 2-3 лет занятий, как только начинаются первые сложности).
Дети любят уроки, им нравится музицировать вместе.

О профессиональной непригодности метода?
Сам Сузуки заявлял, что цель его метода – это не подготовка профессиональных музыкантов, а развитие изначально заложенной природой в каждом ребенке музыкальности. Хотя многие ученики школ Сузуки стали в будущем профессионалами – настолько сильной стала их любовь к музыке. Школа Сузуки не готовит профессиональных музыкантов, и те, кто хотят ими стать, после ееокончания должен поступить в традиционную музыкальную школу (училище и т.д.). Часто при этом оказывается, что“непрофессионально”
подготовленный ребенок в школе Сузуки намного более музыкально развит своего соученика, изначально учившегося по традиционным методикам.

Перед школами искусств, как известно,  стоят две задачи :предпрофессиональная подготовка и воспитание любителя музыки,    умеющего слушать и понимать музыку. Учебный процесс ДШИ строится на основе образовательных программ для школ искусств Министерства культуры. Преподаватели сегодня получили возможность создавать и работать по авторским, адаптированным программам. Ансамбли скрипачей, создаваемые на базе школ искусств, свидетельствуют о том, что в этих коллективных формах работы преподаватели  увидели целый ряд дополнительных резервов музыкального воспитания  творческой  молодёжи,   связанных, прежде всего  с эстетическим  воспитанием  школьников.

Содержание работы ансамбля подчинено общей идее эстетического воспитания и образования подрастающего поколения посредством приобщения к сокровищнице мировой музыкальной культуры.

Ведущие педагоги Т.Свирская, Г.Турчанинова,  М. Берлянчикрекомендуют как можно раньше вовлекать учеников в ансамблевое музицирование, по возможности с  самых первых занятий. Сначала,  исполняя   несложные  пьесы с преподавателем, затем с одноклассниками.  Чувство ансамбля,  умение слушать партнёра воспитывается уже в начальный период обучения.  Чем раньше происходит встреча ребёнка с коллективным творчеством,  тем большую радость приносят ему занятия  музыкой.  Раннее  погружение в мир шедевров музыкальной классики, когда сам он только начинает овладевать  инструментом, невольно заставляет его услышать некий идеал звучания, к которому нужно стремиться.  Чем выше  качество  звучания  коллектива, в котором  оказывается ребёнок,  тем быстрее будет  идти  его  развитие  в звуковом  и  техническом  отношении.              

Цель, которая ставится перед любым коллективом - создать такую среду, где бы ребенок развивался как личность, развились его способности и дарования. Работа в коллективе дисциплинирует в отношении ритма, дает ощущение нужного темпа, способствует развитию мелодического, полифонического, гармонического и тембрального слуха, вырабатывает уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении. В результате длительногоконтактированияансамблисты обмениваются опытом, знаниями, отчего каждый становится богаче как специалист.

 Занятия в ансамбле являются продолжением работы в основном классе и помогают решать с учеником одни и те же задачи учебного процесса, поднимая исполнительский уровень по обоим предметам.

 Проблема контроля за посещаемостью класса ансамбля, качества выучивания партий сводится к минимуму из-за регулярного общения преподавателя с учениками.

 Систематическая работа педагога с учениками своего класса в ансамбле с первых лет обучения и до выпускного класса позволяет создать в школе сплочённый музыкальный коллектив со своими исполнительскими традициями.

 Такой детский музыкальный коллектив более мобилен в концертной и творческой деятельности класса и школы. Ученики класса в любое время могут объединяться для выступлений в разные группы, начиная с дуэтов, где старший, более опытный ученик, всегда поддержит на концерте младшего.

Участие в ансамбле повышает у детей общую дисциплинированность, формирует ответственность перед окружающими за порученное дело. Участник ансамбля, знакомясь с новыми музыкальными произведениями, обогащает свой кругозор, музыкальное восприятие, оттачивает профессионализм, эстетический вкус, ощущение стиля, повышая таким образом свое общее развитие, способность анализировать и находить нужное решение.

Сочетание группового и индивидуального  метода работы в классе скрипки  в нашей стране  давно применяют  известные педагоги - методисты  Г. Турчанинова (г. Новосибирск), O. Щукина (г. Вологда), Э. Пудовочкин (г.Владимир), С. Мильтонян (г. Тверь) и др.

Степан ОганесовичМильтонян-преподаватель Тверского музыкального училища им. М.П.Мусоргского,  организатор российских конкурсов и фестивалей юных скрипачей, летних лагерей струнников, посвященных ансамблевым формам музицирования и семинаров педагогов-новаторов.

С. О. Мильтонян был президентоми Ассоциации педагогов – струнников и первым редактором регулярного издания «Ключ». В 1993 году Ассоциация была принята в Европейскую ассоциацию педагогов струнников (ЕSTA). С 1991 года С. О. Мильтонян сотрудничал с Санкт-Петербургским открытым университетом «Экология искусства», где читал свой курс методики. В 1994 году ему присвоено почетное звание заслуженного работника культуры РФ.

В последние годы С. О. Мильтонян часто проводил методические семинары в различных областях России и за рубежом (в ФРГ, Швейцарии). Число городов, в которых он выступал с семинарами о своей методической системе, перевалило за 40. Метод С.О. Мильтоняна основан на том, что весь подготовительный период и работу с начинающими строит в группе.

Скрипача Степана ОванесовичаМильтоняна смело можно назвать педагогом-новатором. По его мнению, нынешняя методика преподавания музыки давно устарела. Он предлагает свою. В чем она заключается?  Нередко детям в музыкальной школе бывает не так хорошо, как хотелось бы. Обучение музыке идет через штампы, и ребенку занятия музыкой становятся в тягость. Ребенка заставляют, а он сопротивляется. В психологии есть такие области, как возрастная психология и педагогическая психология. Исторически сложилось, что музыке детей учат не так, как следовало бы. И не только в России, но и в мире. А все потому, что сведения этих психологий не применялись. Мильтонян приложил эти сведения применительно к обучению музыке, и выяснилось, что детей можно учить совершенно иначе, по-новому. Нельзя заставлять ребенка - этим его травмируешь. Работы, принадлежащие перу этого талантливого педагога- «Педагогика гармоничного развития скрипача» и «Педагогика гармоничного развития музыканта: новая гуманистическая образовательная парадигма». Многие педагоги в России считают их своей настольной книгой. Для  учениковМильтоняна каждый урок - это праздник. Любой человек, даже далекий от музыки, знает, что музыке учат так: объясняют ноты, как буквы, из этих нот составлены классические пьесы, которые надо разучить и правильно играть. В классе Мильтоняна дети импровизируют, сами сочиняют и на своих сочинениях учатся.   МетодикаМильтоняна для многих педагогов - это шок.

Хочется зачитать словаэтого замечательного педагога:

« Я хочу сказать, что разделяю понятия "учитель", "преподаватель" и "педагог". Многие ошибочно считают, что это одно и тоже. Учитель - тот, кто учит. Преподаватель лишь отдает свои знания, и больше его ничто не беспокоит. А педагог ставит перед собой цель воспитать человечного человека. Я считаю, мир изменят не политики, а педагоги».

Новые методические подходы в работе с ансамблем начинающих скрипачей позволяют сформировать младшую группу ансамбля, несмотря на их ограниченные исполнительские возможности.  Для учащихся средних способностей, игра в ансамбле становится, нередко, единственной возможностью участвовать в концертной жизни школы, что несомненно способствует воспитанию устойчивого интереса к обучению.

      Хорошо,  когда  ансамбль  складывается  надолго  или  долго  сохраняется  его  костяк. Это  ансамбль с долгой  музыкальной  историей,  со  счастливой  концертной  жизнью. Здесь  можно наблюдать  как  укрепляются  первоначальные  ансамблевые  навыки,  приобретаются  новые,  как  увлеченность  ансамблевой  игрой  помогает  преодолеть  кризисы  возраста,  трудности  в  обучении,  как  на  почве  ансамбля  возникает  дружба  между  учениками. Этот  яркий  наглядный  опыт  доказывает  важность совместной  деятельности учащимися  разных  возрастных  групп.  В  результате  этой  деятельности  развиваются  социально  -  значимые  качества  личности  -  коммуникативные. « Дети  учатся  … не  только  музыке,  но  и  основам  человеческого  общения» ( А.Артоболевская). Игра  в ансамбле  учит  не просто действию, а  взаимодействию, партнёрству. Игра  в  ансамбле учит  понимать  партнёра,  прислушиваться  к нему,  соотносить  свои  интересы  с  интересами  партнёра. Такие  важные  коммуникативные  качества  личности  как  взаимопонимание  и взаимоответственность  это  основа  успешной  жизни  во  взрослом  периоде, этот  опыт  необходим  каждому  как  воздух.  

   Помимо  коммуникативных  качеств  в  совместной  работе  формируются  и  такие  качества  как  целеустремлённость,  воля, трудолюбие,  дисциплинированность. Сами  по  себе  эти качества  не  появятся.  А  вот  если  создать  учебную  ситуацию,  в которой «один  за  всех  и  все  за  одного»,  «  успех  или  неудача  одного  есть  успех  или неудача  всех», то эти  качества  будут  проявляться  самым  естественным  образом. Таким  образом,  ситуация  совместных  действий  по  достижению  результата  диктует  необходимость  личностных  изменений  в  пользу  общего  дела. Очевидно,  что  создание  всех  необходимых  условий  для  успешной  совместной  деятельности  всех  участников  ансамбля,  лежит  на плечах  педагога  руководителя.

      От  личности  педагога,  его  профессиональных  и  человеческих  качеств, его  культуры,  вкуса,  накопленного  багажа знаний  в  разных  областях,  напрямую  зависит  эффективность  обучения  ребёнка. Обучение  детей  музыке – это  живое  творческое  дело,  которое  лишь  тогда  может  быть  плодотворным,   когда  педагог  сам  является  исполнителем. Педагог,  играющий  в  ансамбле  со  своими  учениками  и  знающий  все  тонкости  и сложности  этого  вида  музицирования,  сможет  наилучшим  образом  передать  свой  опыт  и  знания.  Что  может  быть  лучшем  аргументом  для  ученика,  чем  увидеть  своего  педагога,  играющего  на  эстраде. Нет  нужды  доказывать,  что  это  действует  лучше  всяких  слов  -  просвещает,  вдохновляет,   воспитывает  и  побуждает  к  занятиям.

Подбор репертуара, переложения для ансамбля

       Любой  ансамбль  запоминается  не  только  своей  игрой,  а  и  своим  репертуаром.  Репертуар -  это   вдохновитель,  стимулятор  детских  желаний  - я  хочу  играть  эту  музыку  и  сделаю  всё,  что бы  её  играть.   Содержание  намеченных произведений  должно  быть  созвучно  жизненному  и  музыкальному  опыту  ребёнка,  т.е.  доступно  его  пониманию.  Хотя  работа  на  опережение  вполне  приемлема.  С  её  помощью  определяется  перспектива  развития   учеников.

    Использование  разнообразного  по  формам,  жанрам,  стилям  ансамблевого   репертуара, а  также  переложений  симфонической,  камерно-инструментальной,  вокальной   музыки   всесторонне  расширяет  кругозор  детей,  этот  культурный  багаж  они  понесут  дальше  по  жизни.

    Не  секрет,  что  нынешние  дети  под  влиянием  «звучащей  действительности»  любую  музыку  познают  через  рекламные  ролики,  слышат  классику  не  всегда  в  качественной  эстрадной  обработке.  А  ведь  именно  классика  способна  создать  иммунитет  против  дурного  вкуса. И, что  замечательно,  чем  дольше  ученики  задерживаются  в  музыкальной  школе,  тем  чаще  они  выбирают  классику  из  предложенного им  многообразия.

Особо  надо  подходить  к  выбору  репертуара  для  ансамбля  младших  классов.  Развитие  их  музыкального  воображения  напрямую  связано  с  характером  наглядно-образного  мышления,  поэтому  в  их  репертуаре  лучше  использовать  жанровые  зарисовки,  танцевальную  музыку.

   Если  пианисты  могут  сказать,  что  их  ансамблевый  репертуар  поистине  необозрим,  то  мы  струнники  постоянно  испытываем  репертуарный  голод и  находимся  в  постоянном  поиске.  

Можно  назвать  несколько  немногочисленных  сборников:

Популярные  пьесы  для  ансамбля  скрипачей  2  выпуска,  составитель  И.Ратнер

«  Шире  круг»  и  другие.

Хочется поговорить про авторскую методику Эдуарда  Васильевича Пудовочкина— педагога-скрипача, руководителя детских ансамблей скрипачей.
     Пудовочкин  разработал специальную методику музыкального воспитания детей с 5-ти и 6-ти лет — «групповой метод», соединяющий скрипичную технику с развитием слуха, чувства ритма, музыкальной памяти и пониманием эстетических ценностей. В основе методики  лежат два главных принципа: ранние формы ансамблевого музицирования и комплексное развитие музыкальных способностей детей через игру в ансамбле. Подробности группового метода обучения детей изложены в двух книжках: «Скрипка раньше букваря» и «Скрипка после букваря» (опубликованы Издательством «Композитор • Санкт-Петербург»). 
     Различные статьи и методические пособия по вопросам группового метода с приложением соответствующего музыкального материала опубликованы в разных странах на английском, немецком, болгарском, польском, турецком, языках. Достижения Э. В. Пудовочкина, как руководителя созданных им в различные годы ансамблей скрипачей «Светлячок», «Fireflies», «Звездички», отражены в успешных выступлениях этих коллективов на международных конкурсах и фестивалях в России (Белгород, Владимир), в Бельгии (Неерпельт), в Польше (Познань), в Германии (Дуйсбург, Хэрне), в США и Канаде (Сан-Франциско, Нова-Скотия), в Болгарии (Бургас, Сливен).
     На протяжении 30 лет Эдуард Васильевич собирал, аранжировал и отредактировал около 70 пьес для ансамблей скрипачей детских музыкальных школ, которые опубликованы в 10 сборниках «Светлячок». Сборники сгруппированы по принципу возрастания технических трудностей и представляют собой цельную концертную программу. 
     По сборникам «Светлячок» уже много лет занимаются педагоги-скрипачи. Издательство получает массу положительных отзывов о методике Эдуарда Пудовочкина, педагоги присылают доклады своих выступлений на конференциях, отчеты о проведенных концертах, фотографии и видеозаписи.  
     В настоящее время в издательстве «Композитор • Санкт-Петербург» вышли из печати сборники пьес «Светлячок» Ступень 11 и Ступень 12, а также его работа «Техническое воспитание скрипача» (в двух частях) для младших и старших классов детских музыкальных школ.

От себя я хочу сказать, что работая по методу  Пудовочкина наблюдается неугасающий интерес к скрипке, музыке и ансамблю как у преподавателя, так и у детей.

 Многие существующие  сборники  по ансамблю утратили  свою  актуальность,  т.  к.  современная  скрипичная  школа  ушла  далеко  вперёд.  Иногда  бывает,  что  для  конкретного  ансамбля  трудно  подобрать  то,  что  ему  необходимо  для  исполнения  на  текущий  момент.  Вот  тут-то  и  появляется  необходимость  сделать  переложение  самому  педагогу.  Многие  этим  занимаются,  некоторые  стесняются  это делать,  рассматривая  такую  самодеятельность  как  вмешательство  в  творческий  процесс  композитора.  Такой  довод  в  какой-то  степени  справедлив.    Но   «сколько  переложений  делают  музыканты,  приспосабливая  мировые  шедевры  для  джаза  и  рок-музыки,  причём  не  стесняясь  полностью  приписывать  себе  авторство».  Такие  вещи, конечно,  недопустимы.  Но  талантливые  переложения  вполне  имеют  право  на  жизнь. Более  упрощенные  для  учебных  целей  тоже  необходимы  и  надо  учиться  их  делать.   Найти  практические  рекомендации  и  советы,  как  сделать  переложение, можно  у  Г. Мищенко.  

 Что  можно  перекладывать? Что  удобно  перекладывать?

  -  сольные  скрипичные  пьесы;

  - 4- х ручные  фортепьянные  ансамбли;

 -фортепьянные  ансамбли  для 2х  фортепиано;

- произведения  для  домры  и  флейты, ансамбли  этих  инструментов.

Я в своей работе часто соединяю в дуэты,  трио скрипку и гитары (для переложений использую ноты произведений для дуэта и трио гитар)

 Современный  ребёнок, подросток  переполнен   звуковыми  и  визуальными  впечатлениями.   Сегодня  их  кумиры - Ванесса Мей,  Александр Рыбак.  Можно  долго  спорить  о  полезности  этого  «электронного  жанра».  Но  молодёжный  и  массовый  интерес  к  нему  есть.  Каждому  ученику  хочется  быть  современным  и «продвинутым»  в  глазах   своих   сверстников  и  родителей,  для  которых  куда  понятнее  популярная  песенка,  чем  произведения  Баха  или  Моцарта.  А  если  учесть  тот факт,  что  в  школе  дополнительного  музыкального  образования  конечной  целью  обучения  большинства  учеников    является  возможность  музицирования  в  дальнейшем.  Разговор пойдет омузицировании  под  фонограмму-минусовку.  Сегодня  для  учащихся  музыкальных  школ  уже  создана   электронная  библиотека  фонограмм-минусовок:  это  аккомпанементы  для  ученических  концертов   и    ряда  пьес,  для  удобства  домашних  занятий.  Сейчас  многими  преподавателями  используется  синтезатор,  как  аккомпанирующий  инструмент.    Но  всё это  дело  вкуса.

Работа с фонограммой- это интересный способ самореализации. Играть в домашних условиях сначала под  запись фортепиано(которую записал концертмейстер класса), или фонограмму более профессиональную- когда хочется новых тембровых красок, интересных современных ритмов, тогда можно пробовать творить по новому.

Очень важно знать правила игры под фонограмму.

Первое непреложное правило, с которым стоит познакомить ученика: «фонограмма никогда не ошибается, не останавливается и не ждет». Чаще всего ребенка, приученного к тому, что опытный концертмейстер за роялем всегда прикроет, подождет и поймает, приводит в ступор первая попытка сыграть произведение целиком под электронный аккомпанемент. Поэтому текст должен быть безукоризненно выучен наизусть, но при этом ребенок должен очень точно ориентироваться в нотах,чтобы суметь подхватить с любого места. Иногда, даже необходимо проследить за фонограммой пальцем по нотам.

Второе непреложное правило: главная организующая, смыслообразующая и выразительная основа музыкальной ткани – это ритм. Это самое существенное выразительное средство и все остальные ему подчинены.Многим детям кажется, что они постоянно отстают от минуса. На это надо обратить особое внимание, пройдя несколько раз сочинение без минуса, «укрупнив» единицу мышления. Особенно это касается технически трудных мест, когда слуховой контроль аккомпанемента  притупляется и ученика «несет» вперед.Очень полезно не только сыграть, но и проговорить сложное техническое место отчетливо артикулируя и совпадая по сильным долям.

Использование инновационных технологий (которые связаны с внедрением в обучение компьютера, средств электронной, цифровой коммуникации)- это жизнь в настоящем и будущем. Это контакт с современными детьми. Преподавателям самим надо активно развиваться, и если сейчас мы сами не будем учиться новому, то через несколько лет мы не найдем с детьми общий язык.

 Ансамблевая  игра,  помимо  учебной  пользы,  доставляет  всем  его  участникам  удовольствие,  радость,  ни  с чем  несравнимый  восторг  совместного  творчества. Поэтому  в  ансамблевоммузицировании  важен  не  только  конечный  результат,  но,  что  более  значимо,  сам  процесс  игры,  процесс  сопереживания,  сотворчества.  Если  ребёнок  пережил  эти  удивительные  мгновения,  если  глаза  его  «зажглись»,  то  наш  педагогический  труд  не  напрасен.

         Коллективное исполнительство  открывает перед детьми прекрасный мир искусства, формирует художественный вкус, эстетическое воспитание, с помощью которых их будущая взрослая жизнь будет наполнена стремлением к общению с прекрасным. Общение с искусством сделает их гармонично развитыми, имеющими высоконравственные идеалы, даст толчок к развитию личности и формированию ее духовных запросов.

Литература:

1. Крюкова  В.В.  «Музыкальная  педагогика».
2. Мищенко Г.  «Методика  обучения  игре  на  скрипке».
3. О.Щукина «Ансамбль  скрипачей  с  азов».