Методическая разработка " Использование синтезатора в работе со смешанным ансамблем в ДШИ в процессе музыкально-творческого развития школьников"

Муниципальное бюджетное учреждение

дополнительного образования

Вяземская детская школа искусств

                                                                            им. А.С.Даргомыжского                                                                                                                   

                                              Методическая разработка:                                       

 Использование синтезатора в работе со смешанным ансамблем в ДШИ в процессе музыкально-творческого развития школьников.    

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                               Выполнила:                                                                                                                                                                                                                                                                                                                        Нарышева  Татьяна Георгиевна

                                                                                Смоленская область

                                                                                           2018г.                

В настоящей методической работе рассматривается проблема музыкально-творческого развития школьников с помощью интерактивных технологий, а именно введение синтезатора в состав смешанного ансамбля, а также:особенности ансамблевого музицирования, проблема выбора репертуара, создание оригинальных аранжировок.  

Содержание.

1. Введение:

1)   Цели, задачи, актуальность.

2)   Форма организации занятий (совместное музицирование), роль в программе ДШИ.

3)   Механизм реализации разработки, перспективы развития.

4)    Оборудование, инструментарий.

2. Особенности ансамблевого музицирования:

1)   Ансамбль – как один из важнейших видов музыкально- творческого развития учащихся.

2)   Подбор участников ансамбля, разновидности смешанных ансамблей.

3)   Трудности ансамблевого музицирования (синхронность, единство штрихов, фразировка).

4)   Выбор репертуара.

5)   Создание аранжировок, звуковая режиссура.

6)   Концертная работа.

3. Заключение: обобщения и выводы по основным положениям работы.

4. Список литературы.

Введение.

Бурное развитие новых информационных технологий в последние десятилетия XX века отразилось во всех сферах человеческой деятельности. Не избежала влияния технического прогресса и музыкальная культура. Современную жизнь сопровождает безбрежный поток самой разной музыки. Научить подрастающее поколение ориентироваться в этом разнообразии жанров и стилей, привить детям с самого раннего возраста хороший музыкальный вкус – вот что является главным направлением всей  сегодняшней профессиональной музыкальной педагогики.

Одной из задач нового этапа развития стало преодоление разобщения двух компонентов культуры: классического наследия и современных технологий, путем их взаимообогащения и создания целостной культуры на новом этапе развития цивилизации. В связи с этим актуальным становится привлечение средств мультимедиа в процесс совершенствования профессиональной подготовки музыкантов. Введение интерактивных технологий в процесс музыкально-творческого развития школьников давно стало непременным условием развития педагогической практики.

Игра в ансамбле может стать одним из самых действенных способов музыкально-творческого развития школьников в процессе обучения в ДШИ. Приобщение к музыкальной культуре посредством знакомства с разнообразной музыкой, с творчеством композиторов разных стран и эпох, формирование основных музыкальных способностей в процессе коллективного исполнения – вот основная цель музыкального обучения в классе ансамбля.

Новизна предложенной разработки заключается во внедрении интерактивного принципа музыкального обучения в педагогическую практику музыкантов, посредством использования синтезатора в составе смешанного ансамбля. Такой дифференцированный подход к обучению позволяет наиболее широко ознакомить учащихся с основными компонентами музыкального языка и средствами музыкальной выразительности.

Включение симфонических и народных инструментов в состав смешенного ансамбля расширяет тембровую палитру, увеличивает динамический размах звучания, более активно развивает музыкальные способности учащихся, способствует формированию  широкого круга интересов и воспитанию художественного вкуса в целом. Единая природа всех этих инструментов обуславливает общность задач обучения:

1)   Освоение исполнительской техники;

2)   Овладение навыкам игры в ансамбле;

3)   Изучение художественных возможностей наличного инструментария;

4)   Совершенствование в практической музыкально- творческой деятельности;

5)   Ознакомление с основными компонентами музыкального языка;

6)   Получение базовых теоретических знаний.

Основной организационной формой учебного процесса являются групповые занятия и самостоятельная домашняя подготовка, а способом проверки результатов – участие в концертных выступлениях, фестивалях и конкурсах.

В перспективе данный метод работы со смешенным ансамблем может стать одним из самых действенных способов развития музыкально-творческих способностей учащихся. Степень его практической реализации очень высока, так как наличие в каждой школе искусств одного или нескольких ярких, мобильных концертных коллективов отвечает современным требованиям, предъявляемым ко всем педагогическим коллективам города. В целях обмена опытом, а так же  дальнейшего распространения в других образовательных учреждениях данного метода и  была написана эта работа.

Особенности работы со смешанным ансамблем.

Многие выдающиеся педагоги, музыканты и философы отмечали ведущее значение творческого начала в музыкальном воспитании. Развитие музыкально-творческих навыков является необходимейшим этапом наряду с исполнением и слушанием музыки (Б.Асафьев). Вместе с тем в сложившейся практике массового музыкального образования внимание уделяется главным образом развитию музыкального восприятия, а детское творчество трактуется лишь как исполнительское.

В системе дополнительного образования это можно объяснить целым рядом причин. Во-первых, это отсутствие направленности на формирование способностей к музицированию, подчинение практики ученика задачам формирования частных исполнительских способностей. Во-вторых, освоение традиционных механических инструментов требует значительных затрат времени и сил на освоение технических задач, отодвигая таким образом творческую работу на второй план. И, наконец, третьей причиной можно назвать недостаточность и бессистемность педагогических разработок в данной области.

Слушание музыки, пение в ансамбле или хоре, игра в ансамбле – это не полный перечень различных видов музыкально-творческой деятельности. Трудно сказать, какой из них более важен, какой менее. Очевидно, важнее всего то, насколько квалифицированно и умело они применяются. Главная задача преподавателя состоит в том, чтобы иметь наготове неиссякаемый запас увлекательных возможностей, с помощью которых можно научиться играть на любом инструменте.

Однообразная, монотонная деятельность приводит детей к быстро наступающему утомлению, и тому состоянию, которое определяется у детей словом «скучно». «Все жанры хороши, кроме скучного», - говорил некогда Вольтер. Если педагогу удается вызвать интерес учащихся – и не только вызвать, но и поддержать его в течение нужного времени, – необходимые предпосылки для успеха будут созданы.

Мы знаем, что ансамбль это вид совместного музицирования, которым занимались во все времена и при любом уровне владения инструментом. В каждой школе искусств существует множество разнообразных ансамблей, начиная с дуэтов и заканчивая массовыми сводными коллективами. Но зачастую они формируются по классическим принципам (струнные ансамбли, духовые, народные, фортепианные и вокальные), что продиктовано академической программой. Такой подход уже давно устарел, необходимо искать новые методы работы с инструментальными коллективами, одним из которых может стать создание смешанных ансамблей. В состав подобных коллективов могут войти любые инструменты: клавишные, струнные, духовые, электроакустические. Здесь все будет зависеть от выдумки, творческой фантазии и изобретательности руководителя, естественно, ограниченной здравым смыслом и  практической целесообразностью. В качестве примера можно привести несколько наиболее часто встречающихся составов смешанных ансамблей:

1) аккордеон, флейта, скрипки, синтезатор;

2) скрипки, флейты, синтезатор;

3) баян, домра, синтезатор;

4) фортепиано, флейта, синтезатор;

5) домра, флейта, синтезатор;

6) фортепиано, аккордеон, синтезатор и т.п.

Кроме инструментального состава, подбор участников ансамбля должен осуществляться и по уровню подготовленности учащихся. Участники ансамбля должны быть равны по своей музыкальной подготовке и владению инструментом, в этом случае занятия проходят более результативно и интенсивно. Необходимо учитывать и морально-психологический климат в коллективе, только благоприятные межличностные отношения участников ансамбля станут залогом успеха. Игра в ансамбле помогает музыканту преодолеть присущие ему недостатки: неумение держать темп, метр, соблюдать ритм, агогику. Для более успешного усвоения этих задач возможно применение в смешанном ансамбле синтезатора. Его многотембровость, звуковые эффекты, автоаккомпанемент приближает звучание камерных ансамблей к оркестровым коллективам, а ритмические сбивки, заложенные в его памяти, оживляют звучание, придают ему блеск и импровизационную непосредственность.

Воспитание чувства ритма и тембрового слуха – самая трудная задача в процессе обучения.  Играя в ансамбле с синтезатором струнные, духовые, клавишные инструменты получают возможность звучания с различными вариантами ансамблей, стилями, ритмами. Исполнение учениками произведений с автоаккомпанементом дает несравнимо большие навыки ансамблевой игры, нежели игра под аккомпанемент концертмейстера.

Одним из важнейших качеств ансамбля является синхронность, то есть совпадение с предельной точностью мельчайших длительностей (звуков или пауз) у всех исполнителей. В области темпа и ритма индивидуальность исполнителей сказывается очень отчетливо. Незаметное в сольном исполнении легкое изменение темпа или незначительное отклонение от ритма при совместной игре может резко нарушить синхронность, что тут же улавливается слушателем. Музыкальная ткань оказывается разорванной, голосоведение и гармония искажаются. В решении этой проблемы важную роль может сыграть использование синтезатора. Задаваемый им единый темп, метр, ритм поможет лучше организовать совместное исполнение и послужит важным инструментом при создании аранжировки. В качестве примера можно привести пьесу Р.Бажилина «Бабочки»

Так же немаловажно при игре в игре ансамбле соблюдение штрихов. Работа над штрихом – это уточнение музыкальной мысли, нахождение наиболее удачной формы ее выражения. Лишь при общем звучании может быть определена художественная целесообразность и убедительность решения любого штрихового вопроса. В смешанном ансамбле, в состав которого входят клавишные, струнные и духовые инструменты, необходимость работы над штрихами становится важнейшим приоритетом. Единство звучания в каждой отдельной партии и в ансамбле в целом определяет строение музыкальной речи, ее «синтаксис». Использование сочетания различных технических приемов, характерных только для определенного вида инструментов, лишь украсит звучание ансамбля и придаст яркость общему художественному замыслу. Например, использование в партии аккордеона приема игры мехом в пьесе Р.Бажилина «Танец лягушат»

Не маловажную роль в создании художественного образа играет построение единой фразировки.«Фразировочные» или «смысловые» лиги должны подчиняться общему творческому замыслу, живая фраза – это искусство агогики. Грамотное интонирование мотивов, выстраивание развития музыкальной мысли, подчинение развития каждой партии общему художественному замыслу – вот задачи которые должен ставить перед собой педагог-руководитель ансамбля. Примером можно назвать французский вальс «Anette» .Таким образом, работа над единым звучанием ансамбля помогает индивидуальному творческому развитию каждого участника. Однако все музыкально-исполнительские трудности, преодолеваемые педагогом-руководителем ансамбля на практике, являются лишь инструментами для выполнения более важных задач ставящихся в процессе обучения игре в ансамбле.

Одной из немаловажных составляющих процесса работы с ансамблем является подбор репертуара. Необычайное многообразие и постоянное обновление звукового материала не должны затруднять его выбор. В репертуар школьного ансамбля можно включить музыку самых разных жанров: классическую, народную, эстрадную. Каждый педагог должен опираться на свой художественный вкус и здравый смысл, ведь не все произведения будут звучать в переложении для детского смешанного ансамбля одинаково хорошо. Особенно это касается классических произведений, ведь их аранжировка требует бережного отношения и должна опираться на академические каноны, как например, в пьесе Ж.Оффенбаха «Баркарола» и в Хоре из оперы «Набукко»  Дж. Верди.   Важность обращения к классическому репертуару обусловлена, прежде всего, его художественной ценностью. Обращение к классике обогащает музыкальный и эстетический кругозор ученика.

Введение в состав смешанного ансамбля клавишного синтезатора позволяет в значительной мере расширить репертуарный список, включив в него целый пласт музыкального материала, ранее не использованного  в процессе академического обучения. Это так называемая популярная эстрадная музыка. Своими корнями этот музыкальный стиль уходит далеко в глубь веков. По большому счету родоначальницей всей современной популярной музыки можно считать музыку народную, так как оба эти жанра работали в одном направлении – были призваны заполнять досуг, развлекать или служить каким–либо другим прикладным целям. Наиболее яркие популярные мелодии – современные или прошлых лет могут войти в репертуар современного детского инструментального коллектива.

В XX веке композиторами было создано огромное количество музыкальных произведений эстрадного направления. Это: эстрадные песни, танцевальная музыка, музыка кино. Знакомство с этими жанрами просто необходимо для расширения творческого кругозора учащихся, ведь на индивидуальных занятиях они осваивают только классический музыкальный репертуар. Исполнение произведений эстрадного направления призвано обогатить  концертную программу инструментального коллектива, так как на любом концерте гораздо интересней услышать знакомую музыку, чем полифонические произведения или сонатины. Так, например, в репертуаре ансамбля «Карнавал» нашей школы эстрадные произведения занимают большую часть: Французский вальс «Annete», музыка к к/ф «Le jouet» В.Косма, музыка к к/ф «Долгая дорога в дюнах» Р.Паулса, «Французский визит У.Ютила, Бразильская самба «Amapola» и др.

В заключение следует сказать, что начинать занятия в классе ансамбля следует с доступных детям произведений, в игре которых технические трудности преодолеваются сравнительно  легко, а все внимание направляется на художественные цели. Ученик проявляет повышенный интерес к занятиям тогда, когда не чувствует собственной беспомощности, а получает удовольствие от результатов своей работы. Лучше разучить несколько нетрудных пьес и играть их на высоком художественном  уровне, чем нудно повторять одну сложную, так и не добравшись до ее творческой интерпретации.

Задачи педагога-руководителя ансамбля далеко выходят за рамки воспроизведения готового нотного текста. Помимо чисто исполнительских функций они включают в себя еще и функции инструментовщика (выбор тембра инструментов), аранжировщика (уточнение фактуры, выбор стиля автоаккомпанемента, мест ритмических отыгрышей), звукорежиссера (установка правильного баланса голосов, подбор звуковых эффектов) и редактора (корректировка и уточнение нотной записи музыки). С использованием синтезатора открывается широкий простор для творчества. Высокое качество звучания при относительно несложной технике игры, возможность лучше понять логику музыкальной мысли, яснее почувствовать художественный образ – все это делает синтезатор особенно привлекательным в работе  со смешанным ансамблем. Встроенные в память синтезатора многочисленные виды автоаккомпанемента позволяют облагородить звучание легких жанров, а эскизность изложения нотного текста служит отличным стимулом для творческих поисков.  Здесь перед педагогом-руководителем встает проблема создания оригинальных аранжировок.

Остановимся подробнее на этой наиболее сложной и наименее изученной проблеме. Аранжировкой называется переложение музыкального произведения для иного по сравнению с оригиналом состава исполнителей. Таким образом, это синтез оригинала (нотный текст или звуковой текст, если аранжировка делается по слуху) и звукового потенциала инструментального ансамбля. В художественной практике это осуществляется одновременно, и этот процесс составляет единое целое (вспомним слова П.И.Чайковского о том, что музыкальная мысль изобретается одновременно  с инструментовкой). Однако для лучшего уяснения этого процесса следует прибегнуть к его абстрактному разделению на работу над проектом будущей аранжировки, и работу по отбору звуковых средств. В первом случае мы определяем, что следует взять в проект  из имеющегося звукового материала (не обедняя и не искажая оригинал), а во втором решаем, что из имеющихся звуковых средств, способно ответить задачам построения аранжировки. Работа над проектом аранжировки начинается  с анализа оригинала и определения путей развития новой структуры. Художественно-образное  содержание музыкального произведения можно условно разделить на три основных уровня: жанровый, драматургический и интонационный. Жанровые особенности оригинала и общая направленность аранжировки обуславливают выбор стиля, жанра будущего произведения (академическая, народная, эстрадная, поп–, рок–, танцевальная или джазовая музыка). Точное попадание в жанр определяет успех аранжировки.

На драматургическом уровне проект аранжировки должен быть цельным (опираться на главную мысль, определенную логику музыкального развития), содержать «яркие» события, быть рельефным, контрастным, чтоб удержать внимание слушателя, и в то же время органичным, исключающим появления разрывов музыкальной мысли, резких, неоправданных поворотов, разрушающих логику развития. И главная задача здесь – выстроить увлекательный «музыкальный сюжет». Во многом это зависит от индивидуального видения художественной задачи, вкусовых пристрастий и фантазии аранжировщика. При работе над третьим уровнем аранжировки важно увидеть целостный образ художественного решения, где для каждого элемента будущей структуры (тембр, фактура, гармония) существует своя «ниша выразительности», что и определяет направление отбора конкретных звуковых средств.

Помимо опыта практической деятельности аранжировщику нужны и специфические музыкальные знания по гармонии, особенностям построения фактуры, инструментовке, музыкальной форме. Объем и характер   этих знаний определяется уровнем образования и наличием практического опыта их применения. Следует однако отметить, что в искусстве аранжировки дело далеко не ограничивается технологией применения усвоенных знаний, в ее осмысливании всегда присутствует художественная доминанта, которую задает оригинальный текст, музыкальная ситуация и собственная индивидуальность аранжировщика.

Рассматривая исполнительскую аранжировку со стороны отбора звукового материала, мы сталкиваемся с анализом тембрового ряда. Здесь ориентиром может служить традиционное применение музыкальных тембров, классическое представление о музыкальном образе каждого инструмента и его ассоциативный ряд. Окраска музыкального звучания в ряде случаев становится ключевым моментом эстетики индивидуальных стилей, направлений. Например, в пьесе Ю.Пешкова «Аргентинское танго» в аранжировке использованы традиционные инструменты, исполняющие танго: аккордеон, скрипка, фортепиано

Подводя итог всему вышесказанному, следует сказать, что не существует правильных или неправильных способов написания аранжировки. Каждый проект носит сугубо индивидуальный характер. Однако большинство музыкантов видят изъяны только в чужой работе. Один человек легко может допустить ошибку, и чтобы помочь избежать этого попробуем перечислить наиболее распространенные недостатки, встречающиеся в аранжировках и дать несколько советов, опираясь на обобщенный опыт известных аранжировщиков.

Прежде чем приступать к разговору о технической стороне выполнения аранжировки необходимо выделить несколько основных понятий, которые часто встречаются при работе над ней. Это мелодия, гармония, ритм. Именно они формируют фактуру (совокупность всех выразительных средств) в аранжировке. Основу любой композиции составляет ритм, поэтому первым делом уделите внимание ритм-секции (автоаккомпанементу). Здесь основным недостатком аранжировки могут стать чересчур длинные, не интересные вступления, вставки и проигрыши, не подходящие по жанру или стилю. Многие проекты были испорчены ведущим рифом (однообразным ритмическим рисунком аккомпанемента), исполненным во всех частях произведения, а так же скучной, утомительной последовательностью аккордов повторенной многократно (мелодиях песенного склада). Именно ритм играет очень важную роль во всех элементах фактуры. Например в пьесе Г.Манчини из к/ф «Розовая пантера» – это  важнейший художественно-выразительный элемент.

Основу любой музыкальной композиции составляет мелодия. При создании аранжировки главная установка – не мешать ей! Практически все в  аранжировке должно быть подчинено мелодий. К ней можно добавить подголоски или обыгрывания в сопровождающих голосах, но  не следует забивать ими мелодию, лучше проводить подголоски во время длинных нот. Мелодия застыла, а  вы дополнили, продолжили или ответили ей. Причем лучше писать подголосок или выше или ниже самой мелодии, желательно другим инструментом, тембром, четко проводя границы – это мелодия, а вот это подголосок, как в мелодии Р.Паулса из к/ф «Долгая дорога в дюнах».

Одной из грубейших ошибок может стать одновременное исполнение ведущей мелодии несколькими инструментами, занимающими одну и ту же часть аудиоспектра и играющими с одинаковой динамикой. Отдельные инструменты становятся плохо узнаваемыми, не выделяются звучанием из других, что приводит к закрытому, «мутному» звуку. Качество любой инструментовки состоит в том, чтобы легко слышать любой инструмент, а не в подавлении плотной стеной звука. Для этого необходимо поместить инструменты в разные части аудиоспектра с минимальным перекрытием по частотам, чтобы тембр каждого инструмента был хорошо различим. Не пытайтесь максимально загрузить мелодическим материалом каждую партию, не стоит заполнять все образовавшиеся паузы. Гораздо эффектней будет звучать переход мелодии от одного инструмента к другому (Ж.Оффенбах «Баркарола» ). Если вы пишете длинную композицию, то не забывайте, что мелодия может переходить из регистра в регистр, а еще можно включать ее отдельные фрагменты в соло – это уже работа с материалом, почти искусство!

Можно расцвечивать мелодию и с помощью гармонии, но для этого надо знать, как это сделать. Если вы пытаетесь помочь мелодии, меняя аккорды каждую секунду, то вы переусердствовали. Особенное внимание следует уделить гармонической педали. При ее написании не следует использовать параллельные трезвучия, соблюдайте плавность голосоведения, и тогда вы получите целую мелодическую линию. Лучше всего гармоническая педаль проводится у скрипок, в нее можно включить неаккордовые звуки, задержания, опевания, вспомогательные звуки. А еще гармонию можно  украсить, используя различные септаккорды и нонаккорды.

Говоря об аранжировке, особенно с использованием синтезатора, следует сказать и о таком явлении как звукорежиссура. Интерактивный принцип музыкального творчества качественно изменил облик современной музыки. Из технически необыкновенно трудоемкой деятельности немногих посвященных, имевших доступ к редкой, дорогостоящей аппаратуре, данный жанр превратился в достояние любого музыканта – будь то профессионал или любитель. Электроакустические условия распространения музыки поставили ряд новых специфических проблем. Необходимо знать возможности современной электроакустической аппаратуры и научиться грамотно их использовать (динамический баланс, панорама, частотная коррекция и т.д.). Благодаря легкости манипулирования со звуковым материалом любой музыкант получает возможность творить с первых шагов  приобщения к процессу создания звука.

При всех достижениях современной отечественной педагогики значение освоения музыкальным искусством электроакустического звукового материала  и новых методов работы с ним осознанно ею далеко не в полной мере. Так относительно недавно, с опозданием не несколько десятилетий, в музыкальных вузах нашей страны начали готовить профессиональных музыкальных звуковых режиссеров. Хотя вопрос о специфичности электроакустических музыкальных жанров, и необходимости специальной подготовки в этом направлении ставился, начиная с 30-х годов XX века рядом самых авторитетных музыкантов, в том числе – С.Прокофьевым, А.Хачатуряном, Д.Шостаковичем. Думается, что данная, вызванная насущными требованиями жизни проблематика, нуждается в научно-педагогической и методической разработке. И следует признать отсутствие серьезного интереса музыкальной педагогики к выше перечисленным вопросам.

Музыкальное творчество детей не должно существовать в отрыве от практики исполнительства. Поэтому важную роль в работе со смешанным ансамблем играет концертная деятельность. Учащиеся, которые постоянно выступают в концертах, принимают участие в различных конкурсах и фестивалях, в конечном итоге становятся более профессиональными музыкантами. Исполнение на сцене подготовленной в классе ансамбля программы вызывает у них массу положительных эмоций. Публичные выступления постепенно превращаются во внутреннюю потребность личности и стимулируют ее музыкальное совершенствование. Ансамблевые выступления воспитывают у школьников чувство ответственности за исполняемые в коллективе индивидуальные партии, заставляют их добросовестней относиться к подготовке и к концертному выступлению в целом.

Отдельно следует сказать  о выборе концертного репертуара. В него следует включать яркие, запоминающиеся произведения, которые можно оформить в законченные концертные номера, интересные, необычные, с «изюминкой». Они удерживают внимание слушателей, не позволяют им покинуть зрительный зал во время концерта. Создайте сценический образ коллектива, начиная от внешнего вида и заканчивая культурой поведения на сцене. Артистизм и высокохудожественное, выразительное исполнение придаст выступлению особый блеск и творческую индивидуальность. Необходимо всячески поощрять концертные выступления учеников, их участие в различных формах коллективной музыкальной деятельности. Каждый из видов творческой практики связывает обучение игре на инструменте с жизнью, становясь самым действенным стимулом музыкально-творческого самовыражения детей.

Подводя итог всему выше сказанному, следует сказать, что игра в ансамбле становится одной из важнейших составляющих процесса музыкально-творческого развития школьника. Она поддерживает их интерес к обучению, развивает артистизм и эмоциональную свободу, эстетический вкус и творческий подход к музыкальной деятельности.

Выводы.

Игра в ансамбле в детской школе искусств, призвана расширить музыкальные способности учеников, сформировать круг их интересов, развить художественный вкус. Знакомство учащихся с новыми компонентами современной музыкальной культуры, создание наиболее благоприятных условий обучения творческому музицированию, вот основные задачи музыкально-творческого развития школьников. В данной методической работе представлено несколько новых методических приемов их решения, с помощью интерактивных технологий.

Введение интерактивных технологий в методику музыкального обучения становится необходимым компонентом развития современной педагогики. И здесь одним из наиболее эффективных методов развития музыкальных способностей является использование синтезатора в процессе овладения основными навыками ансамблевой игры. Данная методика позволяет преодолевать  технические трудности в процессе обучения, создавать оригинальные аранжировки, подбирать разнообразный репертуар, что в свою очередь является важнейшим компонентом творческого развития личности.

Актуальность и новизна  предложенной разработки заключается в творческом подходе к обучению игре в ансамбле. Использование всех возможных инструментальных ресурсов школы для создания оригинальных ансамблевых коллективов значительно расширяет творческий потенциал школ искусств, и позволяет вести активную концертную деятельность. Обширная творческая практика призвана  связать обучение ученика игре на инструменте с жизнью и стать действенным стимулом музыкально-творческого самовыражения детей.

Методические рекомендации, сформулированные в данной работе, помогут не только руководителям смешанных ансамблей, но и любому педагогу в процессе музыкального обучения детей. Перспективы применения данного метода развития музыкальных способностей очевидны. Будущее за новыми технологиями, и овладеть новыми интерактивными приемами работы обязан каждый уважающий себя педагог. Продуманное, сбалансированное применение в учебном процессе всех выше названных методов и приемов, их верная содержательная направленность являются необходимыми условиями гармоничного музыкально-творческого развития учащихся.

Список литературы:

1. Асафьев Б.В. Избранные труды о музыкальном просвещении и образовании. – М.-Л.: Музыка, 1965. – 152с.

2. Баренбойм Л.А. Музыкальная педагогика и исполнительство / статьи и очерки /. – Л.: Музыка, Лен. отделение, 1974. – 336с. с нот. ил.

3. Баренбойм Л.А. Путь к музицированию. Исследование. Изд.2-е, доп.,  - Л.: Советский композитор, 1979. – 352с.

4. Выготский Л.С. Воображение и творчество в детском возрасте. СПб., 1997. – 94с.

5. Гаранян Г. Аранжировка для эстрадных инструментальных ансамблей и ВИА. – М.: Музыка, 1986. – 146с.

6. Газарян С. В мире музыкальных инструментов. – М.: Просвещение, 1986. – 87с.

7. Красильников И.М. Синтезатор и компьютер в музыкальном образований / проблемы педагогики электронного музыкального творчества. – М.: Искусство в школе, 2002. – 92с.

8. Медушевский В.В. О закономерностях и средствах художественного воздействия музыки. – М.: Музыка, 1976. – 256с., нот. ил.

9. Назайкинский Е.В. Звуковой мир музыки. – М.: Музыка, 1988. – 254с.

10. Назайкинский Е.В. О психологии музыкального восприятия. – М.: Музыка, 1972. – 383с., черт., нот. ил.

11.Теплов Б.М. Проблемы индивидуальных различий. – М., 1961.

12.Халабузарь П., Попов В., Добровольская И. Методика музыкального воспитания: Учебное пособие. – М.: Музыка, 1989. – 175с.

13.Электронные музыкальные инструменты. Программа для ДМШ (музыкальных отделений ДШИ). – М., МетодИздат.,2001. – 63с.